FAQ über Opern Musik (häufig gestellte Fragen)

Eine Arie ist ein Solo-Gesangsstück in der klassischen Musik. Die Arie drückt die Gefühle und Stimmungen eines bestimmten Augenblicks aus, d. h. im Gegensatz zum Rezitativ gibt es normalerweise keine Handlung. Listen berühmter Arien finden sich unter den folgenden Links: Tenor-Arien, Sopran-Arien, Bariton-Arien, Bass-Arien, Mezzosopran-Arien.

Musik, deren Harmonien und Melodien nicht auf ein tonales Zentrum oder einen Grundton festgelegt sind. Arnold Schönberg schrieb 1909 mit der einaktigen Oper “Erwartung” die erste atonale Oper

Ein Arioso ist ein Musikstück für eine Solostimme und Instrumentalbegleitung, das zwischen Rezitativ und Arie liegt. Ein Arioso ist mehr gesanglich und weniger dramatisch als das Rezitativ, aber von offenerer und weniger fester Form als die Arie (Wikipedia). In den Opern von Tschaikowsky finden sich zum Beispiel Ariosi, die für den klassisch leichten russischen Tenor geschrieben wurden. Hören Sie das schöne Arioso kuda, kuda (Eugen Onegin), gesungen vom russischen Tenor Leonid Sobinov.

Autodafé kommt aus dem Lateinischen actus fidei: Urteil über den Glauben. Die feierliche Verkündigung der Urteile der Inquisitionsprozesse. Auf das Autodafé folgt die Hinrichtung, zum Beispiel die Verbrennung auf dem Scheiterhaufen. Autodafé-Szenen finden sich auch in der Oper, zum Beispiel in Don Carlo (Verdi) oder in Candide (Bernstein).

Wagner war von Anfang an klar, dass die Aufführung eines solchen Werkes wie des Ring des Nibelungen in den bestehenden Theatern kaum möglich war. Früh wurde die Idee eines eigenen Festspielhauses geboren. Doch es sollte noch 25 Jahre dauern, bis es fertiggestellt war. Die Sicherstellung der Finanzierung dieses gewaltigen Vorhabens kostete Wagner viel Arbeit. 1872 zog Wagner mit seiner Frau Cosima nach Bayreuth, und die Bauarbeiten begannen. Gemeinsam mit vielen Gönnern gelingt es ihm, Geld für die Grundsteinlegung des Festspielhauses und für den Kauf der Villa Wahnfried zu sammeln. Vier Jahre später wurde das Festspielhaus mit “Rheingold” eröffnet. Das erste Festspiel fand 1876 in Anwesenheit von Kaiser Wilhelm und der gesamten europäischen Kulturprominenz statt und wurde zu Wagners größtem Triumph seines Lebens. Mit dem Ring und dem Bau des Festspielhauses vollendete Wagner seine Vision des Gesamtkunstwerks: die Vereinigung der Künste Musik, Dichtung, Architektur und Bühnenbild.

Er beschreibt eine italienische Gesangstechnik vor 1900, die Reinheit und Zartheit des Tons, Fluss (legato), Singen mit dem Atem (canto sul fiato) und weitere dynamische Flexibilität (messa di voce) und Beweglichkeit in der Verzierung beinhaltet. Berühmte Belcanto-Komponisten waren Donizetti, Bellini und Rossini, darüber hinaus komponierte Verdi meist im Belcanto-Stil. Die ikonische Oper des Belcanto ist Norma, und eine ikonische Belcanto-Arie ist Casta diva. Ein Sänger, von dem Tonaufnahmen aus der Belcantozeit erhalten sind, ist Fernando de Lucia (1860-1925). Eine Aufnahme von Fernando de Lucia und weitere Aufnahmen zum Belcanto finden Sie unter diesem Link.

Der Name Bacchanale stammt von dem griechisch-römischen Gott Bacchus (Dyonisos), dem Gott des Weines, des Rausches, des Wahnsinns und der Ekstase. Das Bacchanale ist eine musikalische Komposition, die ein orgiastisches Fest darstellt, oft mit Tanzeinlagen. Berühmte Opernbeispiele sind das Bacchanale in Camille Saint-Saëns’ Samson und Delilah, die Venusberg-Szene in Richard Wagners Tannhäuser und derTanz der sieben Schleier aus Salome (Strauss).

Der basso buffo (ähnlich wie der basso cantante) ist eine typische Bassrolle in Opernkomödien, die eine sehr bewegliche Stimme, schauspielerische Fähigkeiten und in der italienischen Oper auch das sillabato (den schnellen Sprechgesang) erfordert. Hören Sie das berühmte sillabato aus Don Pasquale: cheti cheti und die Intrigenarie aus Il barbiere di Siviglia.

Die Bravourarie (italienisch: aria di bravura) ist ein gesungenes Musikstück, das aufgrund seiner technischen Schwierigkeit (Virtuosität) und seines musikalischen Inhalts auf Außenwirkung abzielt. Berühmte Bravourarien sind Ah, non giunge aus La Sonnambula oder Non piu mesta aus La cenerentola (Aschenputtel). Die ersten Bravour-Arien wurden für die ungemein tugendhaften Castrati komponiert. Die Arie “Venti, turbini, prestate” ist eine von Händels Bravourarien, die komponiert wurde, um Nicolinis Stimme hervorzuheben.

Ein Kastrat ist eine männliche Gesangsstimme, die der eines Soprans oder Mezzosoprans entspricht. Die Stimme entsteht durch Kastration des Sängers vor der Pubertät oder bei einem Sänger, der aufgrund einer endokrinologischen Störung nie die Geschlechtsreife erreicht (wikipedia). Die ersten Kastraten traten im 16. Jahrhundert auf. Sie wurden von den Kirchen ausgebildet und bildeten eine wichtige Säule der vokalen Kirchenmusik. Sie waren für die Kirchen sehr wichtig, da sie durch ihre Musik eine beachtliche Einnahmequelle schufen. Schon bald fanden sie Eingang in das neue Genre der Oper und Monteverdi setzte bereits in seiner ersten revolutionären Oper “Orfeo” (1607) Kastraten in Nebenrollen ein. In seiner L’incoronazione di Poppea treten Kastraten zum ersten Mal überhaupt in der Hauptrolle auf. Die Rolle des Nero, also des ersten Kastraten-Helden der Operngeschichte, wurde mit einem Sopran-Kastraten besetzt, die Buffo-Rolle der Amme (!) Arnalta, also der ersten Drag-Queen, mit einem Tenor-Kastraten. Heutzutage stellt sich die Frage, wie die Rolle des Nero mit seiner extrem hohen Tessitura besetzt werden soll. Meistens wird die Rolle von einem Kontertenor gesungen, gelegentlich auch von einem weiblichen Sopran oder einem Tenor. Die immens reiche Technik, die sich entwickelte, wurde Bel canto genannt, und die berühmtesten Kastraten waren Senesino und Farinelli. Mozarts Idomeneo war eine der letzten Opern, in denen Kastraten verwendet wurden (Ende 18. Jahrhundert). Der letzte Kastrat starb Anfang des 20. Jahrhunderts.

