Opera muziek FAQ’s (veelgestelde vragen)

Een aria is een vocaal solostuk in de klassieke muziek. De aria brengt de gevoelens en stemmingen, affect genoemd, van een bepaald moment over, d.w.z. dat er normaal gesproken geen actie is, in tegenstelling tot het recitatief. Lijsten van beroemde aria’s zijn te vinden in de volgende links: Tenor arias, Sopraan arias, Bariton arias, Bas arias, Mezzo-Sopraan arias.

Muziek waarvan de harmonieën en melodieën niet gefixeerd zijn op een tonaal centrum of grondtoon. Arnold Schönberg schreef 1909 met de eenakter “Erwartung” de eerste atonale opera

Een arioso is een muziekstuk voor een solostem en instrumentale begeleiding dat het midden houdt tussen recitatief en aria. Een arioso is vocaler en minder dramatisch dan het recitatief, maar opener en minder vast van vorm dan de aria (Wikipedia). In de opera’s van Tsjaikovski vinden we bijvoorbeeld ariosi geschreven voor de klassiek lichte Russische tenor. Luister naar de prachtige arioso kuda, kuda (Eugene Onegin) gezongen door de Russische tenor Leonid Sobinov.

Autodafé komt voort uit het Latijnse actus fidei: oordeel over het geloof. De plechtige uitspraak van de vonnissen van de processen van de inquisitie. Het autodafé wordt gevolgd door een executie, zoals de brandstapel. Autodafé-scènes komen voor in de opera, bijvoorbeeld in Don Carlo (Verdi) of in Candide (Bernstein).

Het was Wagner van meet af aan duidelijk dat de opvoering van een werk als de Ring des Nibelungen in bestaande theaters nauwelijks mogelijk was. Vroeg was het idee van een eigen festivaltheater geboren. Maar het zou nog 25 jaar duren voordat het werd voltooid. De financiering van deze enorme onderneming kostte Wagner veel werk. In 1872 verhuisden Wagner en zijn vrouw Cosima naar Bayreuth, en de bouw begon. Samen met vele mecenassen slaagt hij erin geld bijeen te brengen voor het leggen van de eerste steen van het Festspielhaus en voor de aankoop van de Villa Wahnfried. Vier jaar later werd het Festspielhaus geopend met Rheingold. Het eerste festival vond plaats in 1876 in aanwezigheid van keizer Wilhelm en alle Europese culturele beroemdheden en werd Wagners grootste triomf van zijn hele leven. Met de Ring en de bouw van het Festspielhaus voltooide Wagner zijn visie op het Gesamtkunstwerk: de vereniging van de kunsten muziek, poëzie, architectuur en scenografie.

Het beschrijft een Italiaanse zangtechniek van voor 1900, waaronder zuiverheid en delicatesse van toon, vloeiendheid (legato), zingen met de adem (canto sul fiato), en verder dynamische flexibiliteit (messa di voce) en beweeglijkheid in de versiering. Beroemde belcanto componisten waren Donizetti, Bellini en Rossini, bovendien componeerde Verdi meestal in belcanto stijl. De iconische opera van het belcanto is Norma, en een iconische belcanto aria is Casta diva. Een zanger van wie geluidsopnamen uit het belcanto tijdperk bewaard zijn gebleven is Fernando de Lucia (1860-1925). Een opname van Fernando de Lucia en meer opnames over bel canto zijn te vinden in deze link.

De naam Bacchanale komt van de Grieks-Romeinse god Bacchus (Dyonisos), de god van de wijn, dronkenschap, waanzin en extase. De Bacchanale is een muzikale compositie die een orgiastisch feest uitbeeldt, vaak met dansvoorstellingen. Bekende operavoorbeelden zijn de Bacchanale in Camille Saint-Saëns’ Samson en Delilah, de Venusbergscène in Richard Wagners Tannhäuser, en deDans van de Zeven Sluiers uit Salome (Strauss).

De basso buffo (vergelijkbaar met de basso cantante), is een typische basrol van opera-komedies die een zeer beweeglijke stem, acteervaardigheid en in de Italiaanse opera ook de sillabato (de snelle spraakzang) vereisen. Luister naar de beroemde sillabato uit Don Pasquale: cheti cheti en de intrigue aria uit Il barbiere di Siviglia.

De bravura aria (Italiaans: aria di bravura) is een gezongen muziekstuk dat door zijn technische moeilijkheidsgraad (virtuositeit) en muzikale inhoud een extern effect beoogt. Bekende bravura-aria’s zijn Ah, non giunge uit La Sonnambula of Non piu mesta uit La cenerentola (Assepoester). De eerste bravoure-aria’s werden gecomponeerd voor de immens deugdzame castrati. De aria “Venti, turbini, prestate” is een van Händels bravoure-aria’s gecomponeerd om Nicolini’s stem naar voren te brengen.

Een castrato is een mannelijke zangstem gelijkwaardig aan die van een sopraan of mezzosopraan. De stem ontstaat door castratie van de zanger vóór de puberteit, of komt voor bij iemand die door een endocrinologische aandoening nooit geslachtsrijp wordt (wikipedia). De eerste castrati verschenen in de 16e eeuw. Zij werden opgeleid door de kerken en vormden een belangrijke pijler van de vocale kerkmuziek. Ze waren erg belangrijk voor de kerken, omdat ze met hun muziek een aanzienlijke bron van inkomsten creëerden. Ze vonden al snel hun weg naar het nieuwe genre van de opera en Monteverdi gebruikte al castraten in bijrollen in zijn eerste revolutionaire opera “Orfeo” (1607). In zijn L’incoronazione di Poppea verschijnen castraten voor het eerst in de hoofdrol. De rol van Nero, dus de eerste castraatheld in de operageschiedenis, werd gecast door een sopraancastraat, en de buffo-rol van de verpleegster (!) Arnalta, dus de eerste drag queen, werd gecast door een tenorcastraat. Tegenwoordig rijst de vraag hoe de rol van Nero, met zijn extreem hoge tessituur, moet worden gecast. Meestal wordt de rol gezongen door een countertenor, een enkele keer door een vrouwelijke sopraan of een tenor. De immens rijke techniek die zich ontwikkelde werd bel canto genoemd, en de beroemdste castrati waren Senesino en Farinelli. Mozarts Idomeneo was een van de laatste opera’s waarin castraten werden gebruikt (eind 18e eeuw). De laatste castraat stierf in het begin van de 20e eeuw.

