DON CARLO di Verdi – guida all’opera e Trama

Guida all’opera online e Trama del DON CARLO di Giuseppe Verdi

Don Carlos è un’opera per grandi voci. Ognuno dei sei personaggi principali riceve un convincente fondamento e sviluppo drammatico, e ogni cantante ha grandi punti di forza musicali. Schiller ha scritto un brillante modello letterario con il suo romanzo “Don Karlos” . È un’opera teatrale sulla libertà e la dignità umana dell’età dell’illuminazione, che ha acceso la scintilla dell’ispirazione in Verdi. Nessun’altra opera di Verdi ha una trama di così ampia portata e la potenza di cinque atti.

 

 

Contenuto

Trama

Commento

Atto I (scena di Fontainebleau)

Atto II (Scena I del monastero)

Atto III (Scena del giardino, Autodafé)

Atto IV (Scena dell’inquisitore, Scena della gelosia, Scena della prigione)

Atto V (Scena II del monastero)

 

Raccomandazione di registrazione

 

Punti salienti

Fontainebleau…Io la vidi e al suo sorriso

Di quale amor, di quale ardor (Duetto d’amore)

Dio, che nell’alma infondere (Duetto d’amicizia)

Nel giardin del bello

Spuntato ecco il dí d’esultanza (Autodafé)

Ella giammai m’amò

O don fatale

Carlo, ascolta (scena della morte di Posa)

Tu che la vanità … Francia nobile suol

Ma lassù ci vedremo in un mondo migliore

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Premiere

Parigi, 1867

Libretto

Joseph Méry e Camille du Locle, basato sul dramma Don Karlos di Friedrich Schiller.

Ruoli principali

Philip II, Re di Spagna (basso) - Don Carlo, figlio di Filippo ed erede al trono di Spagna (tenore) - Rodrigo, Conte di Posa (baritono) - Grande Inquisitore, il Grande Inquisitore di Spagna (basso) - Elizabeth, figlia del Re di Francia (soprano) - Principessa di Eboli, stretta confidente di Elizabeth (mezzosoprano).

Recording recommendation

EMI, Montserrat Caballé, Placido Domingo, Shirley Verrett, Sherill Milnes e Ruggiero Raimondi diretti da Carlo Maria Giulini e la Royal Opera House Convent Garden Orchestra e Ambrosian Opera Chorus.

 

 

 

 

 

 

 

L’opera per l’esposizione universale del 1867

Con la versione francese del Trovatore, Verdi si era finalmente affermato a Parigi negli anni Settanta. In vista dell’Esposizione universale del 1867, Verdi fu contattato per comporre un’opera per l’occasione. Nel frattempo i teatri italiani non erano più in grado di pagare gli onorari di Verdi, così Verdi accettò l’offerta del grand opéra parigino e iniziò a lavorare rapidamente nel 1865.

 

Fondo letterario e storico

Prima del Don Carlos, Verdi aveva già utilizzato materiale di Friedrich Schiller per le sue opere (I masnadieri, Giovanna d’arco, Luisa Miller), che però non raggiunsero mai il successo e la qualità delle altre sue opere. Aveva una grande stima di Schiller e voleva fare un altro tentativo.

70 anni prima Schiller aveva scritto un brillante modello letterario con il suo romanzo “Don Karlos”. Si tratta di un’opera sulla libertà e la dignità umana dell’età dell’illuminazione, che accese la scintilla dell’ispirazione in Verdi. Nessun’altra opera di Verdi ha una trama di così ampia portata e la potenza di cinque atti.

Lo sfondo storico del dramma è abbastanza reale, ma gran parte della trama è liberamente inventata. Soprattutto i personaggi di Don Carlo e Posa non esistevano in questa forma. Il vero Infante era fisicamente e mentalmente inferiore e morì all’età di 23 anni e non c’era nessun Marchese di Posa. D’altra parte, c’era il matrimonio tra Elisabetta e Filippo. Ma il “vecchio” Filippo del libretto di Verdi aveva in realtà solo poco più di trent’anni nell’anno del suo matrimonio con Elisabetta.

 

 

Il libretto

Il Grand Opéra di Parigi aveva chiare linee guida su come doveva essere un libretto e una produzione. Per questo motivo, un librettista francese, Joseph Méry, fu incaricato di scrivere il testo. Tuttavia, Méry morì a metà del lavoro. Il compito di completamento fu assunto da Camille du Locle, che successivamente andò d’accordo con Verdi, che non era sempre facile, e anni dopo avrebbe fatto un importante lavoro preparatorio su Aida.

