FAQ Preguntas frecuentes sobre la música de ópera

Un aria es una pieza vocal solista de la música clásica. El aria transmite los sentimientos y estados de ánimo, llamados afectos, de un momento concreto, es decir, normalmente no hay acción, a diferencia del recitativo. En los siguientes enlaces encontrará listas de arias famosas: Arias de tenor, Arias de soprano, Arias de barítono, Arias de bajo, Arias de mezzosoprano

Música cuyas armonías y melodías no están fijadas a un centro tonal o nota clave. Arnold Schönberg escribió 1909 con la ópera en un acto “Erwartung”, la primera ópera atonal

Un arioso es una pieza musical para voz solista y acompañamiento instrumental que se sitúa entre recitativo y aria Un arioso es más vocal y menos comprometido con el drama que el recitativo, pero de forma más abierta y menos fija que el aria (Wikipedia). En las óperas de Tchaikovsky, por ejemplo, podemos encontrar ariosi escritos para el tenor ruso clásicamente ligero. Escucha el hermoso arioso kuda, kuda (Eugene Onegin) cantado por el tenor ruso Leonid Sobinov.

Autodafé proviene del latín actus fidei: juicio sobre la fe. Es el pronunciamiento solemne de los veredictos de los juicios de la Inquisición. El autodafé va seguido de una ejecución, como la quema en la hoguera. Se pueden encontrar escenas de autodafé en la ópera, por ejemplo en Don Carlo (Verdi) o en Candide (Bernstein).

Wagner tuvo claro desde el principio que la representación de una obra como el Anillo del Nibelungo en los teatros existentes era casi imposible. Así nació la idea de su propio festival de teatro. Pero tuvieron que pasar otros 25 años hasta su finalización. Asegurar la financiación de esta enorme empresa costó mucho trabajo a Wagner. En 1872, Wagner y su esposa Cosima se trasladan a Bayreuth y comienzan los trabajos de construcción. Junto con muchos mecenas consigue recaudar dinero para la colocación de la primera piedra del Festspielhaus y para la compra de la Villa Wahnfried Cuatro años más tarde se inauguró el Festspielhaus con Rheingold. El primer festival tuvo lugar en 1876 en presencia del emperador Guillermo y de todas las celebridades culturales europeas y se convirtió en el mayor triunfo de toda la vida de Wagner. Con el Anillo y la construcción del Festspielhaus, Wagner completó su visión de la Gesamtkunstwerk: la unión de las artes de la música, la poesía, la arquitectura y la escenografía.

Describe una técnica vocal italiana anterior a 1900, que incluye la pureza y delicadeza del tono, la fluidez (legato), el canto con la respiración (canto sul fiato) y una mayor flexibilidad dinámica (messa di voce) y agilidad en la ornamentación. Los compositores más famosos de belcanto fueron Donizetti, Bellini y Rossini, y Verdi compuso sobre todo en estilo belcantista. La ópera icónica del belcanto es Norma, y un aria icónica del belcanto es Casta diva Un cantante del que se conservan grabaciones sonoras de la época del bel canto es Fernando de Lucía (1860-1925). Una grabación de Fernando de Lucía y más grabaciones sobre bel canto se pueden encontrar en este enlace

El nombre Bacchanale procede del dios greco-romano Baco (Dyonisos), dios del vino, la embriaguez, la locura y el éxtasis. La Bacanal es una composición musical que representa una fiesta orgiástica, a menudo con espectáculos de danza. Algunos ejemplos operísticos famosos son la Bacanal de Sansón y Dalila de Camille Saint-Saëns, la escena de Venusberg de Tannhäuser de Richard Wagner y la Danza de los siete velos de Salomé (Strauss).

El basso buffo (similar al basso cantante), es un papel de bajo típico de las comedias operísticas que requieren una voz muy ágil, dotes actorales y en la ópera italiana también el sillabato (el canto de habla rápida). Escucha el famoso sillabato de Don Pasquale: cheti cheti y el aria de intriga de Il barbiere di Siviglia.

El aria de bravura (en italiano: aria di bravura) es una pieza musical cantada que busca el efecto externo por su dificultad técnica (virtuosismo) y contenido musical. Arias de bravura famosas son Ah, non giunge de La Sonnambula o Non piu mesta de La cenerentola (Cenicienta). Las primeras arias de bravura fueron compuestas para los inmensamente virtuosos castrati La aria “Venti, turbini, prestate” es una de las arias de bravura de Haendel compuestas para resaltar la voz de Nicolini.

Un castrato es una voz masculina equivalente a la de una soprano o mezzosoprano. La voz se produce por castración del cantante antes de la pubertad, o se da en aquel que, debido a una afección endocrinológica, nunca alcanza la madurez sexual (wikipedia). Los primeros castrati aparecieron en el siglo XVI. Eran formados por las iglesias y constituían un importante pilar de la música vocal eclesiástica. Eran muy importantes para las iglesias, ya que creaban una considerable fuente de ingresos a través de su música. Pronto se abrieron camino en el nuevo género de la ópera y Monteverdi ya empleó a castratos en papeles secundarios en su primera ópera revolucionaria “Orfeo” (1607). En su L’incoronazione di Poppea, los castratos aparecen por primera vez en el papel principal. El papel de Nerón, el primer héroe castrado de la historia de la ópera, fue interpretado por una soprano castrato, y el papel bufo de la enfermera Arnalta, la primera drag queen, fue interpretado por un tenor castrato. Hoy en día se plantea la cuestión de cómo interpretar el papel de Nerón, con su altísima tessitura La mayoría de las veces lo canta un contratenor, ocasionalmente una soprano o un tenor. La técnica inmensamente rica que se desarrolló se llamó bel canto, y los castrati más famosos fueron Senesino y Farinelli. La ópera Idomeneo de Mozart fue una de las últimas en las que se utilizaron castrati (finales del siglo XVIII). El último castrato murió a principios del siglo XX.