De cabaletta is een onderdeel van de zogenaamde scena ed aria uit de Italiaanse opera, waarin een zeer schematische scène van afzonderlijke personages wordt beschreven. De volgorde van de scena ed aria is: recitatief (Tempo d’attacco), langzame aria (Cavatina), recitatief (Tempo di mezzo), snelle aria (Cabaletta) en eventueel een stretta aan het eind. De Scena werd begeleid door verschillende uitvoeringen van cues. De scena ed aria stelde de librettisten in staat de scènes volgens een vast schema te schrijven, zonder dat een langdurige afstemming met de componist nodig was. De Scena ed Aria vorm werd geperfectioneerd door Rossini en overgenomen door Donizetti, Bellini en Verdi. Een beroemde Scena ed aria is: Ah si ben mio (Cavatina) gevolgd door Di quella pira (Cabaletta) uit de opera Il trovatore (Verdi)

In de zogenaamde Florentijnse Camerata (Camerata fiorentina) begon de elite van kunst en adel in de jaren 1570 bijeen te komen met als doel de kunst van de oudheid te doen herleven. Centraal stond de bevordering van de tekstuele begrijpelijkheid van de vocale muziek. Het motto was: prima le parole, poi la musica (eerst de tekst, dan de muziek). De muziek moest zich aanpassen aan de woorden en ze niet verdoezelen. Het doel waren geen kunstige melodieën en gave ideeën, maar een spraakzame zangstijl (cantar recitando). Uit deze inspanningen ontstond de oorspronkelijke vorm van de opera. Jacopo Peri was de eerste schepper ervan.

Het is aan het genie van Claudio Monteverdi te danken dat deze tamelijk emotieloze bewerking zich ontwikkelde tot dramma per musica met mensen van vlees en bloed en de passies in de kunstvorm opera bracht (stile concitato).

De cavatina is een onderdeel van de zogenaamde scena ed aria uit de Italiaanse opera, waarin een zeer schematische scène van individuele personages wordt beschreven. De volgorde van de scena ed aria is: recitatief (Tempo d’attacco), langzame aria (Cavatina), recitatief (Tempo di mezzo), snelle aria (Cabaletta) en eventueel een stretta aan het eind. De Scena werd begeleid door verschillende uitvoeringen van cues. De scena ed aria stelde de librettisten in staat de scènes volgens een vast schema te schrijven, zonder dat een langdurige afstemming met de componist nodig was. De Scena ed Aria vorm werd geperfectioneerd door Rossini en overgenomen door Donizetti, Bellini en Verdi. Een beroemde Scena ed Aria is: Ah si ben mio (Cavatina) gevolgd door Di quella pira (Cabaletta) uit de opera Il trovatore (Verdi)

Een countertenor is een mannelijke zanger die zingt in alt- of, zeldzamer, sopraanregister met behulp van een hoofdstem of falsettechniek versterkt door borstresonantie (wikipedia). De countertenor kan worden gebruikt in rollen die voorheen waren voorbehouden aan castrati, maar de stem is niet vergelijkbaar, omdat deze in falsetto (kopstem) wordt geproduceerd en niet klinkt zoals gebruikelijk met de borststem (castrato). U kunt een voorbeeld van een countertenor horen in deze link (Philippe Jaroussky met Oblivion soave)

De uitdrukking komt uit de Franse opera. Een couplet is een meerstemmig, vrolijk lied met een kenmerkend refrein in de trant van een rondo, met een terugkerend refrein. Een voorbeeld is Chacun le sait, chacun le dit uit de opera La fille du régiment.

In de opera is een koor een gemeenschap van zangers waarin elke stem meerdere stemmen heeft. Daarnaast is koor de naam voor een stuk dat door dit ensemble wordt uitgevoerd. Een lijst met bekende stukken voor koor vind je in deze link.

Concertato in de zin van de 19e eeuwse opera, is een ensemblestuk dat spaarzaam wordt begeleid of zelfs a capella gezongen (zonder begeleiding). Het gebeurt vaak na een colpo di scena (coup de théâtre): de tijd staat stil, de muziek stopt, en de solisten gaan hun gang. Bekende concertati zijn Questo è un nodo aviluppato (Cenerentola) of Chi mi frena a tal momento (Lucia di Lammermoor).

De da capo aria was de belangrijkste ariavorm van de barokperiode. De da capo aria (Da-capo betekent herhaling) wordt geschreven in drie delen A-B-A’. Da-capo betekent herhaling. Meestal wordt de A’-partij door de vertolker verfraaid met coloratuur enz. Een voorbeeld van een beroemde da capo aria is Lascia ch’io pianga uit Rinaldo (Händel). De capo aria verloor zijn belang bij Gluck, die uitvoerders bekritiseerde omdat zij aria’s onherkenbaar verfraaiden. Toch schreef ook hij da capo aria’s, bijvoorbeeld de dromerige aria Ô toi, qui prolongeas mes jours uit Iphigénie en Tauride.

Een ensemble is een stuk waarbij veel vocale solisten betrokken zijn. Ze hebben vaak de functie van een finale (soms als concertato). In deze link vindt u vele beroemde voorbeelden van operaliteratuur.

Entr’acte (Frans: tussen twee bedrijven) verwijst naar instrumentale muziek die gespeeld wordt tijdens de pauze tussen de bedrijven, vaak met het gordijn dicht, omdat de muziek een tijdelijke overbrugging vormt tussen de decorwisselingen. In de tweede helft van de 19e eeuw werden entr’actes ontwikkeld tot climaxen. Richard Wagner noemde ze transformatiemuziek. Bekende passages staan in Rheingold (Nibelheim) en Parsifal (belmotief). Verschillende Entr’acte van het verismo werden beroemd onder de naam Intermezo (bijv. Cavalleria rusticana). beluister deze en andere grote entre’acts in deze link.

