Best of Opera – As ÁRIAS MAIS BELAS DE AMOR para Tenor- Top 10

Sinopse: Cavaradossi pinta um quadro da Madonna na igreja, que decorou com as características de Tosca e uma segunda beleza, desconhecida, que visita frequentemente a igreja. Ele pensa na sua amada Floria Tosca.

Esta ária de Cavaradossi é um dos pontos altos da ópera e é tocada no início do primeiro acto. Tal como Verdi, Puccini gozou ocasionalmente com a punição dos notórios falecidos.

A ária “Recondita armonia” deve ser cantada contemplativamente pelo tenor, uma indulgência no pensamento sem pressa. Puccini escreve “con dolcezza” na partitura para a orquestra. Belos detalhes devem ser realçados, tais como as letras “R” de “ardente” e “bruna” descrevendo Tosca. Cavaradossi deve cantar com precisão, tal como o pintor trabalha com um olho exacto. Assim, o tenor deve cantar as frases “tu azzurro hai l’occhio” (Attavanti) e “Tosca hai l’occhio nero” de forma diferente, porque permanece claro, o amor de Cavaradossi é com Tosca.

Esta bela ária tenor do primeiro acto é uma peça de exposição de muitos tenores em recitais. Ouça a grande ária “Recondita armonia” cantada por Jussi Björling. Ele foi um dos maiores tenores de Puccini. A sua voz tinha um timbre prateado e as suas notas altas eram de excelente qualidade.

Sinopse:Aida, a filha do rei etíope Amonasro vive como escrava na corte egípcia. Os guerreiros etíopes invadem o Egipto para libertar Aida. O oficial egípcio Radames sonha em regressar ao seu amor secreto Aida, coroado de louros da batalha defensiva.

Verdi apresenta o papel de Radames com dificuldades consideráveis. O papel é escrito para um “lirico spinto”, um “tenor heróico juvenil”. Radames deve não só ser capaz de cantar as grandes árias heróicas, mas também ser convincente em passagens líricas para piano. A voz do tenor deve ser audível acima dos sons agudos da trombeta e ser capaz de acompanhar o calor dos ventos de madeira. O tenor deve também estar confiante nas notas agudas. Logo no início, Radames deve cantar a grande ária “Celeste Aida” sem ser cantada. Alguns tenores consideram Celeste Aida como a ária mais difícil de Verdi. A cena da letra de Anna Netrebko é simplesmente magnífica. Ela domina as partes íntimas desta peça, o seu canto é subtil, os pianis são de cortar a respiração, apenas para produzir notas de topo extasiantes da sua garganta cheia um pouco mais tarde em grande fervor.

Sinopse: Lisa apaixonou-se pelo embaixador Sou-Chong. As duas realizam o seu amor mútuo e decidem ir juntas para a China. Lá, Lisa tem de perceber a fenda entre as suas culturas, o que a deprime. O chefe da família Tschang, exige que o príncipe case com quatro mulheres Manchu de acordo com as leis da terra, Lisa seria então a quinta esposa. O príncipe começa a aperceber-se da desesperança da situação. Lisa é infeliz no país estrangeiro e está cheia de saudades da sua pátria vienense. Mais uma vez, o príncipe tenta confortá-la e invoca o seu amor.

Esta canção era praticamente idêntica às notas já presentes no trabalho anterior “do casaco amarelo”, mas mal foi notada. No remake do Land of Smiles, esta peça tornou-se o número dourado. Por isto, muito crédito deve certamente ser dado ao tenor Richard Tauber. Tauber já tinha colaborado com Lehar em 4 operetas nos anos vinte, e as canções adaptadas para Tauber foram normalmente colocadas no segundo acto e recebeu o apelido de “Tauber Lieder”. A canção de Tauber “Dein ist mein ganzes Herz” é a mais conhecida, e uma das mais famosas peças de tenor de sempre.

A orquestra introduz esta ária com um acorde cromático melancólico. Lehar conduz propositadamente a ária para o alto A flat. Lehar escreveu muitas árias para o tenor Richard Tauber. A sua posição mais bela era o registo médio e a sua fraqueza era o registo alto. É por isso que esta ária não vai para além do plano A alto. A parceria artística entre Tauber e Lehar foi simbiótica ao mais alto grau. Em 1920 Richard Tauber cantou uma opereta de Lehar pela primeira vez e obteve sucesso imediato. Lehar sofreu com o declínio do género operetta e foi apenas com Tauber que Lehar conseguiu regressar aos sucessos iniciais de The Merry Widow.

