ORFEO ED EURIDICE de Ch.W. Gluck – o guia e sinopse da ópera

Guia de ópera em linha e sinopse para Gluck’s ORFEO ED EURIDICE

Orfeo é a mais antiga ópera que tem estado no repertório sem interrupção e é uma das obras mais influentes na história da ópera. E com “che faro senza Euridice”, conseguiu criar o primeiro mega-hit da história da ópera.

 

 

Conteúdo

♪ Comentário

♪ Acto I

♪ Acto II

♪ Acto III

 

 

Fortíssimos

♪ Objet d’amour

♪ Amour, viens rendre à mon ame

♪ Danse des furies

♪ Laissez-vous toucher par mes pleurs

♪ Ballet des ombres heureuses

♪ Cet asile aimable et tranquille

♪ Che puro ciel (Quel nouveau ciel pare ces lieu)

♪ Che faro senza Euridice (J’ai perdue Euridice)

 

 

 

Recomendação de gravação

♪ Recomendação de gravação

 

 

 

Premiere

Wien 1762

Libretto

Ranieri de Calzabigi, baseado na mitologia grega.

Principais papéis

Orfeo, Cantor do sótão (alto ou tenor) - Euridice, amante de Orfeo (soprano) - Cupid, deus do amor (soprano)

Recomendação de gravação

ARCHIV, Richard Croft, Mireille Delunsch, Marion Harousseau conduzido por Marc Minkowski e Les musiciens du Louvre.

 

 

 

 

 

 

 

A lenda de Orfeu inspirou muitos músicos

Quase nenhum outro material foi musicado com tanta frequência como a lenda de Orfeu, o grande músico da mitologia grega. Monteverdi já utilizou este texto para fundar uma nova forma de música, o seu “dramma per musica”. Gluck e o seu libretista fizeram o mesmo que Monteverdi e usaram o poder elementar deste material. Com “Orpheo ed Euridice” criaram a sua primeira ópera de reforma, deram um passo gigantesco para o futuro e tocaram o toque da morte para a série de ópera barroca.

 

 

Opera seria dies of stereotyping

Nos primeiros quarenta anos da sua vida, Gluck foi literalmente activo como músico em toda a Europa. Ganhou uma visão profunda sobre a prática da ópera no continente. A sua impressão era que o teatro musical sofria da natureza stencil-like das personagens e da natureza por vezes grotesca das tramas. Para tal, as obras eram cantadas por cantores que por vezes decoravam a música para além do reconhecimento. O drama, a ética e os sentimentos reais tinham desaparecido do palco.
Pietro Metastasio representava este estilo no século XVIII, cujos libretti foram musicados várias vezes por muitos compositores. Assim, o trabalho de Metastasio tornou-se um trabalho de formação de estilo. A partir de 1730 o local de trabalho de Metastasio foi Viena, o que também o tornou enormemente influente no mundo de língua alemã. Até Mozart musicou o material de Metastasio (La clemenza di Tito e il re pastore).

 

Calzabigi, o libretista das óperas da reforma – o drama como base

Para contrariar isto, Gluck dependia antes de mais de um libretista adequado, um verdadeiro dramaturgo e letrista. Encontrou-o na pessoa de Raniero de Calzabigi. O italiano Calzabigi escreveu para o compositor alemão, entre outros, porque era repelido pelo barulhento e caótico negócio do teatro italiano. Já em 1778 ele escreveu sobre o público napolitano: “Quem pensaria em representar uma tragédia grega diante de um público tão idiota?

 

 

Gluck e o novo esquema de Calzabigi

Então qual é a nova abordagem de Gluck e Calzabigi chamada “ópera de reforma”? Por uma questão de legibilidade, encontra as inovações mais importantes em comparação com a série de ópera do Metastasio em forma tabular.

Os secco recitativos infinitamente longos (e enfadonhos) foram largados, os recitativos foram compostos e mantidos curtos. A ária dominante da capo aria (ABA’) foi também eliminada. Enquanto os cantores deixaram a música do compositor na parte A mais ou menos no original, a parte A’ foi deixada ao gosto dos cantores (vaidosos) com coloratura, cadenzas e ornamentação.
Ao reduzir o número de personagens, os papéis individuais tornaram-se mais importantes. Isto é particularmente visível em Orfeo; o protagonista Orfeo está em palco durante todo o espectáculo.