La cabaletta es una parte de la llamada scena ed aria de la ópera italiana, que describe una escena muy esquemática de personajes individuales. La secuencia de la scena ed aria es: recitativo (Tempo d’attacco), aria lenta (Cavatina), recitativo (Tempo di mezzo), aria rápida (Cabaletta) y posiblemente una stretta al final. La scena se acompañaba de varias interpretaciones de cues. La scena ed aria permitía a los libretistas escribir las escenas según un esquema fijo, sin necesidad de una larga coordinación con el compositor. La forma de Scena ed Aria fue perfeccionada por Rossini y adoptada por Donizetti, Bellini y Verdi. Una Scena ed aria famosa es: Ah si ben mio (Cavatina) seguida de Di quella pira (Cabaletta) de la ópera Il trovatore (Verdi)

En la llamada Camerata florentina (Camerata fiorentina), la élite del arte y la nobleza comenzó a reunirse en la década de 1570 con el objetivo de revivir el arte de la antigüedad. El objetivo principal era promover la comprensibilidad textual de la música vocal. El lema era: prima le parole, poi la musica (primero el texto, luego la música). La música debía adaptarse a las palabras y no oscurecerlas. El objetivo no eran melodías ingeniosas e ideas dotadas, sino un estilo de canto similar al habla (cantar recitando). Estos esfuerzos dieron lugar a la forma original de la ópera. Jacopo Peri fue su primer creador.

Gracias al genio de Claudio Monteverdi, este arreglo más bien desapasionado se convirtió en dramma per musica con personas de carne y hueso e introdujo las pasiones en el arte de la ópera (stile concitato).

La cavatina es una parte de la llamada scena ed aria de la ópera italiana, que describe una escena muy esquemática de personajes individuales. La secuencia de la scena ed aria es: recitativo (Tempo d’attacco), aria lenta (Cavatina), recitativo (Tempo di mezzo), aria rápida (Cabaletta) y posiblemente una stretta al final. La scena se acompañaba de varias interpretaciones de cues. La scena ed aria permitía a los libretistas escribir las escenas según un esquema fijo, sin necesidad de una larga coordinación con el compositor. La forma de Scena ed Aria fue perfeccionada por Rossini y adoptada por Donizetti, Bellini y Verdi. Una Scena ed Aria famosa es: Ah si ben mio (Cavatina) seguida de Di quella pira (Cabaletta) de la ópera Il trovatore (Verdi)

Un contratenor es un cantante masculino que canta en registro de contralto o, más raramente, de soprano utilizando una técnica de voz de cabeza o falsete amplificada por resonancia torácica (wikipedia). El contratenor puede utilizarse en papeles antes reservados a castrati, pero la voz no es comparable, ya que se produce en falsete (voz de cabeza) y no suena como es habitual con la voz de pecho (castrato). Puedes escuchar un ejemplo de contratenor en este enlace (Philippe Jaroussky con el soave Oblivion)

La expresión procede de la ópera francesa. Una copla es una canción alegre, de varios versos, con un estribillo característico, a la manera de un rondó, con un estribillo recurrente. Un ejemplo es Chacun le sait, chacun le dit de la ópera La fille du régiment.

En ópera, un coro es una comunidad de cantantes en la que cada voz es múltiple. Además, coro es el nombre que recibe una pieza interpretada por este conjunto. Puedes encontrar una lista de piezas famosas para coro en este enlace

Concertato en el sentido de la ópera del siglo XIX, es una pieza de conjunto escasamente acompañada o incluso cantada a capella (sin acompañamiento). Suele tener lugar después de un colpo di scena (golpe de teatro): el tiempo se detiene, la música se para y los solistas se dedican a sus pensamientos. Algunos concertati famosos son Questo è un nodo aviluppato (Cenerentola) o Chi mi frena a tal momento (Lucia di Lammermoor).

El aria da capo fue la principal forma de aria del Barroco. El aria da capo (Da-capo significa repetición) se escribe en tres partes A-B-A’. Da-capo significa repetición. El intérprete suele adornar la parte A’ con coloratura, etc. Un ejemplo de aria da capo famosa es Lascia ch’io pianga de Rinaldo (Haendel). El aria da capo perdió importancia con Gluck, que criticó a los intérpretes por embellecer las arias hasta hacerlas irreconocibles. No obstante, él también escribió arias da capo, por ejemplo el aria onírica Ô toi, qui prolongeas mes jours de Iphigénie en Tauride.

Un ensemble es una pieza en la que intervienen muchos de los solistas vocales. Suelen tener la función de final (a veces como concertato). En este enlace encontrarás muchos ejemplos famosos de literatura operística

Entr’acte (en francés: entre dos actos) se refiere a la música instrumental interpretada durante el intermedio entre actos, a menudo con el telón cerrado, ya que la música sirve de puente temporal para el cambio de decorado del escenario. En la segunda mitad del siglo XIX, los entreactos se convirtieron en clímax. Richard Wagner los denominó música de transformación. Hay pasajes famosos en Rheingold (Nibelheim) y Parsifal (motivo de la campana) Varios Entr’acte del verismo se hicieron famosos con el nombre de Intermezo (por ejemplo, Cavalleria rusticana). Escucha estos y otros grandes entre’acts en este enlace

Grand opéra (francés) es el nombre dado a un género de ópera surgido en París tras la Revolución Francesa. La Grand Opéra se basaba en las tradiciones de la Ópera de la Reforma de Gluck y la Opéra comique. Guillaume Tell” (1829) de Rossini, junto con “Muette de Portici” (1828) de Auber y “Robert le diable” (1831) de Meyerbeer, formaron el prototipo de este nuevo tipo de ópera magnífica basada en temas historicistas, que tenía la pretensión de combinar los géneros artísticos de la música, la literatura, la danza, la decoración y la pintura. Comités especializados para cada género artístico se encargaban de la elaboración de los detalles y los interminables ensayos revelaban los puntos débiles, lo que provocaba de nuevo cambios en la composición. Las producciones de la Grand Opéra exigían que los artistas crearan telas históricas con un colorido auténtico. Así, por ejemplo, el escenógrafo Cicéri fue enviado a Suiza Central para la producción de Guillaume Tell, de Rossini, donde realizó bocetos para los decorados. Se representó en su apogeo en la Salle Pelletier, víctima de un incendio en 1873. Las obras de la grand opéra constan de cinco actos e incluyen un ballet extendido. Las óperas se planificaban minuciosamente y se ponían en escena con un gasto gigantesco. Por ejemplo, hubo que coser 355 trajes para Don Carlo, que se representó durante la Exposición Universal de París de 1867. Giacomo Meyerbeer está considerado el compositor de mayor éxito de la grand opéra. Richard Wagner intentó durante muchos años triunfar en la grand opéra, pero fracasó con su Tannhäuser con un fiasco que pasó a la historia. La mayoría de las obras de este género apenas se dan hoy en día debido al gigantesco esfuerzo que suponen (por ejemplo Les Hugenots o L’Africaine).

