Best of Opera – LAS ARIAS DE AMOR MÁS BELLAS para soprano – Top 10

Sinopsis: Pinkerton, un oficial de la marina americana, está destinado en Nagasaki y hace que el casamentero Goro le enseñe una casa de campo que ha comprado. Goro también ha conseguido que Cio-cio-san, de quince años, sea su esposa. Goro anuncia la llegada de Butterfly. Ella aparece con sus amigos y está emocionada por reunirse con su futuro marido.

La llegada de Butterfly es una de las escenas más bellas escritas por Puccini. La entrada de Cio-cio-san está escrita con eficacia y al mismo tiempo es conmovedora. Está feliz (“Soy la chica más feliz de Japón”) y canta una hermosa aria acompañada por el coro de sus amigas. La música de la orquesta es impresionante; Puccini hace que tres cuerdas solistas (una de viola, otra de violín y otra de violonchelo) canten la interminable melodía en paralelo a la voz de Cio-cio-san.

Esta escena evoca pensamientos de “La bohème” para muchos oyentes. Puccini cita repetidamente en la ópera temas y motivos musicales de la cultura japonesa. Encontramos un bello ejemplo al final de este pasaje, donde Puccini termina el aria de Cio-cio-san con un motivo celestial. Consiste en una melodía pentatónica interpretada por arpa, flautas y glockenspiel, una combinación de instrumentos que Puccini tomó prestada de la música japonesa.

Escuche esta inspirada y conmovedora escena con Mirella Freni. Es mágico cómo evoca el famoso re agudo (3:15).

Sinopsis: Tatyana salió a pasear con Onegin, se sentía extrañamente atraída por él, mientras Onegin caminaba fríamente a su lado. Por la noche, en su habitación, no puede conciliar el sueño. La sensible Tatyana se da cuenta de que se ha enamorado de Onegin. Se sienta en su escritorio y escribe una arrebatadora carta de amor. A primera hora de la mañana, se la hace llegar a Onegin.

La escena de la carta es uno de los grandes monólogos de la historia de la ópera. Tatyana pasa por todos los estados emocionales en esta famosa escena: desde la desesperación hasta la euforia. El monólogo está dividido en cuatro secciones, cada una de las cuales podría ser independiente. La introducción describe el ardiente anhelo de Tatyana. El vibrante trémolo de las cuerdas refleja la agitación interior y la discordia. El cambio en la introducción orquestal a semicorcheas rápidas con corcheas punteadas del agitado latido del corazón imita su agitación sobre si escribir o no la carta. Pronto, Tatyana se lanza con su resolución, “Puskai pogibnuy” (y si fuera mi fin). El cántico se vuelve más febril, aumentando en oleadas hasta el as alto y terminando con la decisión de sentarse en el escritorio inmediatamente “vezdye, on predo mnoyu!” (¡Por donde lo vea!). Cuando Tatyana se sienta en el escritorio, se calla, la orquesta se calma y comienza una nueva introducción, esta vez silenciosa.

Tatyana toma el bolígrafo en la mano, pero tras unos compases el canto se detiene. ¿Qué debe escribir? Aparece el motivo de Onegin, cantado tiernamente varias veces en el oboe.

Pero ella duda: “ne v silakh ya vladyet svoyei dushoi!” (No tengo fuerzas para forzar mi corazón). ¿Cuál es la alternativa? Tchaikovsky cita el motivo de la soledad de Tatyana en las flautas:

Con el motivo de Onegin en la orquesta, ella comienza a escribir “zachem vi posetili nas?” (¿por qué has venido a nosotros?), lo deja todo al descubierto. Escribe la confesión de su angustia del alma. Tchaikovsky aumenta el tempo cada vez más, la música se vuelve cada vez más urgente. Entonces el ambiente cambia bruscamente cuando el oboe canta el motivo de la confesión de amor:

Tatyana retoma el motivo de forma vacilante y tierna al principio: “Kto ti: moi angel li khranitel” (¿Quién eres? ¿Mi ángel de la guarda o un astuto tentador?) El miedo al rechazo es grande, pero ella quiere intentarlo. Mientras firma la carta, suenan gloriosos metales y jubilosas cuerdas y Tatyana termina el aria con palabras temblorosas.

La escena de la carta de Anna Netrebko es simplemente magnífica. Domina las partes íntimas de esta pieza, su canto es sutil, los piani son impresionantes, para producir notas altas extáticas un poco más tarde con gran fervor desde su garganta llena.

