ORFEO ED EURIDICE di Ch.W. Gluck – guida all’opera e Trama

Guida all’opera online e Trama dell’ORFEO ED EURIDICE di Gluck

Orfeo è l’opera più antica che sia rimasta in repertorio senza interruzioni ed è una delle opere più influenti nella storia dell’opera. E con “che faro senza Euridice” è riuscito a creare il primo mega-hit della storia dell’opera.

 

Contenuto

Commentario

Atto I

Atto II

Atto III

Atto III ;

 

Punti salienti

Objet d’amour

Amour, viens rendre à mon ame

Danse des furies

Laissez-vous toucher par mes pleurs

Ballet des ombres heureuses

Cet asile aimable et tranquille

Che puro ciel (Quel nouveau ciel pare ces lieu)

Che faro senza Euridice (J’ai perdue Euridice)

 

 

 

Raccomandazione di registrazione

Raccomandazione di registrazione

 

 

 

Premiere

Wien 1762

Libretto

Ranieri de Calzabigi, basato sulla mitologia greca.

Ruoli principali

Orfeo, cantante attico (contralto o tenore) - Euridice, amante di Orfeo (soprano) - Cupido, dio dell'amore (soprano)

Recording recommendation

ARCHIV, Richard Croft, Mireille Delunsch, Marion Harousseau diretta da Marc Minkowski e Les musiciens du Louvre.

 

 

 

 

 

 

 

La leggenda di Orfeo ha ispirato molti musicisti

Quasi nessun altro materiale è stato messo in musica così spesso come la leggenda di Orfeo, il grande musicista della mitologia greca. Monteverdi usò già questo testo per fondare una nuova forma di musica, il suo “dramma per musica”. Gluck e il suo librettista fecero lo stesso di Monteverdi e usarono la potenza elementare di questo materiale. Con “Orpheo ed Euridice” crearono la loro prima opera di riforma, fecero un passo da gigante verso il futuro e suonarono la campana a morto dell’opera seria barocca.

 

 

L’opera seria muore di stereotipi

Nei primi quarant’anni della sua vita Gluck fu letteralmente attivo come musicista in tutta Europa. Si fece un’idea profonda della pratica operistica del continente. La sua impressione era che il teatro musicale soffrisse della natura stencil dei personaggi e della natura talvolta grottesca delle trame. A tal fine, le opere erano cantate da cantanti che talvolta decoravano la musica in modo irriconoscibile. Il dramma, l’etica e i sentimenti reali erano scomparsi dalla scena.
Pietro Metastasio si fece portavoce di questo stile nel XVIII secolo, i cui libretti furono musicati più volte da molti compositori. Così l’opera di Metastasio divenne un’opera formatrice di stile. Dal 1730 il luogo di lavoro di Metastasio fu Vienna, il che lo rese enormemente influente anche nel mondo di lingua tedesca. Anche Mozart mise in musica il materiale di Metastasio (La clemenza di Tito e il re pastore).

 

Calzabigi, il librettista delle opere della riforma – il dramma come base

Per contrastare ciò, Gluck dipendeva prima di tutto da un librettista adatto, un vero drammaturgo e paroliere. Lo trovò nella persona di Raniero de Calzabigi. L’italiano Calzabigi scrisse tra l’altro per il compositore tedesco perché era respinto dal rumoroso e caotico business teatrale italiano. Già nel 1778 scriveva sul pubblico napoletano: “Chi penserebbe di rappresentare una tragedia greca davanti a un pubblico così idiota?

 

 

Il nuovo schema di Gluck e Calzabigi

Cos’è dunque il nuovo schema di Gluck e Calzabigi chiamato “opera di riforma”? Per motivi di leggibilità, trovate le innovazioni più importanti rispetto all’opera seria di Metastasio in forma tabellare.

	Opera seria (Al tempo di Glucks)	Opera seria
Espressione	Affetto, Virtuosismo	Vero sentimento
Priorità	Musica prima delle parole Coloratura	Parola prima della Musica Declamazione
Azione	Molti ruoli di recitazione Intrighi, complicazioni, stereotipi	poche parti recitate semplice azione
Coro	solo sfondo	come persona recitante
Sviluppo di azione	solo durante il reicitativo	in corso, scenico
Forma	Secco Recitativo – aria da capo	Composto attraverso con Recitativo e aria
Storia	storico	mitologico

I recitativi secchi, infinitamente lunghi (e noiosi), sono stati abbandonati, i recitativi sono stati composti in modo passante e tenuti brevi. Anche l’aria dominante da capo (ABA’) fu eliminata. Mentre i cantanti lasciarono la musica del compositore nella parte A più o meno nell’originale, la parte A’ fu lasciata al gusto dei cantanti (vanitosi) con colorature, cadenze e ornamentazioni.
Riducendo il numero di personaggi, i singoli ruoli divennero più importanti. Questo è particolarmente visibile in Orfeo; il protagonista Orfeo è in scena per tutta la durata della rappresentazione.