El término Gesamtkunstwerk (Obra de arte total) se asocia a Richard Wagner. La música no se divide en escenas y números (“ópera numérica”), sino que éstos forman una unidad inseparable, que Richard Wagner denominó “DRAMA MUSICAL”. Característicamente, las escenas y su música se componen de principio a fin, sin interrupciones (como tercetos, finales, recitativos, etc.). Los motivos recurrentes (LEITMOTIV) crean coherencia. Un buen ejemplo en este sentido es la obra de Wagner Tristan und Isolde, su Anillo de los Nibelungos o Parsifal, a la que ya no llamaba ópera. Wagner entendía sus óperas cuanto más largas mejor como “GESAMTKUNSTWERK”, en las que se unen las artes de la música, la interpretación, la pintura/escenografía y la poesía. Para Wagner era importante no ser sólo el compositor, sino también su propio libretista y poder crear su propio teatro en Bayreuth para su obra de arte total.

La habanera es una pieza musical de origen cubano-africano, que contiene una provocativa alusión sexual con movimientos sensuales. Con la habanera L’amour est un oiseau rebelle Bizet ha pintado un verdadero retrato de carácter del papel de Carmen. Pocas veces uno de los grandes papeles de la literatura operística ha sido definido por una sola aria como Carmen con la Habanera. Bizet ha tomado el tema principal de una obra del español Yradier, que había pasado algún tiempo en el Caribe. Bizet utilizó una línea vocal cromática para Carmen. Los versos están en tono menor y el estribillo en tono mayor. La orquesta acompaña a Carmen con un motivo ostinato de los violonchelos, reforzando así el carácter hipnótico de su Habanera.

A diferencia de la ópera italiana, la tragédie lyrique francesa no utilizaba castrati, por lo que en Francia se había desarrollado el haut-contre, un tenor con un registro vocal que llegaba hasta el registro agudo.

La soprano muy dramática es la contrapartida femenina del Heldentenor. Se trata de una voz de soprano con una potencia radiante. Además, debe interpretar papeles con arrebatos emocionales extremos. Los papeles típicos incluyen Salomé (Strauss), Elektra (Elektra) Brünnhilde (Götterdämmerung) y Isolda (Tristan und Isolde). Las representantes de papeles destacados fueron Kirsten Flagstadt, Frida Leider y Birgit Nilsson. Nina Stemme también pertenece a este círculo en nuestros años. Una cita ilustrativa de Christa Ludwig, una famosa mezzosoprano que también cantó muchos papeles altamente dramáticos: “Una soprano altamente dramática tiene unas cuerdas vocales enormes. Hay pocas cantantes dramáticas que tengan la capacidad de modulación necesaria para cantar canciones. No pueden pintar con colores tan sutiles porque las cuerdas vocales son muy robustas y gruesas”. Un otorrinolaringólogo me dijo una vez: “Las cuerdas vocales de los Nilsson son tan anchas como un pulgar. Y las mías son tan delicadas como un hilo de lana”.

Es una voz de tenor con una potencia radiante en el registro vocal dramático. Este tema sólo puede ser dominado por unos pocos tenores. Los papeles están reservados a cantantes experimentados, ya que una voz joven puede dañarse rápidamente. Las exigencias físicas para el cantante son inmensas. La duración de la ópera suele ser muy larga y el acompañamiento de la orquesta es ruidoso y denso. Tannhäuser es posiblemente la parte de Heldentenor más difícil. El número de representantes destacados de esta disciplina es reducido y los artistas están muy solicitados y suelen reservarse con años de antelación. En consecuencia, su voz debe ahogar a una gran orquesta. Los papeles de Heldentenor incluyen Siegmund (Walküre) o Lohengrin Este es el enlace al aria del Heldentenor In fernem Land de Lohengrin. El presunto mejor Heldentenor de la historia fue Lauritz Melchior Grandes tenores alemanes de Wagner fueron Max Lorenz y Franz Völker o actualmente Peter Seiffert y Jonas Kaufmann

Lamento hace referencia a una canción triste de las óperas de los siglos XVII y XVIII. Una secuencia cromática descendente de notas junto con silencios efectivos crean el clásico motivo del suspiro que constituye un elemento importante del lamento. Monteverdi fue el inventor del lamento. Su lenguaje operístico quería expresar los sentimientos de los seres humanos, Monteverdi creía que la música debía hacer llorar, no discutir. La música no debía seguir reglas rígidas, sino dar cabida a la condición humana y expresarla. Una de las consecuencias más sensacionales fueron las disonancias de Monteverdi. Para sus contemporáneos eran monstruosidades que representaban estados de ánimo extremos y desencadenaron feroces polémicas en la época. El famoso “Lasciatemi morire” de la ópera “Arianna” – el grito de dolor – puede servir de ilustración. Escuche el famoso lamento del Rinaldo de Haendel, Lascia ch’io pianga La When I am laid in earth de Purcell es una de las grandes arias de la literatura operística, un lamento, un producto clásico de la ópera barroca. Está escrita con una eficacia poco común y pertenece al puñado de lamentos barrocos que realmente pueden conmover al oyente hasta las lágrimas

Messa di voce es una técnica de bel canto Consiste en un aumento y disminución del volumen vocal durante el tono continuo, idealmente de pianissimo a fortissimo y viceversa, sin cambiar el tono ni otros aspectos como la entonación y el vibrato. Los castrati del Barroco, por lo general de estatura muy robusta, podían así demostrar su fuerza controlada y su volumen pulmonar.” (Wikipedia). Escucha una messa di voce de la famosa aria Cara Sposa de Rinaldo de Haendel: tras una introducción cromática de las cuerdas, la voz comienza con una gran messa di voce. Las siguientes notas deben cantarse con el mayor legato y cambios cromáticos de nota para crear la desolación del momento.