Sinopsis: El día de la boda, Don Giovanni intenta seducir a la novia Zerlina. Ésta ha invitado a la comitiva nupcial a su castillo. En el jardín, el novio Masetto hace una escena a su futura porque sospecha que ella quiere responder a sus avances. Zerlina le jura su fidelidad.

Esta pieza es una de las mágicas canciones de amor de Mozart. Aunque Zerlina envuelve a su Masetto en esta aria y Mozart compuso momentos de burla con trinos, sigue siendo una hermosa aria de amor. Mención especial merece la hermosa idea de Mozart del violonchelo solista, que acaricia tiernamente su voz durante esta aria.

Escuchamos a Lucia Popp cantando el aria con una voz cálida y luminosa.

Sinopsis: La campana suena, Paul ya está esperando a Marietta. Mira la foto de su difunta esposa Marie y se alegra de que Dios se la haya devuelto. Marietta entra y Paul, fascinado, se maravilla ante ella, tan engañosamente parecida a su Marie. Cuando le da un pañuelo y ella se lo echa por encima, exclama extasiado: “¡Marie!”. Marietta es una bailarina de paso por Brujas durante un compromiso. Cuando ve un laúd en el apartamento, canta alegremente una canción a Paul. Paul se emociona, es exactamente la canción que también cantaba Marie.

Esta pieza es la más famosa de Korngold. Es una pieza nostálgica en solitario (que se convierte en dúo) en medio de un psicodrama. El carácter de esta pieza es de canción o incluso de opereta. Ya al principio, la orquesta brilla, con el glockenspiel, la celesta y el arpa, una coloración típica del romanticismo tardío. Las campanas de la celesta evocan un estado de ánimo romántico y casi infantil.

Una versión solista para soprano, cantada celosamente por Schwarzkopf, en tempo lento. El anhelo de su voz, ronca de emoción, languidece en el mejor sentido de la palabra.

Sinopsis: Pizarro, el director de la prisión estatal, ha encerrado arbitrariamente a su enemigo político Florestán en el área de máxima seguridad de la cárcel. Le ha entrado el pánico porque el ministro ha anunciado una inspección y así descubriría a Florestán detenido ilegalmente. Ha decidido que Florestan debe morir y ordena a Rocco que mate al preso. Pero éste se niega. Pizarro ordena a Rocco que cave una tumba, diciendo que él mismo llevará a cabo el asesinato. Leonore, la esposa de Florestán, se ha dejado contratar como ayudante del carcelero. Ha escuchado la conversación y debe apresurarse a salvar a su marido. El amor le da la fuerza para la esperanza.

La gran aria de Leonore consta de tres partes: Recitativo, Cavatina, Cabaletta. En esta forma se describen las emociones básicas de Leonore: indignación, esperanza, éxtasis. La música que Beethoven escribió para ella despliega una expresividad a través de su expresión estremecedora y al mismo tiempo conmovedora. Se trata de una interpretación de siete minutos a la par del cantante, que exige tanto la más alta expresividad dramática como el más sentido lirismo. El Adagio que sigue es uno de los pasajes más bellos de esta ópera. La música y las palabras de Leonore están llenas de esperanza y confianza conmovedoras.

Sinopsis: Manrico se ha enamorado de Leonora, que vive en la corte del Conde de Luna, su enemigo mortal. Leonora corresponde a sus sentimientos. Para visitarla, se ha disfrazado de trovador. Leonora se encuentra en el patio del castillo por la noche, cantando sobre su amor por el misterioso trovador que ha entrado en su vida.

Esta pieza consta de una cavatina lenta y una caballetta rápida.

Un breve motivo de clarinete nos lleva a la escena nocturna del jardín aislado, románticamente iluminado por una brillante luna llena. Al comienzo de la Cavatina, la cantante esboza el ambiente nocturno con un suave y ligero “Notte placida” (noche silenciosa) que transita a un más amplio “Ciel sereno” (cielo claro) hasta un luminoso “La luna viso argenteo” (el rostro plateado de la luna). Una fermata sobre “Muto” da paso a la parte B, los recuerdos del misterioso trovador “Dolci s’udirò” (Hermosas y tiernas sonaron las cuerdas de un laúd) para ser cantadas con gran emoción. La primera parte se repite Cavatina termina en una gran y extática cadencia que lleva al re bemol alto.

Mientras que en la primera parte primaba un estado de ánimo contemplativo y amplio, en la cabaletta la forma cambia a un aria rápida de coloratura. Leonora expresa su alegría con trinos y una gran expansión final en do agudo. La pieza virtuosa es muy exigente para el cantante y debe ser cantada con un legato perfecto para mantener la elegancia sin que las coloraturas pierdan brillo.