 

 

La versione di Vienna

Gluck scrisse la prima versione di Orfeo in italiano per la stagione 1762. L’opera fu ben accolta, ma non fu un vero successo. Gluck presentò un dramma breve e purificato di carattere classico. Il pubblico era abituato a materiale eroico storico piuttosto che a materiale mitologico classicistico. Tutto questo sembrava essere un passo troppo grande per il pubblico barocco e fu in parte percepito come fragile e disadorno.
Gluck mantenne ancora alcuni elementi dell’opera seria. Il ruolo principale era cantato da un castrato, un deus ex-macchina forniva un lieto fine e la strumentazione era in linea con le usanze del tempo.

 

 

La versione parigina del 1774 e del 1859

Dieci anni dopo Gluck seguì la principessa austriaca Maria Antonia (sua allieva cantante) a Parigi dove sposò il Delfino Luigi, incoronato poco dopo Luigi XVI.
Lì Gluck avrebbe conquistato il pubblico parigino con la sua Iphigénie en Aulide. Mezzo anno dopo, raddoppiò con la nuova versione di Orfeo, ora nella veste francese di “Orphée et Euridice”.
La differenza tra la versione viennese e quella parigina era enorme. Per motivi di leggibilità, i cambiamenti più importanti sono riportati in forma tabellare, insieme alla terza versione, la cosiddetta versione Berlioz:

 

	Wien	Parigi	Parigi (Berlioz)
Anno	1762	1774	1859
Voce fach Orpheus	Alto-Castrato	Haut-Contre (Tenore)	Alta
Lingua	italiano	francese	francese
Versione	Vienna	Parigi	Mied
Basso	Cembalo	Corde basse	Corde basse
Librettista	Calzabigi	Moline	Molinie/Viardot
Atti	3	3	4
Scene di danza	2	>5	>5

 

L’adattamento di Parigi

Prima di tutto, la caratteristica più sorprendente fu che Gluck usò un haut-contre per il ruolo principale, un tenore con una tessitura molto alta invece del castrato. Questo cambiò le chiavi e i registri di tutta l’opera e quindi la cambiò significativamente. Gluck scrisse il ruolo per il tenore francese Joseph Legros, un formidabile attore e tenore dalle altezze sorprendenti. Questo aspetto divenne un boomerang per l’espansione internazionale dell’opera, poiché era difficile trovare tenori adatti.
Il secondo grande cambiamento riguardava le scene di danza. Gluck aumentò massicciamente il numero di scene di balletto. Da un lato questo era dovuto al gusto locale, pazzo per la danza, ma anche al fatto che la lunghezza della versione viennese era chiaramente troppo breve per una serata all’opera, con poco più di un’ora. In totale Gluck aggiunse 10 nuovi numeri, molti dei quali presi da opere precedenti.

 

 

La versione di Berlioz

Il giovane Berlioz trovò una biografia di Gluck nella biblioteca di suo padre. Questo primo contatto con Gluck accese il suo entusiasmo e studiò la musica di Gluck per tutta la vita. Prima di avere l’opportunità di vedere e sentire l’Orphée sul palco per la prima volta nel 1824, aveva studiato intensamente l’opera con la partitura. Rimase scioccato quando si rese conto di quanto la versione eseguita fosse diversa dalla versione stampata del 1774. Voleva fare qualcosa al riguardo, ma ci sarebbero voluti altri 35 anni prima che lui stesso mettesse in scena una ripresa al Théatre lyrique di Parigi. Fu in grado di ottenere il famoso contralto Pauline Viardot per il ruolo principale, invece del solito cast di un Haut-Contre.
Berlioz (sostenuto da Camille Saint-Saens) prese dalla versione parigina di Gluck la maggior parte delle parti in cui Orfeo non canta. Per i passaggi di Orfeo usò la versione viennese con la strumentazione della versione francese.
Per il ruolo principale scelse il famoso contralto Pauline Viardot-García, che Berlioz sostenne con entusiasmo. La prima di questa versione fu un successo travolgente. Da allora in poi, l’opera divenne il dominio delle donne.

 

 

L’accozzaglia di versioni

Da quasi nessun’altra opera ci sono più versioni di quest’opera. Anche Gluck adattò ripetutamente l’opera ai costumi locali (cioè ai cantanti) durante le rappresentazioni. La pratica dei 200 anni seguenti ha mostrato che le produzioni mescolavano generosamente le versioni e rendevano così quasi ogni singola rappresentazione un’opera unica.
Questa guida all’opera utilizza più o meno la versione di Berlioz, che include i pezzi più affascinanti.