Grand opéra (frans) is de naam van een operagenre dat in Parijs ontstond na de Franse Revolutie. De Grand Opéra was gebaseerd op de tradities van Glucks Reform Opera en de Opéra Comique. Rossini’s “Guillaume Tell” (1829) vormde samen met Auber’s “Muette de Portici” (1828) en Meyerbeer’s “Robert le diable” (1831) het prototype van dit nieuwe type grootse opera gebaseerd op historiserende thema’s, die de pretentie had de artistieke genres muziek, literatuur, dans, decoratie en schilderkunst te combineren. Gespecialiseerde comités voor elk artistiek genre zorgden voor de uitwerking van de details en eindeloze repetities brachten zwakke punten aan het licht, die weer leidden tot wijzigingen in de compositie. Voor de producties van de Grand Opéra moesten de kunstenaars historische stoffen met authentieke kleuren creëren. Zo werd de decorontwerper Cicéri voor de productie van Rossini’s Guillaume Tell naar Centraal-Zwitserland gestuurd, waar hij schetsen maakte voor de decors. Het werd in zijn hoogtijdagen opgevoerd in de Salle Pelletier, die in 1873 het slachtoffer werd van een brand. De werken voor de grand opéra hebben vijf aktes en omvatten een uitgebreid ballet. De opera’s werden uitvoerig gepland en tegen gigantische kosten opgevoerd. Zo moesten er 355 kostuums worden genaaid voor Don Carlo, die werd opgevoerd tijdens de Parijse wereldtentoonstelling van 1867. Giacomo Meyerbeer wordt beschouwd als de meest succesvolle componist van de grand opéra. Richard Wagner probeerde jarenlang te slagen in de grand opéra, maar faalde met zijn Tannhäuser met een fiasco dat de geschiedenis is ingegaan. De meeste werken van dit genre worden tegenwoordig zelden gegeven vanwege de gigantische inspanning (bijvoorbeeld Les Hugenots of L’Africaine).

De term Gesamtkunstwerk wordt geassocieerd met Richard Wagner. De muziek is niet verdeeld in scènes en nummers (“nummeropera”), maar deze vormen een onlosmakelijke eenheid, die Richard Wagner “MUZIEKDRAMA” noemde. Kenmerkend is dat de scènes en de bijbehorende muziek doorgecomponeerd zijn, zonder onderbrekingen (zoals tercetten, finales, recitatieven enz.). Terugkerende motieven (LEITMOTIV) zorgen voor samenhang. Een goed voorbeeld in deze zin is Wagners werk Tristan und Isolde, zijn Ring des Nibelungen of Parsifal die hij geen opera meer noemde. Wagner vatte zijn opera’s des te langer op als “GESAMTKUNSTWERK”, waarin de kunsten van muziek, acteren, schilderen/toneelbeeld en poëzie verenigd zijn. Voor Wagner was het belangrijk dat hij niet alleen de componist was, maar ook zijn eigen librettist en dat hij zijn eigen theater in Bayreuth kon creëren voor zijn totale kunstwerk.

De Habanera is een muziekstuk van Cubaans-Afrikaanse oorsprong, dat een provocerende seksuele toespeling bevat met sensuele bewegingen. Met de habanera L’amour est un oiseau rebelle heeft Bizet een waar karakterportret geschilderd van de rol van Carmen. Zelden is een van de grote rollen in de opera literatuur gedefinieerd door slechts één aria als Carmen met de Habanera. Bizet heeft het hoofdthema ontleend aan een werk van de Spanjaard Yradier, die enige tijd in het Caribisch gebied had doorgebracht. Bizet gebruikte voor Carmen een chromatische zanglijn. De coupletten staan in mineur en het refrein in majeur. Het orkest begeleidt Carmen met een ostinato motief van de cello’s, wat het hypnotiserende karakter van haar Habanera versterkt.

In tegenstelling tot de Italiaanse opera maakte de Franse tragédie lyrique geen gebruik van castrati, vandaar dat de haut-contre, een tenor met een stembereik tot in het hoge register, zich in Frankrijk had ontwikkeld.

De hochdramatische sopraan is de vrouwelijke tegenhanger van de Heldentenor. Het is een sopraanstem met stralende kracht. Bovendien moet zij rollen spelen met extreme emotionele uitbarstingen. Typische rollen zijn Salome (Strauss), Elektra (Elektra) Brünnhilde (Götterdämmerung) en Isolde (Tristan und Isolde). Uitmuntende rolvertegenwoordigers waren Kirsten Flagstadt, Frida Leider en Birgit Nilsson. Nina Stemme behoort in onze jaren ook tot deze kring. Een illustratief citaat van Christa Ludwig, een beroemde mezzosopraan die ook veel zeer dramatische rollen zong: “Een hoogdramatische sopraan heeft enorme stembanden. Er zijn maar weinig hoogdramatische zangers die het modulatievermogen hebben voor het zingen van liederen. Ze kunnen niet zo subtiel schilderen omdat de stembanden extra stevig en dik zijn. Een oor-, neus- en keelarts zei me ooit: “De stembanden van Nilsson zijn zo breed als een duim. En de mijne zijn zo delicaat als een wollen draad.”

Het is een tenorstem met stralende kracht in het dramatische stemregister. Slechts enkele tenoren kunnen dit vak beheersen. De rollen zijn voorbehouden aan ervaren zangers, want een jonge stem kan snel beschadigd raken. De fysieke eisen aan de zanger zijn immens. De duur van de opera is meestal erg lang en de begeleiding door het orkest is luid en dicht. Tannhäuser is misschien wel de moeilijkste Heldentenor-partij. Het aantal uitstekende vertegenwoordigers van deze discipline is klein en de artiesten zijn gewild en meestal jaren van tevoren geboekt. Daarom moet hun stem een groot orkest overstemmen. Heldentenorrollen zijn bijvoorbeeld Siegmund (Walküre) of Lohengrin. Dit is de link naar de Heldentenor aria In fernem Land uit Lohengrin. De vermoedelijk grootste Heldentenor in de geschiedenis was Lauritz Melchior. Grote Duitse Wagner-tenoren waren Max Lorenz en Franz Völker of tegenwoordig Peter Seiffert en Jonas Kaufmann.

Lamento verwijst naar een droevig lied uit de opera’s van de 17e en 18e eeuw. Een dalende chromatische reeks noten vormt samen met effectieve rusten het klassieke zuchtmotief dat een belangrijk element van het lamento vormt. Monteverdi was de uitvinder van het Lamento. Zijn operataal wilde de gevoelens van de mens uitdrukken, Monteverdi vond dat muziek mensen moest laten huilen, niet discussiëren. Muziek moest geen starre regels volgen, maar ruimte geven aan de menselijke conditie en deze uitdrukken. Een van de meest opzienbarende gevolgen waren Monteverdi’s dissonanten. Voor zijn tijdgenoten waren dit gedrochten die extreme gemoedstoestanden vertegenwoordigden en destijds felle polemieken uitlokten. Het beroemde “Lasciatemi morire” uit de opera “Arianna” – de schreeuw van pijn – kan als voorbeeld dienen. Luister naar het beroemde lamento uit Händels Rinaldo, Lascia ch’io pianga. Purcells When I am laid in earth is een van de grote aria’s uit de operaliteratuur, een lamento, een klassiek product van de barokopera. Het is ongewoon effectief geschreven en behoort tot het handjevol barokke klaagliederen die de luisteraar werkelijk tot tranen toe kunnen bewegen.

