Vanliga frågor om operamusik (vanliga frågor)

En aria är ett solovokalstycke i klassisk musik. Arian förmedlar känslor och stämningar, så kallad affekt, i ett visst ögonblick, dvs. normalt finns det ingen handling, till skillnad från recitativ. Listor över kända arior finns på följande länkar: Tenor-arior, Sopran-arior, Bariton-arior, Bass-arior, Mezzosopran arior.

Musik vars harmonier och melodier inte är fixerade till ett tonalt centrum eller grundton. Arnold Schönberg skrev 1909 med enaktsoperan “Erwartung” den första atonala operan

En arioso är ett musikstycke för soloröst och instrumentalt ackompanjemang som ligger mellan rekitativ och aria. En arioso är mer vokal och mindre engagerad i dramatik än recitativ, men av mer öppen och mindre fast form än aria (Wikipedia). I t.ex. Tjajkovskijs operor kan vi hitta arioser som är skrivna för den klassiskt lätta ryska tenoren. Lyssna på den vackra ariosen kuda, kuda (Eugen Onegin) som sjungs av den ryske tenoren Leonid Sobinov.

Autodafé kommer från latinets actus fidei: dom på grund av tro. Det högtidliga uttalandet av domarna i inkvisitionens rättegångar. Autodafé följs av avrättning, till exempel bränning på bål. Autodafé-scener förekommer i opera, till exempel i Don Carlo (Verdi) eller i Candide (Bernstein).

Wagner insåg redan från början att det knappast var möjligt att spela ett verk som Ring des Nibelungen på befintliga teatrar. Tidigt föddes idén om en egen festspelsteater. Men det skulle dröja ytterligare 25 år innan den var färdigställd. Att säkra finansieringen av detta enorma företag kostade Wagner mycket arbete. År 1872 flyttade Wagner och hans hustru Cosima till Bayreuth och byggnadsarbetet började. Tillsammans med många mecenater lyckas han samla in pengar för att lägga grundstenen till Festspielhaus och för att köpa Villa Wahnfried. Fyra år senare invigdes Festspielhaus med Rheingold. Den första festivalen ägde rum 1876 i närvaro av kejsar Wilhelm och alla europeiska kulturkändisar och blev Wagners största triumf under hela sitt liv. Med Ringen och byggandet av Festspielhaus fullbordade Wagner sin vision av Gesamtkunstwerk: föreningen av konstarterna musik, poesi, arkitektur och scenografi.

Det beskriver en italiensk sångteknik från tiden före 1900, som omfattar renhet och delikathet i tonen, flyt (legato), sång med andningen (canto sul fiato) och ytterligare dynamisk flexibilitet (messa di voce) och smidighet i ornamentiken. Berömda bel canto-kompositörer var Donizetti, Bellini och Rossini, dessutom komponerade Verdi mestadels i bel canto-stil. Den ikoniska belcanto-operan är Norma, och en ikonisk belcanto-aria är Casta diva. En sångare av vilken ljudinspelningar från belcantoepoken har överlevt är Fernando de Lucia (1860-1925). En inspelning av Fernando de Lucia och fler inspelningar om bel canto finns på denna länk.

Namnet Bacchanale kommer från den grekisk-romerska guden Bacchus (Dyonisos), vinets, berusningens, galenskapens och extasens gud. Bacchanale är en musikalisk komposition som skildrar en orgiastisk fest, ofta med dansuppvisningar. Berömda exempel på operor är Bacchanale i Camille Saint-Saëns Samson och Delila, Venusbergscenen i Richard Wagners Tannhäuser, och Dansen med de sju slöjorna från Salome (Strauss).

Basso buffo (som liknar basso cantante) är en typisk basroll i operakomedier som kräver en mycket rörlig röst, skådespelarkunskaper och i italiensk opera även sillabato (snabb talsång). Lyssna på den berömda sillabato från Don Pasquale: cheti cheti och intrigue aria från Il barbiere di Siviglia.

En bravuraria (italienska: aria di bravura) är ett sjunget musikstycke som syftar till yttre effekt genom sin tekniska svårighet (virtuositet) och sitt musikaliska innehåll. Berömda bravurarior är Ah, non giunge från La Sonnambula eller Non piu mesta från La cenerentola (Askungen). De första bravura-ariorna komponerades för de oerhört virtuosa castrati. aria “Venti, turbini, prestate” är en av Händels bravura-arior komponerad för att lyfta fram Nicolinis röst.

En castrato är en manlig sångröst som motsvarar en sopran eller mezzosopran. Rösten uppstår genom att sångaren kastreras före puberteten, eller så uppstår den hos en sångare som på grund av ett endokrinologiskt tillstånd aldrig når könsmognad (wikipedia). De första kastraterna uppträdde på 1500-talet. De utbildades av kyrkorna och utgjorde en viktig pelare i den vokala kyrkomusiken. De var mycket viktiga för kyrkorna, eftersom de skapade en betydande inkomstkälla genom sin musik. De hittade snart sin väg in i den nya genren opera och Monteverdi använde redan castratos i biroller i sin första revolutionära opera “Orfeo” (1607). I hans L’incoronazione di Poppea uppträder kastrater för första gången någonsin i huvudrollen. Rollen som Nero, alltså den första castratohjälten i operahistorien, besattes av en soprancastrato, och buffo-rollen som sjuksköterskan (!) Arnalta, alltså den första dragqueen, besattes av en tenorcastrato. Numera uppstår frågan om hur Neros roll, med sin extremt höga tessitura, ska rollbesättas. Oftast sjungs rollen av en countertenor, ibland av en kvinnlig sopran eller en tenor. Den oerhört rika teknik som utvecklades kallades bel canto, och de mest kända castrati var Senesino och Farinelli. Mozarts Idomeneo var en av de sista operorna där kastrater användes (slutet av 1700-talet). Den sista castrato dog i början av 1900-talet.