 

 

 

 

Trama: Euridice giace sepolta in un boschetto, morsa da un serpente velenoso.

Anche il preludio è sorprendente. Euridice è distesa nella foresta, ma la musica è festosa.

Ouverture – Gardiner

 

Trama: Orfeo lamenta appassionatamente la sua morte mentre pastori e ninfe decorano la tomba fresca. Secondo l’antico rito, si spegne il fuoco della torcia, simbolo del legame matrimoniale tra Orfeo ed Euridice che è stato reciso dalla morte.

La musica cambia con l’apparizione di Orfeo in regni tetri. I tromboni pesanti imitano la musica funebre. Il coro è ripetutamente oscurato dai lamenti di Orfeo.

Ah, dans ce bois tranquille et sombre – Minkowski

Il lamento celeste di Orfeo

Trama: Orfeo manda via tutti per restare solo con il suo dolore e dice addio alla sua Euridice.

Per l’addio Gluck compose un’aria toccante ma non lacrimosa.

Sentiamo una grande registrazione degli anni cinquanta con il tenore Leopold Simoneau, che era in grado di padroneggiare una tessitura alta.

Objet d’amour – Simoneau

 

 

Trama: Lui non vuole vivere senza di lei.

Accablé des regrets

 

 

Trama: Decide di andare negli inferi per strappare Euridice al regno dei morti. Cupido, un angelo dell’amore appare, annunciando che Giove è commosso dal suo dolore e gli concede il diritto di scendere negli inferi. Ma Giove pone una condizione: non deve guardarla, altrimenti la perderà per sempre.

Soumis au silence – Harousseau

La grande aria di bravura

Trama: Orfeo è allo stesso tempo euforico per il fatto che Euridice vivrà ma depresso perché non gli è permesso di toccarla o guardarla. È pronto ad affrontare la pericolosa avventura.

Quest’aria è una classica aria di bravura. In effetti, non dovrebbe avere posto in quest’opera di riforma, ma Gluck probabilmente voleva concedere l’aria al primo Orphée, Joseph Legros, un’aria di coloratura classica con lunghe corse di coloratura e cadenza di coloratura.

Berlioz voleva eliminare quest’aria dalla sua versione perché era convinto che non fosse stata scritta da Gluck stesso, ma da Bertoni (cosa che oggi non si sospetta più).

La grande cadenza alla fine dell’aria fu creata da Pauline Viardot con l’aiuto di Berlioz e Saint-Saens.

Amour, viens rendre à mon ame – Verrett

 

 

 

 

 

La danza delle furie

Trama: Le Furie, che custodiscono l’ingresso agli inferi, danzano davanti a una grotta spettrale sul fiume Stige, nascosta da nuvole di fumo.

Gluck dipinge una grande immagine delle Furie, la musica suona incredibilmente moderna. Trasportato dal tremolo degli archi, sferzato dai venti, il coro canta all’unisono non melodie ma solo passi di terza.

Danse des furies – Minkowski

 

Trama: Hanno notato l’arrivo di Orfeo.

L’orchestra inizia lentamente, aumenta il tempo fino a quando si sente una scena infernale, con guaiti e deliri che erano sconosciuti fino ad ora.

Quel est l’audacieux – Froment

 

La supplica celeste di Orfeo, un pezzo forte dell’opera

Trama: All’inizio non si lasciano placare dal canto di Orfeo, ma i lamenti strazianti di Orfeo li inteneriscono e lo lasciano entrare negli inferi.

Accompagnato da suoni d’arpa Orfeo canta il suo bel canto. Un bell’effetto sono le interiezioni del coro (Non). Un’immagine musicale grandiosa di un compositore profondamente creativo.

Laissez-vous toucher par mes pleurs – Croft

Il famoso balletto sugli Champs Elysées

Trama: Sull’isola dei defunti gli eroi danzano la danza degli spiriti beati.

Questo balletto pantomima è diventato famoso anche per la parte del flauto solista.

Ballet des ombres heureuses

 

Il pezzo è diventato popolare ed è stato arrangiato per altri strumenti, qui per pianoforte solo, interpretato da Yuja Wang.

Ballet des ombres heureuses per pianoforte – Yuya Wang

Trama: Euridice si gode la pace e la magia di quest’isola.

Una bella e tranquilla conversazione tra Euridice e il coro.

Cet asile aimable et tranquille – Bender

Blessed Rapture

Trama: Orfeo mette piede sull’isola. Incantato dalla purezza, si meraviglia della bellezza di questo luogo. Ma solo Euridice può ridargli la gioia di vivere.

Un’interpretazione estasiata di un pezzo estasiato, cantato da Janet Baker

Che puro ciel (Quel nouveau ciel pare ces lieu) – Baker

 

 

Trama: Gli spiriti benedetti annunciano che qui incontrerà Euridice.