Messa di voce is een techniek uit bel canto. Het gaat om een wassen en dalen van het vocale volume tijdens de doorlopende toon, idealiter van pianissimo naar fortissimo en omgekeerd, zonder verandering van toonhoogte en andere aspecten zoals intonatie en vibrato. De castrati van de barok, die over het algemeen een zeer stevig postuur hadden, konden zo hun gecontroleerde kracht en longvolume tonen.” (Wikipedia). Luister naar een messa di voce uit Händels beroemde aria Cara Sposa uit Rinaldo: na een chromatische inleiding door de strijkers begint de stem met een grote messa di voce. De volgende noten moeten worden gezongen met het grootste legato en chromatische notenwisselingen om de verlatenheid van het moment te creëren.

Monologen zijn betekenisvolle soloscènes die een reflecterende persoon laten zien. De woorden zijn niet rechtstreeks tot een luisteraar gericht, de monoloog dient vaak om gedachten en mentale processen van een persoon hoorbaar of leesbaar naar buiten te brengen en zo duidelijk te worden voor kijkers of luisteraars. In veel werken vormen monologen een dramatische climax of markeren ze een keerpunt in de plot (Wikipedia). Bekende voorbeelden in de operaliteratuur zijn Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) of de Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

Monologen zijn betekenisvolle soloscènes die een reflecterende persoon laten zien. De woorden zijn niet rechtstreeks tot een luisteraar gericht, de monoloog dient vaak om gedachten en mentale processen van een persoon hoorbaar of leesbaar naar buiten te brengen en zo duidelijk te worden voor kijkers of luisteraars. In veel werken vormen monologen een dramatische climax of markeren ze een keerpunt in de plot (Wikipedia). Bekende voorbeelden in de operaliteratuur zijn Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) of de Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

De tenorrollen van Mozart vereisen een lenige en lyrische stem, omdat ze meestal alleen emoties moeten zingen, aangezien de actie en het drama ervan zich in de recitatieven afspelen. Toch zijn ze virtuoos, want ze vereisen een lange adem, mooie coloraturen en zijn zeer gevarieerd. Mozarts favoriete tenoraria was “O wie ängstlich, wie feurig klopft mein liebevolles Herz” uit Die Entführung aus dem Serail. beluister het gezongen door de grote Mozart tenor Fritz Wunderlich.

De term opera comique is enigszins misleidend. Hij werd uitgevonden in de 18e eeuw om hem te onderscheiden van de tragédie lyrique met zijn goden en edelen als hoofdrollen. Het werd de opera van de bourgeoisie en het volk en het belangrijkste stijlelement waren de gesproken dialogen (in plaats van de muzikaal begeleide recitatieven). Het spectrum varieert van komedies tot drama’s met maximaal drie bedrijven. De bekendste werken van dit genre zijn Carmen (Bizet), Medée (Cherubini), Les contes d’Hoffmann (Offenbach), Faust (Gounod) en Manon (Massenet). De term “opéra comique” is niet alleen een genre maar ook een locatie in Parijs en is nog steeds een Franse instelling. De Opéra comique van vandaag (ook bekend als de Salle Favart in Parijs) is een prachtig historisch theater, en dateert uit 1898. Zijn beide voorgangers brandden af, waaronder het premièretheater van “Carmen”; de brand vond plaats in 1887 en kostte ongeveer 100 mensen het leven.

Het is een term uit de opera buffa, het beschrijft snelle zang met goed gearticuleerde uitspraak en lichte intonatie, met veel aandacht voor ritme.

De tragédie lyrique is een genre van de Franse opera uit het einde van de 17e en 18e eeuw. De uitvinder van de tragédie lyrique kan worden beschouwd als Jean-Baptiste Lully (bijv. Alceste), die deze vorm in de jaren 1670 ontwikkelde. In zijn aristocratische vorm is hij in essentie vergelijkbaar met de opera seria. Een andere uitstekende (latere) vertegenwoordiger was Rameau (bijv. Les indes galantes). In de loop der tijden werd de tragédie lyrique tweemaal een object van culturele strijd. Beide keren ging het om rivaliteit met de Italiaanse opera. In het dispuut van de Buffonisten (rond 1750) propageerde Rousseau de natuurlijkheid van de Italiaanse opera; twintig jaar later escaleerde het dispuut van de Piccinisten (over de componisten Piccinni en Gluck) ten gunste van Glucks hervormingsopera. De Franse Revolutie zorgde voor een breuk en het einde van dit genre. De Tragédie lyrique ontwikkelde zich vervolgens in twee stromingen. Enerzijds in de Opéra comique (volksopera) en anderzijds in de Gran Opéra (opera van de hogere middenklasse en de aristocratie).

Het recitatief (van Italiaans recitare “voordragen”) is een vorm van zingen die de spraak benadert. Tijdens het recitatief heeft de zanger de vrijheid om de tekst ritmisch te declameren. Er zijn twee vormen van recitatief: het secco recitatief wordt alleen begeleid door een basso continuo en laat de grootste ritmische vrijheid toe. Bij het accompagnato recitatief wordt de zanger begeleid door een orkest dat compositorisch deelneemt aan de interpretatie van de gezongen inhoud, wat resulteert in striktere ritmische beperkingen (Wikipedia). De rol van het recitatief evolueerde in de geschiedenis van de opera. In de beginperiode (17e eeuw) en de opera seria (18e eeuw) was het de drager van de plot. In de 19e eeuw werd een onderscheid gemaakt tussen onbegeleide gesproken dialoog (opéra comique, singspiel, opera buffa) en begeleide dialoog (recitatief). Daarbij verschoof een deel van de actie naar de gezongen passages. Dit veranderde met Richard Wagner en de late Verdi. Het onderscheid tussen recitatief en aria werd opgeheven en het doorgecomponeerde zogenaamde Musikdrama ontstond.

Opera seria was het overheersende genre operamuziek van 1700 – 1800 (met uitzondering van Frankrijk –> Tragédie lyrique). Het was de kunstvorm van de adel, bedoeld om de heroïsche en nobele inborst van deze klasse te benadrukken. Het onderwerp van de opera was meestal mythologisch materiaal. In de 18e eeuw werd deze stijl vertegenwoordigd door Pietro Metastasio, wiens libretti meerdere malen door vele componisten op muziek werden gezet. Metastasio’s werk werd zo een stijlvormend werk. Vanaf 1730 was Metastasio actief in Wenen, waardoor hij ook in het Duitse taalgebied een enorme invloed kreeg. Zelfs Mozart zette Metastasio’s materiaal op muziek (La clemenza di Tito en il re pastore). De bekendste componisten die opera’s in de stijl van de opera seria componeerden zijn Alessandro Scarlatti, Johann Adolf Hasse, Antonio Vivaldi, George Frideric Händel, Giovanni Battista Pergolesi, Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn, Antonio Salieri, Domenico Cimarosa en Wolfgang Amadeus Mozart (onder andere Idomeneo). Gluck hervormde de opera seria. Hij vond dat het muziektheater leed onder het stereotiepe karakter van de personages en het soms groteske karakter van de plots. Daarom werden de werken gezongen door zangers die de muziek soms onherkenbaar verfraaiden. Drama, ethiek en echte gevoelens waren van het toneel verdwenen.