Die Cabaletta ist ein Teil der so genannten scena ed aria aus der italienischen Oper, die eine sehr schematische Szene mit einzelnen Figuren beschreibt. Die Abfolge der scena ed aria ist: Rezitativ (Tempo d’attacco), langsame Arie (Cavatina), Rezitativ (Tempo di mezzo), schnelle Arie (Cabaletta) und eventuell eine Stretta am Ende. Die Scena wurde von verschiedenen Aufführungen von Stichworten begleitet. Die Scena ed Aria ermöglichte es den Librettisten, die Szenen nach einem festen Schema zu schreiben, ohne dass eine langwierige Abstimmung mit dem Komponisten erforderlich war. Die Form der Scena ed Aria wurde von Rossini perfektioniert und von Donizetti, Bellini und Verdi übernommen. Eine berühmte Scena ed Aria ist: Ah si ben mio (Cavatina) gefolgt von Di quella pira (Cabaletta) aus der Oper Il trovatore (Verdi)

In der sogenannten Florentinischen Camerata (Camerata fiorentina) traf sich seit den 1570er Jahren die Elite aus Kunst und Adel mit dem Ziel, die Kunst der Antike wiederzubeleben. Das Hauptaugenmerk lag auf der Förderung der Textverständlichkeit der Vokalmusik. Das Motto lautete: prima le parole, poi la musica (erst der Text, dann die Musik). Die Musik sollte sich dem Text anpassen und ihn nicht verdunkeln. Das Ziel waren nicht kunstvolle Melodien und begnadete Einfälle, sondern ein sprachähnlicher Gesangsstil (cantar recitando). Aus diesen Bemühungen entstand die ursprüngliche Form der Oper. Jacopo Peri war ihr erster Schöpfer.

Dem Genie von Claudio Monteverdi ist es zu verdanken, dass sich diese eher leidenschaftslose Bearbeitung zum dramma per musica mit Menschen aus Fleisch und Blut entwickelte und die Leidenschaften in die Kunstform der Oper einbrachte (stile concitato)

Die Cavatina ist ein Teil der so genannten scena ed aria aus der italienischen Oper, die eine sehr schematische Szene mit einzelnen Figuren beschreibt. Die Abfolge der scena ed aria ist: Rezitativ (Tempo d’attacco), langsame Arie (Cavatina), Rezitativ (Tempo di mezzo), schnelle Arie (Cabaletta) und eventuell eine Stretta am Ende. Die Scena wurde von verschiedenen Aufführungen von Stichworten begleitet. Die Scena ed Aria ermöglichte es den Librettisten, die Szenen nach einem festen Schema zu schreiben, ohne dass eine langwierige Abstimmung mit dem Komponisten erforderlich war. Die Form der Scena ed Aria wurde von Rossini perfektioniert und von Donizetti, Bellini und Verdi übernommen. Eine berühmte Scena ed Aria ist: Ah si ben mio (Cavatina) gefolgt von Di quella pira (Cabaletta) aus der Oper Il trovatore (Verdi)

Ein Countertenor ist ein männlicher Sänger, der in Alt- oder, seltener, Sopranlage singt und dabei eine Kopfstimme oder Falsetttechnik verwendet, die durch Brustresonanz verstärkt wird (wikipedia). Der Countertenor kann in Rollen eingesetzt werden, die früher den Kastraten vorbehalten waren, aber die Stimme ist nicht vergleichbar, da sie im Falsett (Kopfstimme) erzeugt wird und nicht wie üblich mit der Bruststimme (Kastrat) klingt. Ein Beispiel für einen Countertenor kann man in diesem Link hören (Philippe Jaroussky mit Oblivion soave)

Der Ausdruck stammt aus der französischen Oper. Ein Couplet ist ein mehrstrophiges, fröhliches Lied mit einem ausgeprägten Refrain in der Art eines Rondos, mit einem wiederkehrenden Refrain. Ein Beispiel ist Chacun le sait, chacun le dit aus der Oper La fille du régiment.

In der Oper ist ein Chor eine Gemeinschaft von Sängern, in der jede Stimme mehrfach besetzt ist. Außerdem ist Chor die Bezeichnung für ein Stück, das von diesem Ensemble aufgeführt wird. Eine Liste berühmter Chorstücke finden Sie unter diesem Link.

Concertato im Sinne der Oper des 19. Jahrhunderts ist ein Ensemblestück, das sparsam begleitet oder sogar a cappella (ohne Begleitung) gesungen wird. Es findet oft nach einem colpo di scena (coup de théâtre) statt: die Zeit steht still, die Musik hört auf, und die Solisten gehen ihren Gedanken nach. Berühmte Concertati sind Questo è un nodo aviluppato (Cenerentola) oder Chi mi frena a tal momento (Lucia di Lammermoor).

Die Da-Capo-Arie war die wichtigste Arienform der Barockzeit. Die Da-capo-Arie (Da-capo bedeutet Wiederholung) wird in drei Teilen A-B-A’ geschrieben. Da-capo bedeutet Wiederholung. Normalerweise wird der A’-Teil vom Interpreten mit Koloraturen usw. verschönert. Ein Beispiel für eine berühmte da-capo-Arie ist Lascia ch’io pianga aus Rinaldo (Händel). Die Capo-Arie verlor ihre Bedeutung mit Gluck, der die Ausführenden kritisierte, weil sie Arien bis zur Unkenntlichkeit ausschmückten. Dennoch schrieb auch er Da-Capo-Arien, zum Beispiel die traumhafte Arie Ô toi, qui prolongeas mes jours aus Iphigénie en Tauride.

Ein Ensemble ist ein Stück, an dem viele Gesangssolisten beteiligt sind. Sie haben oft die Funktion eines Finales (manchmal als Concertato). In diesem Link finden Sie viele berühmte Beispiele der Opernliteratur.

Als Entr’acte (französisch: zwischen zwei Akten) bezeichnet man die Instrumentalmusik, die in der Pause zwischen zwei Akten, oft bei geschlossenem Vorhang, gespielt wird, um den Wechsel der Bühnendekoration zeitlich zu überbrücken. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurden die entr’acte zu Höhepunkten weiterentwickelt. Richard Wagner nannte sie Verwandlungsmusik. Berühmte Passagen finden sich in Rheingold (Nibelheim) und Parsifal (Glockenmotiv). Verschiedene Entr’acte des Verismo wurden unter dem Namen Intermezo bekannt (z.B. Cavalleria rusticana). Hören Sie sich diese und andere große Entre’acte in diesem Link an.