Cabaletta är en del av den så kallade scena ed aria från den italienska operan, som beskriver en mycket schematisk scen med enskilda karaktärer. Sekvensen i scena ed aria är: recitativ (Tempo d’attacco), långsam aria (Cavatina), recitativ (Tempo di mezzo), snabb aria (Cabaletta) och eventuellt en stretta i slutet. Scenen åtföljdes av olika uppföranden av cues. Scena ed aria gjorde det möjligt för librettisterna att skriva scenerna enligt ett fastställt schema, utan att det behövdes en långvarig samordning med kompositören. Scena ed Aria-formen fulländades av Rossini och antogs av Donizetti, Bellini och Verdi. En berömd Scena ed aria är: Ah si ben mio (Cavatina) följt av Di quella pira (Cabaletta) från operan Il trovatore (Verdi)

I den så kallade Florentinska Camerata (Camerata fiorentina) började eliten inom konst och adel att träffas på 1570-talet med målet att återuppliva antikens konst. Huvudfokus var att främja textuell begriplighet i vokalmusiken. Mottot var: prima le parole, poi la musica (först texten, sedan musiken). Musiken skulle anpassa sig till orden och inte skymma dem. Målet var inte konstfulla melodier och begåvade idéer, utan en talliknande sångstil (cantar recitando). Dessa ansträngningar gav upphov till operans ursprungliga form. Jacopo Peri var dess första skapare.

Det är tack vare Claudio Monteverdis genialitet som detta ganska lidelsefria arrangemang utvecklades till dramma per musica med människor av kött och blod och förde in passionerna i konstformen opera (stile concitato).

Cavatina är en del av den italienska operans så kallade scena ed aria, som beskriver en mycket schematisk scen med enskilda karaktärer. Sekvensen i scena ed aria är: recitativ (Tempo d’attacco), långsam aria (Cavatina), recitativ (Tempo di mezzo), snabb aria (Cabaletta) och eventuellt en stretta i slutet. Scenen åtföljdes av olika uppföranden av cues. Scena ed aria gjorde det möjligt för librettisterna att skriva scenerna enligt ett fastställt schema, utan att det behövdes en långvarig samordning med kompositören. Scena ed Aria-formen fulländades av Rossini och antogs av Donizetti, Bellini och Verdi. En berömd Scena ed Aria är: Ah si ben mio (Cavatina) följt av Di quella pira (Cabaletta) från operan Il trovatore (Verdi)

En countertenor är en manlig sångare som sjunger i alt- eller, mer sällan, sopranregistret med hjälp av en huvudröst eller falsettteknik som förstärks av bröstresonans (wikipedia). Countertenoren kan användas i roller som tidigare var reserverade för castrati, men rösten är inte jämförbar, eftersom den produceras i falsett (huvudröst) och inte låter som vanligt med bröströst (castrato). Du kan höra ett exempel på en countertenor i denna länk (Philippe Jaroussky med Oblivion soave)

Uttrycket kommer från den franska operan. En couplett är en flerstrofig, glad sång med en distinkt refräng i stil med en rondo, med en återkommande refräng. Ett exempel är Chacun le sait, chacun le dit från operan La fille du régiment.

Inom operan är en kör en gemenskap av sångare där varje röst är flerstämmig. Dessutom är kören namnet på ett stycke som ska framföras av denna ensemble. Den här länken innehåller en förteckning över kända stycken för kör.

Concertato i 1800-talsoperans bemärkelse är ett ensemblestycke som är sparsamt ackompanjerat eller till och med sjungs a cappella (utan ackompanjemang). Det sker ofta efter en colpo di scena (coup de théâtre): tiden står stilla, musiken stannar och solisterna går iväg med sina tankar. Berömda concertati är bland annat Questo è un nodo aviluppato (Cenerentola) eller Chi mi frena a tal momento (Lucia di Lammermoor).

Da capo aria var den viktigaste ariaformen under barocken. Da capo arian (da-capo betyder upprepning) är skriven i tre delar A-B-A’. Da-capo betyder upprepning. Vanligtvis förskönas A’-delen av artisten med koloratur etc. Ett exempel på en berömd da capo-aria är Lascia ch’io pianga från Rinaldo (Händel). Capo arian förlorade sin betydelse med Gluck, som kritiserade artisterna för att försköna arior till oigenkännlighet. Trots detta skrev även han da capo arior, till exempel den drömlika arian Ô toi, qui prolongeas mes jours från Iphigénie en Tauride.

En ensemble är ett stycke där många av sångsolisterna deltar. De har ofta funktionen av en final (ibland som concertato). I den här länken hittar du många kända exempel på operalitteratur.

Entr’acte (franska: mellan två akter) är instrumentalmusik som spelas i pausen mellan akterna, ofta med ridån stängd, eftersom musiken överbryggar scenens dekorationsbyte. Under 1800-talets andra hälft utvecklades entr’acts till klimax. Richard Wagner kallade dem för förvandlingsmusik. Berömda passager finns i Rheingold (Nibelheim) och Parsifal (klockmotiv). Olika Entr’acte från verismo blev kända under namnet Intermezo (t.ex. Cavalleria rusticana). Lyssna på dessa och andra stora entre’akter i den här länken.

