FAQ (domande frequenti) sulla musica lirica (Spiegazione dei termini)

L’aria è un brano vocale solista della musica classica. L’aria trasmette i sentimenti e gli stati d’animo, detti affetti, di un particolare momento, cioè normalmente non c’è azione, a differenza del recitativo. Gli elenchi di arie famose si trovano nei seguenti link: Arie di tenore, Arie di soprano, Arie di baritono, Arie di basso, Arie di mezzosoprano.

Musica le cui armonie e melodie non sono fissate a un centro o a una nota tonale. Arnold Schönberg scrisse nel 1909 con l’opera in un atto “Erwartung”, la prima opera atonale

L’arioso è un brano musicale per voce sola e accompagnamento strumentale che si colloca tra recitativo e aria. Un arioso è più vocale e meno impegnato nel dramma rispetto al recitativo, ma più aperto e di forma meno fissa rispetto all’aria (Wikipedia). Nelle opere di Čajkovskij, ad esempio, possiamo trovare ariosi scritti per il tenore russo classicamente leggero. Ascoltate il bellissimo arioso kuda, kuda (Eugene Onegin) cantato dal tenore russo Leonid Sobinov.

Autodafé deriva dal latino actus fidei: giudizio sulla fede. La pronuncia solenne dei verdetti dei processi dell’Inquisizione. L’autodafé è seguito da un’esecuzione, come il rogo. Scene di autodafé si trovano nell’opera, ad esempio in Don Carlo (Verdi) o in Candide (Bernstein).

Per Wagner fu chiaro fin dall’inizio che la rappresentazione di un’opera come l’Anello dei Nibelunghi nei teatri esistenti era difficilmente possibile. Nasce così l’idea di un proprio teatro-festival. Ma ci sarebbero voluti altri 25 anni prima del suo completamento. Assicurare il finanziamento di questa enorme impresa costò a Wagner molto lavoro. Nel 1872 Wagner e sua moglie Cosima si trasferiscono a Bayreuth e iniziano i lavori di costruzione. Insieme a molti mecenati riesce a raccogliere i fondi per la posa della prima pietra del Festspielhaus e per l’acquisto della Villa Wahnfried. Quattro anni dopo il Festspielhaus fu inaugurato con il Rheingold. Il primo festival ebbe luogo nel 1876 alla presenza dell’imperatore Guglielmo e di tutte le celebrità culturali europee e divenne il più grande trionfo di tutta la vita di Wagner. Con il Ring e la costruzione del Festspielhaus, Wagner completò la sua visione del Gesamtkunstwerk: l’unione delle arti di musica, poesia, architettura e scenografia.

Descrive una tecnica vocale italiana antecedente al 1900, che comprende la purezza e la delicatezza del tono, la fluidità (legato), il canto con il fiato (canto sul fiato) e un’ulteriore flessibilità dinamica (messa di voce) e agilità nell’ornamentazione. Famosi compositori di belcanto furono Donizetti, Bellini e Rossini, inoltre Verdi compose soprattutto in stile belcantistico. L’opera simbolo del belcanto è Norma, e un’aria simbolo del belcanto è Casta diva. Un cantante di cui sono sopravvissute registrazioni sonore dell’epoca del belcanto è Fernando de Lucia (1860-1925). Una registrazione di Fernando de Lucia e altre registrazioni sul bel canto sono disponibili a questo link.

Il nome Baccanale deriva dal dio greco-romano Bacco (Dyonisos), il dio del vino, dell’ebbrezza, della follia e dell’estasi. Il Baccanale è una composizione musicale che rappresenta un banchetto orgiastico, spesso con spettacoli di danza. Esempi famosi di opere liriche sono il Baccanale in Samone e Dalila di Camille Saint-Saëns, la scena del Venusberg in Tannhäuser di Richard Wagner e la Danza dei Sette Veli da Salome (Strauss).

Il basso buffo (simile al basso cantante), è un ruolo di basso tipico delle commedie liriche che richiedono una voce molto agile, capacità di recitazione e, nell’opera italiana, anche il sillabato (il canto parlato veloce). Ascoltate il famoso sillabato da Don Pasquale: cheti cheti e l’aria di intrigo da Il barbiere di Siviglia.

L’aria di bravura (in italiano: aria di bravura) è un brano musicale cantato che punta all’effetto esteriore grazie alla sua difficoltà tecnica (virtuosismo) e al suo contenuto musicale. Arie di bravura famose sono Ah, non giunge da La Sonnambula o Non più mesta da La cenerentola. Le prime arie di bravura furono composte per gli immensamente virtuosi castrati. L’aria “Venti, turbini, prestate” è una delle arie di bravura di Handel composta per far risaltare la voce della Nicolini.

Il castrato è una voce maschile equivalente a quella di un soprano o di un mezzosoprano. La voce è prodotta dalla castrazione del cantante prima della pubertà, oppure si verifica in chi, a causa di una condizione endocrinologica, non raggiunge mai la maturità sessuale (wikipedia). I primi castrati apparvero nel XVI secolo. Venivano formati dalle chiese e costituivano un importante pilastro della musica vocale da chiesa. Erano molto importanti per le chiese, poiché con la loro musica creavano una notevole fonte di reddito. Ben presto si inserirono nel nuovo genere dell’opera lirica e Monteverdi impiegò i castrati in ruoli di supporto già nella sua prima rivoluzionaria opera “Orfeo” (1607). Nell’opera L’incoronazione di Poppea, i castrati appaiono per la prima volta nel ruolo principale. Il ruolo di Nerone, quindi il primo eroe castrato della storia dell’opera, fu interpretato da un castrato soprano, mentre il ruolo buffo della nutrice (!) Arnalta, quindi la prima drag queen, fu interpretato da un castrato tenore. Oggi ci si chiede come debba essere interpretato il ruolo di Nerone, con la sua altissima tessitura. Il più delle volte il ruolo è cantato da un controtenore, occasionalmente da un soprano femminile o da un tenore. La tecnica immensamente ricca che si sviluppò fu chiamata bel canto, e i castrati più famosi furono Senesino e Farinelli. L’Idomeneo di Mozart fu una delle ultime opere in cui furono utilizzati i castrati (fine del XVIII secolo). L’ultimo castrato morì all’inizio del XX secolo.