Grand opéra (französisch) ist die Bezeichnung für eine Operngattung, die nach der Französischen Revolution in Paris entstand. Die Grand Opéra basierte auf den Traditionen von Glucks Reformoper und der Opéra Comique. Rossinis “Guillaume Tell” (1829) bildete zusammen mit Aubers “Muette de Portici” (1828) und Meyerbeers “Robert le diable” (1831) den Prototyp dieser neuen Art von prächtiger Oper mit historisierenden Themen, die den Anspruch hatte, die Kunstgattungen Musik, Literatur, Tanz, Dekoration und Malerei zu verbinden. Spezialisierte Ausschüsse für jede Kunstgattung kümmerten sich um die Ausarbeitung der Details und endlose Proben deckten Schwachstellen auf, die wiederum zu Änderungen in der Komposition führten. Die Produktionen der Grand Opéra verlangten von den Künstlern, historische Stoffe mit authentischem Kolorit zu schaffen. So wurde zum Beispiel der Bühnenbildner Cicéri für die Inszenierung von Rossinis Guillaume Tell in die Innerschweiz geschickt, wo er Skizzen für die Bühnenbilder anfertigte. Das Stück wurde in seiner Blütezeit im Salle Pelletier aufgeführt, der 1873 einem Brand zum Opfer fiel. Die Werke der Grand Opéra haben fünf Akte und umfassen ein erweitertes Ballett. Die Opern wurden aufwändig geplant und mit gigantischem Aufwand inszeniert. So mussten beispielsweise für Don Carlo, der 1867 während der Pariser Weltausstellung aufgeführt wurde, 355 Kostüme genäht werden. Giacomo Meyerbeer gilt als der erfolgreichste Komponist der Grand Opéra. Richard Wagner versuchte viele Jahre lang, mit der grand opéra Erfolg zu haben, scheiterte aber mit seinem Tannhäuser an einem Fiasko, das in die Geschichte einging. Die meisten Werke dieser Gattung werden heute wegen des gigantischen Aufwands nur noch selten aufgeführt (zum Beispiel Les Hugenots oder L’Africaine).

Der Begriff Gesamtkunstwerk wird mit Richard Wagner in Verbindung gebracht. Die Musik ist nicht in Szenen und Nummern unterteilt (“Nummernoper”), sondern diese bilden eine untrennbare Einheit, die Richard Wagner “MUSIKDRAMA” nannte. Charakteristisch ist, dass die Szenen und ihre Musik durchkomponiert sind, ohne Unterbrechungen (wie Terzette, Finals, Rezitative usw.). Wiederkehrende Motive (LEITMOTIV) schaffen Kohärenz. Ein Paradebeispiel in diesem Sinne ist Wagners Werk Tristan und Isolde, sein Ring des Nibelungen oder Parsifal, den er nicht mehr als Oper bezeichnete. Wagner verstand seine Opern je länger je mehr als “GESAMTKUNSTWERK”, in dem die Künste Musik, Schauspiel, Malerei/Bühnenbild und Poesie vereint sind. Für Wagner war es wichtig, dass er nicht nur der Komponist, sondern auch sein eigener Librettist war und dass er in Bayreuth ein eigenes Theater für sein Gesamtkunstwerk schaffen konnte.

Die Habanera ist ein Musikstück kubanisch-afrikanischer Herkunft, das eine provokante sexuelle Anspielung mit sinnlichen Bewegungen enthält. Mit der Habanera L’amour est un oiseau rebelle hat Bizet ein wahres Charakterporträt der Rolle der Carmen gezeichnet. Selten wurde eine der großen Rollen in der Opernliteratur durch nur eine Arie definiert wie Carmen mit der Habanera. Bizet hat das Hauptthema einem Werk des Spaniers Yradier entnommen, der einige Zeit in der Karibik verbracht hatte. Bizet verwendete für Carmen eine chromatische Gesangslinie. Die Strophen stehen in einer Moll-Tonart, der Refrain in Dur. Das Orchester begleitet Carmen mit einem Ostinato-Motiv der Celli und verstärkt so den hypnotischen Charakter ihrer Habanera.

Im Gegensatz zur italienischen Oper wurden in der französischen Tragédie lyrique keine Kastraten eingesetzt, weshalb sich in Frankreich der haut-contre, ein Tenor mit einem Stimmumfang bis in die hohe Lage, entwickelt hatte.

Der hochdramatische Sopran ist das weibliche Gegenstück zum Heldentenor. Es ist eine Sopranstimme mit strahlender Kraft. Außerdem muss sie Rollen mit extremen Gefühlsausbrüchen singen. Typische Rollen sind Salome (Strauss), Elektra(Elektra) Brünnhilde (Götterdämmerung) und Isolde (Tristan und Isolde). Herausragende Rollenvertreter waren Kirsten Flagstadt, Frida Leider und Birgit Nilsson. Nina Stemme gehört in unseren Jahren ebenfalls zu diesem Kreis. Ein anschauliches Zitat von Christa Ludwig, einer berühmten Mezzosopranistin, die auch viele hochdramatische Rollen gesungen hat: “Ein hochdramatischer Sopran hat enorme Stimmbänder. Es gibt wenige hochdramatische Sänger, die die Modulationsfähigkeit für den Liedgesang haben. Sie können nicht mit solchen subtilen Farben malen, weil die Stimmbänder besonders robust und dick sind. Ein Hals-Nasen-Ohren-Arzt sagte mir einmal: “Die Stimmbänder der Nilsson sind so breit wie ein Daumen. Und meine sind so zart wie ein Wollfaden.”

Es handelt sich um eine Tenorstimme mit strahlender Kraft in der dramatischen Stimmlage. Dieses Fach wird nur von wenigen Tenören beherrscht. Die Rollen sind erfahrenen Sängern vorbehalten, da eine junge Stimme schnell beschädigt werden kann. Die körperlichen Anforderungen an den Sänger sind immens. Die Dauer der Oper ist meist sehr lang und die Begleitung durch das Orchester ist laut und dicht. Tannhäuser ist wohl die schwierigste Heldentenorpartie. Die Zahl der herausragenden Vertreter dieses Fachs ist klein, die Künstler sind gefragt und meist Jahre im Voraus gebucht. Entsprechend muss ihre Stimme ein großes Orchester übertönen. Zu den Heldentenor-Rollen gehören Siegmund (Walküre) oder Lohengrin. Dies ist der Link zur Heldentenor-Arie In fernem Land aus Lohengrin. Der vermutlich größte Heldentenor der Geschichte warLauritz Melchior. Große deutsche Wagner-Tenöre waren Max Lorenz und Franz Völker oder heute Peter Seiffert und Jonas Kaufmann.

Lamento bezeichnet ein trauriges Lied aus den Opern des 17. und 18. Jahrhunderts. Eine absteigende chromatische Tonfolge bildet zusammen mit wirkungsvollen Pausen das klassische Seufzermotiv, das ein wichtiges Element des Lamentos ist. Monteverdi war der Erfinder des Lamento. Mit seiner Opernsprache wollte er die Gefühle der Menschen ausdrücken. Monteverdi war der Meinung, dass die Musik die Menschen zum Weinen bringen sollte, nicht zum Diskutieren. Die Musik sollte nicht starren Regeln folgen, sondern der menschlichen Befindlichkeit Raum geben und sie ausdrücken. Eine der aufsehenerregendsten Folgen waren Monteverdis Dissonanzen. Für seine Zeitgenossen waren dies Monstrositäten, die extreme Gemütszustände darstellten und damals heftige Polemiken auslösten. Das berühmte “Lasciatemi morire” aus der Oper “Arianna” – der Schmerzensschrei – kann zur Illustration herangezogen werden. Hören Sie das berühmte Lamento aus Händels Rinaldo, Lascia ch’io pianga. Purcells When I am laid in earth ist eine der großen Arien der Opernliteratur, ein Lamento, ein klassisches Produkt der Barockoper. Sie ist ungewöhnlich wirkungsvoll geschrieben und gehört zu den wenigen barocken Lamentos, die den Zuhörer wirklich zu Tränen rühren können.