 

 

A versão de Viena

Gluck escreveu a primeira versão do Orfeo em italiano para a época de 1762. A ópera foi bem recebida, mas não foi um verdadeiro sucesso. Gluck apresentou um drama curto e purificado de carácter clássico. O público estava habituado a material heróico histórico e não a material mitológico classicista. Tudo isto pareceu ser um passo demasiado grande para o público barroco e foi em parte visto como frágil e sem adornos.
Gluck ainda reteve certos elementos da série da ópera. O papel principal foi cantado por um castrato, um deus ex-macchina forneceu uma mentira à multa e a instrumentação estava de acordo com os costumes da época.

 

 

A versão parisiense de 1774 e 1859

Dez anos mais tarde Gluck seguiu a princesa austríaca Maria Antonia (sua aluna cantora) para Paris, onde casou com o Dauphine Louis, que foi coroado Luís XVI um pouco mais tarde.
Lá, Gluck iria conquistar o público parisiense com a sua Iphigénie en Aulide. Meio ano mais tarde, duplicou com a nova versão de Orfeo, agora com a capa francesa de “Orphée et Euridice”.
A diferença entre as versões vienense e parisiense era enorme. Em nome da legibilidade, as alterações mais importantes são apresentadas em forma de tabela, juntamente com a terceira versão, a chamada versão Berlioz:

 

 

A Adaptação de Paris

Em primeiro lugar, a característica mais marcante foi que Gluck utilizou um contéudo haut-contre para o papel principal, um tenor com uma tessitura muito alta em vez do castrato. Isto alterou as chaves e registos de toda a ópera e, assim, alterou-a significativamente. Gluck escreveu o papel para o tenor francês Joseph Legros, um formidável actor e tenor com alturas espantosas. Este aspecto tornou-se um bumerangue para a expansão internacional da obra, uma vez que era difícil encontrar tenores adequados.
A segunda grande mudança dizia respeito às cenas de dança. O Gluck aumentou maciçamente o número de cenas de ballet. Por um lado, isto deveu-se ao gosto local, louco por dança, mas também ao facto de a duração da versão vienense ser claramente demasiado curta para uma noite de ópera, com um pouco mais de uma hora. No total, Gluck acrescentou 10 novos números, muitos dos quais foram retirados de obras anteriores.

 

 

A versão de Berlioz

O jovem Berlioz encontrou uma biografia de Gluck na biblioteca do seu pai. Este primeiro contacto com Gluck despertou o seu entusiasmo e ele estudou a música de Gluck ao longo da sua vida. Antes de ter tido a oportunidade de ver e ouvir o Orphée em palco pela primeira vez em 1824, tinha estudado intensivamente o trabalho com a partitura. Ficou chocado quando percebeu até que ponto a versão interpretada tinha diferido da versão impressa da versão de 1774. Queria fazer algo a esse respeito, mas deveria levar mais 35 anos até que ele próprio encenasse um reavivamento na lírica parisiense do Théatre. Conseguiu obter o famoso Alto Pauline Viardot para o papel principal, em vez do habitual elenco de um Haut-Contre.
Berlioz (apoiado por Camille Saint-Saens) tirou da versão parisiense de Gluck a maior parte das partes onde Orpeus não canta. Para as passagens de Orfeu ele utilizou a versão vienense com a instrumentação da versão francesa.
Para o papel principal escolheu o famoso Alto Pauline Viardot-García, que Berlioz apoiou entusiasticamente. A estreia desta versão foi um sucesso esmagador. A partir de então, a ópera tornou-se o domínio das mulheres.

 

 

A confusão de versões

De quase nenhuma outra ópera há mais versões do que esta obra. Até Gluck adaptou repetidamente a ópera aos costumes locais (ou seja, cantores) durante as actuações. A prática dos 200 anos seguintes mostrou que as produções misturaram generosamente as versões e assim fizeram de quase todas as actuações uma única.
Este guia de ópera utiliza mais ou menos a versão Berlioz, que inclui as peças mais encantadoras.

 

 

 

Synopsis: Eurydice está enterrado num bosque, mordido por uma cobra venenosa.

Até mesmo o prelúdio é espantoso. Euridice está disposta na floresta, mas a música é festiva.

Ouverture – Gardiner

 

Synopsis: Orfeu lamenta apaixonadamente a sua morte enquanto pastores e ninfas decoram a sepultura fresca. Segundo o rito antigo, o fogo da tocha é extinto, símbolo do vínculo matrimonial entre Orfeu e Eurídice que foi cortado pela morte.