Los monólogos son escenas significativas en solitario que muestran a una persona reflexiva. Las palabras no se dirigen directamente a un oyente, el monólogo suele servir para llevar los pensamientos y procesos mentales de una persona de forma audible o legible al exterior y así quedar claros para los espectadores u oyentes. En muchas obras, los monólogos forman un clímax dramático o marcan un punto de inflexión en la trama (Wikipedia). Ejemplos famosos en la literatura operística son Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) o el Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

Los monólogos son escenas significativas en solitario que muestran a una persona reflexiva. Las palabras no se dirigen directamente a un oyente, el monólogo suele servir para llevar los pensamientos y procesos mentales de una persona de forma audible o legible al exterior y así quedar claros para los espectadores u oyentes. En muchas obras, los monólogos forman un clímax dramático o marcan un punto de inflexión en la trama (Wikipedia). Ejemplos famosos en la literatura operística son Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) o el Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

Los papeles de tenor de Mozart requieren una voz ágil y lírica, porque normalmente tienen que cantar sólo emociones, ya que la acción y su drama tienen lugar en los recitativos. Sin embargo, son virtuosos, porque requieren una respiración larga, una bella coloratura y son muy variados. El aria de tenor favorita de Mozart era “O wie ängstlich, wie feurig klopft mein liebevolles Herz” de Die Entführung aus dem Serail. Escúchela cantada por el gran tenor mozartiano Fritz Wunderlich

El término “opéra comique” es algo engañoso. Se inventó en el siglo XVIII para distinguirla de la tragédie lyrique con sus dioses y nobles como papeles principales. Se convirtió en la ópera de la burguesía y el pueblo y el elemento estilístico más importante fueron los diálogos hablados (en lugar de los recitativos acompañados musicalmente). El espectro abarca desde comedias hasta dramas con un máximo de tres actos. Las obras más conocidas de este género son Carmen (Bizet), Medée (Cherubini), Les contes d’Hoffmann (Offenbach), Faust (Gounod) y Manon (Massenet). El término “opéra comique” no es sólo un género, sino también un lugar de París y sigue siendo una institución francesa. La Opéra comique actual (también conocida como la Salle Favart de París) es un hermoso teatro histórico que data de 1898. Sus dos predecesores se quemaron, incluido el teatro del estreno de “Carmen”; el incendio se produjo en 1887 y en él murieron unas 100 personas.

Es un término de la ópera buffa, describe el canto rápido con pronunciación bien articulada y entonación ligera, prestando mucha atención al ritmo.

La tragédie lyrique es un género de ópera francesa de finales del siglo XVII y XVIII. El inventor de la tragédie lyrique puede considerarse Jean-Baptiste Lully (por ejemplo, Alceste), que desarrolló esta forma en la década de 1670. En su forma aristocrática, es similar en esencia a la opera seria Otro destacado representante (posterior) fue Rameau (por ejemplo, Les indes galantes). Con el paso del tiempo, la tragédie lyrique se convirtió dos veces en objeto de lucha cultural. En ambas ocasiones se trató de la rivalidad con la ópera italiana. En la disputa de los Buffonistas (hacia 1750), Rousseau propagó la naturalidad de la ópera italiana; veinte años más tarde, la disputa de los Piccinistas (en torno a los compositores Piccinni y Gluck) se decantó a favor de la ópera reformista de Gluck. La Revolución Francesa supuso una ruptura y el fin de este género. La Tragédie lyrique se desarrolló entonces en dos corrientes. Por un lado, en la Opéra comique (ópera popular) y, por otro, en la Gran Opéra (ópera de la alta burguesía y la aristocracia).

El recitativo (del italiano recitare “recitar”) es una forma de canto que se aproxima al habla. Durante el recitativo, el cantante tiene libertad para declamar rítmicamente el texto. Hay dos formas de recitativo: el recitativo secco se acompaña sólo de un bajo continuo y permite la mayor libertad rítmica. En el recitativo accompagnato, el cantante está acompañado por una orquesta que participa compositivamente en la interpretación del contenido cantado, lo que se traduce en restricciones rítmicas más estrictas (Wikipedia). El papel del recitativo evolucionó en la historia de la ópera. En la primera época (siglo XVII) y en la Opera seria (siglo XVIII) era el portador de la trama. En el siglo XIX, se distinguió entre el diálogo hablado no acompañado (opéra comique, singspiel, ópera buffa) y el diálogo acompañado (recitativo). Con ello, parte de la acción se trasladó a los pasajes cantados. Esto cambió con Richard Wagner y el último Verdi. Se eliminó la distinción entre recitativo y aria y surgió el llamado Musikdrama

La Opera seria fue el género musical predominante entre 1700 y 1800 (con la excepción de Francia –> Tragédie lyrique). Era la forma de arte de la nobleza, destinada a enfatizar el talante heroico y noble de esta clase. El tema de la ópera era principalmente mitológico. En el siglo XVIII, este estilo estuvo representado por Pietro Metastasio, cuyos libretos fueron musicalizados varias veces por numerosos compositores. La obra de Metastasio se convirtió así en una obra formadora de estilo. A partir de 1730, Metastasio desarrolló su actividad en Viena, lo que le proporcionó una enorme influencia también en el mundo germanoparlante. Incluso Mozart puso música al material de Metastasio (La clemenza di Tito e il re pastore). Los compositores más famosos que compusieron óperas en el estilo de la Opera seria son Alessandro Scarlatti, Johann Adolf Hasse, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Giovanni Battista Pergolesi, Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn, Antonio Salieri, Domenico Cimarosa y Wolfgang Amadeus Mozart (entre otros Idomeneo). Gluck reformó la Opera seria. Consideraba que el teatro musical adolecía del carácter estereotipado de los personajes y de la naturaleza a veces grotesca de las tramas. Para ello, las obras eran cantadas por cantantes que a veces embellecían la música hasta hacerla irreconocible. El drama, la ética y los sentimientos reales habían desaparecido de los escenarios.