Messa di voce ist eine Technik aus dem Belcanto. Sie beinhaltet ein Zu- und Abnehmen des Stimmvolumens während des Dauertons, idealerweise von pianissimo zu fortissimo und umgekehrt, ohne die Tonhöhe und andere Aspekte wie Intonation und Vibrato zu verändern. Die Kastraten der Barockzeit, die in der Regel von sehr kräftiger Statur waren, konnten so ihre kontrollierte Kraft und ihr Lungenvolumen demonstrieren.” (Wikipedia). Hören Sie sich ein messa di voce aus Händels berühmter Arie Cara Sposa aus Rinaldo an: Nach einer chromatischen Einleitung durch die Streicher beginnt die Stimme mit einem großen messa di voce. Die folgenden Noten müssen mit größtem Legato und chromatischen Notenwechseln gesungen werden, um die Trostlosigkeit des Augenblicks zu erzeugen.

Monologe sind aussagekräftige Soloszenen, die eine nachdenkliche Person zeigen. Die Worte sind nicht direkt an einen Zuhörer gerichtet, der Monolog dient oft dazu, Gedanken und seelische Vorgänge einer Person hör- oder lesbar nach außen zu tragen und so für den Betrachter oder Zuhörer deutlich zu werden. In vielen Werken bilden Monologe einen dramatischen Höhepunkt oder markieren einen Wendepunkt in der Handlung (Wikipedia). Berühmte Beispiele in der Opernliteratur sind Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) oder der Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

Monologe sind aussagekräftige Soloszenen, die eine nachdenkliche Person zeigen. Die Worte sind nicht direkt an einen Zuhörer gerichtet, der Monolog dient oft dazu, Gedanken und seelische Vorgänge einer Person hör- oder lesbar nach außen zu tragen und so für den Zuschauer oder Zuhörer deutlich zu werden. In vielen Werken bilden Monologe einen dramatischen Höhepunkt oder markieren einen Wendepunkt in der Handlung (Wikipedia). Berühmte Beispiele in der Opernliteratur sind Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) oder der Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

Mozarts Tenorpartien erfordern eine bewegliche und lyrische Stimme, da sie meist nur Emotionen zu singen haben, da die Handlung und deren Dramatik in den Rezitativen stattfindet. Dennoch sind sie virtuos, denn sie erfordern einen langen Atem, schöne Koloraturen und sind sehr abwechslungsreich. Mozarts Lieblings-Tenorarie war “O wie ängstlich, wie feurig klopft mein liebevolles Herz” aus Die Entführung aus dem Serail. Hören Sie es gesungen von dem großen Mozart-Tenor Fritz Wunderlich.

Der Begriff “Opéra comique” ist etwas irreführend. Er wurde im 18. Jahrhundert erfunden, um sie von der tragédie lyrique mit ihren Göttern und Adligen in den Hauptrollen zu unterscheiden. Sie wurde zur Oper des Bürgertums und des Volkes, und das wichtigste Stilelement waren die gesprochenen Dialoge (anstelle der musikalisch begleiteten Rekitativen). Das Spektrum reicht von Komödien bis zu Dramen mit maximal drei Akten. Die bekanntesten Werke dieser Gattung sind Carmen (Bizet), Medée (Cherubini), Les contes d’Hoffmann (Offenbach), Faust (Gounod) und Manon (Massenet). Der Begriff “Opéra comique” bezeichnet nicht nur ein Genre, sondern auch einen Ort in Paris und ist bis heute eine französische Institution. Die heutige Opéra comique (in Paris auch als Salle Favart bekannt) ist ein wunderschönes historisches Theater und geht auf das Jahr 1898 zurück. Die beiden Vorgängertheater brannten ab, darunter auch das Uraufführungstheater von “Carmen”; das Feuer ereignete sich 1887 und kostete etwa 100 Menschen das Leben.

Es ist ein Begriff aus der Oper buffa, er bezeichnet schnelles Singen mit gut artikulierter Aussprache und leichter Intonation, wobei auf den Rhythmus geachtet wird.

Die Tragédie lyrique ist eine Gattung der französischen Oper des späten 17. und 18. Jahrhunderts. Als Erfinder der Tragédie lyrique kann Jean-Baptiste Lully (z. B. Alceste) gelten, der diese Form in den 1670er Jahren entwickelte. In ihrer aristokratischen Form ähnelt sie im Wesentlichen der opera seria. Ein weiterer herausragender (späterer) Vertreter war Rameau (z.B. Les indes galantes). Im Laufe der Zeit wurde die tragédie lyrique zweimal zum Gegenstand des Kulturkampfes. Beide Male ging es um die Rivalität mit der italienischen Oper. Im Buffonistenstreit (um 1750) propagierte Rousseau die Natürlichkeit der italienischen Oper; zwanzig Jahre später eskalierte der Piccinistenstreit (um die Komponisten Piccinni und Gluck) zugunsten der Gluckschen Reformoper. Die Französische Revolution verursachte eine Zäsur und das Ende dieser Gattung. Die Tragédie lyrique entwickelte sich daraufhin in zwei Strömungen. Zum einen in die Opéra comique (Volksoper) und zum anderen in die Gran Opéra (Oper des gehobenen Bürgertums und der Aristokratie).

Das Rezitativ (von italienisch recitare “rezitieren”) ist eine Form des Gesangs, die sich der Sprache annähert. Während des Rezitativs hat der Sänger die Freiheit, den Text rhythmisch zu deklamieren. Es gibt zwei Formen des Rezitativs: Das Secco-Rezitativ wird nur von einem Basso continuo begleitet und erlaubt die größte rhythmische Freiheit. Beim Accompagnato-Rezitativ wird der Sänger von einem Orchester begleitet, das sich kompositorisch an der Interpretation des gesungenen Inhalts beteiligt, was zu strengeren rhythmischen Zwängen führt (Wikipedia). Die Rolle des Rezitativs hat sich in der Geschichte der Oper weiterentwickelt. In der Frühzeit (17. Jahrhundert) und in der Opera seria (18. Jahrhundert) war es der Träger der Handlung. Im 19. Jahrhundert wurde zwischen dem unbegleiteten gesprochenen Dialog (opéra comique, Singspiel, opera buffa) und dem begleiteten Dialog (Rezitativ) unterschieden. Dabei verlagerte sich ein Teil der Handlung in die gesungenen Passagen. Dies änderte sich mit Richard Wagner und dem späten Verdi. Die Unterscheidung zwischen Rezitativ und Arie wurde aufgehoben und es entstand das durchkomponierte sogenannte Musikdrama.