Sinopse: Em frente de uma estalagem em Amiens. Uma fanfarra anuncia a chegada de uma diligência. Isto surge Manon e o seu irmão Lescaut, que param para uma pernoita. Des Grieux vê a jovem Manon e imediatamente se apaixona por ela. Quando Lescaut vai à estalagem para tomar conta da pernoita, ela fica sozinha por um momento, e Des Grieux aproxima-se dela. Ele aprende o nome dela e que no dia seguinte ela parte para o convento por ordem do pai. Des Grieux oferece-lhe a sua ajuda para escapar ao seu destino. Manon quer saber o seu nome e promete regressar à noite. Em breve são interrompidos, o seu irmão regressa e leva-a para o seu quarto. Des Grieux permanece para trás. Rapsodizing, ele pensa na bela jovem mulher.

A ária que se segue é a peça mais famosa desta ópera e a primeira ária famosa escrita por Puccini, que tinha então 33 anos…. O medidor ¾ dá à peça um carácter lilting, sonhador. O acompanhamento orquestral da melodia é muito rico, a afinação dos instrumentos que a acompanham com cordas divididas abrange várias oitavas, enfatizando a paixão de Lescaut com notas em registos extremos.

Na segunda parte, Des Grieux cita terna e arrebatadoramente o motivo de Manon “Manon Lescaut mi chiamo” uma e outra vez, com o qual ela própria se apresentou. É um efeito surpreendente que faz com que esta ária pareça quase um dueto. A terceira parte, “O susurro gentil, deh! Non cessar!“, repetido várias vezes, termina com um alto B apaixonado cantado com verve:

Sinopse:O filósofo Colline chega a casa. Ele está de mau humor, porque não podia empenhar nada na loja de penhores, uma vez que esta estava fechada na véspera de Natal. Só o músico Schaunard podia ganhar alguma coisa e trazer vinho, lenha e algum dinheiro. Por isso, decidiram passar a véspera de Natal no Café Momus. São interrompidos pelo seu senhorio Benoit, que lhes envia um lembrete para a renda há muito devida. Livram-se dele e vão ao Café Momus. Apenas Rodolfo fica para trás, pois ainda tem de terminar um artigo. Há uma batida à porta. É Mimi, a costureira do apartamento ao lado. Ela pede uma luz para a vela extinta. Mimi sente-se fraca e Rodolfo toma conta dela. Os dois falam das suas vidas e dos seus sonhos. Rodolfo começa e conta sobre si próprio, o poeta, o milionário dos sonhos.

A ária começa pianíssimo e dolcissimo e a primeira parte termina com um belo rallentando quando Rodolfo aponta para a bela lua que brilha romanticamente para a sala (“e qui la luna”). Rodolfo apresenta-se com um expressivo “Chi son” no qual se descreve como um poeta e um artista pobre. Na terceira parte, ele conta os seus sonhos, que culminam gloriosamente na palavra “Millionaria“. Na quarta parte, canta de Mimi, que acaba de conhecer. Infinitamente romântica ocorre a famosa sequência final com o alto C (Ma il furto non m’accora, poiché, poichè v’ha preso stanza, la speranza).

Muitos peritos consideram Pavarotti o melhor Rodolfo na história da gravação. Nas palavras de Kesting: “Schlechthin überragend, auch und gerade darstellisch setzt sich Pavarotti als Rodolfo unter Karajan in Szene”. É um dos raros retratos vocais que torna o personagem visível. Em nenhuma outra gravação – La fille du régiment à parte – ele cantou mais livre e solto, em nenhuma com uma paleta de cores mais rica”.

Acção: No jardim atrás da casa dos Reichs. O Junker Spärlich quer oferecer a Anna uma serenata, quando é interrompido pelo Dr. Cajus, que está a planear a mesma coisa. Fenton também teve a mesma ideia, na sua aparência os seus dois rivais escondem-se e escutam-no.

Acompanhado pelo chilrear das aves na orquestra, Fenton canta uma serenata romântica. Esta ária será provavelmente para sempre associada a Fritz Wunderlich, que, com a melancolia da sua voz e a musicalidade genuína, moldou esta serenata não numa peça sentimental, mas sim num romance com alma.

Sinopse: Faust fez um pacto com Mephisto. Mephisto ajuda o cientista envelhecido a uma beziheung de amor. Em troca, a sua alma pertence-lhe na vida após a morte. Mephisto faz Margarete aparecer na roda giratória como uma visão. O fausto é enfeitiçado e arrebatado. Ele assina rapidamente o papel de Mefisto e em troca recebe uma poção de rejuvenescimento, que ele bebe avidamente. No dia seguinte, Fausto vê Margaret e aproxima-se dela. Mas ela rejeita-o, pelo que Fausto não se desencoraja, mas ama-a ainda mais. Fausto aparece no seu jardim no dia seguinte acompanhado por Mefisto. Mefisto parte para comprar um presente para Margaret. Entretanto, Fausto está sozinho, e a sua expectativa de voltar a ver Margaret é grande.