Una proeza para tenores y sopranos alcanzar esta nota aguda. Por regla general, aparecen en las óperas italianas en dos o tres pasajes de una ópera. El Do agudo se cantaba en la época de Rossini con voz de cabeza, pero después durante más de cien años hasta ahora con voz de pecho (vibraciones en el tórax). Lee y escucha más en este enlace

Intermezzo es el equivalente de Entr’acte (francés: entre dos actos) y se refiere a la música instrumental interpretada durante el intermedio entre actos, a menudo con el telón cerrado, ya que la música sirve de puente temporal al cambio de decoración escénica. En la segunda mitad del siglo XIX, los entr’acts se convirtieron en clímax. Richard Wagner los llamó música de transformación. Hay pasajes famosos en Rheingold y Parsifal. Varias obras del verismo se hicieron famosas con el nombre de Intermezo (por ejemplo, Cavalleria rusticana). Puede escuchar estos y otros grandes Intermezzi en este enlace

Un leitmotiv es un recurso artístico que se utiliza una y otra vez como motivo musical en una obra. Sirven como medio de recuerdo para el oyente y adquieren así significado semántico como narradores. Estos motivos musicales pueden estar vinculados a acciones, personas u objetos. Carl Maria von Weber fue el primero en utilizar leitmotivs de forma sistemática (por ejemplo, en Freischütz, véase aquí la lista detallada de los leitmotivs de la famosa Ouverture). Richard Wagner fue el más constante en el uso continuado de leitmotivs. Los leitmotivs se convirtieron en un principio compositivo en muchas de sus obras. En este enlace encontrarás una descripción de los 70 leitmotivs más importantes de Richard Wagner

La Opera buffa se refiere a la Opéra comique italiana, en contraposición a la Opera seria. En la ópera buffa, la mayoría de las personas del pueblo interpretan papeles protagonistas (por ejemplo, el barbero Fígaro). La Opera buffa tiene su origen, en parte, en la commedia dell’arte italiana. Óperas famosas son Il barbiere di Siviglia (Rossini) o Elisir d’amore (Donizetti). Las escenas recitativas suelen alternarse con las cantadas. El argumento de la ópera suele ser divertido o incluso absurdo. La música suele ser chispeante, ocasionalmente interrumpida por arias nostálgicas. La opéracomique francesa no debe equipararse a la Opera buffa, el género difiere mucho.

Una obertura abre la ópera. Suele componerse como una pieza instrumental sin voz cantante. Puede anticipar temas o motivos de la ópera o componerse libremente.Otros nombres alternativos son: “SINFONÍA”, “PRÉLUDE”, “VORSPIEL”, “INTRODUZIONE”. En los inicios de la ópera, este tipo de oberturas incluían diferentes formas. En el siglo XIX, los términos se hicieron cada vez más intercambiables. En este enlace encontrará una lista de las oberturas más bellas y sus interpretaciones más bellas.

Se trata de un giro dramático en la trama debido a un acontecimiento sorprendente. A menudo, el suceso da lugar a un concertato con voz solista y coro. Ejemplos famosos son Bella figlia d’amore de Rigoletto o Chi mi frema a tal momento de Lucia di Lammermoor.

El libreto es el libro de texto de la ópera, que incluye el argumento y los textos de los discursos. A menudo, las indicaciones escénicas también se encuentran en el libreto. El libretista es el autor del libreto y suele ser un hombre de letras o un poeta. En la Opera seria, era habitual utilizar borradores varias veces. En el Romanticismo se hizo costumbre adaptar los textos a la ópera. A menudo se recurría a modelos literarios que utilizaba el libretista (por ejemplo, la dame aux camélias para La Traviata). Puccini separó la tarea del libretista en la del dramaturgo (a menudo Luigi Illica) y el letrista (a menudo Giuseppe Giacosa). Richard Wagner escribió él mismo los libretos de la mayoría de sus óperas. Asociaciones largas y famosas entre libretistas y compositores las mantuvieron Mozart y da Ponte, Bellini y Felice Romani, Verdi y Francesco Maria Piave y Salvatore Cammarano. Famosa fue la fábrica de libretos de Eugene Scribe en el París del siglo XIX, quien, con la ayuda de colaboradores, escribió unas 400 obras de teatro, muchas de las cuales sirvieron para óperas (por ejemplo, “Les Huguenots” o “Il ballo in maschera”).

Los lieder son composiciones sencillas para cantantes. La música es folclórica, la letra, la métrica y el ritmo no tienen pretensiones. Por regla general, los versos concluyen con un estribillo. El Lieder tuvo su apogeo en la ópera entre 1780 y 1830. Lieder de ópera famosos son Durch die Wälder durch die Auen (Der Freischütz) o Der Vogelsänger bin ich ja (Die Zauberflöte). Incluso Wagner compuso una pieza similar al lied con Winterstürme wichen dem Wonnenmond (Die Walküre). Además, las nanas aparecen ocasionalmente en las óperas.

Un persiflage (del francés persifler “burlarse, ridiculizar”) es una burla ingeniosa, imitativa y a menudo crítica de un género. En la ópera, existen numerosos persiflage de modelos famosos. Por ejemplo, Elisir d’amore es un persiflage de Tristán e Isolda.

La tesitura describe el registro vocal de un papel dentro de un género vocal. Por ejemplo, el papel de tenor de Calaf (Turandot) contiene muchos pasajes en y por encima del passaggio (la transición entre la voz de pecho y la voz de cabeza) y, por lo tanto, tiene una tesitura alta.