Grand opéra (franska) är namnet på en operagenre som uppstod i Paris efter franska revolutionen. Grand opéra byggde på traditionerna från Glucks reformoperorna och Opéra Comique. Rossinis “Guillaume Tell” (1829) utgjorde tillsammans med Aubers “Muette de Portici” (1828) och Meyerbeers “Robert le diable” (1831) prototyperna för denna nya typ av storslagen opera som byggde på historiserande teman och som hade anspråk på att kombinera de konstnärliga genrerna musik, litteratur, dans, dekoration och måleri. Specialiserade kommittéer för varje konstnärlig genre tog hand om utarbetandet av detaljerna och oändliga repetitioner avslöjade svaga punkter, vilket återigen ledde till ändringar i kompositionen. Grand Opéra-produktionerna krävde att konstnärerna skapade historiska tyger med autentisk färgsättning. Så till exempel skickades scenografen Cicéri till Centralschweiz för produktionen av Rossinis Guillaume Tell, där han gjorde skisser till scenografin. Den spelades under sin storhetstid i Salle Pelletier, som föll offer för en brand 1873. Verken för grand opéra har fem akter och innehåller en förlängd balett. Operorna var utarbetat planerade och iscensattes med gigantiska kostnader. Till exempel måste 355 kostymer sys för Don Carlo, som gavs under världsutställningen i Paris 1867. Giacomo Meyerbeer anses vara den mest framgångsrika kompositören av grand opéra. Richard Wagner försökte i många år att lyckas med grand opéra, men misslyckades med sin Tannhäuser med ett fiasko som gick till historien. De flesta verk i denna genre ges sällan nuförtiden på grund av den gigantiska ansträngningen (till exempel Les Hugenots eller L’Africaine).

Begreppet Gesamtkunstwerk förknippas med Richard Wagner. Musiken är inte uppdelad i scener och nummer (“nummeropera”), utan dessa utgör en oskiljaktig enhet, som Richard Wagner kallade “MUSIKDRAMA”. Karaktäristiskt är att scenerna och dess musik komponeras genomgående, utan avbrott (såsom tercets, finaler, recitativ etc.). Återkommande motiv (LEITMOTIV) skapar sammanhang. Ett utmärkt exempel i denna mening är Wagners verk Tristan und Isolde, hans Ring des Nibelungen eller Parsifal som han inte längre kallade opera. Wagner uppfattade sina operor som “GESAMTKUNSTWERK”, där musik, skådespeleri, måleri/scenografi och poesi förenas. För Wagner var det viktigt att han inte bara var kompositör utan också sin egen librettist och att han kunde skapa en egen teater i Bayreuth för sitt totala konstverk.

Habanera är ett musikstycke av kubansk-afrikanskt ursprung som innehåller en provocerande sexuell anspelning med sensuella rörelser. Med habanera L’amour est un oiseau rebelle har Bizet målat ett sant karaktärsporträtt av rollen som Carmen. Sällan har en av de stora rollerna i operalitteraturen definierats av endast en aria som Carmen med Habanera. Bizet har hämtat huvudtemat från ett verk av spanjoren Yradier, som hade tillbringat en tid i Karibien. Bizet använde sig av en kromatisk vokallinje för Carmen. Verserna är i moll och refrängen i dur. Orkestern ackompanjerar Carmen med ett ostinatomotiv av cellonerna, vilket förstärker den hypnotiska karaktären i hennes Habanera.

Till skillnad från den italienska operan använde den franska tragédie lyrique inte kastrater, vilket är anledningen till att haut-contre, en tenor med ett röstomfång upp till det höga registret, hade utvecklats i Frankrike.

Den högdramatiska sopranen är den kvinnliga motsvarigheten till Heldentenor. Det är en sopranröst med strålande kraft. Dessutom måste hon spela roller med extrema känsloutbrott. Typiska roller är Salome (Strauss), Elektra (Elektra) Brünnhilde (Götterdämmerung) och Isolde (Tristan und Isolde). Utmärkta rollföreträdare var Kirsten Flagstadt, Frida Leider och Birgit Nilsson. Nina Stemme hör också till denna krets i våra år. Ett illustrativt citat från Christa Ludwig, en berömd mezzosopran som också sjöng många högdramatiska roller: “En högdramatisk sopran har enorma stämband. Det finns få högdramatiska sångare som har modulationsförmåga för sång. De kan inte måla med subtila färger på det sättet eftersom stämbanden är extra robusta och tjocka. En öron-, näs- och halsläkare berättade en gång för mig: “Nilssons stämband är breda som en tumme. Och mina är lika känsliga som en ulltråd”.

Det är en tenorröst med strålande kraft i det dramatiska röstregistret. Detta ämne kan endast behärskas av ett fåtal tenorer. Rollerna är reserverade för erfarna sångare, eftersom en ung röst snabbt kan skadas. De fysiska kraven på sångaren är enorma. Operans längd är vanligtvis mycket lång och orkesterns ackompanjemang är högt och tätt. Tannhäuser är möjligen den svåraste Heldentenorrollen. Antalet framstående representanter för denna disciplin är litet och artisterna är efterfrågade och brukar bokas flera år i förväg. Följaktligen måste deras röst överrösta en stor orkester. Heldentenorroller inkluderar Siegmund (Walküre) eller Lohengrin. Detta är länken till Heldentenor-arenan In fernem Land från Lohengrin. Den förmodligen största Heldentenor i historien varLauritz Melchior. Stora tyska Wagnertenorer var Max Lorenz och Franz Völker eller numera Peter Seiffert och Jonas Kaufmann.

Lamento är en sorglig sång från operor från 1600- och 1700-talen. En nedåtgående kromatisk sekvens av toner tillsammans med effektiva pauser skapar det klassiska suckmotivet som utgör ett viktigt inslag i lamento. Monteverdi var uppfinnaren av lamento. Hans operaspråk ville uttrycka människans känslor, Monteverdi ansåg att musiken skulle få människor att gråta, inte diskutera. Musiken ska inte följa stela regler utan ge utrymme åt det mänskliga tillståndet och uttrycka det. En av de mest sensationella konsekvenserna var Monteverdis dissonanser. För hans samtida var detta monstruositeter som representerade extrema sinnestillstånd och som utlöste häftig polemik vid den tiden. Det berömda “Lasciatemi morire” från operan “Arianna” – smärtans skrik – kan användas som illustration. Lyssna på den berömda lamento från Händels Rinaldo, Lascia ch’io pianga. Purcells When I am laid in earth är en av operalitteraturens stora arior, en lamento, en klassisk produkt av barockoperan. Den är ovanligt effektivt skriven och hör till den handfull barocklamentos som verkligen kan röra lyssnaren till tårar.