Die Opera seria war die vorherrschende Gattung der Opernmusik von 1700 bis 1800 (mit Ausnahme Frankreichs –> Tragédie lyrique). Sie war die Kunstform des Adels, die das heroische und edle Gemüt dieser Klasse betonen sollte. Das Thema der Oper war meist ein mythologischer Stoff. Im 18. Jahrhundert wurde diese Stilrichtung von Pietro Metastasio vertreten, dessen Libretti von vielen Komponisten mehrfach vertont wurden. Metastasios Werk wurde so zu einem stilbildenden Werk. Ab 1730 war Metastasio in Wien tätig, was ihm auch im deutschen Sprachraum enormen Einfluss verschaffte. Selbst Mozart vertonte Metastasios Stoff (La clemenza di Tito und il re pastore). Die berühmtesten Komponisten, die Opern im Stil der Opera seria komponierten, sind Alessandro Scarlatti, Johann Adolf Hasse, Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Händel, Giovanni Battista Pergolesi, Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn, Antonio Salieri, Domenico Cimarosa und Wolfgang Amadeus Mozart (u.a. Idomeneo). Gluck reformierte die Opera seria. Er war der Meinung, dass das Musiktheater unter den stereotypen Charakteren und den manchmal grotesken Handlungen litt. Zu diesem Zweck wurden die Werke von Sängern gesungen, die die Musik manchmal bis zur Unkenntlichkeit verschönerten. Drama, Ethik und echte Gefühle waren von der Bühne verschwunden.

Für Tenöre und Soprane ist es ein Kraftakt, diesen hohen Ton zu erreichen. In der Regel kommen sie in italienischen Opern in zwei oder drei Passagen einer Oper vor. Das hohe C wurde zu Rossinis Zeiten mit der Kopfstimme gesungen, danach aber über hundert Jahre lang bis heute mit der Bruststimme (Vibrationen im Brustkorb).Lesen und hören Sie mehr unter diesem Link.

Intermezzo ist das Äquivalent zu Entr’acte (französisch: zwischen zwei Akten) und bezieht sich auf Instrumentalmusik, die in der Pause zwischen den Akten gespielt wird, oft bei geschlossenem Vorhang, da die Musik den Wechsel der Bühnendekoration zeitlich überbrückt. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurden die Entr’acte zu Höhepunkten weiterentwickelt. Richard Wagner nannte sie Verwandlungsmusik. Berühmte Passagen finden sich im Rheingold und im Parsifal. Verschiedene Werke des Verismo wurden unter dem Namen Intermezo berühmt (z.B. Cavalleria rusticana). Diese und andere große Intermezzi können Sie unter diesem Link hören.

Ein Leitmotiv ist ein künstlerisches Mittel, das als musikalisches Motiv in einem Werk immer wieder verwendet wird. Sie dienen dem Hörer als Gedächtnisstütze und erlangen so eine semantische Bedeutung als Erzähler. Diese musikalischen Motive können an Handlungen, Personen oder Gegenstände gebunden sein. Carl Maria von Weber war der erste, der Leitmotive konsequent einsetzte (zum Beispiel im Freischütz, siehe hier die ausführliche Liste der Leitmotive in der berühmten Ouvertüre). Richard Wagner hat die Verwendung von Leitmotiven am konsequentesten fortgesetzt. Leitmotive wurden in vielen seiner Werke zu einem kompositorischen Prinzip. In diesem Link finden Sie eine Beschreibung der 70 wichtigsten Leitmotive von Richard Wagner.

Opera buffa bezeichnet die italienische komische Oper, im Gegensatz zur ernsten Opera seria. In der Opera buffa spielen meist Personen aus dem Volk die Hauptrollen (z. B. der Barbier Figaro). Die Opera buffa hat ihren Ursprung zum Teil in der italienischen Commedia dell’arte. Berühmte Opern sind Il barbiere di Siviglia (Rossini) oder Elisir d’amore (Donizetti). Rezitativische Szenen wechseln sich oft mit gesungenen Szenen ab. Die Handlung der Oper ist meist lustig oder sogar absurd. Die Musik ist meist spritzig, gelegentlich unterbrochen von nostalgischen Arien. Die französische opéracomique sollte nicht mit der Opera buffa gleichgesetzt werden, das Genre unterscheidet sich stark.

Eine Ouvertüre eröffnet die Oper. Sie ist in der Regel als Instrumentalstück ohne Singstimme komponiert. Sie kann Themen oder Motive der Oper vorwegnehmen oder frei komponiert sein, andere Bezeichnungen sind: “SINFONIA”, “PRÉLUDE”, “VORSPIEL”, “INTRODUZIONE”. In den Anfängen der Oper gab es verschiedene Formen dieser Eröffnungen. Im 19. Jahrhundert wurden die Begriffe zunehmend austauschbar. In diesem Link finden Sie eine Liste der schönsten Ouvertüren und ihrer schönsten Interpretationen.

Es handelt sich um einen dramatischen Wendepunkt in der Handlung aufgrund eines überraschenden Ereignisses. Oft führt das Ereignis zu einem Concertato mit Solostimme und Chor. Berühmte Beispiele sind Bella figlia d’amore aus Rigoletto oder Chi mi frema a tal momento aus Lucia di Lammermoor.

Das Libretto ist das Textbuch der Oper, das die Handlung und den Sprechtext enthält. Oft sind auch Regieanweisungen im Libretto zu finden. Der Librettist ist der Autor des Librettos und ist in der Regel ein Literat oder Dichter. In der Opera seria war es üblich, mehrere Entwürfe zu verwenden. In der Romantik wurde es üblich, die Texte für die Oper zuzuschneiden. Oft wurden literarische Vorlagen verwendet, die vom Librettisten übernommen wurden (z. B. la dame aux camélias für La Traviata). Puccini trennte die Aufgabe des Librettisten in die des Dramatikers (oft Luigi Illica) und des Textdichters (oft Giuseppe Giacosa). Richard Wagner schrieb die Libretti für die meisten seiner Opern selbst. Langjährige und berühmte Partnerschaften zwischen Librettisten und Komponisten unterhielten Mozart und da Ponte, Bellini und Felice Romani, Verdi und Francesco Maria Piave sowie Salvatore Cammarano. Berühmt war die Schreibfabrik von Eugene Scribe im Paris des 19. Jahrhunderts, der mit Hilfe von Mitarbeitern etwa 400 Theaterstücke schrieb, von denen viele für Opern verwendet wurden (zum Beispiel “Les Huguenots” oder “Il ballo in maschera”).

Lieder sind schlichte Kompositionen für Sängerinnen und Sänger. Die Musik ist volkstümlich, der Text, das Metrum und der Rhythmus bleiben unprätentiös. In der Regel werden die Strophen mit einem Refrain abgeschlossen. Das Lied hatte seine Blütezeit in der Oper zwischen 1780 und 1830. Berühmte Lieder für die Oper sind Durch die Wälder durch die Auen (Der Freischütz) oder Der Vogelsänger bin ich ja (Die Zauberflöte). Selbst Wagner komponierte mit Winterstürme wichen dem Wonnenmond (Die Walküre) ein liedähnliches Stück. Außerdem tauchen gelegentlich Wiegenlieder in Opern auf.

Eine Persiflage (von französisch persifler “verspotten, lächerlich machen”) ist eine witzige, nachahmende und oft kritische Verspottung eines Genres. In der Oper gibt es zahlreiche Persiflagen auf berühmte Vorbilder. Zum Beispiel ist Elisir d’amore eine Persiflage von Tristan und Isolde.

Die Tessitura beschreibt den Stimmumfang einer Rolle innerhalb einer Gesangsgattung. Zum Beispiel enthält die Tenorrolle des Calaf (Turandot) viele Passagen im und über dem Passaggio (dem Übergang zwischen Brust- und Kopfstimme) und hat daher eine hohe Tessitura.