 

 

Il rammendo ventennale dell’opera di Verdi

Quando Verdi si rivolse al Don Carlo, le opere di numero classico dei suoi anni creativi centrali erano alle spalle. Don Carlo era un’opera chiave sulla strada verso i drammi musicali di Falstaff e Otello. Questo pesante sviluppo in un dramma musicale costò a Verdi una grande quantità di energia, e così il Don Carlo fu ripetutamente rielaborato per un periodo di 20 anni. Già dopo il fallimento della prima, Verdi rielaborò l’opera a causa della sua eccessiva lunghezza. Fu profondamente colpito dall’accusa di “wagnerismo”, “che era solo una parola in codice per ‘non più il vecchio Verdi’ (Abbate/Parker, “History of Opera”). Ci sono un totale di sette (!) versioni diverse dell’opera e la varietà di produzioni è corrispondentemente grande.

 

 

Versioni in tedesco e francese

Verdi ha lasciato l’opera in italiano e francese. Questo Ritratto dell’Opera segue la versione in lingua italiana composta da 5 atti, poiché ai nostri tempi praticamente tutte le produzioni sono in questa lingua.

 

 

La difficile storia della rappresentazione dell’opera

La versione in cinque atti è la più convincente dal punto di vista drammatico, il prezzo da pagare è che il pubblico deve passare cinque ore in teatro, compresi i cambi di scena.

La costosa opera per il grand opéra era alla portata solo dei grandi teatri di Parigi e Londra, ma Verdi sovraccaricò i teatri del suo paese. “Dopo che Verdi attribuì il furioso fallimento del Don Carlo a Napoli alla generale incapacità del Teatro di San Carlo di eseguire opere con “intelligenza superiore”, scrisse a un amico piuttosto duramente: “Finalmente capisci questo! O riformate il teatro o tornate alle cavatine!'”. (Denze-Höring, Le opere di Verdi). Alla fine, però, Verdi fu disposto a scendere a compromessi per creare una versione ridimensionata in quattro atti per la Scala nel 1872 (la cosiddetta “versione di Milano”, spesso eseguita). Infine, ma non meno importante, temeva che l’opera nella sua forma originale potesse scomparire dal repertorio.

 

Trama: Vicino al castello di Fontainebleau. È inverno e la popolazione rurale è affamata e soffre le conseguenze della guerra franco-spagnola. Elisabetta è a caccia con il suo entourage.

Proprio nella prima scena si sente un coro. Il coro assume una posizione di rilievo per tutta l’opera. Ancora e ancora accompagna le grandi scene in molteplici ruoli. Sia come gruppo di caccia o più tardi come monaci, partecipanti alle esecuzioni o ribelli. La grande opera richiedeva grandi scene e Verdi fornì lo spettacolo con Don Carlo. Lo sforzo fu gigantesco, “il solo fatto che per la prima furono necessari non meno di 535 costumi per questa sola opera toglie il respiro” (Abbate/Parker,

Su Cacciator – Giulini

“Io la vidi e al suo sorriso” – Don Carlo si innamora di Elisabetta

Trama: Don Carlo l’Infante di Spagna è in viaggio verso il castello. Lì dovrebbe incontrare Elisabetta, la sua futura sposa. La vede passare con il suo entourage e si innamora perdutamente di lei.

Don Carlo non è un’opera tenorile. La figura di Don Carlo rimane la più pallida tra i ruoli principali di quest’opera e a parte questa scena all’inizio, il tenore non ha una grande scena solista. Ancora peggio, normalmente non riceve molti applausi dopo l’aria “io la vidi”. Così non ci sono quasi registrazioni della prima metà del XX secolo di Caruso e Lauri-Volpi e Co. Tra i grandi tenori, Jussi Björling è stato il primo a riprendere seriamente questa pera e l’ha cantata sul palco 15 volte. La prima volta l’ha cantata alla memorabile apertura del primo anno di Rudolf Bing come direttore del MET nel 1950, La disputa tra Bing che voleva aumentare le prove per aumentare la qualità e Björling che spesso le saltava, ha poi portato alla tensione tra i due ed è diventata leggenda. Un aneddoto a margine di questa produzione del 1950: a 39 anni Björling era il più vecchio dello squisito cast e ironicamente 12 anni più vecchio del suo “padre di scena” Siepi, che cantava Philipp. Sentiamo da questa produzione MET l’aria di apertura cantata da Jussi Björling.