Uma característica desta famosa ária é que o tenor é acompanhado por um violino solo, que toca à volta da sua voz durante toda a peça. Berlioz sentiu que este artifício de Gounod “faz muito mais mal do que bem ao todo, e penso que o cantor Duprez tinha razão, que um dia, quando um solo instrumental da orquestra o acompanhou num romance, disse: “Este instrumento do diabo, com as suas corridas e variações, irrita-me como uma mosca a zumbir à volta da minha cabeça e a tentar sentar-se no meu nariz”. Conde contrariou que Gounod dizia com o violino que as palavras só podiam dizer metade “ce que les mots ne disent qu’à demi”. As palavras de Fausto são espirituais e expressivas. Palavras como “Innocente et divine” ou “Que de richesse” dão ao cantor a oportunidade de mostrar a subtileza e a riqueza da sua voz. A intensidade aumenta constantemente até ao clímax da ária com o espectacular C elevado, que deve ser cantado com bom gosto e de forma alguma deve ser tornado grosseiro e aplaudido, o que destruiria o humor desta peça. A peça termina maravilhosamente com o violino solo no Adágio.

A interpretação de Björling é talvez imbatível. Ele gravou esta ária repetidamente. Ouve e vê a gravação de uma produção televisiva. Observamos um olhar incerto no início, mas depois Björling seduz o ouvinte desde o primeiro segundo. Ele transforma-se num amante terno e romântico. O seu cantar e tocar são de grande naturalidade, tal como o C elevado do final. Esta actuação, juntamente com a interpretação de Caruso, é e foi o projecto para todos os tenores que os seguiram.

Sinopse: Don Giovanni estava no quarto da Donna Anna. Quando Don Giovanni quer sair do quarto, Donna Anna tenta impedi-lo. Ela quer saber o seu nome. O barulho acorda o comandante, o pai de Donna Anna. Ele reconhece a situação e ataca o sedutor com a sua espada. No duelo, Don Giovanni esfaqueia o Commendatore. Donna Anna parte com o seu noivo, Don Ottavio, para encontrar o assassino. Don Ottavio conforta a sua amada e quer vingar a morte do seu pai.

Uma das famosas árias de tenor de Mozart. Don Ottavio é caracterizado por dois sentimentos, por um lado o dever de vingança e, por outro, o amor por Donna Anna. Estes sentimentos devem ser cantados com uma dignidade aristocrática. A ária começa com um tema quente e expressivo, dolce e espressivo, acompanhado por um belo motivo nas cordas. A segunda parte da ária é dedicada à vingança. A música torna-se mais agitada. Uma corrida virtuosa mostra um Don Ottavio agitado e determinado. Esta ária é uma pedra de toque para os tenores. Requer uma respiração sem fim, capacidades de coloratura, e a capacidade de gerir grandes saltos de tom. Todos os ingredientes que fazem suar até os cantores experientes.

Para muitos, a interpretação desta ária de Mc Cormack de 1916 foi o padrão de ouro. Kesting conta-a entre as maiores gravações: “Qualquer pessoa que queira compreender, por exemplo, que um “F” arredondado e bem centrado numa voz de tenor é mais importante do que um “C””, por mais retumbante que seja, ouça as notas de Mc Cormack, tocadas com a ressonância de um sino. Mc Cormack supera todos os outros cantores nesta ária”.

Sinopse: Chegou o dia do concurso de canto. Beckmesser e Walther von Stoltzing apresentam a sua canção premiada. A Cantora é dona da mão de Eve. Walther começa a sua canção. Já depois da primeira estrofe, um murmúrio de espanto atravessa a audiência e a multidão do Meistersinger, que aumenta após a segunda estrofe. Após a terceira estrofe, não há dúvida sobre o vencedor.

Em ritmo oscilante e acompanhada pelo pizzicato terno das cordas e pelas adoráveis interjeições dos ventos de madeira, a ária rosa de Susanna desdobra-se. É uma bela e lírica declaração de amor pelo seu futuro marido Figaro, e a utopia de um mundo onde as distinções de classe já não existem. A ária é um ponto de descanso significativo na ópera.

Preislied consiste em três estrofes que aumentam continuamente em tempo, volume e intensidade. É uma ária Heldentenor urgente e romântica que deve ser cantada no mais belo legato e que deriva a sua beleza não menos importante do magnífico acompanhamento.

Ouça Plácido Domingo nesta peça eficaz na gravação conduzida por Eugen Jochum. O tenor de língua espanhola não era o Walther ideal do ponto de vista idiomático, mas nenhum tenor podia igualar a beleza e o esplendor da sua interpretação do Preislied.