Messa di voce är en teknik från bel canto. Den innebär en ökning och minskning av röstvolymen under den kontinuerliga tonen, helst från pianissimo till fortissimo och vice versa, utan att ändra tonhöjd och andra aspekter som intonation och vibrato. Barockperiodens castrati, som i allmänhet var av mycket kraftig statur, kunde på så sätt visa sin kontrollerade styrka och lungvolym.” (Wikipedia). Lyssna på en messa di voce från Händels berömda aria Cara Sposa från Rinaldo: Efter en kromatisk introduktion av stråkarna börjar rösten med en stor messa di voce. De följande tonerna måste sjungas med största möjliga legato och kromatiska tonbyten för att skapa ögonblickets ödslighet.

Monologer är betydande soloscener som visar en reflekterande person. Orden är inte direkt riktade till en lyssnare, monologen tjänar ofta till att föra tankarna och de mentala processerna hos en person hörbart eller läsbart utåt och på så sätt bli tydliga för tittare eller lyssnare. I många verk utgör monologer ett dramatiskt klimax eller markerar en vändpunkt i handlingen (Wikipedia). Berömda exempel inom operalitteraturen är Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) eller Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

Monologer är betydande soloscener som visar en reflekterande person. Orden är inte direkt riktade till en lyssnare, monologen tjänar ofta till att föra tankarna och de mentala processerna hos en person hörbart eller läsbart utåt och därmed bli tydliga för tittare eller lyssnare. I många verk utgör monologer ett dramatiskt klimax eller markerar en vändpunkt i handlingen (Wikipedia). Berömda exempel inom operalitteraturen är Giammai m’amo (Don Carlo), Skorbit dusha (Boris Godunov) eller Wahn-Monolog (Die Meistersinger von Nürnberg)

Mozarts tenorroller kräver en smidig och lyrisk röst, eftersom de vanligtvis bara behöver sjunga känslor, eftersom handlingen och dess dramatik äger rum i recitativen. Ändå är de virtuosa, eftersom de kräver lång andning, vackra koloraturer och är mycket varierande. Mozarts favoritaria för tenor var “O wie ängstlich, wie feurig klopft mein liebevolles Herz” från Die Entführung aus dem Serail. Hör den sjungas av Mozarts stora tenor Fritz Wunderlich.

Termen opera comique är något missvisande. Den uppfanns på 1700-talet för att skilja den från tragédie lyrique med sina gudar och adelsmän i huvudrollerna. Den blev borgarklassens och folkets opera och det viktigaste stilelementet var de talade dialogerna (istället för de musikaliskt ackompanjerade recitativen). Spektrumet sträcker sig från komedier till dramer med högst tre akter. De mest kända verken i denna genre är Carmen (Bizet), Medée (Cherubini), Les contes d’Hoffmann (Offenbach), Faust (Gounod) och Manon (Massenet). Termen “opéra comique” är inte bara en genre utan också en plats i Paris och är fortfarande en fransk institution. Dagens Opéra comique (även känd som Salle Favart i Paris) är en vacker historisk teater och härstammar från 1898. Båda dess föregångare brann ner, bland annat premiärteatern för “Carmen”; branden inträffade 1887 och dödade omkring 100 personer.

Det är en term från operan buffa, den beskriver snabb sång med välartikulerat uttal och lätt intonation, med stor uppmärksamhet på rytmen.

Tragédie lyrique är en genre av fransk opera från slutet av 1600- och 1700-talet. Uppfinnaren av tragédie lyrique kan anses vara Jean-Baptiste Lully (t.ex. Alceste), som utvecklade denna form på 1670-talet. I sin aristokratiska form liknar den till sitt väsen opera seria. En annan framstående (senare) representant var Rameau (t.ex. Les indes galantes). Med tiden blev tragédie lyrique två gånger föremål för kulturkamp. Båda gångerna handlade det om rivalitet med den italienska operan. I Buffonisternas dispyt (omkring 1750) propagerade Rousseau för den italienska operans naturlighet; tjugo år senare eskalerade Piccinisternas dispyt (om kompositörerna Piccinni och Gluck) till förmån för Glucks reformoperorna. Den franska revolutionen orsakade en brytning och ett slut för denna genre. Tragédie lyrique utvecklades sedan i två strömningar. Å ena sidan i Opéra comique (populär opera) och å andra sidan i Gran Opéra (opera för den övre medelklassen och aristokratin).

Recitativ (från italienska recitare “recitera”) är en form av sång som närmar sig tal. Under recitativet har sångaren frihet att deklamera texten rytmiskt. Det finns två former av recitativ: secco recitativ ackompanjeras endast av en basso continuo och ger den största rytmiska friheten. I accompagnato recitative ackompanjeras sångaren av en orkester som kompositoriskt deltar i tolkningen av det sjungna innehållet, vilket resulterar i strängare rytmiska begränsningar (Wikipedia). Recitativets roll har utvecklats under operans historia. I den tidiga perioden (1600-talet) och opera seria (1700-talet) var det bärare av handlingen. På 1800-talet gjorde man skillnad mellan oackompanjerad talad dialog (opéra comique, singspiel, opera buffa) och ackompanjerad dialog (recitativ). I samband med detta förflyttades en del av handlingen till de sjungna passagerna. Detta förändrades med Richard Wagner och den sena Verdi. Skillnaden mellan recitativ och aria försvann och den genomkomponerade så kallade Musikdrama uppstod.