Ursprünglich war die Primadonna (italienisch: erste Frau) die wichtigste Sopranistin in einem Ensemble. Im Laufe der Zeit wurde der Begriff mit einem negativen Unterton verwendet (großartige Stimme, aber launische Person). Der Beiname “Assoluta” als war nicht nur ein Ehrentitel für die wichtigste Sopranistin einer Epoche, dieser Zusatz gebührt nur Künstlerinnen, die Rollen verschiedener Fächer gerecht werden. Maria Callas zum Beispiel war eine Assoluta, weil sie sowohl in dramatischen als auch in Koloraturrollen zu den Besten gehörte. Besonders kapriziöse Primadonnen werden auch Divas genannt.

Eine Premiere ist die erste Aufführung einer Opernproduktion. Premieren werden auch Erstaufführungen und Erstaufführungen genannt, wenn das Werk zum ersten Mal aufgeführt wird. Das Wort kommt aus dem Französischen: première = “erste”. Berühmte Premieren in der Operngeschichte waren das Fiasko des Barbiere di Siviglia, die turbulente Geschichte der Oper Tristan und Isolde oder der vielleicht triumphalste und überraschendste Erfolg der Operngeschichte von Cavalleria rusticana.

Unter einem Koloratursopran versteht man in der Opernmusik eine Sopranstimme mit Koloraturfähigkeit, d.h. einer besonderen Beweglichkeit, vor allem in der Höhe. Dazu gehört vor allem das Singen langer Tonketten mit Trillern und anderen Verzierungen. Die Koloraturtechnik kam mit dem Auftreten der Kastraten in der Oper im 17. Jahrhundert auf. Berühmte Kastraten waren Farinelli und Senesino. Mit Rossini und Bellini setzte sich der Koloratursopran durch. Berühmte Koloratursoprane waren: Isabella Colbran, Jenny Lind und Adelina Patti im 19. Jahrhundert. Im 20. Jahrhundert: Lisa Tetrazzini, Joan Sutherland, Marylin Horne, Teresa Berganza und Edita Gruberova. Heutzutage ist die bekannteste Koloratursopranistin Cecilia Bartoli. Berühmte Werke für Koloratursopran sind La sonnambula oder Il barbiere di Siviglia. Mit Verdi, Bellini und Donizetti wurde der Koloratursopran des Rossini-Stils dramatischer und die Koloraturen wurden gezielter eingesetzt, der Komponist fügte Volumen und Ausdruck hinzu. Diese Mischung brachte den dramatischen Koloratursopran hervor (z.B. Lucia in Lucia di Lammermoor, Norma in Norma und Abigail in Nabucco. Die ikonische dramatische Koloratursopranistin war Maria Callas.

Das Repertoire umfasst die Werke der Opernliteratur, denen ein herausragender künstlerischer Wert zugeschrieben wird, der sich über einen längeren Zeitraum entwickelt und gefestigt hat. Je nach Quelle werden dem Repertoire zwischen 50 und 150 Opernwerke zugeschrieben. Finden Sie unter diesem Link die Rangliste der 50 meistgespielten Opern (weltweit). Der Umfang und die Auswahl können je nach Region und Epoche variieren. Das Repertoire unterliegt Modeströmungen, so haben beispielsweise die Belcanto-Renaissance der 1950er Jahre und die Barock-Renaissance der 1980er Jahre Werke der jeweiligen Epochen wieder ins Repertoire aufgenommen. Der Begriff “Repertoire” kann auch zur Bezeichnung eines Systems verwendet werden: in der Theaterpraxis wird zwischen dem Repertoiresystem und dem Stagionesystem unterschieden. Mehr dazu: siehe Beschreibung unter “Was ist ein Stagione-System.

Bei Wahnsinnsszenen wird eine normale Person in einen Zustand geistiger Umnachtung versetzt. Dieser Zustand wird in einer großen Arie dargestellt. Wahnsinnsszenen waren in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts sehr beliebt. Am bekanntesten ist die Szene aus Lucia di Lammermoor. Andere berühmte Wahnsinnsszenen sind die aus Boris Godunov, Macbeth, Pique Dame und La Sonnambula (Schlafwandlerszene).

Man unterscheidet zwischen der (frühen) goldenen Operette in Paris, der (späten) silbernen Operette und der späten Operette in Wien. Der Erfinder der Operette war zweifelsohne Jacques Offenbach, der mit 14 Jahren seine Ausbildung am Pariser Konservatorium begann und mit seiner Familie aus Köln kam. Im Jahr 1855 eröffnete er sein eigenes Theater und komponierte drei Jahre später die Mutter aller Operetten, Orpheus in der Unterwelt. Das Werk wurde schnell in ganz Europa populär und das Theater an der Wien beauftragte Franz von Suppé, eine österreichische Operette zu komponieren, was er 1860 mit “Das Pensionat” tat. Der Rest ist Geschichte, die Ära von Johann Strauss und anderen brach an und wurde zu einem silbernen Zeitalter. Sie endete in Paris bereits 1880 mit dem Tod von Offenbach und in Wien mit dem Tod von Millöcker, Strauss und von Suppé 18 bzw. 1895. Lehar belebte das Genre noch einmal neu, und es endete schließlich in den 1930er Jahren. Was blieb, war das Erfolgsrezept dieses Stils. Der Operettenkodex, den Lehar verinnerlichte, setzte sich aus Elementen der Wiener und Pariser Operette zusammen: Frivolität, Satire und höherer Blödsinn / Schnelle, musikalische Nummern wie Galopp, Cancan / Vielfältige Verwendung von Tanzrhythmen, in Wien vor allem des Walzers / Einfache, wirkungsvolle Harmonien, meist in Dur / Musikalisches Lokalkolorit / Sympathische Rollencharaktere / Romantische Liebesgeschichten / Happy End. Die meistgespielten Operetten sind Die lustige Witwe und Die Fledermaus

Gluck war der Reformator der opera seria. In den ersten vierzig Jahren seines Lebens war Gluck buchstäblich in ganz Europa als Musiker tätig. Er gewann einen tiefen Einblick in die Opernpraxis des Kontinents. Er hatte den Eindruck, dass die Opera seria unter der Schablonenhaftigkeit der Charaktere und der manchmal grotesken Natur der Handlungen litt. Zu diesem Zweck wurden die Werke von Sängern gesungen, die die Musik manchmal bis zur Unkenntlichkeit ausschmückten. Drama, Ethik und echte Gefühle waren von der Bühne verschwunden. Um dem entgegenzuwirken, war Gluck vor allem auf einen geeigneten Librettisten, einen echten Dramatiker und Texter angewiesen. Er fand ihn in der Person von Raniero de Calzabigi. Der Italiener Calzabigi schrieb für den deutschen Komponisten unter anderem deshalb, weil ihn der lärmende und chaotische italienische Theaterbetrieb abstieß. Die wichtigsten Grundsätze waren: Wort vor Musik, wenig Schauspielrollen, der Chor wird zur handelnden Person und echte Gefühle statt Affekt und Virtuosität. Die endlos langen (und langweiligen) Secco-Rezitative fielen weg, Rezitative wurden durchkomponiert und kurz gehalten. Auch die dominante da capo aria (ABA’) wurde abgeschafft. Während die Sänger die Musik des Komponisten im A-Teil mehr oder weniger im Original belassen haben, wurde der A’-Part mit Koloraturen, Kadenzen und Verzierungen dem Geschmack der (eitlen) Sänger überlassen. Die wichtigste Reformoper war Orfeo ed Euridice.