Originalmente, la prima donna (en italiano: primera mujer) era la soprano más importante de un conjunto. Con el tiempo, el término se utilizó con un matiz negativo (voz magnífica pero persona caprichosa). El epíteto “Assoluta” como no era sólo un título honorífico para la soprano más importante de una época, esta adición se debe sólo a las artistas femeninas que hacen justicia a los papeles de diversos temas. Maria Callas, por ejemplo, era una Assoluta porque era una de las mejores tanto en papeles dramáticos como de coloratura. Las primadonnas especialmente caprichosas también reciben el nombre de Divas.

Un estreno es la primera representación de una producción operística. Los estrenos también se denominan primeras representaciones y primeras funciones cuando la obra se representa por primera vez. La palabra procede del francés: première = “primera”. Estrenos famosos en la historia de la ópera fueron el fiasco de Barbiere di Siviglia, la turbulenta historia de la ópera Tristan und Isolde, o quizás el éxito más triunfal y sorprendente de la historia de la ópera Cavalleria rusticana.

En la música de ópera, una soprano de coloratura es una voz de soprano con capacidad de coloratura, es decir, una agilidad especial, sobre todo en el registro agudo. Esto incluye, sobre todo, cantar largas cadenas de notas con trinos y otros ornamentos. La técnica de la coloratura surgió con la aparición de castrati en la ópera en el siglo XVII. Famosos castrati fueron Farinelli y Senesino. Con Rossini y Bellini, la soprano de coloratura tomó el relevo. Famosas soprano de coloratura fueron: Isabella Colbran, Jenny Lind y Adelina Patti en el siglo XIX. En el siglo XX: Lisa Tetrazzini, Joan Sutherland, Marylin Horne, Teresa Berganza y Edita Gruberova. En nuestros días, la soprano de coloratura más reconocida es Cecilia Bartoli Obras famosas para soprano de coloratura son La sonnambula o Il barbiere di Siviglia Con Verdi, Bellini y Donizetti, la soprano de coloratura del estilo de Rossini se hizo más dramática y la coloratura se utilizó de forma más selectiva, el compositor añadió volumen y expresión. Esta mezcla produjo la soprano dramática de coloratura (por ejemplo, Lucia en Lucia di Lammermoor, Norma en Norma y Abigail en Nabucco La icónica soprano dramática de coloratura fue Maria Callas.

El repertorio comprende las obras de la literatura operística que se considera que tienen un valor artístico sobresaliente que se ha desarrollado y consolidado durante un periodo de tiempo más largo. Dependiendo de la fuente, se atribuyen al repertorio entre 50 y 150 obras operísticas. Encuentre en este enlace la clasificación de las 50 óperas más representadas (en todo el mundo). El alcance y la selección pueden variar según la región y la época. El repertorio está sujeto a las modas; por ejemplo, el renacimiento belcantista de los años 50 y el renacimiento barroco de los 80 devolvieron al repertorio obras de las épocas respectivas. El término “repertorio” también puede utilizarse para describir un sistema: en la práctica teatral, se distingue entre el sistema de repertorio y el sistema de stagione. Más información al respecto: véase la descripción en “Qué es un sistema de Stagione.

Las escenas de locura implican la transformación de una persona normal en un estado de enajenación mental. Este estado se muestra en una gran aria. Las escenas de locura fueron populares en la primera mitad del siglo XIX. La más famosa es la escena de Lucia di Lammermoor Otras escenas de locura famosas son la de Boris Godunov, Macbeth, Pique Dame y La Sonnambula (escena del sonambulismo).

Se distingue entre la opereta de oro (temprana) de París, la opereta de plata (tardía) y la opereta tardía de Viena. El inventor de la opereta fue sin duda Jacques Offenbach, que comenzó su formación en el conservatorio de París a los 14 años, procedente de Colonia con su familia. Abrió su propio teatro en 1855 y tres años más tarde compuso la madre de todas las operetas, Orfeo en los infiernos. La obra se hizo rápidamente popular en toda Europa y el Theater an der Wien encargó a Franz von Suppé una opereta austriaca, lo que hizo en 1860 con “Das Pensionat”. El resto es historia, la era de Johann Strauss y otros comenzó y se convirtió en una edad de plata. Terminó en París ya en 1880 con la muerte de Offenbach y en Viena con la muerte de Millöcker, Strauss y von Suppé en 18 y 1895 respectivamente. Lehar revivió una vez más el género, que terminó definitivamente en la década de 1930. Lo que quedó fue la receta del éxito de este estilo. El código de opereta que Lehar interiorizó estaba compuesto por elementos de la opereta vienesa y parisina: Frivolidad, sátira y disparate superior / Números rápidos y musicales como el galope, el cancán / Uso variado de ritmos de baile, en Viena especialmente el vals / Armonías sencillas y efectivas, principalmente en mayores / Color local musical / Personajes de papel simpáticos / Historias de amor románticas / Final feliz. Las operetas más representadas son Die lustige Witwe (la viuda alegre) y Die Fledermaus (el murciélago)

Gluck fue el reformador de la Opera seria En los primeros cuarenta años de su vida Gluck estuvo literalmente activo como músico por toda Europa. Adquirió un profundo conocimiento de la práctica operística del continente. Su impresión fue que la Opera seria adolecía del carácter estentóreo de los personajes y de la naturaleza a veces grotesca de las tramas. Para ello, las obras eran cantadas por cantantes que a veces ornamentaban la música hasta hacerla irreconocible. El drama, la ética y los sentimientos reales habían desaparecido de la escena. Para contrarrestar esta situación, Gluck dependía en primer lugar de un libretista adecuado, un verdadero dramaturgo y letrista. Lo encontró en la persona de Raniero de Calzabigi. El italiano Calzabigi escribió para el compositor alemán, entre otras cosas, porque le repugnaba el ruidoso y caótico negocio teatral italiano. Los principios más importantes eran: La palabra antes que la música, pocos papeles interpretativos, el coro se convierte en una persona que actúa y sentimientos verdaderos en lugar de afecto y virtuosismo. Los interminablemente largos (y aburridos) recitativos secco se abandonaron, los recitativos se compusieron y se hicieron cortos. También se eliminó el aria dominante da capo (ABA’). Mientras que los cantantes dejaron la música del compositor en la parte A más o menos en el original, la parte A’ se dejó al gusto de los (vanidosos) cantantes con coloratura, cadencias y ornamentación. La ópera más importante de la Reforma fue Orfeo ed Euridice

Con la pieza de conjunto “Nella testa ho un campanello” de Italiana in Algeri Rossini describe la confusión sin límites de los personajes. Todos sólo son capaces de hacer ruidos confusos como “tac tac”, “din din”, “bum bum”, etc. Mientras los cantantes balbucean un deslumbrante staccato de notas, la orquesta produce un poderoso accelerando a lo largo de varios minutos: había nacido el legendario Rossini Crescendo. Este tipo de música era completamente nuevo e hizo enloquecer al público. Con este final, Rossini hizo por primera vez su entusiasta tarjeta de presentación de su música.