Opera seria var den dominerande genren inom operamusiken mellan 1700 och 1800 (med undantag för Frankrike –> Tragédie lyrique). Det var adelns konstform, avsedd att framhäva denna klass’ heroiska och ädla läggning. Operans ämne var mestadels mytologiskt material. På 1700-talet representerades denna stil av Pietro Metastasio, vars libretti tonsattes flera gånger av många kompositörer. Metastasios verk blev således ett stilbildande verk. Från 1730 var Metastasio verksam i Wien, vilket gav honom ett enormt inflytande även i den tyskspråkiga världen. Till och med Mozart tonsatte Metastasios material (La clemenza di Tito och il re pastore). De mest kända kompositörerna som komponerade operor i stil med opera seria är Alessandro Scarlatti, Johann Adolf Hasse, Antonio Vivaldi, George Frideric Händel, Giovanni Battista Pergolesi, Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn, Antonio Salieri, Domenico Cimarosa och Wolfgang Amadeus Mozart (bland annat Idomeneo). Gluck reformerade opera seria. Han ansåg att musikteatern led av att karaktärerna var stereotypa och att intrigerna ibland var groteska. Därför sjöngs verken av sångare som ibland förskönade musiken till oigenkännlighet. Dramatik, etik och verkliga känslor hade försvunnit från scenen.

För tenorer och sopraner är det ett styrkeprov att uppnå denna toppton. I regel förekommer de i italienska operor i två eller tre passager i en opera. Det höga C sjöngs på Rossinis tid med huvudröst, men därefter i över hundra år fram till nu med bröströst (vibrationer i bröstet).Läs och hör mer i denna länk.

Intermezzo är motsvarigheten till Entr’acte (franska: mellan två akter) och avser instrumentalmusik som spelas under pausen mellan akterna, ofta med ridån stängd, eftersom musiken överbryggar scenutrustningen. Under andra hälften av 1800-talet utvecklades entr’acts till klimax. Richard Wagner kallade dem för förvandlingsmusik. Berömda passager finns i Rheingold och Parsifal. Olika verk från verismo blev kända under namnet Intermezo (t.ex. Cavalleria rusticana). Du kan höra dessa och andra stora Intermezzi på den här länken.

Ett ledmotiv är ett konstnärligt element som används om och om igen som ett musikaliskt motiv i ett verk. De fungerar som ett sätt att minnas för lyssnaren och får därmed semantisk betydelse som berättare. Dessa musikaliska motiv kan vara knutna till handlingar, personer eller föremål. Carl Maria von Weber var den förste som konsekvent använde ledmotiv (till exempel i Freischütz, se här den detaljerade förteckningen över ledmotiven i den berömda Ouverture). Richard Wagner var den som var mest konsekvent när det gällde att fortsätta att använda ledmotiv. Ledmotiven blev en kompositionsprincip i många av hans verk. I den här länken hittar du en beskrivning av Richard Wagners 70 viktigaste ledmotiv.

Opera buffa är en italiensk komisk opera, i motsats till den seriösa opera seria. I opera buffa spelar oftast folk från folket huvudroller (till exempel barberaren Figaro). Opera buffa har delvis sitt ursprung i den italienska commedia dell’arte. Berömda operor är Il barbiere di Siviglia (Rossini) eller Elisir d’amore (Donizetti). Recitativa scener alternerar ofta med sjungna scener. Operans handling är vanligtvis rolig eller till och med absurd. Musiken är oftast sprudlande, ibland avbruten av nostalgiska arior. Den franska opéracomique bör inte likställas med opera buffa, genren skiljer sig mycket åt.

En ouvertyr öppnar operan. Den är vanligtvis komponerad som ett instrumentalt stycke utan sångröst. Den kan ta fasta på teman eller motiv i operan eller vara fritt komponerad.Andra alternativa namn är: ANDRA ALTERNATIV ÄR “SINFONIA”, “PRÉLUDE”, “VORSPIEL”, “INTRODUZIONE”. I operans tidiga dagar hade dessa typer av inledningar olika former. Under 1800-talet blev termerna alltmer utbytbara. I den här länken hittar du en lista över de vackraste ouvertyrerna och deras vackraste tolkningar.

Det är en dramatisk vändpunkt i handlingen på grund av en överraskande händelse. Ofta leder händelsen till ett concertato med soloröst och kör. Kända exempel är Bella figlia d’amore från Rigoletto eller Chi mi frema a tal momento från Lucia di Lammermoor.

Librettot är operans textbok, som innehåller handlingen och taltexterna. Ofta finns även scenanvisningar i librettot. Librettisten är författaren till librettot och är vanligtvis en bokstavsman eller poet. I opera seria var det vanligt att man använde utkast flera gånger. Under romantiken blev det vanligt att skräddarsy texterna för operan. Ofta användes litterära förlagor som librettisten använde sig av (t.ex. la dame aux camélias för La Traviata). Puccini separerade librettistens uppgift i dramatikerns (ofta Luigi Illica) och textförfattarens (ofta Giuseppe Giacosa) uppgift. Richard Wagner skrev själv libretti till de flesta av sina operor. Långvariga och berömda partnerskap mellan librettister och kompositörer upprätthölls av Mozart och da Ponte, Bellini och Felice Romani, Verdi och Francesco Maria Piave och Salvatore Cammarano. Berömd var författarfabriken Eugene Scribe i Paris på 1800-talet, som med hjälp av medarbetare skrev omkring 400 pjäser, varav många användes för operor (till exempel “Les Huguenots” eller “Il ballo in maschera”).

Lieder är enkla kompositioner för sångare. Musiken är folkliknande, texten, måttet och rytmen är anspråkslösa. Som regel avslutas verserna med en refräng. Liederna hade sin storhetstid inom operan mellan 1780 och 1830. Berömda operalieder är Durch die Wälder durch die Auen (Der Freischütz) eller Der Vogelsänger bin ich ja (Die Zauberflöte). Även Wagner komponerade ett Lied-liknande stycke med Winterstürme wichen dem Wonnenmond (Die Walküre). Dessutom förekommer vaggvisor ibland i operor.

En persiflage (från franskans persifler “att håna, förlöjliga”) är ett kvickt, imiterande och ofta kritiskt hån mot en genre. Inom operan finns det många persiflage av kända modeller. Till exempel är Elisir d’amore en persiflage av Tristan och Isolde.

Tessitura beskriver röstomfånget för en roll inom en vokalgenre. Till exempel innehåller tenorrollen i Calaf (Turandot) många passager i och över passaggio (övergången mellan bröströst och huvudröst) och har därför en hög tessitura.