Io l’ho perduta…Io la vidi e al suo sorriso (1) – Björling

 

A seconda della versione del libretto, la parte introduttiva di quest’aria inizia in modo diverso. La versione in quattro atti (corrisponde a quella di Björling) inizia con “l’ho perduta” mentre la versione in cinque atti (che inizia con l’atto di Fontainebleau) ha l’introduzione “Fontainebleau foresta immensa”. Ascoltiamo ora quest’ultima versione di Placido Domingo. Questo pezzo si sposa molto bene con il tenore morbido e legato di Domingo, che canta la scena in modo molto più idiomatico dello svedese.

Fontainebleau…Io la vidi e al suo sorriso (2) – Domingo

 

Ascoltiamo una terza registrazione di Claudio Bergonzi. È un’interpretazione nobile e ispirata che fa fiorire la bellezza della voce lirica di Bergonzi (tenore verdiano per eccellenza).

Fontainebleau…Io la vidi e al suo sorriso (3) – Bergonzi

 

Il duetto d’amore

Trama: Al tramonto, mentre si reca al castello, Don Carlos incontra Elisabetta e il suo paggio Tebaldo, che hanno perso la strada nella foresta. Quando vedono lo straniero, Don Carlos si rivela essere spagnolo. Mentre Tebaldo entra nel castello per chiamare il palanchino, i due rimangono tra di loro. Ben presto Elisabetta si sente attratta dallo spagnolo e capisce di aver incontrato il suo futuro fidanzato, che sposerà per suggellare il trattato di pace tra Spagna e Francia. I due cantano con gioia il loro amore e il loro futuro matrimonio.

La registrazione del 1970 di Giulini è una delle registrazioni più raccomandate nella discografia del Don Carlo. Il giovane Domingo ha convinto con la sua voce giovanile e il meraviglioso timbro e la Caballé come Elisabetta che era allo zenit della sua arte nel 1970. Ha mostrato Elisabetta come una regina malinconica e vulnerabile.

Di quale amor, di quale ardor – Domingo / Caballé

 

 

La disillusione

Trama: Quando Tebaldo ritorna, accoglie Elisabetta come regina e moglie di Filippo Secondo. Inorriditi, i due devono rendersi conto che i piani sono cambiati ed Elisabetta deve ora sposare il padre di Carlos.

L’Ora fatale è sonnata – Domingo / Caballé

 

Trama: Il conte di Lerma, l’inviato di Spagna si avvicina con un grande entourage.

Inni di festi – Levine

 

 

Rinuncia di Elisabetta per motivi di stato

Trama: In nome del re le chiede di sposarlo. Con voce agonizzante, Elisabetta dice di sì.

Questo finale del primo atto è musicalmente e drammaticamente grandioso. Il contrasto tra l’esultanza del popolo e la tragedia di Don Carlos getta una luce brillante sull’infante. In una versione di Meyerbeer una grandiosa scena di messa concluderebbe questo atto, Verdi presenta il protagonista in un momento intimo della sua più grande disperazione.

Il glorioso Re di Francia –

 

 

 

 

 

Trama: Nel monastero di San Giusto. I monaci stanno cantando un salmo

Con la scena iniziale del secondo atto Verdi ha scritto una grande ed efficace scena di messa in una chiesa. Il coro dei monaci suonava nel famoso “chiaroscuro”, l’alternanza tra chiaro maggiore e scuro minore. Ricorda le scene dei preti del Nabucco.

Vediamo un estratto da una produzione della Scala di Milano.

Carlo il sommo Imperatore – Muti

 

Posa visita Don Carlo nel monastero – il famoso duetto “Dio, che nell’alma infondere”

Trama: Don Carlo cerca la sua pace interiore nel convento, non può dimenticare il dolore della perdita di Elisabetta. Improvvisamente sente una voce familiare. Il suo amico Posa è tornato dalle Fiandre e gli fa visita nel convento. Posa ha saputo del destino di Don Carlos. Lo convince a dedicare la sua vita alle Fiandre, oppresse dall’Inquisizione. Don Carlo si unisce con entusiasmo e i due si giurano eterna amicizia. Ben presto Elisabetta e il re arrivano al convento. Quando gli occhi di Don Carlo ed Elisabetta si incontrano, entrambi tremano.