La cabaletta è una parte della cosiddetta scena ed aria dell’opera italiana, che descrive una scena molto schematica di singoli personaggi. La sequenza della scena ed aria è: recitativo (Tempo d’attacco), aria lenta (Cavatina), recitativo (Tempo di mezzo), aria veloce (Cabaletta) ed eventualmente una stretta alla fine. La Scena era accompagnata da varie esecuzioni di spunti. La scena ed aria permetteva ai librettisti di scrivere le scene secondo uno schema fisso, senza la necessità di un lungo coordinamento con il compositore. La forma della Scena ed Aria fu perfezionata da Rossini e adottata da Donizetti, Bellini e Verdi. Una famosa Scena ed aria è: Ah si ben mio (Cavatina) seguita da Di quella pira (Cabaletta) dall’opera Il trovatore (Verdi)

Nella cosiddetta Camerata fiorentina (Camerata fiorentina), l’élite dell’arte e della nobiltà iniziò a riunirsi negli anni ’70 del XV secolo con l’obiettivo di far rivivere l’arte dell’antichità. L’obiettivo principale era quello di promuovere la comprensibilità testuale della musica vocale. Il motto era: prima le parole, poi la musica. La musica doveva adattarsi alle parole e non oscurarle. L’obiettivo non erano melodie artistiche e idee dotate, ma uno stile di canto simile al parlato (cantar recitando). Questi sforzi diedero origine alla forma originale dell’opera. Jacopo Peri ne fu il primo creatore.

È grazie al genio di Claudio Monteverdi che questo arrangiamento piuttosto spassionato si sviluppò in dramma per musica con persone in carne e ossa e portò le passioni nella forma d’arte dell’opera (stile concitato).

La cavatina è una parte della cosiddetta scena ed aria dell’opera italiana, che descrive una scena molto schematica di singoli personaggi. La sequenza della scena ed aria è: recitativo (Tempo d’attacco), aria lenta (Cavatina), recitativo (Tempo di mezzo), aria veloce (Cabaletta) ed eventualmente una stretta alla fine. La Scena era accompagnata da varie esecuzioni di spunti. La scena ed aria permetteva ai librettisti di scrivere le scene secondo uno schema fisso, senza la necessità di un lungo coordinamento con il compositore. La forma della Scena ed Aria fu perfezionata da Rossini e adottata da Donizetti, Bellini e Verdi. Una famosa Scena ed Aria è: Ah si ben mio (Cavatina) seguita da Di quella pira (Cabaletta) dall’opera Il trovatore (Verdi)

Il controtenore è un cantante di sesso maschile che canta nel registro di contralto o, più raramente, di soprano utilizzando una voce di testa o una tecnica di falsetto amplificata dalla risonanza del petto (wikipedia). Il controtenore può essere utilizzato in ruoli precedentemente riservati ai castrati, ma la voce non è paragonabile, perché è prodotta in falsetto (voce di testa) e non suona come di consueto con la voce di petto (castrato). Puoi ascoltare un esempio di controtenore in questo link (Philippe Jaroussky con Oblivion soave)

L’espressione deriva dall’opera francese. Un distico è un brano multistrofico e allegro con un ritornello caratteristico alla maniera di un rondò, con un ritornello ricorrente. Un esempio è Chacun le sait, chacun le dit dall’opera La fille du régiment.

Nell’opera, un coro è una comunità di cantanti in cui ogni voce è multipla. Inoltre, coro è il nome di un brano che viene eseguito da questo ensemble. A questo link è possibile trovare un elenco di brani famosi per coro.

Il concertato, nel senso dell’opera del XIX secolo, è un brano d’insieme scarsamente accompagnato o addirittura cantato a cappella (senza accompagnamento). Spesso avviene dopo un colpo di scena (coup de théâtre): il tempo si ferma, la musica si interrompe e i solisti si dedicano ai loro pensieri. Tra i concertati più famosi ricordiamo Questo è un nodo aviluppato (Cenerentola) o Chi mi frena a tal momento (Lucia di Lammermoor).

L’aria da capo era la principale forma d’aria del periodo barocco. L’aria da capo (Da-capo significa ripetizione) è scritta in tre parti A-B-A’. Da-capo significa ripetizione. Di solito la parte A’ viene abbellita dall’esecutore con la coloratura, ecc. Un esempio di famosa aria da capo è Lascia ch’io pianga dal Rinaldo (Handel). L’aria da capo perse la sua importanza con Gluck, che criticò gli interpreti per aver abbellito le arie in modo irriconoscibile. Tuttavia, anche lui scrisse arie da capo, come ad esempio l’aria onirica Ô toi, qui prolongeas mes jours da Iphigénie en Tauride.

Un ensemble è un brano in cui sono coinvolti molti solisti vocali. Spesso ha la funzione di finale (talvolta di concertato). In questo link troverete molti esempi famosi di letteratura operistica.

Entr’acte (francese: tra due atti) si riferisce alla musica strumentale suonata durante l’intervallo tra un atto e l’altro, spesso a sipario chiuso, in quanto la musica fa da ponte temporale al cambio di decorazione del palcoscenico. Nella seconda metà del XIX secolo, gli entr’acte si sono trasformati in climax. Richard Wagner li chiamò musica di trasformazione. Passaggi famosi si trovano in Rheingold (Nibelheim) e Parsifal (motivo della campana). Diversi Entr’acte del verismo divennero famosi con il nome di Intermezo (ad esempio Cavalleria rusticana). Ascolta questi e altri grandi entre’act in questo link.

Grand opéra (francese) è il nome dato a un genere di opera emerso a Parigi dopo la Rivoluzione francese. Il Grand Opéra si basava sulle tradizioni dell’Opera della Riforma di Gluck e dell’Opéra Comique. Il “Guillaume Tell” di Rossini (1829), insieme alla “Muette de Portici” di Auber (1828) e a “Robert le diable” di Meyerbeer (1831), costituirono il prototipo di questo nuovo tipo di opera fastosa basata su temi storicizzanti, che aveva la pretesa di combinare i generi artistici della musica, della letteratura, della danza, della decorazione e della pittura. Comitati specializzati per ogni genere artistico si occuparono dell’elaborazione dei dettagli e infinite prove rivelarono i punti deboli, che portarono nuovamente a modifiche nella composizione.