Leonora fue el papel con el que Price se convirtió en una estrella: Tras una exitosa actuación en Verona, fue invitada al Met por el entonces director del mismo, Rudolf Bing. El Trovatore de la temporada 60/61 supuso su debut en el Met, tanto para Corelli como para Price. Esto se saldó con un inolvidable éxito triunfal para Price. La ovación final de la representación de enero de 1961 duró 40 minutos, una de las más largas de la historia del Met. Escuche su magnífica voz en la versión televisada de 1963, de la Metropolitan Opera.

Sinopsis: La sacerdotisa debe seducir a Sansón para conseguir el secreto de su fuerza. Dalila duda si su hechizo sigue funcionando en Sansón. Sansón aparece lleno de dudas, sabiendo que traiciona a su pueblo. Dalila le corteja, pero Sansón la rechaza. Dalila intenta compadecerse, pero Sansón quiere seguir siendo fuerte. Sin embargo, le confiesa su amor. Dalila ve ahora su oportunidad y le promete el éxtasis, ahora se trata de Sansón.

Puede que Dalila no esté enamorada de Sansón, pero sigue albergando sentimientos por él e intenta seducir a Sansón con su cálida y erótica voz. El acompañamiento de la orquesta es delicado, a veces juguetón, y prescinde totalmente de los instrumentos de metal y percusión. La denominación de la interpretación de Saint-Saëns es “dolcissimo e cantabile”. La voz y la orquesta brillan en un luminoso mayor. La orquesta interpreta acordes crecientes y decrecientes que imitan una brisa suave y ondulante, una alegoría de la belleza y la seducción.

Pero Dalila aún no ha llegado a su destino final. Tiene que ir detrás del secreto de Sansón. Con dulzura, casi suplicante, le pide a Sansón que le hable, que le seque las lágrimas. El tono se vuelve más urgente y repite el extático “versez moi l’ivresse” (Lléname de felicidad) con el que quiere conquistar a Sansón. Un hermoso pasaje del clarinete retoma el tema de forma dolorosamente dulce. La segunda parte retoma los temas de la primera. El sonido de la orquesta cambia cada vez más con seductoras figuras orientales hasta que las armonías occidentales se vuelven a escuchar en la última parte. Al final, Sansón se rinde, la pieza se convierte en un dúo y suspira “Dalila, je t’aime” varias veces.

Elina Garanca tiene una mezzosoprano seductora y bastante brillante que brilla maravillosamente en esta aria.

Sinopsis: El joven paje Cherubino ha enfadado al conde y debe hacer el servicio militar a sus órdenes. Se despide de la Condesa con unas emotivas palabras.

Cherubino es un papel de pantalón para una joven soprano. Es el paje del Conde y está en una edad en la que se despiertan las emociones. “Voi che sapete” es una declaración de amor cantada por un adolescente a todas las mujeres. Mozart compuso esta conmovedora escena en un tono ingenuo e infantil. El aria se abre con una graciosa melodía acompañada de violines sincopados que imitan una guitarra tocada por Susanna. Con el tiempo, la música se vuelve más intensa. Mozart modula la melodía en pequeños pasos, evocando un estado de ánimo apasionado y creciente y dando al personaje de Cherubino un brillo de otro mundo.

Escuche y vea una interpretación mágica e hipnóticamente cantada por Maria Ewing en la adaptación cinematográfica de Jean-Pierre Ponnelle.

Trama: En el castillo del Conde Almaviva. Los criados Fígaro y Susana están planeando su matrimonio. Fígaro se ha enterado de que su futura esposa tiene una cita con el Conde. Está fuera de sí. Quiere observar el encuentro en secreto. Pero todo es un engaño para engañar al Conde, Susanna se ha disfrazado de Condesa. Susanna sabe que Fígaro se esconde tras los arbustos, y el aria es una declaración de amor hacia él.

Con un ritmo oscilante y acompañada por el tierno pizzicato de las cuerdas y las encantadoras interjecciones de las maderas, se desarrolla el aria de la rosa de Susanna. Es una hermosa y lírica declaración de amor a su futuro marido Fígaro, y la utopía de un mundo en el que ya no existen las distinciones de clase. El aria es un importante punto de descanso en la ópera.

El aria de la rosa ha sido cantada por pocos con tanta intimidad como por Lucia Popp, quizá la mejor Susanna en disco / CD.