I due sognano un mondo migliore in cui regnino l’intelletto e l’umanità. Con Don Carlos e ancor più con il Marchese di Posa, Verdi e Schiller disegnano due esseri umani ideali che probabilmente non sono mai esistiti in questo modo. Il loro inno è ripetutamente citato in tutta l’opera come leitmotiv in segno di libertà e amicizia.

Sentiamo come prima registrazione di questo duetto quella della registrazione Giulini con Placido Domingo e Sherill Milnes.

Io l’ho perduta! … Dio, che nell’alma infondere (6:45) (1) – Domingo / Milnes

 

Ascoltiamo una seconda registrazione di Robert Merrill e Jussi Björling. Formavano la coppia di duetti da sogno degli anni ’50. Hanno fatto molte produzioni insieme e c’erano poche connessioni vocali prima e dopo, che potevano essere paragonate a quella svedese e americana. I due cantanti erano anche amici in privato, e così questa scena divenne il pezzo più famoso di questa coppia di duetti.

Io l’ho perduta! … Dio, che nell’alma infondere (6:45) (2) – Merrill / Björling

 

Apparizione di Eboli con la “canzone moresca”

Trama: Presso il monastero, l’entourage attende il ritorno della coppia reale. La principessa di Eboli canta una canzone saracena per passare il tempo.

Questo pezzo, chiamato “Canzone moresca” è piuttosto impegnativo con i suoi ornamenti e trilli. Queste difficoltà tecniche devono essere padroneggiate senza sforzo in modo che il cantante possa cantare l’aria con “spirito e grazia” (come aveva formulato Maria Callas nella sua famosa masterclass). Ascoltiamo una registrazione di Fiorenza Cossotto, che sa padroneggiare questa difficoltà molto bene.

Nel giardino del bello – Cossotto

 

 

Elisabeth ed Eboli diventano rivali

Trama: La regina torna al seguito. Poco dopo, Posa appare con una lettera del re di Francia e consegna segretamente alla regina una seconda lettera di Don Carlos, nascosta nella scatola. C’è scritto: “Per la memoria che ci unisce entrambi, fidati di quest’uomo, Carlos”. Posa chiede alla regina di ricevere Don Carlo, poiché soffre per l’alienazione da suo padre. Con il cuore che batte, Elisabetta accorda questa richiesta a Posa. Eboli, che assiste alla conversazione, si è innamorata dello spagnolo e si chiede se lui possa ricambiare i suoi sentimenti.

Elisabeth e Don Carlos si incontrano

Trama: Don Carlo appare. Elisabetta manda via la sua scorta e Don Carlo chiede ad Elisabetta di fare pressione per essere mandato nelle Fiandre come governatore. Elisabetta accetta. Le emozioni sopraffanno Carlo e lui invoca il suo amore. Elisabetta ha difficoltà a mantenere la postura, ma non risponde per senso del dovere. Don Carlo scappa dalla stanza.

Un elemento importante dello stile compositivo di Verdi era quello di dare ad ogni opera un proprio carattere, la cosiddetta “tinta musicale”, che egli registrava ancor prima del lavoro compositivo vero e proprio. Al Don Carlo appartiene la malinconia, che sentiamo esemplarmente in questo pezzo. Soprattutto il secondo tempo, introdotto dal bellissimo passaggio di Don Carlo “Perduto ben, mio sol tesor”, la supplica straziante di Don Carlo, ha la bellezza del dolore, che alla fine fa uscire Don Carlo con un pianto doloroso e lascia dietro di sé una Elisabetta rassegnatamente disperata.

Vediamo un estratto di questa scena musicalmente bella e drammatica in una produzione MET con Placido Domingo e Mirella Freni.

Io vengo a domandar grazia alla mia regina – Domingo / Freni

 

 

Il re umilia la regina

Trama: Il re appare e scopre che la regina non è accompagnata. Questo è contro il galateo ed egli rimanda il compagno e migliore amico della regina in Francia come punizione. Umiliata, Elisabetta si congeda dalla fedele e le chiede di non raccontare il suo tormento.

Non pianger mia compagna – Caballé

 

 

Posa diventa un intimo del Re

Trama: Quando tutti devono lasciare la stanza, il re chiede a Posa di restare. Posa ne approfitta per raccontare la miseria del popolo fiammingo. Accusa Filippo del regno del terrore della corona spagnola e implora la libertà del popolo fiammingo. Ma Filippo lo liquida come una fantasticheria e non vuole sentire parlare di questo tradimento. Avverte Posa di guardarsi dal Grande Inquisitore. Il re sceglie il marchese come intimo e gli racconta i suoi sospetti, che la regina è innamorata di suo figlio. Chiede a Posa di scoprire se i suoi sospetti sono fondati.