Un bellissimo pezzo corale.

Viens dans ce séjour paisible

 

 

 

 

 

 

 

Trama: Orfeo trascina Euridice senza guardarla. Eurydice è felice di essere riunita con Orfeo, ma è irritata dalla reticenza di Orfeo che non la tocca né la guarda. Orfeo le chiede di fidarsi di lui e di accompagnarlo.
Gluck è occasionalmente accusato di aver composto musica molto diretta e lineare, la sua partitura è sempre molto “ordinata”. Questo comporta il pericolo che la musica possa diventare poco ispirata in certi punti se non è ben interpretata. Sentiamo questo passaggio formidabilmente cantato da Barbara Hendricks e Sophie von Otter, che trasmettono in modo convincente il dramma (per tutto il suo classicismo) di questa situazione. Bellissimi ritardandi e accelerandi danno vita alla musica.

Vien, suis un époux qui j’adore – Hendricks / von Otter

La famosa aria “che faro senza Euridice”

Trama: Ma Euridice non vede il senso di lasciare il paradiso per una vita senza l’amore di Orfeo. Lei vuole lasciare Orfeo e Orfeo vede la sua ultima possibilità di guardarla. Ma questa è la condanna a morte di Euridice e lei muore davanti ai suoi occhi. Orfeo lamenta la perdita della sua Euridice.

Il pezzo di Gluck per Euridice è diventato una delle arie più famose di sempre e la discografia comprende innumerevoli registrazioni di cantanti delle più diverse gamme vocali. Poiché Gluck scrisse una versione per Vienna oltre che per Parigi, esiste una versione francese (“J’ai perdu mon Euridice”) e una italiana (“Che faro senza Euridice”).
Gluck ha scritto questo lamento in chiave maggiore, anche se la disperazione di Euridice per la presunta freddezza di Orfeo durante l’aria è in costante aumento. Hanslick, il famoso critico del XIX secolo, disse che la musica di quest’aria avrebbe potuto benissimo essere scritta con il verso “J’ai trouvé mon Euridice” invece di “J’ai perdu mon Euridice”.
Ma la scelta della chiave di Gluck era deliberata. Il lutto doveva essere raggiunto con la semplicità dell’aria e l’accompagnamento orchestrale, passando solo brevemente alla chiave minore. Contrariamente alle convenzioni dell’opera seria, il riformista Gluck voleva eliminare ogni ornamento artificiale dei cantanti e ha deliberatamente rinunciato all’ornamentazione. Questo aspetto (vedi anche le interpretazioni che seguono) ha portato alla discussione se l’ornamentazione sia permessa in quest’aria.
Tuttavia, l’effetto che Gluck fece con quest’aria è grandioso, i contemporanei come Rousseau furono entusiasti e l’aria divenne forse il primo super-hit nella storia dell’opera.

Per molti contemporanei l’espressione e il calore della voce di Kathleen Ferrier erano unici. Bruno Walter, uno stretto compagno della sua breve carriera, scrisse dopo la sua morte precoce che lei era, accanto a Gustav Mahler, la più grande conoscenza personale della sua vita musicale. Kathleen Ferrier morì di cancro al seno nel 1951 all’età di 41 anni. Aveva appena provato l’Orfeo. L’interpretazione (una registrazione radiofonica dal vivo) è un brillante documento della sua voce: calore dell’anima, vibrato espressivo e pianissimi eterei.

Che faro senza Euridice – Ferrier

 

Ferrier era uno dei modelli di ruolo di Janet Baker, che condivideva con lei il fach di voce di contralto. Janet Baker era una cantante di oratorio e lieder di fama mondiale, ma cantava l’opera solo nelle isole britanniche, principalmente a Glyndebourne e in Scozia. Ha cantato l’Orfeo alla sua performance d’addio nel 1982 e ancora una volta ha fatto scalpore con la sua interpretazione soulful.

Che faro senza Eurydice – Baker

Synopsis: Ora lui non vuole più vivere e vuole unirsi a lei negli inferi. Lì Cupido lo affronta. Gli dice che la sua morte non è necessaria e che si è dimostrato degno di lei. Egli risveglia Euridice e i due si affrontano travolti.

I trii sono una specie rara in questa musica, qui uno con un crescendo di oltre 3 minuti,

Tendre amour – Hendricks / von Otter

 

Trama: Mentre Cupido fluttua nel cielo tutti cantano l’inno all’angelo dell’amore.

Le dieu de Paphos et de Gnide

 

 

 

Raccomandazione di registrazione

ARCHIV, Richard Croft, Mireille Delunsch, Marion Harousseau sotto la direzione di Marc Minkowski e les musiciens du Louvre

 

 

 

Peter Lutz, opera-inside, la guida dell’opera online su ORFEO ED EURIDICE di Christoph Wilibald Gluck