Le produzioni del Grand Opéra richiedevano agli artisti di creare tessuti storici con colori autentici. Così, ad esempio, lo scenografo Cicéri fu inviato nella Svizzera centrale per la produzione del Guillaume Tell di Rossini, dove realizzò i bozzetti per le scenografie. L’opera fu rappresentata nel suo periodo di massimo splendore nella Salle Pelletier, che fu vittima di un incendio nel 1873. Le opere per il grand opéra sono composte da cinque atti e comprendono un balletto esteso. Le opere erano elaborate e messe in scena con costi giganteschi. Ad esempio, per il Don Carlo, rappresentato durante l’Esposizione Universale di Parigi del 1867, dovettero essere cuciti 355 costumi. Giacomo Meyerbeer è considerato il compositore di maggior successo del grand opéra. Richard Wagner tentò per molti anni di avere successo nel grand opéra, ma fallì con il suo Tannhäuser con un fiasco che passò alla storia. La maggior parte delle opere di questo genere vengono date raramente al giorno d’oggi a causa del gigantesco sforzo (ad esempio Les Hugenots o L’Africaine).

Il termine Gesamtkunstwerk (opera d’arte totale) è associato a Richard Wagner. La musica non è divisa in scene e numeri (“opera di numeri”), ma questi formano un’unità inscindibile, che Richard Wagner chiamava “DRAMMA MUSICALE”. Caratteristicamente, le scene e la relativa musica sono composte in modo continuo, senza interruzioni (come terzine, finali, recitativi ecc.). I motivi ricorrenti (LEITMOTIV) creano coerenza. Un esempio emblematico in questo senso è l’opera di Wagner Tristan und Isolde, il suo Ring des Nibelungen o Parsifal, che non chiamò più opera. Wagner intendeva le sue opere più lunghe come “GESAMTKUNSTWERK”, in cui le arti della musica, della recitazione, della pittura/scenografia e della poesia sono unite. Per Wagner era importante non essere solo il compositore, ma anche il proprio librettista e poter creare il proprio teatro a Bayreuth per la sua opera d’arte totale.

La Habanera è un brano musicale di origine cubano-africana, che contiene una provocante allusione sessuale con movimenti sensuali. Con l’habanera L’amour est un oiseau rebelle Bizet ha dipinto un vero e proprio ritratto del personaggio di Carmen. Raramente uno dei grandi ruoli della letteratura operistica è stato definito da una sola aria come Carmen con l’Habanera. Bizet ha tratto il tema principale da un’opera dello spagnolo Yradier, che aveva trascorso un periodo nei Caraibi. Bizet ha utilizzato per Carmen una linea vocale cromatica. Le strofe sono in tonalità minore e il coro in tonalità maggiore. L’orchestra accompagna Carmen con un motivo ostinato dei violoncelli, rafforzando così il carattere ipnotico della sua Habanera.

A differenza dell’opera italiana, la tragédie lyrique francese non utilizzava i castrati, motivo per cui in Francia si sviluppò l’haut-contre, un tenore con un’estensione vocale fino al registro acuto.

Il soprano altamente drammatico è la controparte femminile dell’Heldentenor. È una voce di soprano con una potenza radiosa. Inoltre, deve interpretare ruoli con esplosioni emotive estreme. I ruoli tipici includono Salome (Strauss), Elektra (Elektra) Brünnhilde (Götterdämmerung) e Isolde (Tristan und Isolde). Le interpreti di spicco sono state Kirsten Flagstadt, Frida Leider e Birgit Nilsson. Anche Nina Stemme appartiene a questa cerchia nei nostri anni. Una citazione illustrativa di Christa Ludwig, un famoso mezzosoprano che ha cantato anche molti ruoli altamente drammatici: “Un soprano altamente drammatico ha corde vocali enormi. Sono pochi i cantanti altamente drammatici che hanno la capacità di modulazione per il canto. Non possono dipingere con colori così sottili perché le corde vocali sono molto robuste e spesse. Un otorinolaringoiatra una volta mi disse: “Le corde vocali della Nilsson sono larghe come un pollice. E le mie sono delicate come un filo di lana”.

È una voce tenorile con una potenza radiosa nel registro vocale drammatico. Questo soggetto può essere padroneggiato solo da pochi tenori. I ruoli sono riservati a cantanti esperti, poiché una voce giovane può essere rapidamente danneggiata. Le esigenze fisiche del cantante sono immense. La durata dell’opera è solitamente molto lunga e l’accompagnamento dell’orchestra è forte e denso. Tannhäuser è forse la parte di Heldentenor più difficile. Il numero di rappresentanti di spicco di questa disciplina è esiguo e gli artisti sono molto richiesti e di solito prenotati con anni di anticipo. Di conseguenza, la loro voce deve sovrastare quella di una grande orchestra. I ruoli di Heldentenor includono Siegmund (Walküre) o Lohengrin. Questo è il collegamento all’aria dell’Heldentenor In fernem Land da Lohengrin. Il presumibilmente più grande Heldentenor della storia è stato Lauritz Melchior. Grandi tenori tedeschi di Wagner sono stati Max Lorenz e Franz Völker o oggi Peter Seiffert e Jonas Kaufmann.

Il Lamento si riferisce a una canzone triste delle opere liriche del XVII e XVIII secolo. Una sequenza cromatica discendente di note insieme a efficaci riposi crea il classico motivo del sospiro che costituisce un elemento importante del lamento. Monteverdi fu l’inventore del lamento. Il suo linguaggio operistico voleva esprimere i sentimenti degli esseri umani, Monteverdi credeva che la musica dovesse far piangere, non discutere. La musica non doveva seguire regole rigide, ma dare spazio alla condizione umana ed esprimerla. Una delle conseguenze più sensazionali furono le dissonanze di Monteverdi. Per i suoi contemporanei si trattava di mostruosità che rappresentavano stati d’animo estremi e che scatenarono feroci polemiche all’epoca. Il famoso “Lasciatemi morire” dell’opera “Arianna” – il grido di dolore – può essere usato come illustrazione. Ascoltate il famoso lamento del Rinaldo di Handel, Lascia ch’io pianga. L’opera di Purcell When I am laid in earth è una delle grandi arie della letteratura operistica, un lamento, un classico prodotto dell’opera barocca. È scritta con un’efficacia fuori dal comune e fa parte di quella manciata di lamenti barocchi che possono davvero commuovere l’ascoltatore fino alle lacrime.