Il re è impressionato dal cavaliere maltese Posa. Il re è abituato a cortigiani sottomessi che si confrontano con lui e riconosce la grandezza del nobile saggio e navigato. Posa affronta con fiducia il re, alle cui parole “c’è pace nel suo regno”, Posa risponde “sì, la pace del sagrato”. L’apertura del marchese crea fiducia tra i due e il re si apre a lui. Posa percepisce la solitudine del vecchio che è potente ma profondamente infelice e prova pietà.

Oso lo sguardo tuo penetrar – Raimondi / Milnes

 

 

 

 

 

 

Trama: È mezzanotte. Don Carlos è nei giardini della Regina. Ha ricevuto una lettera per un incontro e aspetta la regina. In realtà, la lettera è stata scritta dalla principessa di Eboli, che appare nel mantello della regina. Carlos le giura il suo amore. Inorridita, Eboli deve rendersi conto che l’amore non è per lei quando Carlos la riconosce.

A mezzanotte al giardin della Regina – Pavarotti / d’Intino

 

 

Trama: Posa appare e riconosce la delicatezza della situazione. Tira fuori il suo pugnale per mettere a tacere la principessa per non mettere in pericolo la regina. Su insistenza di Carlos, cambia il suo piano e la lascia andare nonostante le sue minacce. Chiede a Carlos di consegnargli tutte le lettere compromettenti, perché ora deve aspettarsi una sorveglianza. Don Carlos esita, ma Posa invoca la loro amicizia e Carlos gli consegna le lettere che tradiscono la sua relazione con i protestanti fiamminghi.

Sentiamo un breve e bellissimo Terzetto con il cast della registrazione Giulini.

Al mio furor sfuggite invano – Domingo / Milnes / Verrett

 

La scena di massa dell’Autodafé

Trama: Davanti a una cattedrale di Valladolid. Una grande folla attende il rogo degli eretici alla presenza del re. Una processione dà inizio alla solenne auto-da-fé.

Per mantenere alta la sospensione su 5 atti, Verdi aveva bisogno di grandi scene. Così incaricò i suoi librettisti di creare grandi scene che dovevano completare il dramma di Schiller. Questa scena dell’Autodafè era una di quelle. Musicalmente, Verdi sottolinea il contrasto di solennità e terrore con un cambiamento dal maggiore del popolo al minore dei monaci – siamo di nuovo nel mondo chiaroscurale della chiesa. La desolata monotonia è seguita dal bellissimo canto doloroso del gruppo di violoncelli, che accompagna i monaci che implorano il perdono.

Spuntato ecco il dí d’esultanza – Levine

 

Trama: I deputati delle Fiandre interrompono i festeggiamenti, si presentano al re e chiedono un’attenuazione della crudele persecuzione in patria. Ma Filippo non conosce pietà e li fa allontanare.

Verdi crea una monumentale immagine sonora polifonica. Da una parte il re e i monaci e dall’altra Posa, Elisabetta e Don Carlo che chiedono pietà per gli uomini delle Fiandre.

Sire, no, l’ora extrema – Solti

 

 

Don Carlo si ribella a suo padre

Trama: Accecato dalla rabbia, Don Carlo sfodera la sua spada contro suo padre. Nonostante gli ordini del re, le sue guardie non osano disarmare Don Carlos. Filippo chiede a Posa di prendere la spada di Don Carlos. Alla richiesta di Posa, Don Carlos gli consegna la spada, sopraffatto dal dolore. Il re nomina il marchese duca e Don Carlos viene portato via.

Silenziosamente, come un lontano ricordo, suona il motivo dell’amicizia dei due, mentre le pire bruciano sullo sfondo. Verdi chiude il quarto atto con questo quadro grandioso.

Signore! Egli è tempo ch’io viva – Domingo

 

 

 

 

 

 

 

Uno dei grandi punti di forza di quest’opera è che è un’opera di individui. Ognuno dei sei personaggi principali riceve una base e uno sviluppo drammatico convincente, e ognuno riceve anche dei punti salienti musicali. La tragica sfida è che per ragioni logistiche e finanziarie è diventato quasi impossibile per i teatri mettere insieme gli ensemble di prima classe e le scenografie necessarie per Don Carlos, così che Don Carlos non si vede spesso (il che è anche vero per alcune altre grandi opere come “les huguenots”).