A música muda com o aparecimento de Orfeu para reinos sombrios. Trombones pesados imitam a música funerária. O coro é repetidamente ensombrado pelas lamentações de Orfeu.

Ah, dans ce bois tranquille et sombre – Minkowski

Lamento celestial de Orfeu

Synopsis: Orfeu manda todos embora para estarem sozinhos com a sua dor e diz adeus ao seu Eurydice.

Para a despedida Gluck compôs uma ária comovente mas não lacrimosa.

Ouvimos uma grande gravação dos anos cinquenta com o tenor Leopold Simoneau, que foi capaz de dominar uma tessitura elevada.

Objet d’amour – Simoneau

 

 

Synopsis: Ele não quer viver sem ela.

Accablé des regrets

 

 

Synopsis: Ele decide ir para o submundo para arrebatar Eurydice do reino dos mortos. Cupido, aparece um anjo do amor, anunciando que Júpiter é movido pela sua dor e concede-lhe o direito de descer ao submundo. Mas Júpiter faz uma condição, ele não deve olhar para ela, senão perdê-la-á para sempre.

Soumis au silence – Harousseau

A grande bravura ária

Synopsis</synopsis: Orfeu está ao mesmo tempo eufórico que Eurídice vai viver mas deprimido porque não lhe é permitido tocar ou olhar para ela. Ele está pronto para enfrentar a perigosa aventura.

Esta ária é uma ária clássica da bravura. De facto, não deveria ter lugar nesta ópera de reforma, mas Gluck provavelmente quis conceder a ária ao primeiro Orphée, Joseph Legros, uma ária coloratura clássica com longas corridas de coloratura e coloratura cadenza.

Berlioz quis deitar fora esta ária da sua versão porque estava convencido de que não tinha sido escrita pelo próprio Gluck, mas por Bertoni (que já não é suspeito hoje em dia).

A grande cadência no final da ária foi criada por Pauline Viardot com a ajuda de Berlioz e Saint-Saens.

Amour, viens rendre à mon ame – Verrett

 

 

 

A dança das fúrias

Synopsis: As Fúrias, que guardam a entrada para o submundo, dançam em frente a uma caverna fantasmagórica no rio Styx, escondida por nuvens de fumo.

Gluck pinta um grande quadro das Fúrias, a música soa incrivelmente moderna. Levado pelo tremolo das cordas, chicoteado pelos ventos, o coro canta em uníssono, não melodias, mas apenas passos de terços.

Danse des furies – Minkowski

 

Synopsis: Notaram a chegada de Orfeu.

A orquestra começa lentamente, aumenta o ritmo até se ouvir uma cena infernal, com uivo e delírio que até agora era desconhecido.

Quel est l’audacieux – Froment

 

Orfeues heavenly supplication, a highlight of the work

Synopsis: Não deixam que o canto de Orfeu não os acalme no início, mas que as lamentações de Orfeu os suavizem e deixam-no entrar no submundo.

Acompanhado de sons de harpa Orfeu canta a sua bela canção. Um efeito agradável são as interjeições do coro (Non). Uma imagem musical grandiosa de um compositor profundamente criativo.

Laissez-vous toucher par mes pleurs – Croft

O famoso ballet nos Campos Elísios

Synopsis: Na ilha dos heróis falecidos dançam a dança dos espíritos abençoados.

Esta pantomima do ballet tornou-se famosa, sobretudo por causa da parte da flauta solo.

Ballet des ombres heureuses

 

A peça tornou-se popular e foi arranjada para outros instrumentos, aqui para piano solo, interpretada por Yuja Wang.

Ballet des ombres heureuses para piano – Yuya Wang

Synopsis: Eurydice goza da paz e magia desta ilha.

Uma conversa agradável e tranquila entre Euridice e o coro.

Cet asile aimable et tranquille – Bender

Selvagem sem chumbo selvagem sem chumbo

Synopsis: Orfeu entra na ilha. Encantado com a pureza, ele maravilha-se com a beleza deste lugar. Mas só Eurydice pode devolver-lhe o seu gosto pela vida.

Uma interpretação extasiante de uma peça extasiada, cantada por Janet Baker

Che puro ciel (Quel nouveau ciel par ces lieu) – Baker

 

 

Synopsis: Os espíritos abençoados anunciam que ele irá encontrar Euridice aqui.

Uma bela peça coral.