Een krachttoer voor tenoren en sopranen om deze topnoot te halen. In de regel komen ze in Italiaanse opera’s voor in twee of drie passages van een opera. De hoge C werd in Rossini’s tijd gezongen met hoofdstem, maar daarna al meer dan honderd jaar tot nu met borststem (trillingen in de borstkas). Lees en hoor meer in deze link.

Intermezzo is het equivalent van Entr’acte (Frans: tussen twee bedrijven) verwijst naar instrumentale muziek gespeeld tijdens de pauze tussen de bedrijven, vaak met het gordijn dicht, als de muziek tijdelijk de decorwissel overbrugt. In de tweede helft van de 19e eeuw werden entr’actes ontwikkeld tot climaxen. Richard Wagner noemde ze transformatiemuziek. Beroemde passages staan in Rheingold en Parsifal. Verschillende werken van het verismo werden beroemd onder de naam Intermezo (bijv. Cavalleria rusticana). U kunt deze en andere grote Intermezzi horen in deze link.

Een leidmotief is een artistiek hulpmiddel dat steeds opnieuw wordt gebruikt als muzikaal motief in een werk. Ze dienen als geheugensteun voor de luisteraar en krijgen zo als verteller een semantische betekenis. Deze muzikale motieven kunnen gebonden zijn aan handelingen, personen of voorwerpen. Carl Maria von Weber was de eerste die consequent gebruik maakte van leidmotieven (bijvoorbeeld in Freischütz, zie hier de gedetailleerde lijst van de leidmotieven in de beroemde Ouverture). Richard Wagner was het meest consequent in het voortzetten van het gebruik van leidmotieven. Leitmotieven werden een compositieprincipe in veel van zijn werken. In deze link vindt u een beschrijving van de 70 belangrijkste leidmotieven van Richard Wagner.

Opera buffa verwijst naar de Italiaanse komische opera, in tegenstelling tot de serieuze opera seria. In opera buffa spelen meestal mensen uit het volk hoofdrollen (bijvoorbeeld de barbier Figaro). Opera buffa is deels ontstaan uit de Italiaanse commedia dell’arte. Bekende opera’s zijn Il barbiere di Siviglia (Rossini) of Elisir d’amore (Donizetti). Recitatieve scènes worden vaak afgewisseld met gezongen scènes. De plot van de opera is meestal grappig of zelfs absurd. De muziek is meestal sprankelend, af en toe onderbroken door nostalgische aria’s. De Franse opéracomique mag niet gelijkgesteld worden met opera buffa, het genre verschilt sterk.

Een ouverture opent de opera. Het is meestal gecomponeerd als een instrumentaal stuk zonder zangstem. Het kan vooruitlopen op thema’s of motieven van de opera of vrij gecomponeerd zijn.Andere alternatieve namen zijn: “SINFONIA “, ” PRÉLUDE”, “VORSPIEL”, “INTRODUZIONE”. In de begindagen van de opera omvatten dit soort openingen verschillende vormen. In de 19e eeuw werden de termen steeds meer uitwisselbaar. In deze link vindt u een lijst van de mooiste ouvertures en hun mooiste interpretaties.

Het is een dramatisch keerpunt in de plot door een verrassende gebeurtenis. Vaak leidt de gebeurtenis tot een concertato met solostem en koor. Bekende voorbeelden zijn Bella figlia d’amore uit Rigoletto of Chi mi frema a tal momento uit Lucia di Lammermoor.

Het libretto is het tekstboek van de opera, met daarin de plot en de spreekteksten. Vaak zijn in het libretto ook toneelaanwijzingen te vinden. De librettist is de auteur van het libretto en is meestal een letterkundige of een dichter. In de opera seria was het gebruikelijk om meerdere ontwerpen te gebruiken. In de Romantiek werd het gebruikelijk om de teksten voor de opera op maat te maken. Vaak werden literaire modellen gebruikt, die door de librettist werden gebruikt (bijv. la dame aux camélias voor La Traviata). Puccini scheidde de taak van de librettist in die van de dramaturg (vaak Luigi Illica) en de tekstschrijver (vaak Giuseppe Giacosa). Richard Wagner schreef de libretti voor de meeste van zijn opera’s zelf. Langdurige en beroemde partnerschappen tussen librettisten en componisten werden onderhouden door Mozart en da Ponte, Bellini en Felice Romani, Verdi en Francesco Maria Piave en Salvatore Cammarano. Beroemd was de schrijffabriek van Eugene Scribe in het Parijs van de 19e eeuw, die met de hulp van medewerkers ongeveer 400 toneelstukken schreef, waarvan vele werden gebruikt voor opera’s (bijvoorbeeld “Les Huguenots” of “Il ballo in maschera”).

Liederen zijn eenvoudige composities voor zangers. De muziek is volks, de tekst, de maatsoort en het ritme blijven pretentieloos. In de regel worden de coupletten afgesloten met een refrein. Het lied beleefde zijn hoogtijdagen in de opera tussen 1780 en 1830. Bekende liederen voor de opera zijn Durch die Wälder durch die Auen (Der Freischütz) of Der Vogelsänger bin ich ja (Die Zauberflöte). Zelfs Wagner componeerde een Lied-achtig stuk met Winterstürme wichen dem Wonnenmond (Die Walküre). Bovendien verschijnen er af en toe slaapliedjes in opera’s.

Een persiflage (van Frans persifler “bespotten”) is een geestige, imitatieve en vaak kritische bespotting van een genre. In de opera zijn er talrijke persiflages van beroemde modellen. Zo is Elisir d’amore een persiflage op Tristan en Isolde.

De tessitura beschrijft het stembereik van een rol binnen een vocaal genre. Bijvoorbeeld, de tenorrol van Calaf (Turandot) bevat veel passages in en boven de passaggio (de overgang tussen borststem en hoofdstem) en heeft dus een hoge tessituur.