 

La solitudine del re – “ella giammai m’amò“

Trama: Nello studio del re. La mattina comincia ad albeggiare e il re è seduto disperatamente al suo tavolo. La preoccupazione per il suo regno e la consapevolezza che Elisabetta non lo ha mai amato lo addolorano troppo profondamente.

Il protagonista di quest’aria di Philipp è profondamente malinconico. Inizia con un’introduzione orchestrale. Un violoncello solista suona solo e desolato, riflettendo lo stato emotivo del sovrano. I motivi di sospiro dei violini completano il quadro e intensificano il dolore. Sopra gli archi tremolanti, sentiamo il lamento di Filippo, che inizia con il drammatico “non mi ha mai amato!” suonato intorno e accompagnato dal violoncello solista. Questo brano è una delle più belle arie per voce di basso di tutto il repertorio operistico. “È uno di quei momenti iconici in cui un accompagnamento orchestrale sobrio, una semplice declamazione e un solo sfogo melodico riescono a scolpire l’emozione nelle nostre anime” (Abbate/Parker, “History of Opera”).

Boris Christoff era il Filippo preferito degli anni ’50. Il suo basso è nobile e morbido, ma ha qualità drammatiche. La sua recitazione era eccezionale, il suo ritratto del ruolo di Filippo II grandioso. Sentiamo e vediamo il bulgaro in una registrazione notevole.

Ella giammai m’amò – Christoff

 

 

La Tinta musicale dell’opera “Don Carlo”

Abbiamo detto in una sezione precedente che l’umore malinconico della musica fa parte della tinta musicale dell’opera. Fanno parte della Tinta anche le molte scene di massa che fanno del Don Carlo un’opera eccezionale nell’opera di Verdi. Il terzo elemento è l’oscurità. Verdi lo realizza con la scelta delle voci. Oltre al baritono Posa, 3 bassi (Filippo, il Grande Inquisitore e il monaco) cantano ruoli solistici. Nella scena seguente questa oscurità è particolarmente evidente.

 

 

Due sistemi di potere si scontrano – La battaglia dei Titani

Trama: Il re ha mandato a chiamare il Grande Inquisitore. Ha capito che il figlio traditore deve essere giustiziato e vuole sapere se la chiesa darà la sua benedizione. Il Grande Inquisitore è d’accordo.

L’ingegnoso motivo musicale dell’apertura, che accompagna l’entrata del Grande Inquisitore, è morboso e dimostra la sua intransigenza. Verdi dipinge l’immagine di un inquisitore invecchiato e crudele. Il percorso di Verdi verso il dramma musicale può essere letto bene in questa scena. Non compone più un duetto classico in cui i protagonisti descrivono i loro sentimenti, ma mette in musica un dialogo drammatico in cui la trama continua drammaticamente. Questa scena esemplifica i molti dialoghi drammatici di quest’opera. Entrambe le voci sono accompagnate da fiati pesanti per dare peso alle loro argomentazioni. Infine, il discorso di Filippo è accompagnato solo da pietosi fiati; la musica dice chi è uscito vittorioso dal duello.

Sentiamo il duetto nell’interpretazione di Boris Christoff e Giulio Neri del 1954, un duetto di due cantanti-attori le cui voci rendono lo scontro palpabile con la massima veemenza.

Il grande inquisitore!

 

 

Trama: Il Grande Inquisitore si rivolge ora al Re. Esige che il re consegni al tribunale il traditore più pericoloso, il marchese di Posa. Il re rifiuta, e l’inquisitore minaccia il re che anche lui deve rendere conto all’Inquisizione. Così anche il re deve rendersi conto che deve piegarsi al potere della chiesa.

Nell’ispano suol mai l’eresia dominaò – Foiani

 

 

Philip affronta la moglie con le prove

Trama: Dopo la partenza del prete, Elisabetta si precipita nello studio. Il suo portagioie è stato rubato. Inorridita, deve assistere mentre il re mette la scatola sul tavolo e la rompe. Proprio sopra trova il ritratto dell’infante. Elisabetta afferma di essere pura. Quando Filippo la accusa di adulterio, Elisabetta sviene e Filippo si rende conto di essersi spinto troppo oltre. Rodrigo ed Eboli accorrono e si rendono conto della situazione con orrore.

Verdi ha composto un bellissimo quartetto lirico per questa scena.