Mit dem Ensemblestück “Nella testa ho un campanello” aus Italiana in Algeri beschreibt Rossini die grenzenlose Verwirrung der Figuren. Alle sind nur in der Lage, wirre Geräusche wie “tac tac”, “din din”, “bum bum” usw. zu machen. Während die Sänger ein schillerndes Stakkato von Tönen stammeln, erzeugt das Orchester über mehrere Minuten ein gewaltiges Accelerando: das legendäre Rossini-Crescendo war geboren. Diese Art von Musik war völlig neu und brachte das Publikum zum Toben. Mit diesem Finale gab Rossini zum ersten Mal seine mitreißende Visitenkarte seiner Musik ab.

Die Soubrette (ursprünglich französisch für Magd, Dienerin) ist ein Rollenfach für einen leichten, lyrischen Sopran mit einer beweglichen Stimme (Koloratur) und guten Höhen. Soubrettenrollen werden in der Regel in jungen Jahren zu Beginn der Karriere angenommen. Bekannte Rollen sind Adele (Fledermaus), Aennchen (Der Freischütz), Despina (Cosi fan tutte), Norina (Don Pasquale), Zerlina (Don Giovanni), usw.

Regieoper ist das deutsche Wort für Regie-Oper. In der Regieoper wird der Interpretation des Operninhalts großes Gewicht beigemessen. Die Interpretation kann (muss aber nicht) von der Intention des Komponisten oder Librettisten abweichen. Die Botschaft der Oper soll modernisiert werden, um zeitgenössische Aspekte anzusprechen. Häufig werden Visualisierungen mit Schockeffekt verwendet (Sexualität, Nazi-Symbole, Waffen usw.). Die Grundlage für diese Entwicklung wurde von Walter Felsenstein gelegt, der in den sechziger Jahren an der Komischen Oper in Berlin den Begriff “Musiktheater” prägte. Als wesentlichster, früher Meilenstein der Regieoper kann der sogenannte Jahrhundertring genannt werden: 1976 inszenierte der Filmregisseur Patrick Chéreau als erster Ausländer einen Ring in Bayreuth. Zusammen mit seinem Dirigenten-Kollegen Pierre Boulez entwickelte er eine sozialistische Interpretation des Rings (basierend auf einer Interpretation von G.B. Shaw aus dem 19. Jahrhundert), die die Handlung nicht in einer mythischen Landschaft, sondern in einer Gesellschaft der industriellen Revolution ansiedelte. Die Inszenierung führte zu heftigen Protesten, wurde aber 5 Jahre später mit großem Beifall angenommen. Dieser so genannte “Ring des Jahrhunderts” hatte einen enormen Einfluss auf die Regiearbeit in den Opernhäusern und wurde zur Grundlage für die folgende Ära der Regieoper.

Das stagione-System (italienisch: stagione = Saison) ist eine Betriebsform von Opernhäusern, die im Gegensatz zum Repertoiresystem steht. Opernhäuser, die nach dem Stagionesystem arbeiten, nehmen pro Saison nur eine begrenzte Anzahl von Opern in ihr Repertoire auf. Dabei handelt es sich in der Regel um Neuinszenierungen. Während der Probenzeit bleibt das Theater oft geschlossen. Die Produktionen werden dann in längeren Serien (etwa zehn Vorstellungen) gezeigt und anschließend abgesetzt. Wiederaufnahmen älterer Produktionen sind eher die Ausnahme. Aus diesem Grund erscheinen die meisten Repertoirestücke jahrelang nicht im Repertoire, bis eine neue Produktion inszeniert wird. (Wikipedia)

Der Verismo ist das italienische Gegenstück zur Spätromantik des späten 19. Jahrhunderts im nördlichen Teil Europas. Mascagnis Cavalleria rusticana war das erste musikalische Werk dieses Stils. Das Genre des Verismo verband realistisches Theater mit rauer, emotionaler Musik. Um die größtmögliche Wirkung zu erzielen, wollte die Musik heftige Leidenschaften und intensive Gefühle ausdrücken. Sie sollte das Herz des Zuhörers berühren und an seine sensible Seite appellieren. Der “künstliche”, verzierte Belcanto-Klang wurde zugunsten von dramatischen Gesangslinien aufgegeben. Es gibt keine genaue Definition des Verismo, aber im Pagliaccio lässt der Komponist Leoncavallo Tonioim Prolog einen charakteristischen Satz sagen: Die Menschen auf der Bühne sind “aus Fleisch und Blut”. Der Prolog wurde zum Programm des Verismo. Andréa Chénier und Adriana Lecouvreur sind weitere wichtige Werke dieser Gattung. Auch Puccini lässt sich teilweise dem Verismo zuordnen. Sein dem Verismo am nächsten stehendes Werk war Tosca.

Die sogenannte scena ed aria ist ein Strukturelement aus der klassischen italienischen Oper, das eine sehr schematische Szene einzelner Figuren beschreibt. Der Ablauf der Scena ed Aria ist: Rezitativ (Tempo d’attacco), langsame Arie (Cavatina), Rezitativ (Tempo di mezzo), schnelle Arie (Cabaletta) und eventuell eine Stretta am Ende. Die Scena wurde von verschiedenen Aufführungen von Stichworten begleitet. Die Scena ed Aria ermöglichte es den Librettisten, die Szenen nach einem festen Schema zu schreiben, ohne dass eine langwierige Abstimmung mit dem Komponisten erforderlich war. Die Form der Scena ed Aria wurde von Rossini perfektioniert und von Donizetti, Bellini und Verdi übernommen. Eine berühmte Scena ed Aria ist: Ah si ben mio (Cavatina) gefolgt von Di quella pira (Cabaletta) aus der Oper Il trovatore (Verdi)

Ein Begriff aus den Anfängen der Oper (frühes 17. Jahrhundert. Jh.) und steht im Gegensatz zur mehrstimmigen, traditionellen prima pratica der vorangegangenen Epoche. Monteverdi verwendete den Begriff seconda pratica für seine monodischen, textlich verständlichen, leidenschaftlichen, dissonanten Arien. (Verdi)

Das deutschsprachige Singspiel geht auf das 18. Jahrhundert zurück. Wie unterscheidet sich das deutschsprachige Singspiel von der italienischen Oper? Die Unterscheidung erfolgt häufig durch die Verwendung von gesprochenen Dialogen des Singspiels im Gegensatz zu den Rezitativen der italienischen Oper und der liedhaften Musik des Biedermeier (=frühe deutsche Romantik). Die drei bekanntesten Opern der Gattung Singspiel sind Mozarts Zauberflöte, Beethovens Fidelio und Carl Maria von Webers Freischütz. Das Singspiel war das Genre des Volkes. Opern wie der Freischütz wurden im Geist der Zeit geschrieben, als Märchenstoffe beliebt waren. Das vielleicht eindrucksvollste Musikstück ist die berühmte Wolfsschlucht-Szene aus dem Freischütz.