Oorspronkelijk was de prima donna (Italiaans: eerste vrouw) de belangrijkste sopraan in een ensemble. Na verloop van tijd werd de term gebruikt met een negatieve ondertoon (prachtige stem maar grillig persoon). De epitheton “Assoluta” als was niet alleen een eretitel voor de belangrijkste sopraan van een tijdperk, deze toevoeging is alleen verschuldigd aan vrouwelijke artiesten die rollen van verschillende onderwerpen recht doen. Maria Callas, bijvoorbeeld, was een Assoluta omdat zij een van de besten was in zowel dramatische als coloratuurrollen. Bijzonder grillige primadonna’s worden ook wel diva’s genoemd.

Een première is de eerste uitvoering van een operaproductie. Premières worden ook wel eerste voorstellingen en eerste uitvoeringen genoemd als het werk voor het eerst wordt opgevoerd. Het woord komt van het Frans: première = “eerste”. Beroemde premières in de operageschiedenis waren het fiasco van Barbiere di Siviglia, het turbulente verhaal van de opera Tristan und Isolde, of misschien wel het meest triomfantelijke en verrassende succes in de operageschiedenis van Cavalleria rusticana.

In de operamuziek is een coloratuursopraan een sopraanstem met coloratuurvermogen, dat wil zeggen een bijzondere beweeglijkheid, vooral in het hoge register. Dit omvat vooral het zingen van lange ketens van noten met trillers en andere versieringen. De coloratuurtechniek ontstond met het verschijnen van castrati in de opera in de 17e eeuw. Beroemde Castrati waren Farinelli en Senesino. Met Rossini en Bellini nam de coloratuursopraan het over. Beroemde coloratuursopranen waren: Isabella Colbran, Jenny Lind en Adelina Patti in de 19e eeuw. In de 20e eeuw: Lisa Tetrazzini, Joan Sutherland, Marylin Horne, Teresa Berganza en Edita Gruberova. In onze tijd is de bekendste coloratuursopraan Cecilia Bartoli. Beroemde werken voor coloratuursopraan zijn La sonnambula of Il barbiere di Siviglia. Bij Verdi, Bellini en Donizetti werd de coloratuursopraan van Rossini dramatischer en werd de coloratuur selectiever gebruikt, de componist voegde volume en expressie toe. Deze mix leverde de dramatische coloratuursopraan op (bijvoorbeeld Lucia in Lucia di Lammermoor, Norma in Norma en Abigail in Nabucco. De iconische dramatische coloratuursopraan was Maria Callas.

Repertoire omvat de werken van de operaliteratuur die geacht worden een uitstekende artistieke waarde te hebben die gedurende een langere periode is ontwikkeld en geconsolideerd. Afhankelijk van de bron worden aan het repertoire tussen de 50 en 150 operawerken toegeschreven. Vind in deze link de ranglijst van de 50 meest gespeelde opera’s (wereldwijd). De omvang en selectie kan per regio en tijdperk verschillen. Het repertoire is onderhevig aan modetrends, bijvoorbeeld de bel canto-renaissance van de jaren 1950 en de barokrenaissance van de jaren 1980 brachten werken van de respectieve tijdperken terug in het repertoire. De term “repertoire” kan ook worden gebruikt om een systeem aan te duiden: in de theaterpraktijk wordt een onderscheid gemaakt tussen het repertoiresysteem en het stagione-systeem. Meer hierover: zie beschrijving onder “Wat is een Stagione-systeem.

Gekke scènes betreffen de transformatie van een normaal persoon in een staat van geestelijke gestoordheid. Deze toestand wordt getoond in een grote aria. Waanzinnige scènes waren populair in de eerste helft van de 19e eeuw. De beroemdste is de scène uit Lucia di Lammermoor. Andere beroemde gekke scènes zijn die uit Boris Godunov, Macbeth, Pique Dame en La Sonnambula (slaapwandelscène).

Men onderscheidt de (vroege) gouden operette in Parijs, de (late) zilveren operette en de late operette in Wenen. De uitvinder van de operette was ongetwijfeld Jacques Offenbach, die op 14-jarige leeftijd zijn opleiding aan het conservatorium in Parijs begon, toen hij met zijn familie uit Keulen kwam. In 1855 opende hij zijn eigen theater en drie jaar later componeerde hij de moeder van alle operettes, Orpheus in de onderwereld. Het werk werd snel populair in heel Europa en het Theater an der Wien gaf Franz von Suppé de opdracht om met een Oostenrijkse operette te komen, wat hij in 1860 deed met “Das Pensionat”. De rest is geschiedenis, het tijdperk van Johann Strauss en anderen brak aan en werd een zilveren tijdperk. Het eindigde in Parijs al in 1880 met de dood van Offenbach en in Wenen met de dood van Millöcker, Strauss en von Suppé in respectievelijk 18 en 1895. Lehar blies het genre opnieuw op en het eindigde uiteindelijk in de jaren 1930. Wat overbleef was het recept voor succes van deze stijl. De code van de operette die Lehar zich eigen maakte was samengesteld uit elementen van de Weense en Parijse operette: Frivoliteit, satire en hogere onzin / Snelle, muzikale nummers zoals galop, cancan / Gevarieerd gebruik van dansritmes, in Wenen vooral de wals / Eenvoudige, effectieve harmonieën, voornamelijk in majeur / Muzikale couleur locale / Sympathieke rolfiguren / Romantische liefdesverhalen / Happy end. De meest gespeelde operettes zijn Die lustige Witwe (de vrolijke weduwe) en Die Fledermaus (de vleermuis)

Gluck was de hervormer van de opera seria. In de eerste veertig jaar van zijn leven was Gluck letterlijk actief als musicus in heel Europa. Hij kreeg een diep inzicht in de operapraktijk van het continent. Zijn indruk was dat de opera seria leed onder het stencilachtige karakter van de personages en het soms groteske karakter van de plots. Daartoe werden de werken gezongen door zangers die de muziek soms onherkenbaar versierden. Drama, ethiek en echte gevoelens waren van het toneel verdwenen. Om dit tegen te gaan was Gluck allereerst aangewezen op een geschikte librettist, een echte dramaturg en tekstschrijver. Die vond hij in de persoon van Raniero de Calzabigi. De Italiaan Calzabigi schreef onder meer voor de Duitse componist omdat hij afstootte van het rumoerige en chaotische Italiaanse theaterbedrijf. De belangrijkste principes waren: Woord vóór Muziek, weinig acteerrollen, het koor wordt een acterende persoon en echte gevoelens in plaats van affect en virtuositeit. De eindeloos lange (en saaie) secco recitatieven werden geschrapt, recitatieven werden doorgecomponeerd en kort gehouden. Ook de dominante da capo aria werd geschrapt. Terwijl de zangers de muziek van de componist in de A-partij min of meer in het origineel lieten, werd de A’-partij aan de smaak van de (ijdele) zangers overgelaten met coloraturen, cadenzen en versieringen. De belangrijkste Reform-opera was Orfeo ed Euridice.