Viens dans ce séjour paisible

 

 

 

 

 

 

 

Synopsis: Orpheus arrasta Eurydice sem olhar para ela. Eurídice está feliz por estar reunido com Orfeu, mas está irritado com a reticência de Orfeu de que Orfeu não a toca nem olha para ela. Orfeu pede-lhe que confie nele e o acompanhe.

Gluck é ocasionalmente acusado de ter composto música muito simples e directa, a sua partitura é sempre muito “arrumada”. Isto comporta o perigo de a música poder ficar sem inspiração em certos pontos, se não for bem interpretada. Ouvimos esta passagem formidavelmente cantada por Barbara Hendricks e Sophie von Otter, que transmitem de forma convincente o drama (por todo o seu classicismo) desta situação. Belos ritardandi e acelerandi dão vida à música.

Vien, suis un époux qui j’adore – Hendricks / von Otter

A famosa ária “che faro senza Euridice”

Synopsis: Mas Eurydice não vê o ponto de deixar o paraíso por uma vida sem o amor de Orfeu. Ela quer deixar Orfeu e Orfeu vê a sua última oportunidade de olhar para ela. Mas esta é a sentença de morte de Eurídice e ela morre diante dos seus olhos. Orfeu lamenta a perda da sua Euridice.

A peça de Gluck para Euridice tornou-se uma das mais famosas árias de sempre e a discografia inclui inúmeras gravações de cantores das mais variadas gamas vocais. Desde que Gluck escreveu uma versão para Viena bem como para Paris, existe uma versão francesa (“J’ai perdu mon Euridice”) bem como uma versão italiana (“Che faro senza Euridice”).
Gluck escreveu este lamento numa grande chave, embora o desespero de Euridice na suposta frieza da Orfeo durante a ária esteja a aumentar constantemente. Hanslick, o famoso crítico do século XIX, disse que a música desta ária poderia muito bem ter sido escrita com a frase “J’ai trouvé mon Euridice” em vez de “J’ai perdu mon Euridice”.
Mas a escolha da chave de Gluck foi deliberada. O luto devia ser feito com a simplicidade da ária e o acompanhamento da orquestra, voltando-se apenas brevemente para a chave menor. Ao contrário das convenções da ópera seria, o reformador Gluck quis eliminar toda a ornamentação artificial dos cantores e deliberadamente dispensou a ornamentação. Este aspecto (ver também as interpretações abaixo) levou à discussão se a ornamentação é permitida nesta ária.
No entanto, o efeito que Gluck fez com esta ária é grandioso, contemporâneos como Rousseau ficaram entusiasmados e a ária tornou-se talvez o primeiro super-hit na história da ópera.

Para muitos contemporâneos, a expressão e o calor da voz de Kathleen Ferrier foi única. Bruno Walter, um companheiro próximo da sua curta carreira, escreveu após a sua morte prematura que ela era, ao lado de Gustav Mahler, o maior conhecido pessoal da sua vida musical. Kathleen Ferrier morreu de cancro da mama em 1951, aos 41 anos de idade. Ela tinha acabado de ensaiar o Orfeo. A interpretação (uma gravação de rádio ao vivo) é um documento brilhante da sua voz: calor de alma, vibrato expressivo e pianissimi etéreo.

Che faro senza Euridice – Ferrier

 

Ferrier foi um dos modelos de Janet Baker, que partilhou com ela a fachada de voz de alto. Janet Baker era uma oratória e cantora de renome mundial, mas apenas cantava ópera nas Ilhas Britânicas, principalmente em Glyndebourne e na Escócia. Cantou o Orfeo na sua actuação de despedida em 1982 e, mais uma vez, causou sensação com a sua interpretação comovente.

Che faro senza Eurydice – Baker

Synopsis: Agora não quer viver mais e quer unir-se a ela no submundo. Ali o Cupido confronta-o. Ele diz-lhe que a sua morte não é necessária e que ele provou ser digno dela. Ele desperta Eurídice e os dois enfrentam um ao outro esmagados.

Os trios são uma espécie rara nesta música, aqui um com um crescendo de mais de 3 minutos,

Tendre amour – Hendricks / von Otter

 

Synopsis: Enquanto Cupido flutua para o céu, todos cantam o hino ao anjo do amor.

Le dieu de Paphos et de Gnide

 

 

 

Recomendação de gravação

ARCHIV, Richard Croft, Mireille Delunsch, Marion Harousseau sob a direcção de Marc Minkowski e les musiciens du Louvre

 

 

 

Peter Lutz, opera-inside, o guia de ópera online sobre ORFEO ED EURIDICE de Christoph Wilibald Gluck