Der Spinto-Tenor ist die etwas schwerere Tenorstimme. Sie liegt zwischen dem lyrischen Tenor und dem Heldentenor. Die Stimme des Spinto-Tenors ist kraftvoll und brillant in den hohen Tönen. Verdis Tenorrollen sind in der Regel Spinto-Rollen (Manrico, Riccardo, Radames usw.). Es ist die Domäne von berühmten Tenören wie Caruso, Pavarotti und Domingo.

Der tenore di grazia ist eine italienische Opernbezeichnung für einen Tenortyp, der zwischen dem leggiero-Tenor (deutsch: Spieltenor oder Tenor buffo) und dem schwereren lyrischen Tenor liegt. Er zeichnet sich vor allem durch elegante Phrasierung, stimmliche Beweglichkeit und meist warme (“süße”) oder sehr leichte Stimmfärbung aus. Die Gattung entstand während der großen Zeit des romantischen Belcanto-Stils zwischen ca. 1810 und 1850, als diesem Tenor-Typus häufig die Rollen von Liebhabern oder jugendlichen Helden zugewiesen wurden (Quelle: Wikipedia). Berühmte Tenöre waren Tito Schipa, Alfredo Kraus und Nicolai Gedda. Youtube-Videos sind unter diesem Link zu finden.

Dieser Begriff stammt aus der musikalischen Sprache Verdis und es gibt keine formale Definition für ihn. Worum handelt es sich? Ab “Nabucco” stattete Verdi jede seiner Opern mit eigenen musikalischen Grundfarben und musikalischer Charakterisierung (rhythmische Strukturen, Harmonien usw.) aus. In “La traviata” waren es z.B. die Walzerrhythmen der bürgerlichen Gesellschaft oder in “Aida” u.a. der Einsatz einer speziell entwickelten Aida-Trompete (die Fanfaren der Faranoa). Für Verdi war die Entwicklung der charakteristischen Tinta einer Oper ein wichtiger Teil der Kompositionsarbeit, aber auch ein mühsamer (“il piu fatticoso lavoro”), denn die Tinta wurde strategisch entwickelt, sie musste die Szenen & Handlung unterstützen und die historische Einbettung der Oper widerspiegeln. Weitere Beispiele und Illustrationen finden Sie unter diesem Link und im Opernführer zu Nabucco.

Er ist ein Teil der Tristan-Harmonie von Richard Wagner (aus der Oper Tristan und Isolde). Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Wagner die Harmonie von der Melodie ablöste und durch Chromatik ersetzte. Dies war jedoch kein Selbstzweck (wie später bei den Komponisten der atonalen Musik), sondern ein Ausdrucksmittel, um die ungestillte Liebe durch endlose chromatische Entwicklungen darzustellen. Für diesen Zustand des Schmerzes gibt es nur eine mögliche Erlösung: sterben, vergehen, nie wieder aufwachen! In diesem Werk hält Wagner dem Hörer diese Auflösung der Dissonanzen vier Stunden lang vor Augen, bis sie schließlich im letzten Akkord der Oper mit dem Tod Tristans und dem Verstummen Isoldes erklingt. Der Tristan-Akkord erklingt zum ersten Mal gleich zu Beginn der Oper im Vorspiel. Bei diesem berühmten Zusammentreffen der beiden Motive erklingt der legendäre “Tristan-Akkord”, ein Akkord mit einer seltsam schwebenden Dissonanz, der weder Schmerz noch Freude ausdrückt, sondern eine Art “unbestimmte Suche nach Auflösung”. Die Auflösung kommt erst nach vier Stunden, mit dem sogenannten “Liebestod”. Es ist eigentlich kein Tod, sondern, wie Wagner die Szene nannte, eine “Verklärung”, oder wie Isolde es ausdrückt: “Ertrinken – versinken – unbewußt höchste Lust!” (“Ertrinken – versinken – unbewusst höchste Lust!”). Und die Auflösung der Tristan-Dissonanz der Ouvertüre erfolgt schließlich mit den beiden berühmten B-Dur-Schlussakkorden.

In einer Reihe von Opern gab Verdi dem Bariton die Hauptrolle. Mit der im Vergleich zum Tenor dunkleren, tieferen Stimme wollte Verdi das dramatische Niveau erhöhen. Diese Rolle entwickelt eine große dramatische Kraft und erfordert eine große stimmliche Flexibilität für Passagen in höheren Lagen. Verdi komponierte oft für diesen Baritontyp (Nabucco, Simon Boccanegra, Rigoletto, Macbeth, Ballo in maschera usw.) und betonte, dass “der Bariton in der Lage sein muss, alle menschlichen Emotionen abzudecken”. Hören Sie die Bariton-Arie Cortigiani, vil razza dannata aus Rigoletto und Eri tu aus il ballo in maschera.

In der Musik versteht man unter Vibrato die periodisch wiederkehrende, leichte Veränderung der Frequenz eines anhaltenden Tons. Im Gegensatz zu einem Ton ohne Vibrato wird ein Ton mit entsprechendem Vibrato (von italienisch vibrare, “schwingen”) als lebendig und ausdrucksstark empfunden (Wikipedia). Im Operngesang wird es in dramatischen Rollen gezielt als Stilmittel und zur Lautstärkeregelung eingesetzt, was bei Übertreibung als unangenehm empfunden werden kann. Hören Sie Maria Callas Vissi d’arte, gesungen mit schönem Vibrato.

Die Spätromantik in der Oper bezieht sich auf die Zeit ab dem späten 19. Jahrhundert in Nordeuropa. In Italien entwickelte sich der Musikstil zum Verismo. Die Spätromantik wurde maßgeblich von Richard Wagner inspiriert. Ein wichtiges Merkmal ist die deutliche Vergrößerung des Orchesters. Zusätzliche Instrumente wie die Celesta fügen dem Orchester neue Farben hinzu. Die Tonalität wird erweitert (zum Beispiel Tristan-Akkord), aber die Musik bleibt tonal. Der Orchestersatz wird komplexer mit einer enormen Dichte an Motiven, komplexeren Rhythmen und Harmonien. Beispielhafte und ikonische Werke der Spätromantik sind: Tristan und Isolde, Salome, Parsifal und Die tote Stadt.

Eine Hosenrolle bezeichnet eine männliche Rollenfigur, deren Gesangsstimme für eine Frau (meist für Mezzosopran) geschrieben wurde. Berühmte Hosenrollen sind Cherubino in Le nozze di Figaro, Octavian in Der Rosenkavalier und Oscar in Il ballo in maschera.

Die wichtigsten Stimmtypen in der Opernmusik sind: A) Tenor: lyrischer Tenor, tenero leggiero, spinto tenor, heroischer Tenor B) Sopran/Mezzosopran/Alto: Soubrette, lyrischer Sopran, Koloratursopran, dramatischer Koloratursopran, jugendlich-dramatischer Koloratursopran, Hochdramatischer Sopran C) Bariton: lyrischer Bariton, heroischer Bariton D) Bass: Basso buffo, Schwarzbass E) Castrato, Countertenor