La Messa di voce è una tecnica del bel canto. Comporta un’alternanza di volume vocale durante il tono continuo, idealmente da pianissimo a fortissimo e viceversa, senza cambiare l’intonazione e altri aspetti come l’intonazione e il vibrato. I castrati del periodo barocco, che erano generalmente di statura molto robusta, erano così in grado di dimostrare la loro forza controllata e il loro volume polmonare”. (Wikipedia). Ascoltate una messa di voce dalla famosa aria Cara Sposa del Rinaldo di Handel: dopo un’introduzione cromatica degli archi, la voce inizia con una grande messa di voce. Le note che seguono devono essere cantate con il massimo del legato e dei cambi di nota cromatici per creare la desolazione del momento.

I monologhi sono scene significative in solitaria che mostrano una persona che riflette. Le parole non sono direttamente rivolte a un ascoltatore, il monologo spesso serve a trasportare i pensieri e i processi mentali di una persona in modo udibile o leggibile all’esterno e quindi a diventare chiari per gli spettatori o gli ascoltatori. In molte opere, i monologhi costituiscono un climax drammatico o segnano un punto di svolta nella trama (Wikipedia). Esempi famosi nella letteratura operistica sono Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) o il Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

I monologhi sono scene significative in solitaria che mostrano una persona che riflette. Le parole non sono direttamente rivolte a un ascoltatore, il monologo spesso serve a trasportare i pensieri e i processi mentali di una persona in modo udibile o leggibile all’esterno e quindi a diventare chiari per gli spettatori o gli ascoltatori. In molte opere, i monologhi costituiscono un climax drammatico o segnano un punto di svolta nella trama (Wikipedia). Esempi famosi nella letteratura operistica sono Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) o il Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

I ruoli tenorili mozartiani richiedono una voce agile e lirica, perché di solito devono cantare solo emozioni, dato che l’azione e il suo dramma si svolgono nei recitativi. Tuttavia, sono virtuosi, perché richiedono un lungo respiro, una bella coloratura e sono molto vari. L’aria di tenore preferita da Mozart era “O wie ängstlich, wie feurig klopft mein liebevolles Herz” da Die Entführung aus dem Serail. Ascoltatela cantata dal grande tenore mozartiano Fritz Wunderlich.

Il termine opera comique è in qualche modo fuorviante. Fu inventato nel XVIII secolo per distinguerla dalla tragédie lyrique con i suoi dei e nobili come ruoli principali. Divenne l’opera della borghesia e del popolo e l’elemento stilistico più importante furono i dialoghi parlati (invece dei recitativi accompagnati musicalmente). Lo spettro va dalle commedie ai drammi con un massimo di tre atti. Le opere più note di questo genere sono Carmen (Bizet), Medée (Cherubini), Les contes d’Hoffmann (Offenbach), Faust (Gounod) e Manon (Massenet). Il termine “opéra comique” non è solo un genere ma anche un luogo di Parigi ed è tuttora un’istituzione francese. L’Opéra comique di oggi (conosciuta anche come Salle Favart a Parigi) è un bellissimo teatro storico e risale al 1898. Entrambi i suoi predecessori andarono a fuoco, compresa la prima della “Carmen”; l’incendio avvenne nel 1887 e causò la morte di circa 100 persone.

È un termine tratto da l’opera buffa, che descrive un canto veloce con una pronuncia ben articolata e un’intonazione leggera, facendo molta attenzione al ritmo.

La tragédie lyrique è un genere di opera francese della fine del XVII e del XVIII secolo. L’inventore della tragédie lyrique può essere considerato Jean-Baptiste Lully (ad esempio Alceste), che sviluppò questa forma negli anni ’70 del XVI secolo. Nella sua forma aristocratica, è simile nella sostanza all’opera seria. Un altro rappresentante di spicco (più tardi) fu Rameau (ad esempio Les indes galantes). Nel corso del tempo, la tragédie lyrique divenne per due volte oggetto di lotta culturale. In entrambi i casi si trattava di rivalità con l’opera italiana. Nella disputa dei Buffonisti (intorno al 1750), Rousseau propagandò la naturalezza dell’opera italiana; vent’anni dopo, la disputa dei Piccinisti (sui compositori Piccinni e Gluck) si inasprì a favore dell’opera di riforma di Gluck. La Rivoluzione francese causò la rottura e la fine di questo genere. La Tragédie lyrique si sviluppò poi in due correnti. Da un lato, nell’Opéra comique (opera popolare) e dall’altro nel Gran Opéra (opera dell’alta borghesia e dell’aristocrazia).

Il recitativo (dall’italiano recitare “recitare”) è una forma di canto che si avvicina al parlato. Durante il recitativo, il cantante ha la libertà di declamare il testo ritmicamente. Esistono due forme di recitativo: il recitativo secco è accompagnato solo dal basso continuo e consente la massima libertà ritmica. Nel recitativo accompagnato, il cantante è accompagnato da un’orchestra che partecipa compositivamente all’interpretazione del contenuto cantato, il che comporta vincoli ritmici più rigidi (Wikipedia). Il ruolo del recitativo si è evoluto nella storia dell’opera. Nel primo periodo (XVII secolo) e nell’opera seria (XVIII secolo) era il portatore della trama. Nel XIX secolo si distingue tra dialogo parlato non accompagnato (opéra comique, singspiel, opera buffa) e dialogo accompagnato (recitativo). In questo modo, parte dell’azione si spostò sui passaggi cantati. La situazione cambiò con Richard Wagner e il tardo Verdi. La distinzione tra recitativo e aria fu eliminata ed emerse il cosiddetto Musikdrama composto attraverso.

L’opera seria è stato il genere predominante della musica lirica tra il 1700 e il 1800 (con l’eccezione della Francia –> Tragédie lyrique). Era la forma d’arte della nobiltà, intesa a sottolineare l’indole eroica e nobile di questa classe. Il soggetto dell’opera era per lo più materiale mitologico. Nel XVIII secolo questo stile fu rappresentato da Pietro Metastasio, i cui libretti furono musicati più volte da numerosi compositori. L’opera di Metastasio divenne così un’opera formatrice di stili. Dal 1730 Metastasio fu attivo a Vienna, il che gli conferì un’enorme influenza anche nel mondo di lingua tedesca.