Met het ensemblestuk “Nella testa ho un campanello” uit Italiana in Algeri beschrijft Rossini de grenzeloze verwarring van de personages. Iedereen is alleen in staat om verwarrende geluiden te maken zoals “tac tac”, “din din”, “bum bum” etc. Terwijl de zangers een duizelingwekkend staccato van noten stamelen, produceert het orkest gedurende enkele minuten een krachtig accelerando: het legendarische Rossini Crescendo was geboren. Dit soort muziek was volkomen nieuw en deed het publiek uit zijn dak gaan. Met deze finale maakte Rossini voor het eerst zijn opzwepende visitekaartje van zijn muziek.

De Soubrette (oorspronkelijk Frans voor meid, dienstbode) is een rolvak voor een lichte, lyrische sopraan met een beweeglijke stem (coloratuur) en goede hoge noten. In de regel worden soubrette-rollen al vroeg in de carrière aangenomen. Bekende rollen zijn Adele (Fledermaus), Aennchen (Der Freischütz), Despina (Cosi fan tutte), Norina (Don Pasquale), Zerlina (Don Giovanni), enz.

Regieoper is Duits voor regieopera. Bij Regieoper wordt een groot gewicht toegekend aan de interpretatie van de inhoud van de opera. De interpretatie kan (maar hoeft niet) af te wijken van de bedoeling van de componist of librettist. De boodschap van de opera wordt gemoderniseerd om hedendaagse aspecten aan de orde te stellen. Vaak wordt gebruik gemaakt van visualisatie met schokeffect (seksualiteit, nazisymbolen, wapens, enz.). De basis voor deze ontwikkeling werd gelegd door Walter Felsenstein, die in de jaren zestig de term “muziektheater” bedacht bij de Komischen Oper in Berlijn. De zogenaamde Century Ring kan worden genoemd als de meest essentiële, vroege mijlpaal van de Regieoper: In 1976 bracht de filmregisseur Patrick Chéreau als eerste buitenlander een Ring in Bayreuth op de planken. Samen met collega-dirigent Pierre Boulez ontwikkelde hij een socialistische interpretatie van de Ring (gebaseerd op een 19e-eeuwse interpretatie van G.B. Shaw), waarbij de handeling niet in een mythisch landschap maar in het decor van een maatschappij van de industriële revolutie werd geplaatst. De productie leidde tot felle protesten, maar werd 5 jaar later met veel bijval aangenomen. Deze zogenaamde “Ring van de Eeuw” had een enorme invloed op de regie in operahuizen en werd de basis voor het volgende tijdperk van de Regieoper.

Het stagione-systeem (Italiaans: stagione = seizoen) is een exploitatievorm van operahuizen die contrasteert met het repertoire-systeem. Operahuizen die werken volgens het stagione-systeem nemen elk seizoen slechts een beperkt aantal opera’s op in hun repertoire. In de regel zijn dit nieuwe producties. Tijdens de repetitieperiode blijft het theater vaak gesloten. De producties worden dan in langere reeksen (ongeveer tien voorstellingen) vertoond en vervolgens opgeheven. Hernemingen van oudere producties zijn meestal de uitzondering. Om deze reden verschijnen de meeste repertoirewerken pas na jaren in het repertoire, wanneer een nieuwe productie wordt opgevoerd. (Wikipedia)

Verismo is de Italiaanse tegenhanger van de laatromantiek van de late 19e eeuw van het noorden van Europa. Mascagni’s Cavalleria rusticana was het eerste muziekwerk van deze stijl. Het verismo genre combineerde realistisch theater met rauwe emotionele muziek. Om een zo groot mogelijk effect te bereiken wilde de muziek gewelddadige passies en intense emoties uitdrukken. Ze moest het hart van de luisteraar raken en zijn gevoelige kant aanspreken. De “kunstmatige” geornamenteerde belcanto klank werd verlaten ten gunste van dramatische zanglijnen. Er is geen precieze definitie van verismo, maar in Pagliaccio laat de componist Leoncavallo Tonioeen karakteristieke zin zeggen in de proloog: de mensen op het toneel zijn “van vlees en bloed”. De proloog werd het programma van het verismo. Andréa Chénier en Adriana Lecouvreur zijn andere belangrijke werken van dit genre. Puccini kan ook gedeeltelijk tot het verismo worden gerekend. Zijn werk dat het dichtst bij het verismo komt was Tosca.

De zogenaamde scena ed aria is een structuurelement uit de klassieke Italiaanse opera, waarin een zeer schematische scène van afzonderlijke personages wordt beschreven. De volgorde van de scena ed aria is: recitatief (Tempo d’attacco), langzame aria (Cavatina), recitatief (Tempo di mezzo), snelle aria (Cabaletta) en eventueel een stretta aan het eind. De Scena werd begeleid door verschillende uitvoeringen van cues. De scena ed aria stelde de librettisten in staat de scènes volgens een vast schema te schrijven, zonder dat een langdurige afstemming met de componist nodig was. De Scena ed Aria vorm werd geperfectioneerd door Rossini en overgenomen door Donizetti, Bellini en Verdi. Een beroemde Scena ed Aria is: Ah si ben mio (Cavatina) gevolgd door Di quella pira (Cabaletta) uit de opera Il trovatore (Verdi)

Een term uit het begin van de opera (begin 17e eeuw. In contrast met de polyfone, traditionele prima pratica van de voorgaande periode. Monteverdi gebruikte de term seconda pratica, voor zijn monodische, tekstueel verstaanbare, hartstochtelijke, dissonante aria’s. (Verdi)

Het Duitstalige Singspiel stamt uit de 18e eeuw. Waarin verschilt het Duitstalige Singspiel van de Italiaanse opera? Het onderscheid wordt vaak gemaakt door het gebruik van gesproken dialogen van het Singspiel in tegenstelling tot de recitatieven van de Italiaanse opera, en de liedachtige muziek van de Biedermeier (= vroege duitse romantiek). De bekendste drie opera’s van het Singspiel-genre zijn Mozarts Zauberflöte, Beethovens Fidelio en Carl Maria von Webers Freischütz. Het Singspiel was het genre van het volk. Opera’s als Freischütz werden geschreven in de geest van de tijd waarin sprookjesmateriaal populair was. Misschien wel het meest indrukwekkende muziekstuk is de beroemde Wolfsschluchtscène uit Freischütz.