La Soubrette (originalmente francés para criada, sirvienta) es un papel sujeto a una soprano ligera, lírica, con una voz ágil (coloratura) y buenas notas altas. Por regla general, los papeles de soubrette se aceptan a una edad temprana al principio de la carrera. Algunos papeles conocidos son Adele (Fledermaus), Aennchen (Der Freischütz), Despina (Cosi fan tutte), Norina (Don Pasquale), Zerlina (Don Giovanni), etc.

Regieoper significa ópera del director en alemán. En el Regieoper se da gran importancia a la interpretación del contenido de la ópera. La interpretación puede (pero no tiene por qué) desviarse de la intención del compositor o libretista. El mensaje de la ópera debe modernizarse para abordar aspectos contemporáneos. A menudo se recurre a la visualización con efecto de choque (sexualidad, símbolos nazis, armas, etc.). Las bases de este desarrollo las sentó Walter Felsenstein, que acuñó el término “teatro musical” en la Komischen Oper de Berlín en los años sesenta. El llamado Century Ring puede mencionarse como el hito más esencial y temprano del Regieoper: En 1976, el director de cine Patrick Chéreau fue el primer extranjero que puso en escena un Anillo en Bayreuth. Junto con su colega Pierre Boulez, desarrolló una interpretación socialista del Anillo (basada en una interpretación del siglo XIX de G.B. Shaw), situando la acción no en un paisaje mítico, sino en el escenario de una sociedad de la Revolución Industrial. La producción provocó feroces protestas, pero fue adoptada 5 años más tarde con gran éxito. Este llamado “Anillo del Siglo” tuvo una enorme influencia en la dirección de los teatros de ópera y se convirtió en la base de la siguiente era del Regieoper

El sistema stagione (italiano: stagione = temporada) es una forma de funcionamiento de los teatros de ópera que contrasta con el sistema de repertorio. Los teatros de ópera que funcionan según el sistema stagione sólo incluyen un número limitado de óperas en su repertorio cada temporada. Por regla general, se trata de nuevas producciones. Durante el periodo de ensayos, el teatro suele permanecer cerrado. A continuación, las producciones se exhiben en series más largas (unas diez representaciones) y luego se cancelan. Las reposiciones de producciones más antiguas suelen ser la excepción. Por esta razón, la mayoría de las obras de repertorio no aparecen en cartel durante años hasta que se pone en escena una nueva producción. (Wikipedia)

El verismo es la contrapartida italiana del romanticismo tardío de finales del siglo XIX del norte de Europa. La Cavalleria rusticana de Mascagni fue la primera obra musical de este estilo. El género del verismo combinaba el teatro realista con la música emotiva y cruda. Para lograr el mayor efecto posible, la música quería expresar pasiones violentas y emociones intensas. Debía llegar al corazón del oyente y apelar a su lado sensible. El sonido “artificial” ornamentado belcanto se abandonó en favor de líneas vocales dramáticas. No existe una definición precisa de verismo, pero en Pagliaccio el compositor Leoncavallo hace decir a Toniouna frase característica en el prólogo: las personas en escena son “de carne y hueso.” El prólogo se convirtió en el programa del verismo. Andréa Chénier y Adriana Lecouvreur son otras obras importantes de este género. Puccini también puede adscribirse parcialmente al verismo. Su obra más cercana al verismo fue Tosca

La llamada scena ed aria es un elemento estructural de la ópera clásica italiana, que describe una escena muy esquemática de personajes individuales. La secuencia de la scena ed aria es: recitativo (Tempo d’attacco), aria lenta (Cavatina), recitativo (Tempo di mezzo), aria rápida (Cabaletta) y posiblemente una stretta al final. La scena se acompañaba de varias interpretaciones de cues. La scena ed aria permitía a los libretistas escribir las escenas según un esquema fijo, sin necesidad de una larga coordinación con el compositor. La forma de Scena ed Aria fue perfeccionada por Rossini y adoptada por Donizetti, Bellini y Verdi. Una Scena ed Aria famosa es: Ah si ben mio (Cavatina) seguida de Di quella pira (Cabaletta) de la ópera Il trovatore (Verdi)

Término de los comienzos de la ópera (principios del siglo XVII. Contrasta con la polifónica y tradicional prima pratica del periodo anterior. Monteverdi utilizó el término seconda pratica, para sus arias monódicas, textualmente inteligibles, apasionadas y disonantes. (Verdi)

El Singspiel en lengua alemana se remonta al siglo XVIII. ¿En qué se diferencia el Singspiel en lengua alemana de la ópera italiana? A menudo se distingue por el uso de diálogos hablados en el Singspiel, frente a los recitativos de la ópera italiana, y por la música de tipo lied del Biedermeier (= primer romanticismo alemán). Las tres óperas más famosas del género del Singspiel son Zauberflöte de Mozart, Fidelio de Beethoven y Freischütz de Carl Maria von Weber. El Singspiel era el género del pueblo. Óperas como Freischütz fueron escritas en el espíritu de la época, cuando el material de los cuentos de hadas era popular. Quizá la pieza musical más impresionante sea la famosa escena de Wolfsschlucht de Freischütz.