Anche Mozart mise in musica il materiale di Metastasio (La clemenza di Tito e Il re pastore). I compositori più famosi che hanno composto opere nello stile dell’opera seria sono Alessandro Scarlatti, Johann Adolf Hasse, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Giovanni Battista Pergolesi, Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn, Antonio Salieri, Domenico Cimarosa e Wolfgang Amadeus Mozart (tra gli altri Idomeneo). Gluck riformò l’opera seria. Egli riteneva che il teatro musicale soffrisse della natura stereotipata dei personaggi e della natura talvolta grottesca delle trame. A tal fine, le opere venivano cantate da cantanti che talvolta abbellivano la musica in modo irriconoscibile. Il dramma, l’etica e i sentimenti reali erano scomparsi dal palcoscenico.

Un’impresa di forza per i tenori e i soprani è raggiungere questa nota massima. Di norma, nelle opere italiane compaiono in due o tre passaggi dell’opera. Il Do acuto veniva cantato all’epoca di Rossini con la voce di testa, ma in seguito per oltre cento anni fino ad oggi con la voce di petto (vibrazioni nel torace). Leggi e ascolta di più in questo link.

Intermezzo è l’equivalente di Entr’acte (francese: tra due atti) si riferisce alla musica strumentale suonata durante l’intervallo tra un atto e l’altro, spesso a sipario chiuso, in quanto la musica fa da ponte temporale al cambio di decorazione scenica. Nella seconda metà del XIX secolo, gli entr’acte si sono trasformati in climax. Richard Wagner li chiamò musica di trasformazione. Passaggi famosi si trovano in Rheingold e Parsifal. Diverse opere del verismo divennero famose con il nome di Intermezo (ad esempio Cavalleria rusticana). Puoi ascoltare questi e altri grandi Intermezzi in questo link.

Un leitmotiv è un dispositivo artistico che viene utilizzato più volte come motivo musicale in un’opera. Servono come mezzo di ricordo per l’ascoltatore e quindi acquisiscono un significato semantico come narratori. Questi motivi musicali possono essere legati ad azioni, persone o oggetti. Carl Maria von Weber fu il primo a utilizzare costantemente i leitmotiv (per esempio, nel Freischütz, si veda qui l’elenco dettagliato dei leitmotiv della famosa Ouverture). Richard Wagner fu il più coerente nel continuare a utilizzare i leitmotiv. I leitmotiv divennero un principio compositivo in molte delle sue opere. In questo link troverete una descrizione dei 70 leitmotivi più importanti di Richard Wagner.

L’opera buffa si riferisce all’opera comica italiana, in contrapposizione all’opera seria. Nell’opera buffa, i ruoli principali sono interpretati per lo più da persone del popolo (ad esempio, il barbiere Figaro). L’opera buffa ha avuto origine in parte dalla commedia dell’arte italiana. Opere famose sono Il barbiere di Siviglia (Rossini) o Elisir d’amore (Donizetti). Le scene recitative si alternano spesso a quelle cantate. La trama dell’opera è solitamente divertente o addirittura assurda. La musica è solitamente frizzante, occasionalmente interrotta da arie nostalgiche. L’opéracomique francese non deve essere equiparata all’opera buffa, il genere si differenzia notevolmente.

L’ouverture apre l’opera. Di solito è composta come un pezzo strumentale senza voce cantata. Può anticipare temi o motivi dell’opera o essere composta liberamente.Altri nomi alternativi sono: “SINFONIA”, “PRÉLUDE”, “VORSPIEL”, “INTRODUZIONE”. Agli albori dell’opera, questo tipo di aperture comprendeva forme diverse. Nel XIX secolo, i termini divennero sempre più intercambiabili. In questo link troverete un elenco delle più belle ouverture e delle loro più belle interpretazioni.

Si tratta di una svolta drammatica nella trama dovuta a un evento sorprendente. Spesso l’evento porta a un concertato con voce solista e coro. Esempi famosi sono Bella figlia d’amore da Rigoletto o Chi mi frema a tal momento da Lucia di Lammermoor.

Il libretto è il testo dell’opera, che comprende la trama e i testi dei discorsi. Spesso nel libretto si trovano anche le indicazioni sceniche. Il librettista è l’autore del libretto e di solito è un letterato o un poeta. Nell’opera seria era comune utilizzare più volte le bozze. Nel periodo romantico divenne consuetudine personalizzare i testi per l’opera. Spesso si ricorreva a modelli letterari che venivano utilizzati dal librettista (ad esempio, la dame aux camélias per La Traviata). Puccini separò il compito del librettista da quello del drammaturgo (spesso Luigi Illica) e del paroliere (spesso Giuseppe Giacosa).

Richard Wagner scrisse personalmente i libretti della maggior parte delle sue opere. Collaborazioni di lunga data e famose tra librettisti e compositori furono mantenute da Mozart e da Ponte, Bellini e Felice Romani, Verdi e Francesco Maria Piave e Salvatore Cammarano. Famosa fu la fabbrica di scrittura di Eugene Scribe nella Parigi del XIX secolo, che, con l’aiuto di collaboratori, scrisse circa 400 opere teatrali, molte delle quali furono utilizzate per opere liriche (ad esempio, “Les Huguenots” o “Il ballo in maschera”).

I lieder sono composizioni semplici per cantanti. La musica è di tipo popolare, il testo, il metro e il ritmo rimangono senza pretese. Di norma, le strofe si concludono con un ritornello. Il Lieder ha avuto il suo massimo splendore nell’opera tra il 1780 e il 1830. Famosi Lieder per l’opera sono Durch die Wälder durch die Auen (Der Freischütz) o Der Vogelsänger bin ich ja (Die Zauberflöte). Anche Wagner ha composto un brano simile a un Lied con Winterstürme wichen dem Wonnenmond (Die Walküre). Inoltre, le ninne nanne compaiono occasionalmente nelle opere.

Un persiflage (dal francese persifler “prendere in giro, ridicolizzare”) è una presa in giro spiritosa, imitativa e spesso critica di un genere. Nell’opera lirica esistono numerosi persiflage di modelli famosi. Ad esempio, Elisir d’amore è un persiflage di Tristano e Isotta.

La tessitura descrive la gamma vocale di un ruolo all’interno di un genere vocale. Ad esempio, il ruolo di tenore di Calaf (Turandot) contiene molti passaggi nel e sopra il passaggio (la transizione tra voce di petto e voce di testa) e quindi ha una tessitura alta.