Ursprungligen var prima donna (italienska: första kvinnan) den viktigaste sopranen i en ensemble. Med tiden användes termen med en negativ underton (magnifik röst men nyckfull person). Epitetet “Assoluta” som inte bara var en hederstitel för den viktigaste sopranen i en epok, detta tillägg är endast tillskrivet kvinnliga artister som gör rättvisa åt roller i olika ämnen. Maria Callas, till exempel, var en Assoluta eftersom hon var en av de bästa i både dramatiska och koloraturroller. Särskilt nyckfulla primadonnor kallas också divor.

En premiär är den första föreställningen av en operaproduktion. Premiärer kallas också för urpremiärer och föreställningar när verket framförs för första gången. Ordet kommer från franskan: première = “först”. Berömda premiärer i operahistorien var fiaskot i Barbiere di Siviglia, den turbulenta historien i operan Tristan und Isolde eller den kanske mest triumferande och överraskande framgången i operahistorien Cavalleria rusticana.

Inom operamusiken är en koloratursopran en sopranröst med koloraturförmåga, det vill säga en särskild smidighet, särskilt i det höga registret. Detta innefattar framför allt att sjunga långa tonkedjor med triller och andra ornament. Koloraturtekniken uppstod i och med castratis framträdande i operan på 1600-talet. Berömda castrati var Farinelli och Senesino. Med Rossini och Bellini tog koloratursopranen över. Berömda koloratursopraner var: Isabella Colbran, Jenny Lind och Adelina Patti på 1800-talet. På 1900-talet: Lisa Tetrazzini, Joan Sutherland, Marylin Horne, Teresa Berganza och Edita Gruberova. I våra dagar är den mest kända koloratursopranen Cecilia Bartoli. Berömda verk för koloratursopran är La sonnambula eller Il barbiere di Siviglia. Med Verdi, Bellini och Donizetti blev koloratursopranen i Rossinis stil mer dramatisk och koloraturen användes mer selektivt, kompositören lade till volym och uttryck. Denna blandning gav upphov till den dramatiska koloratursopranen (t.ex. Lucia i Lucia di Lammermoor, Norma i Norma och Abigail i Nabucco. Den ikoniska dramatiska koloratursopranen var Maria Callas.

Repertoaren omfattar de verk inom operalitteraturen som anses ha ett enastående konstnärligt värde som har utvecklats och befästs under en längre tidsperiod. Beroende på källan räknas mellan 50 och 150 operaverk till repertoaren. I denna länk hittar du rankningen av de 50 mest spelade operorna (i hela världen). Omfattningen och urvalet kan variera beroende på region och tidsepok. Repertoaren är föremål för modetrender, till exempel bel canto-renässansen på 1950-talet och barockrenässansen på 1980-talet förde verk från respektive epok tillbaka till repertoaren. Termen “repertoar” kan också användas för att beskriva ett system: inom teaterpraxis skiljer man mellan repertoarsystemet och stagionesystemet. Mer om detta: se beskrivningen under “Vad är ett stagionesystem”

Galna scener innebär att en normal person förvandlas till ett tillstånd av mental störning. Detta tillstånd visas i en stor aria. Galna scener var populära under första hälften av 1800-talet. Den mest kända är scenen från Lucia di Lammermoor. Andra kända galna scener är den från Boris Godunov, Macbeth, Pique Dame och La Sonnambula (sömngångsscen).

Man skiljer mellan den (tidiga) gyllene operetten i Paris, den (sena) silveroperetten och den sena operetten i Wien. Operettens uppfinnare var utan tvekan Jacques Offenbach, som började sin utbildning vid konservatoriet i Paris vid 14 års ålder, då han kom från Köln med sin familj. Han öppnade sin egen teater 1855 och tre år senare komponerade han operettens moder Orfeus i underjorden. Verket blev snabbt populärt i hela Europa och Theater an der Wien gav Franz von Suppé i uppdrag att komma med en österrikisk operett, vilket han gjorde 1860 med “Das Pensionat”. Resten är historia, Johann Strauss och andras era grydde och blev en silverålder. Den slutade i Paris redan 1880 med Offenbachs död och i Wien med Millöckers, Strauss och von Suppés död 18 respektive 1895. Lehar återupplivade återigen genren och den upphörde slutligen på 1930-talet. Det som återstod var framgångsreceptet för denna stil. Den operettkod som Lehar internaliserade bestod av element från Wiens och Paris operett: Frivolitet, satir och högre nonsens / Snabba, musikaliska nummer som galopp, cancan / Varierad användning av dansrytmer, i Wien särskilt valsen / Enkla, effektiva harmonier, huvudsakligen i dur / Musikalisk lokalfärg / Sympatiska rollfigurer / Romantisk kärlekshistoria / Lyckligt slut. De mest spelade operetterna är Die lustige Witwe (Den glada änkan) och Die Fledermaus (Fladdermusen)

Gluck var reformatorn av opera seria. Under de första fyrtio åren av sitt liv var Gluck bokstavligen aktiv som musiker i hela Europa. Han fick en djup insikt i kontinentens operapraktik. Hans intryck var att opera seria led av att karaktärerna var stencillika och att intrigerna ibland var groteska. Därför sjöngs verken av sångare som ibland utsmyckade musiken till oigenkännlighet. Dramatik, etik och verkliga känslor hade försvunnit från scenen. För att motverka detta var Gluck först och främst beroende av en lämplig librettist, en riktig dramatiker och textförfattare. Han fann honom i personen Raniero de Calzabigi. Italienaren Calzabigi skrev bland annat för den tyske kompositören eftersom han stöttes bort av den bullriga och kaotiska italienska teaterbranschen. De viktigaste principerna var: De viktigaste principerna: Ordet före musiken, få skådespelarroller, kören blir en skådespelande person och äkta känslor i stället för affekt och virtuositet. De oändligt långa (och tråkiga) secco-recitativen slopades, recitativen var genomkomponerade och korta. Den dominerande da capo aria (ABA’) togs också bort. Medan sångarna lämnade kompositörens musik i A-stämman mer eller mindre i original, lämnades A’-stämman till de (fåfänga) sångarnas smak med koloraturer, kadenser och ornamentering. Den viktigaste reformoperornan var Orfeo ed Euridice.