Spinto tenor is de iets zwaardere tenorpartij. Hij ligt tussen de lyrische tenor en de heldentenor in. De stem van de spinto tenor is krachtig en briljant in de hoge noten. De tenorrollen van Verdi zijn meestal spinto-rollen (Manrico, Riccardo, Radames enz.) Het is het domein van beroemde tenoren zoals Caruso, Pavarotti en Domingo.

De tenore di grazia is een Italiaanse operagenaam voor een type tenor dat ligt tussen de leggiero tenor (Duits: Spieltenor of tenor buffo) en de zwaardere lyrische tenor. Hij wordt vooral gekenmerkt door een elegante frasering, vocale beweeglijkheid en meestal een warme (“zoete”) of zeer lichte stemkleuring. Het genre ontstond tijdens de grote periode van de romantische belcanto stijl tussen ca. 1810-1850, toen dit type tenor vaak de rollen kreeg toebedeeld van geliefden of jeugdige helden (bron: Wikipedia). Beroemde tenoren waren Tito Schipa, Alfredo Kraus en Nicolai Gedda. Youtube video’s zijn te vinden in deze link.

Deze term komt uit de muziektaal van Verdi en er bestaat geen formele definitie voor. Waar gaat het over? Vanaf Nabucco voorzag Verdi elk van zijn opera’s van eigen muzikale basiskleuren en muzikale karakterisering (ritmische structuren, harmonieën, enz.). In “La traviata” waren dat bijvoorbeeld de walsritmes van de burgerlijke maatschappij of in Aida onder andere het gebruik van een speciaal ontwikkelde Aida-trompet (de fanfares van de faranoa). Voor Verdi was de ontwikkeling van de karakteristieke tinta van een opera een belangrijk onderdeel van het compositiewerk, maar ook een bewerkelijk onderdeel (“il piu fatticoso lavoro”), want de tinta werd strategisch ontwikkeld, het moest de scènes & plot ondersteunen en de historische inbedding van de opera weerspiegelen. Vind enmeer voorbeelden en illustratie in deze link en in de operagids van Nabucco.

Het is een onderdeel van de Tristan-harmonie van Richard Wagner (uit de opera Tristan und Isolde). Samenvattend kan gezegd worden dat Wagner de harmonie losmaakte van de melodie en verving door chromatiek. Dit was echter geen doel op zich (zoals later bij de componisten van atonale muziek), maar een uitdrukkingsmiddel om de onverzadigde liefde weer te geven door middel van eindeloze chromatische ontwikkelingen. Voor deze toestand van pijn is er maar één mogelijke verlossing: sterven, vergaan, nooit meer wakker worden! In dit werk houdt Wagner de luisteraar vier uur lang deze ontbinding van dissonanten voor, tot ze uiteindelijk weerklinkt in het laatste akkoord van de opera met de dood van Tristan en het zwijgen van Isolde. Het Tristan-akkoord is voor het eerst te horen aan het begin van de opera in het Vorspiel. Bij deze beroemde ontmoeting van de twee motieven, klinkt het legendarische “Tristan-akkoord”, een akkoord met een vreemde zwevende dissonantie die pijn noch vreugde uitdrukt, maar een soort “onbepaalde zoektocht naar een oplossing”. De oplossing komt pas na vier uur, met de zogenaamde “Liebestod” – liefdesdood. Het is eigenlijk geen dood, maar zoals Wagner de scène noemde, een “transfiguratie”, of zoals Isolde het zegt: “Verdrinken – zinken – onbewust hoogste genot!” (“Ertrinken – versinken – unbewusst höchste Lust!”). En de oplossing van de Tristan-dissonantie van de ouverture vindt uiteindelijk plaats met de twee beroemde Bes-groot slotakkoorden.

In een aantal opera’s gaf Verdi de hoofdrol aan de bariton. Met de donkerdere, lagere stem in vergelijking met de tenor wilde Verdi het dramatische niveau verhogen. Deze rol ontwikkelt een grote dramatische kracht en vereist een grote vocale flexibiliteit voor passages in hogere registers. Verdi componeerde vaak voor dit type bariton (Nabucco, Simon Boccanegra, Rigoletto, Macbeth, Ballo in maschera enz.) en benadrukte dat “de bariton alle menselijke emoties moet kunnen omvatten”. Luister naar de baritonaria Cortigiani, vil razza dannata uit Rigoletto en Eri tu uit il ballo in maschera.

In de muziek is vibrato de periodiek terugkerende, lichte verandering in de frequentie van een aangehouden toon. In tegenstelling tot een niet-vibrato toon, wordt een toon met gepast vibrato (van Italiaans vibrare, “trillen”) als levendig en expressief ervaren (Wikipedia). In de operazang wordt vibrato doelbewust gebruikt in dramatische rollen als stijlmiddel en als middel om volume te creëren, wat als onaangenaam kan worden ervaren wanneer het wordt overdreven. Luister naar Maria Callas Vissi d’arte gezongen met prachtig vibrato.

Late Romantiek in de opera verwijst naar de periode die eind 19e eeuw in Noord-Europa begon. In Italië ontwikkelde de muziekstijl zich tot verismo. De late romantiek werd in belangrijke mate geïnspireerd door Richard Wagner. Een belangrijk kenmerk is de aanzienlijke uitbreiding van het orkest. Extra instrumenten zoals de celesta voegen nieuwe kleuren toe aan het orkest. De tonaliteit wordt uitgebreid (bijvoorbeeld Tristan-akkoord) maar de muziek blijft tonaal. Het orkestschrift wordt complex met een enorme dichtheid aan motieven, complexere ritmes en harmonieën. Voorbeeldige en iconische werken van de late Romantiek zijn: Tristan und Isolde, Salome, Parsifal en Die tote Stadt.

Een broekrol beschrijft een mannelijk rolpersonage wiens zangstem geschreven is voor een vrouw (meestal voor mezzosopraan). Bekende broekrollen zijn Cherubino in Le nozze di Figaro, Octavian in Der Rosenkavalier en Oscar in Il ballo in maschera.

De belangrijkste stemtypes in operamuziek zijn: A) Tenor: lyrische tenor, tenero leggiero,spinto tenor, heroïsche tenor B) Sopraan/Mezzosopraan/Alto: soubrette, lyrische sopraan, coloratuur sopraan, dramatische coloratuur sopraan, jeugdige dramatische coloratuur sopraan, hoge dramatische sopraan C) Bariton: lyrische bariton, heroïsche bariton D) Bas: Basso buffo, Zwarte bas E) Castrato, Countertenor