In origine, la primadonna era il soprano più importante di un ensemble. Con il tempo, il termine è stato utilizzato con un’accezione negativa (voce magnifica ma persona capricciosa). L’appellativo “Assoluta” non era solo un titolo onorifico per il soprano più importante di un’epoca, questa aggiunta è dovuta solo alle artiste che rendono giustizia a ruoli di vario soggetto. Maria Callas, ad esempio, era un’Assoluta perché era una delle migliori sia nei ruoli drammatici che di coloratura. Le primadonne particolarmente capricciose sono anche chiamate Dive.

Una prima è la prima rappresentazione di una produzione operistica. Le prime sono chiamate anche prime esecuzioni e prime rappresentazioni quando l’opera viene eseguita per la prima volta. La parola deriva dal francese: première = “prima”. Le prime famose nella storia dell’opera sono state il fiasco del Barbiere di Siviglia, la turbolenta storia dell’opera Tristano e Isotta o forse il successo più trionfale e sorprendente nella storia dell’opera di Cavalleria rusticana.

Nella musica lirica, un soprano di coloratura è una voce di soprano con capacità di coloratura, cioè una particolare agilità, soprattutto nel registro acuto. Ciò include, soprattutto, il cantare lunghe catene di note con trilli e altri ornamenti. La tecnica della coloratura emerse con la comparsa dei castrati nell’opera lirica nel XVII secolo. Celebri castrati furono Farinelli e Senesino. Con Rossini e Bellini, il soprano di coloratura prese il sopravvento. Famosi soprano di coloratura furono: Isabella Colbran, Jenny Lind e Adelina Patti nel XIX secolo. Nel XX secolo: Lisa Tetrazzini, Joan Sutherland, Marylin Horne, Teresa Berganza ed Edita Gruberova. Ai giorni nostri, il soprano di coloratura più rinomato è Cecilia Bartoli.

Opere famose per il soprano di coloratura sono La sonnambula o Il barbiere di Siviglia. Con Verdi, Bellini e Donizetti, il soprano di coloratura dello stile rossiniano divenne più drammatico e la coloratura fu usata in modo più selettivo, il compositore aggiunse volume ed espressione. Questo mix produsse il Soprano drammatico di coloratura (ad esempio Lucia in Lucia di Lammermoor, Norma in Norma e Abigail in Nabucco. L’iconico soprano drammatico di coloratura fu Maria Callas.

Il repertorio comprende le opere della letteratura lirica considerate di eccezionale valore artistico, sviluppate e consolidate in un lungo periodo di tempo. A seconda delle fonti, al repertorio vengono attribuite tra le 50 e le 150 opere liriche. Trova in questo link la classifica delle 50 opere più rappresentate (in tutto il mondo). L’ambito e la selezione possono variare a seconda della regione e dell’epoca. Il repertorio è soggetto alle tendenze della moda, ad esempio il rinascimento del bel canto degli anni ’50 e il rinascimento barocco degli anni ’80 hanno riportato in repertorio opere delle rispettive epoche. Il termine “repertorio” può anche essere usato per descrivere un sistema: nella pratica teatrale si distingue tra il sistema del repertorio e quello della stagione. Per saperne di più: si veda la descrizione alla voce “Cos’è un sistema di Stagione”

Le scene di follia comportano la trasformazione di una persona normale in uno stato di squilibrio mentale. Questo stato viene mostrato in una grande aria. Le scene pazze erano popolari nella prima metà del XIX secolo. La più famosa è la scena di Lucia di Lammermoor. Altre famose scene di follia sono quelle di Boris Godunov, Macbeth, Pique Dame e La Sonnambula (scena del sonnambulismo).

Si distingue tra l’operetta d’oro (iniziale) di Parigi, l’operetta d’argento (tardiva) e l’operetta tardiva di Vienna. L’inventore dell’operetta fu senza dubbio Jacques Offenbach, che iniziò la sua formazione al conservatorio di Parigi all’età di 14 anni, proveniente da Colonia con la sua famiglia. Nel 1855 aprì il suo teatro e tre anni dopo compose la madre di tutte le operette, Orfeo negli Inferi. L’opera divenne rapidamente popolare in tutta Europa e il Theater an der Wien commissionò a Franz von Suppé un’operetta austriaca, che egli realizzò nel 1860 con “Das Pensionat”.

Il resto è storia, l’era di Johann Strauss e degli altri albeggia e diventa un’età dell’argento. Essa si concluse a Parigi già nel 1880 con la morte di Offenbach e a Vienna con la morte di Millöcker, Strauss e von Suppé, rispettivamente nel 18 e nel 1895. Lehar rivitalizzò ancora una volta il genere e si concluse definitivamente negli anni Trenta. Ciò che rimaneva era la ricetta per il successo di questo stile. Il codice dell’operetta che Lehar aveva interiorizzato era composto da elementi dell’operetta viennese e parigina: Frivolezza, satira e sciocchezze più elevate / Numeri musicali veloci come il galoppo, il cancan / Uso variegato di ritmi di danza, a Vienna soprattutto il valzer / Armonie semplici ed efficaci, principalmente in maggiore / Colore musicale locale / Personaggi di ruolo simpatici / Storie d’amore romantiche / Lieto fine. Le operette più rappresentate sono Die lustige Witwe (la vedova allegra) e Die Fledermaus (il pipistrello)

Gluck fu il riformatore dell’opera seria. Nei primi quarant’anni della sua vita Gluck fu letteralmente attivo come musicista in tutta Europa. Si fece un’idea approfondita della prassi operistica del continente. La sua impressione fu che l’opera seria soffrisse per la natura stencil dei personaggi e per la natura talvolta grottesca delle trame. A tal fine, le opere erano cantate da cantanti che talvolta ornavano la musica in modo irriconoscibile. Il dramma, l’etica e i sentimenti reali erano scomparsi dal palcoscenico. Per contrastare questa situazione, Gluck dipendeva innanzitutto da un librettista adatto, un vero drammaturgo e paroliere. Lo trovò nella persona di Raniero de Calzabigi. L’italiano Calzabigi scrisse per il compositore tedesco, tra l’altro, perché era respinto dal rumoroso e caotico commercio teatrale italiano. I principi più importanti erano: La parola prima della musica, pochi ruoli di attore, il coro che diventa una persona che recita e veri sentimenti invece di affetti e virtuosismi. Gli interminabili e noiosi recitativi in secco vennero abbandonati, i recitativi vennero composti e mantenuti brevi. Anche la dominante da capo aria (ABA’) fu eliminata. Mentre i cantanti lasciarono la musica del compositore nella parte A più o meno nell’originale, la parte A’ fu lasciata al gusto dei (vani) cantanti con colorature, cadenze e ornamenti. L’opera più importante della Riforma fu Orfeo ed Euridice.