Med ensemblen “Nella testa ho un campanello” från Italiana in Algeri beskriver Rossini karaktärernas gränslösa förvirring. Alla kan bara göra förvirrade ljud som “tac tac”, “din din”, “bum bum” osv. Medan sångarna stammar ett bländande staccato av toner producerar orkestern ett kraftfullt accelerando under flera minuter: det legendariska Rossini-crescendot var fött. Den här typen av musik var helt ny och fick publiken att gå loss. Med denna final gjorde Rossini för första gången sitt medryckande visitkort på sin musik.

Soubrette (ursprungligen franskt för tjänsteflicka, tjänare) är ett rollämne för en lätt, lyrisk sopran med en rörlig röst (coloratura) och bra höga toner. Soubrette-roller accepteras i regel i ung ålder tidigt i karriären. Välkända roller är Adele (Fledermaus), Aennchen (Der Freischütz), Despina (Cosi fan tutte), Norina (Don Pasquale), Zerlina (Don Giovanni), etc.

Regieoper är tyska för regissörsopera. I Regieoper läggs stor vikt vid tolkningen av operans innehåll. Tolkningen kan (men behöver inte) avvika från kompositörens eller librettistens avsikt. Operans budskap ska moderniseras för att ta upp samtida aspekter. Visualisering med chockeffekt används ofta (sexualitet, nazistiska symboler, vapen osv.). Grunden för denna utveckling lades av Walter Felsenstein, som myntade begreppet “musikteater” vid Komischen Oper i Berlin på sextiotalet. Den så kallade Century Ring kan nämnas som den mest väsentliga, tidiga milstolpen för Regieoper: År 1976 var filmregissören Patrick Chéreau den förste utlänning som satte upp en ring i Bayreuth. Tillsammans med dirigentkollegan Pierre Boulez utvecklade han en socialistisk tolkning av Ringen (baserad på en 1800-talstolkning av G.B. Shaw), där handlingen inte utspelar sig i ett mytiskt landskap utan i ett samhälle under den industriella revolutionen. Produktionen ledde till häftiga protester, men antogs fem år senare med stor framgång. Denna så kallade “århundradets ring” hade ett enormt inflytande på regisseringen på operahusen och blev grunden för den följande eran av Regieoper.

Stagione-systemet (italienska: stagione = säsong) är en driftsform för operahus som står i kontrast till repertoarsystemet. Operahus som arbetar enligt stagionesystemet har endast ett begränsat antal operor på repertoaren varje säsong. I regel är det fråga om nyproduktioner. Under repetitionsperioden förblir teatern ofta stängd. Produktionerna visas sedan i längre serier (cirka tio föreställningar) och ställs sedan in. Återupptagningar av äldre produktioner brukar vara undantag. Av denna anledning förekommer de flesta repertoarverk inte i repertoaren på flera år innan en ny produktion sätts upp. (Wikipedia)

Verismo är den italienska motsvarigheten till senromantiken i slutet av 1800-talet i norra Europa. Mascagnis Cavalleria rusticana var det första musikaliska verket i denna stil. Verismo-genren kombinerade realistisk teater med rå emotionell musik. För att uppnå största möjliga effekt ville musiken uttrycka våldsamma passioner och intensiva känslor. Den skulle beröra lyssnarens hjärta och vädja till hans känsliga sida. Det “konstgjorda” ornamenterade belcanto-ljudet övergavs till förmån för dramatiska vokallinjer. Det finns ingen exakt definition av verismo, men i Pagliaccio låter kompositören Leoncavallo Toniosäga en karakteristisk fras i prologen: människorna på scenen är “av kött och blod”. Prologen blev verismons program. Andréa Chénier och Adriana Lecouvreur är andra viktiga verk i denna genre. Puccini kan också delvis hänföras till verismo. Hans närmaste verk till verismo var Tosca.

Den så kallade scena ed aria är ett strukturellt element från den klassiska italienska operan, som beskriver en mycket schematisk scen med enskilda karaktärer. Sekvensen i scena ed aria är: recitativ (Tempo d’attacco), långsam aria (Cavatina), recitativ (Tempo di mezzo), snabb aria (Cabaletta) och eventuellt en stretta i slutet. Scenen åtföljdes av olika uppföranden av cues. Scena ed aria gjorde det möjligt för librettisterna att skriva scenerna enligt ett fast schema, utan att det behövdes en långvarig samordning med kompositören. Scena ed Aria-formen fulländades av Rossini och antogs av Donizetti, Bellini och Verdi. En berömd Scena ed Aria är: Ah si ben mio (Cavatina) följt av Di quella pira (Cabaletta) från operan Il trovatore (Verdi)

En term från operans början (tidigt 1600-tal). Kontrast till den polyfoniska, traditionella prima pratica från den föregående perioden. Monteverdi använde termen seconda pratica, för sina monodiska, textförståeliga, passionerade, dissonanta arior. (Verdi)

Det tyskspråkiga Singspiel har anor från 1700-talet. Hur skiljer sig det tyskspråkiga Singspiel från den italienska operan? Skillnaden görs ofta genom användningen av talade dialoger i Singspiel i motsats till den italienska operans recitativ, och den liedliknande musiken i Biedermeier (= tidig tysk romantik). De tre mest kända operorna i genren Singspiel är Mozarts Zauberflöte, Beethovens Fidelio och Carl Maria von Webers Freischütz. Singspiel var folkets genre. Operor som Freischütz skrevs i tidens anda då sagostoffet var populärt. Det kanske mest imponerande musikaliska stycket är den berömda Wolfsschlucht-scenen från Freischütz.