El tenor espinto es la parte de tenor ligeramente más pesada. Se encuentra entre el tenor lírico y el tenor heroico. La voz del tenor spinto es potente y brillante en las notas altas. Los papeles de tenor de Verdi suelen ser papeles de spinto (Manrico, Riccardo, Radames etc.). Es el dominio de famosos tenores como Caruso, Pavarotti y Domingo

El tenore di grazia es un nombre operístico italiano para un tipo de tenor que se sitúa entre el tenor leggiero (en alemán: Spieltenor o tenor buffo) y el tenor lírico más pesado. Se caracteriza principalmente por un fraseo elegante, agilidad vocal y una coloración vocal generalmente cálida (“dulce”) o muy ligera. El género surgió durante el gran periodo del estilo romántico belcanto entre ca. 1810-1850, cuando a este tipo de tenor se le asignaban a menudo los papeles de amantes o héroes juveniles (fuente: Wikipedia). Tenores famosos fueron Tito Schipa, Alfredo Kraus y Nicolai Gedda. En este enlace se pueden encontrar vídeos de Youtube.

Este término procede del lenguaje musical de Verdi y no existe una definición formal para él. ¿En qué consiste? A partir de “Nabucco”, Verdi dotó a cada una de sus óperas de sus propios colores musicales básicos y caracterización musical (estructuras rítmicas, armonías, etc.). En “La traviata”, por ejemplo, fueron los ritmos de vals de la sociedad burguesa o en Aida, entre otras cosas, el uso de una trompeta especialmente desarrollada por Aida (las fanfarrias de la faranoa). Para Verdi, el desarrollo de la tinta característica de una ópera era una parte importante del trabajo de composición, pero también laboriosa (“il piu fatticoso lavoro”), porque la tinta se desarrollaba estratégicamente, tenía que apoyar las escenas & argumento y reflejar la incrustación histórica de la ópera. Encuentra ymás ejemplos e ilustración en este enlace y en la guía de la ópera Nabucco

Es una parte de la armonía de Tristán de Richard Wagner (de la ópera Tristan und Isolde). Resumiendo, puede decirse que Wagner separó la armonía de la melodía y la sustituyó por el cromatismo. Sin embargo, esto no era un fin en sí mismo (como más tarde con los compositores de música atonal), sino un medio de expresión para representar el amor no saciado a través de interminables desarrollos cromáticos. Para este estado de dolor sólo hay una redención posible: morir, perecer, ¡no despertar nunca más! En esta obra, Wagner mantiene esta disolución de disonancias ante el oyente durante cuatro horas, hasta que finalmente resuena en el último acorde de la ópera con la muerte de Tristán y el silenciamiento de Isolda. El acorde de Tristán se escucha por primera vez justo al principio de la ópera, en el Vorspiel. En este famoso encuentro de los dos motivos, se escucha el legendario “acorde de Tristán”, un acorde con una extraña disonancia flotante que no expresa ni dolor ni alegría, sino una especie de “búsqueda indefinida de resolución”. La resolución no llega hasta pasadas cuatro horas, con la llamada “Liebestod” – muerte de amor En realidad no se trata de una muerte, sino, como Wagner llamó a la escena, de una “transfiguración”, o como dice Isolda: “¡Ahogarse – hundirse – inconscientemente placer más alto!”. (“Ertrinken – versinken – unbewusst höchste Lust!”). Y la resolución de la disonancia tristaniana de la obertura se produce finalmente con los dos famosos acordes finales en si bemol mayor.

En varias óperas, Verdi dio el papel protagonista al barítono. Con una voz más oscura y grave que la del tenor, Verdi quería aumentar el nivel dramático. Este papel desarrolla una gran fuerza dramática y requiere una gran flexibilidad vocal para los pasajes en los registros más altos. Verdi compuso a menudo para este tipo de barítono (Nabucco, Simon Boccanegra, Rigoletto, Macbeth, Ballo in maschera, etc.) e hizo hincapié en que “el barítono debe ser capaz de abarcar todas las emociones humanas”. Escuche el aria de barítono Cortigiani, vil razza dannata de Rigoletto y Eri tu de il ballo in maschera.

En música, el vibrato es el ligero cambio periódico en la frecuencia de un tono sostenido. A diferencia de un tono sin vibrato, un tono con el vibrato adecuado (del italiano vibrare, “vibrar”) se percibe como vivo y expresivo (Wikipedia). En el canto operístico, se utiliza a propósito en papeles dramáticos como recurso estilístico y como medio de volumen, que puede percibirse como desagradable cuando es exagerado. Escucha a Maria Callas Vissi d’arte cantada con un hermoso vibrato.

El romanticismo tardío en la ópera se refiere al periodo que comienza a finales del siglo XIX en el norte de Europa. En Italia, el estilo musical se convirtió en verismo El romanticismo tardío se inspiró decisivamente en Richard Wagner. Una característica importante es la significativa ampliación de la orquesta. Instrumentos adicionales como la celesta añaden nuevos colores a la orquesta. La tonalidad se amplía (por ejemplo el acorde de Tristán) pero la música sigue siendo tonal. La escritura orquestal se vuelve compleja, con una enorme densidad de motivos, ritmos y armonías más complejos. Obras ejemplares e icónicas del romanticismo tardío son: Tristan und Isolde, Salome, Parsifal y Die tote Stadt

Un papel pantalón describe un personaje de rol masculino cuya voz de canto ha sido escrita para una mujer (normalmente para mezzosoprano). Algunos papeles pantalón famosos son Cherubino en Le nozze di Figaro, Octavian en Der Rosenkavalier y Oscar en Il ballo in maschera

Los tipos de voz más importantes en la música de ópera son: A) Tenor: tenor lírico, tenero leggiero,tenor spinto, tenor heroico B) Soprano/Mezzosoprano/Alto: soubrette, soprano lírica, soprano de coloratura, soprano de coloratura dramática, soprano de coloratura dramática juvenil, soprano muy dramática C) Barítono: barítono lírico, barítono heroico D) Bajo: Basso buffo, Bajo negro E) Castrato, Contratenor