Con il brano d’insieme “Nella testa ho un campanello” da Italiana in Algeri Rossini descrive la sconfinata confusione dei personaggi. Tutti sono in grado di emettere solo rumori confusi come “tac tac”, “din din”, “bum bum” ecc. Mentre i cantanti balbettano un abbagliante staccato di note, l’orchestra produce un potente accelerando per diversi minuti: nasce il leggendario Crescendo rossiniano. Questo tipo di musica era completamente nuovo e fece impazzire il pubblico. Con questo finale Rossini realizzò per la prima volta il suo entusiasmante biglietto da visita della sua musica.

La soubrette (originariamente in francese significa cameriera, serva) è un ruolo soggetto per un soprano lirico leggero con una voce agile (coloratura) e buoni acuti. Di norma, i ruoli di soubrette vengono accettati in giovane età all’inizio della carriera. Tra i ruoli più noti ricordiamo Adele (Fledermaus), Aennchen (Der Freischütz), Despina (Cosi fan tutte), Norina (Don Pasquale), Zerlina (Don Giovanni), ecc.

Regieoper è il termine tedesco che indica l’opera del regista. Nella Regieoper viene dato grande peso all’interpretazione del contenuto dell’opera. L’interpretazione può (ma non deve) discostarsi dall’intenzione del compositore o del librettista. Il messaggio dell’opera deve essere modernizzato per affrontare gli aspetti contemporanei. Spesso si ricorre a visualizzazioni con effetto shock (sessualità, simboli nazisti, armi, ecc.). Le basi per questo sviluppo sono state gettate da Walter Felsenstein, che ha coniato il termine “teatro musicale” alla Komischen Oper di Berlino negli anni Sessanta.

Il cosiddetto Jahrhundert Ring (Anello del secolo)  può essere citato come la pietra miliare più essenziale e precoce della Regieoper: Nel 1976, il regista Patrick Chéreau fu il primo straniero a mettere in scena un Ring a Bayreuth. Insieme al collega direttore d’orchestra Pierre Boulez, sviluppò un’interpretazione socialista del Ring (basata su un’interpretazione ottocentesca di G.B. Shaw), ambientando l’azione non in un paesaggio mitico ma nella società della rivoluzione industriale. La produzione suscitò aspre proteste, ma fu adottata 5 anni dopo con grande successo. Questo cosiddetto “Ring del secolo” ebbe un’enorme influenza sulla regia nei teatri d’opera e divenne la base per la successiva era della Regieoper.

Il sistema della stagione (stagione = stagione) è una forma di funzionamento dei teatri d’opera che si contrappone al sistema del repertorio. I teatri d’opera che operano secondo il sistema della stagione includono solo un numero limitato di opere nel loro repertorio ogni stagione. Di norma, si tratta di nuove produzioni. Durante il periodo delle prove, il teatro rimane spesso chiuso. Le produzioni vengono poi presentate in serie più lunghe (circa dieci rappresentazioni) e poi cancellate. I revival di vecchie produzioni tendono a essere un’eccezione. Per questo motivo, la maggior parte delle opere di repertorio non appare in repertorio per anni fino a quando non viene messa in scena una nuova produzione. (Wikipedia)

Il Verismo è la controparte italiana del tardo Romanticismo della fine del XIX secolo nella parte settentrionale dell’Europa. La Cavalleria rusticana di Mascagni è stata la prima opera musicale di questo stile. Il genere verismo combinava il teatro realistico con la musica emotiva e cruda. Per ottenere il massimo effetto possibile, la musica voleva esprimere passioni violente ed emozioni intense. Doveva toccare il cuore dell’ascoltatore e fare appello al suo lato sensibile. L’ornamento “artificiale” del suono belcanto fu abbandonato a favore di linee vocali drammatiche. Non esiste una definizione precisa di verismo, ma nel Pagliaccio il compositore Leoncavallo fa dire a Toniouna frase caratteristica nel prologo: le persone sul palco sono “in carne e ossa”. Il prologo divenne il programma del verismo. Andréa Chénier e Adriana Lecouvreur sono altre opere importanti di questo genere. Anche Puccini può essere parzialmente assegnato al verismo. La sua opera più vicina al verismo fu Tosca.

La cosiddetta scena ed aria è un elemento strutturale dell’opera classica italiana, che descrive una scena molto schematica di singoli personaggi. La sequenza della scena ed aria è: recitativo (Tempo d’attacco), aria lenta (Cavatina), recitativo (Tempo di mezzo), aria veloce (Cabaletta) ed eventualmente una stretta alla fine. La Scena era accompagnata da varie esecuzioni di spunti. La scena ed aria permetteva ai librettisti di scrivere le scene secondo uno schema fisso, senza la necessità di un lungo coordinamento con il compositore. La forma della Scena ed Aria fu perfezionata da Rossini e adottata da Donizetti, Bellini e Verdi. Una famosa Scena ed Aria è: Ah si ben mio (Cavatina) seguita da Di quella pira (Cabaletta) dall’opera Il trovatore (Verdi)

Termine che risale agli inizi dell’opera lirica (inizio del XVII secolo). Si contrappone alla prima pratica polifonica e tradizionale del periodo precedente. Monteverdi usava il termine seconda pratica per le sue arie monodiche, testualmente intelligibili, appassionate e dissonanti. (Verdi)

Il Singspiel in lingua tedesca risale al XVIII secolo. In cosa si differenzia il Singspiel in lingua tedesca dall’opera italiana? La distinzione è spesso fatta dall’uso di dialoghi parlati del Singspiel in contrapposizione ai recitativi dell’opera italiana, e dalla musica di tipo liederistico del Biedermeier (= primo romanticismo tedesco). Le tre opere più famose del genere Singspiel sono la Zauberflöte di Mozart, il Fidelio di Beethoven e il Freischütz di Carl Maria von Weber. Il Singspiel era il genere del popolo. Opere come Freischütz furono scritte nello spirito dell’epoca in cui il materiale fiabesco era popolare. Forse il pezzo musicale più impressionante è la famosa scena della Wolfsschlucht dal Freischütz.