Ah! Sii maledetto, sospetto fatale – Raimondi / Verrett / Caballé / Milnes

 

Eboli si pente – “O don fatale”

Trama: Eboli si pente e confessa alla regina che è stata lei a tradirla e a consegnare la scatola al re. Confessa anche di aver sedotto il re. La regina le dà la possibilità di scegliere tra il monastero e l’esilio. Eboli si pente profondamente e come ultimo atto decide di salvare Don Carlo.

Il suo ruolo è molto vario e nessuno degli altri personaggi di quest’opera mostra così tante sfaccettature e sviluppo. Nelle sue tre grandi interpretazioni canta prima la dama di corte (la canzone moresca) con colorature, poi diventa l’intrigante drammatica (Una mezzanotte) e in quest’aria diventa la pentita e infine la figura leggera. In altre parole, il ruolo di Eboli richiede una grande voce. La prima parte è accompagnata da accordi d’archi drammatici e agitati che accompagnano la voce in do bemolle con il doloroso grido “ah!”. La sezione centrale è dominata da una cantilena supplichevole, quasi dolce, il cui culmine è ancora una volta un “ah!” ancora più doloroso, questa volta sul si bemolle alto.

Il culmine musicale di Eboli è senza dubbio quest’aria.

Sentiamo 3 diverse interpretazioni di questa grande aria.

Prima sentiamo Maria Callas. Forse quest’aria è stata cantata in modo più lirico, ma nessuno di loro è riuscito a creare i timbri per disegnare lo stato d’animo di Eboli.

O don fatale (1) – Callas

 

La controparte della Callas era l’interpretazione della Verretts. La sua voce è più rotonda e piena rispetto all’interpretazione accentuata della Callas.

O don fatale (2) – Verrett

 

Successivamente ascolteremo l’Eboli di Elina Garanca. Nelle parole di Mark Pullinger: “Elīna Garanča, come l’affascinante Eboli, ha fatto crollare la casa, tirando fuori tutte le fermate nella canzone del velo moresco, come ci si aspetterebbe da qualcuno con il suo background di bel canto. Ha sorpreso quanto il suo mezzosoprano sia cresciuto, consegnando un “O don fatale” mozzafiato.

O don fatale (3) – Garanca

 

 

La morte di Posa

Trama: Nella cella della prigione di Don Carlos. Posa gli fa visita e gli riferisce che si è autoaccusato delle lettere compromettenti e sarà presto giustiziato, in modo che la strada sia libera per Don Carlo per completare la liberazione delle Fiandre.

Il bon mot che “Verdi non lascia mai morire nessuno dei suoi amati personaggi senza un bel canto del cigno” è vero anche per questa “bella” morte operistica. L’accompagnamento orchestrale è etereo con suoni di arpa e trilli di ottavino, e il tema dell’amicizia risuona ancora una volta beatamente nei flauti.

Posa era un ruolo ideale per la voce di Dmitri Hvorostovsky. Il Marchese di Posa è uno dei ruoli più lirici del repertorio per i baritoni verdiani. Il tanto decantato legato di Hvorostovsky prende vita in questo passaggio lirico e riposante. Stiamo ascoltando una registrazione dei primi anni di canto del russo.

Per me giunto il di fatale – Hvorostovsky

 

Trama: Un colpo suona e colpisce Posa. Lui sprofonda a terra. Con le sue ultime forze dice a Carlo che Elisabetta lo aspetta al convento di San Giusto. Saluta l’amico e muore.
Il bon mot “che Verdi non lascia morire nessuno dei suoi amati personaggi senza un bel canto del cigno” vale anche per questa “bella” opera La morte.

Carlo, ascolta (1) – Hvorostovsky

 

Ascoltiamo una seconda registrazione di Ludovic Tézier, uno dei grandi baritoni verdiani del XXI secolo. Il suo baritono è vellutato e corposo e si adatta meravigliosamente a questo ruolo. Per una volta, il baritono non è il guastafeste, ma il più radioso di tutti i personaggi in scena.

Carlo, ascolta / Oui, Carlos (2) – Tézier

 

 

La liberazione di Don Carlos

Trama: Filippo sembra restituire la spada a suo figlio, la cui innocenza sembra essere stata provata dall’autoincriminazione di Posa. Ma Carlo lo respinge e Filippo si rende conto che Posa si è sacrificato. Il popolo arrabbiato appare sotto la guida di Eboli e vuole liberare Don Carlos. All’apparire del Grande Inquisitore, il popolo si getta in ginocchio. Nel tumulto, Don Carlo può fuggire.