Spinto tenor är den något tyngre tenorstämman. Den ligger mellan den lyriska tenoren och den heroiska tenoren. Spinto tenorens röst är kraftfull och briljant i de höga tonerna. Verdis tenorroller är vanligtvis spintoroller (Manrico, Riccardo, Radames etc.). Det är domänen för kända tenorer som Caruso, Pavarotti och Domingo.

Tenore di grazia är ett italienskt operanamn för en typ av tenor som ligger mellan leggiero tenor (tyska: Spieltenor eller tenor buffo) och den tyngre lyriska tenoren. Den kännetecknas främst av elegant frasering, vokal smidighet och vanligen varm (“söt”) eller mycket ljus röstfärgning. Genren uppstod under den stora perioden av romantisk belcanto-stil mellan ca 1810-1850, då denna typ av tenor ofta tilldelades rollerna som älskare eller ungdomliga hjältar (källa: Wikipedia). Berömda tenorer var Tito Schipa, Alfredo Kraus och Nicolai Gedda. Youtubevideor finns på denna länk.

Begreppet kommer från Verdis musikaliska språk och det finns ingen formell definition. Vad handlar det om? Från och med Nabucco utrustade Verdi var och en av sina operor med sina egna grundläggande musikaliska färger och musikaliska karaktäriseringar (rytmiska strukturer, harmonier etc.). I “La traviata” var det till exempel det borgerliga samhällets valsrytmer eller i Aida bland annat användningen av en specialutvecklad Aida-trumpet (faranoas fanfarer). För Verdi var utvecklingen av en operas karakteristiska tinta en viktig del av kompositionsarbetet, men också ett mödosamt arbete (“il piu fatticoso lavoro”), eftersom tinta var strategiskt utvecklad, den måste stödja scenerna & handlingen och återspegla operans historiska förankring. Hitta och fler exempel och illustrationer i denna länk och i operaguiden till Nabucco.

Det är en del av Richard Wagners Tristan-harmonik (från operan Tristan und Isolde). Sammanfattningsvis kan man säga att Wagner lösgjorde harmonin från melodin och ersatte den med kromatik. Detta var dock inte ett självändamål (som senare hos kompositörerna av atonal musik), utan ett uttrycksmedel för att representera den obesvarade kärleken genom oändliga kromatiska utvecklingar. För detta tillstånd av smärta finns det bara en möjlig förlösning: att dö, att förgås, att aldrig vakna upp igen! I det här verket håller Wagner denna dissonansupplösning framför lyssnaren i fyra timmar, tills den slutligen återkommer i operans sista ackord med Tristans död och Isoldes tystnad. Tristanackordet hörs för första gången redan i början av operan i Vorspiel. Vid detta berömda möte mellan de två motiven hörs det legendariska “Tristanackordet”, ett ackord med en märklig svävande dissonans som varken uttrycker smärta eller glädje, utan ett slags “obestämt sökande efter en lösning”. upplösningen kommer först efter fyra timmar, med den så kallade “Liebestod” – kärleksdöd. Det är faktiskt inte en död, utan som Wagner kallade scenen, en “förvandling”, eller som Isolde uttrycker det: “Drunkning – sjunkande – omedvetet högsta njutning!”. (“Ertrinken – versinken – unbewusst höchste Lust!”). Och upplösningen av Tristans dissonans i öppningen sker slutligen med de två berömda B-dur-avslutningsackorden.

I ett antal operor gav Verdi huvudrollen till barytonen. Med den mörkare, lägre rösten jämfört med tenoren ville Verdi öka den dramatiska nivån. Denna roll utvecklar stor dramatisk kraft och kräver stor vokal flexibilitet för passager i högre register. Verdi komponerade ofta för denna typ av baryton (Nabucco, Simon Boccanegra, Rigoletto, Macbeth, Ballo in maschera etc.) och betonade att “barytonen måste kunna täcka alla mänskliga känslor”. Lyssna på barytonaren Cortigiani, vil razza dannata från Rigoletto och Eri tu från il ballo in maschera.

Inom musiken är vibrato den periodiskt återkommande, små förändringar i frekvensen hos en ihållande ton. I motsats till en ton utan vibrato uppfattas en ton med lämpligt vibrato (från italienska vibare, “vibrera”) som livlig och uttrycksfull (Wikipedia). I operasång används det målmedvetet i dramatiska roller som ett stilgrepp och som ett medel för volym, vilket kan uppfattas som obehagligt när det överdrivs. Lyssna på Maria Callas Vissi d’arte sjungen med vackert vibrato.

Senromantiken inom operan avser den period som började i slutet av 1800-talet i norra Europa. I Italien utvecklades musikstilen till verismo. Senromantiken inspirerades på ett avgörande sätt av Richard Wagner. Ett viktigt kännetecken är den betydande utvidgningen av orkestern. Ytterligare instrument som celesta ger orkestern nya färger. Tonaliteten utvidgas (till exempel Tristanackord) men musiken förblir tonal. Orkesterskrivandet blir komplext med en enorm täthet av motiv, mer komplexa rytmer och harmonier. Exemplariska och ikoniska verk från den senromantiska perioden är: Tristan und Isolde, Salome, Parsifal och Die tote Stadt.

En byxroll beskriver en manlig rollkaraktär vars sångröst har skrivits för en kvinna (vanligtvis för mezzosopran). Berömda byxroller är Cherubino i Le nozze di Figaro, Octavian i Der Rosenkavalier och Oscar i Il ballo in maschera.

De viktigaste rösttyperna i operamusik är: A) Tenor: lyrisk tenor, tenero leggiero,spinto tenor, heroisk tenor B) Sopran/Mezzosopran/Alto: soubrette, lyrisk sopran, koloratura-sopran, dramatisk koloratura-sopran, ungdomsdramatisk koloratura-sopran, högdramatisk sopran C) Baryton: lyrisk baryton, heroisk baryton D) Bas: Basso buffo, svartbas E) Castrato, Countertenor