Il tenore spinto è la parte del tenore leggermente più pesante. Si colloca tra il tenore lirico e il tenore eroico. La voce del tenore spinto è potente e brillante negli acuti. I ruoli tenorili di Verdi sono solitamente ruoli spinto (Manrico, Riccardo, Radames ecc.) È il dominio di famosi tenori come Caruso, Pavarotti e Domingo.

Il tenore di grazia è un nome operistico italiano per un tipo di tenore che si colloca tra il tenore leggiero (tedesco: Spieltenor o tenore buffo) e il tenore lirico più pesante. È caratterizzato principalmente da un fraseggio elegante, da un’agilità vocale e da una colorazione vocale solitamente calda (“dolce”) o molto leggera. Il genere emerse durante il grande periodo dello stile romantico belcanto tra il 1810-1850 circa, quando a questo tipo di tenore venivano spesso assegnati i ruoli di amanti o di eroi giovanili (fonte: Wikipedia). Celebri tenori furono Tito Schipa, Alfredo Kraus e Nicolai Gedda. I video di Youtube si trovano a questo link.

Questo termine deriva dal linguaggio musicale di Verdi e non esiste una definizione formale. Di cosa si tratta? Dal Nabucco in poi, Verdi ha dotato ogni sua opera di colori musicali di base e di una propria caratterizzazione musicale (strutture ritmiche, armonie, ecc.). Ne “La traviata”, ad esempio, erano i ritmi del valzer della società borghese o in Aida, tra l’altro, l’uso di una tromba aida appositamente sviluppata (le fanfare della faranoa). Per Verdi lo sviluppo della tinta caratteristica di un’opera era una parte importante del lavoro di composizione, ma anche laboriosa (“il più fatticoso lavoro”), perché la tinta era sviluppata in modo strategico, doveva sostenere le scene e la trama e riflettere l’inserimento storico dell’opera. Trovate altri esempi e illustrazioni in questo link e nella guida all’opera Nabucco.

È una parte dell’armonia del Tristano di Richard Wagner (dall’opera Tristan und Isolde). Riassumendo, si può dire che Wagner staccò l’armonia dalla melodia e la sostituì con il cromatismo. Tuttavia, non si trattava di un’operazione fine a se stessa (come faranno in seguito i compositori di musica atonale), ma di un mezzo espressivo per rappresentare l’amore inappagato attraverso infiniti sviluppi cromatici. Per questo stato di dolore c’è solo una possibile redenzione: morire, perire, non svegliarsi mai più! In quest’opera, Wagner tiene questa dissoluzione di dissonanze davanti all’ascoltatore per quattro ore, finché non risuona finalmente nell’ultimo accordo dell’opera con la morte di Tristano e il silenzio di Isotta.

L’accordo di Tristano si sente per la prima volta proprio all’inizio dell’opera nel Vorspiel. In questo famoso incontro dei due motivi, si sente il leggendario “accordo di Tristano”, un accordo con una strana dissonanza fluttuante che non esprime né dolore né gioia, ma una sorta di “indefinita ricerca di risoluzione”. La risoluzione arriva solo dopo quattro ore, con la cosiddetta “Liebestod” – morte d’amore. In realtà non si tratta di una morte, ma, come Wagner ha definito la scena, di una “trasfigurazione” o, come dice Isotta, di un “annegamento – sprofondamento – inconsapevole del massimo piacere!”. (“Ertrinken – versinken – unbewusst höchste Lust!”). E la risoluzione della dissonanza tristaniana dell’ouverture avviene finalmente con i due famosi accordi finali in si bemolle maggiore.

In alcune opere, Verdi ha affidato il ruolo di protagonista al baritono. Grazie alla voce più scura e bassa rispetto al tenore, Verdi voleva aumentare il livello drammatico. Questo ruolo sviluppa una grande potenza drammatica e richiede una grande flessibilità vocale per i passaggi nei registri più alti. Verdi compose spesso per questo tipo di baritono (Nabucco, Simon Boccanegra, Rigoletto, Macbeth, Ballo in maschera ecc.) e sottolineò che “il baritono deve essere in grado di coprire tutte le emozioni umane”. Ascoltate l’aria baritonale Cortigiani, vil razza dannata da Rigoletto e Eri tu da il ballo in maschera.

In musica, il vibrato è un leggero cambiamento periodico della frequenza di un tono sostenuto. A differenza di un tono non vibrato, un tono con un vibrato appropriato (dall’italiano vibrare, “vibrare”) è percepito come vivace ed espressivo (Wikipedia). Nel canto lirico, viene utilizzato di proposito nei ruoli drammatici come espediente stilistico e come mezzo di volume, che può essere percepito come sgradevole se esagerato. Ascolta Maria Callas Vissi d’arte cantata con un bellissimo vibrato.

Il tardo romanticismo nell’opera si riferisce al periodo che inizia alla fine del XIX secolo nel Nord Europa. In Italia, lo stile musicale si sviluppò nel verismo. Il tardo romanticismo fu ispirato in modo decisivo da Richard Wagner. Una caratteristica importante è il significativo ampliamento dell’orchestra. Strumenti aggiuntivi come la celesta aggiungono nuovi colori all’orchestra. La tonalità viene ampliata (per esempio l’accordo di Tristano) ma la musica rimane tonale. La scrittura orchestrale diventa complessa con un’enorme densità di motivi, ritmi e armonie più complessi. Opere esemplari e iconiche del periodo tardo-romantico sono: Tristan und Isolde, Salome, Parsifal e Die tote Stadt.

Un ruolo di pantalone descrive un personaggio maschile la cui voce è stata scritta per una donna (di solito per un mezzosoprano). Famosi ruoli di pantaloni sono Cherubino ne Le nozze di Figaro, Octavian in Der Rosenkavalier e Oscar ne Il ballo in maschera.

I tipi di voce più importanti nella musica lirica sono: A) Tenore: tenore lirico, tenero leggiero, tenore spinto, tenore eroico B) Soprano/Mezzo-soprano/Alto: soubrette, soprano lirico, soprano di coloratura, soprano drammatico di coloratura, soprano drammatico giovanile di coloratura, soprano fortemente drammatico C) Baritono: baritono lirico, baritono eroico D) Basso: Basso buffo, Basso nero E) Castrato, Countertenore