 

 

 

 

 

 

La grande aria di Elisabetta – la rinuncia “Francia nobile suol”

Trama: Nel monastero di San Giusto. Elisabetta vuole dire addio a Don Carlo. Si inginocchia davanti alla tomba di Carlo V. Nel suo desiderio di morte ripensa malinconicamente alla sua gioventù felice in Francia.
Questa performance finale di Elisabetta è estremamente impegnativa, poiché deve mantenere i sentimenti di grandezza, sofferenza e desiderio di morte con un lungo arco di suspense per più di 10 minuti. L’aria inizia dopo una lunga introduzione orchestrale in tono minore; Elisabetta è preoccupata per Carlo. Ma la raison d’état le chiede di essere forte e lei ripensa ai pochi momenti belli con Carlo e l’umore cambia in maggiore con il suo tema d’amore.

Ascoltiamo questa grande esecuzione in 2 versioni. I due critici influenti Kesting e Steane non erano d’accordo su chi cantasse la versione “definitiva”. Il primo ha invocato la Callas e il secondo la Caballé.

Ascoltiamo prima la spagnola nella magnifica registrazione integrale di Giulini. Fischer (“grandi voci”) ha commentato: “Vi si trova tutto ciò che ha portato Steane al suo entusiastico verdetto: la pura bellezza del timbro eclissa leggermente quella della Callas che aveva lasciato il palcoscenico e supera anche il suono sempre torbido di Joan Sutherland. C’era una chiarezza malinconica in questo soprano, la luce tagliente dell’altopiano spagnolo … e cantare un piano uniformemente inondato, trasformandolo in un diminuendo e lasciandolo poi morire in un morendo alla fine”.

Tu che la vanità … Francia nobile suol (1) – Caballé

 

Maria Callas non ha mai cantato l’Elisabetta in una registrazione completa. Questo è un peccato in vista della registrazione del recital del 1958 con il direttore e amico dei suoi ultimi anni, Nicolo Resigno. Merita il massimo elogio per il modo in cui trasporta il dramma emotivo della Regina. Non è una performance espressiva ma un caleidoscopio interiore che lei presenta all’ascoltatore con i grandi mezzi stilistici a sua disposizione.

Tu che la vanità … Francia nobile suol (2) – Callas

 

Trama: Quando Don Carlo appare, giura di continuare l’opera di Posa e saluta Elisabetta.

Il duetto di Elisabetta non è più pieno d’amore, ma di dolorosa e nostalgica rassegnazione. Teneramente i due si dicono addio per sempre e per l’ultima volta le loro voci si uniscono.

Una bella atmosfera d’addio sovrasta la registrazione di questa scena, e una tenerezza malinconica si trova nelle voci, come forse non possiamo sentire altrove. La combinazione delle voci è ammaliante, si sente solo il passaggio a 3:18 con la voce morbida e vellutata di Domingo accompagnata dal piano etereo di Montserrat Caballé. La bellezza lirica cattura l’ascoltatore.

Ma lassù ci vedremo in un mondo migliore – Caballé / Domingo / Verrett

 

 

Il finale drammatico e Caballé sciocca il pubblico…

Trama: Filippo appare accompagnato dal Grande Inquisitore. Vogliono consegnare Elisabetta e Don Carlos alla giustizia. Poi la tomba di Carlo V si apre e appare un monaco. Sotto lo sguardo inorridito del re trascina Don Carlos nel monastero.

Concludendo l’opera sentiamo il drammatico finale con rumore di scherma e un Sib alto di 16 secondi cantato da Montserrat Caballé. Questo finale era una specialità della Caballé. Ha anche cantato questa fine dell’atto con una nota finale di 20 battute una volta quando ha dovuto interpretare il ruolo all’Arena di Verona con le stampelle, a causa di un incidente che aveva subito a NY poco prima.

Si per sempre – Caballé et al.

 

3 fatti divertenti su quest’opera

 

Raccomandazione di registrazione dell’opera DON CARLO

 

EMI, Montserrat Caballé, Placido Domingo, Shirley Verrett, Sherill Milnes e Ruggiero Raimondi sotto la direzione di Carlo Maria Giulini e l’Orchestra della Royal Opera House Convent Garden e l’Ambrosian Opera Chorus.

 

 

 

Peter Lutz, opera-inside, la guida dell’opera online su DON CARLO di Giuseppe Verdi.