Best of Opera – LAS ARIAS DE AMOR MÁS BELLAS para tenor – Top 10

Sinopsis: Cavaradossi pinta un cuadro de la Virgen de la iglesia, que ha decorado con los rasgos de Tosca y de una segunda belleza desconocida que visita a menudo la iglesia. Piensa en su amada Floria Tosca.

Esta aria de Cavaradossi es uno de los momentos culminantes de la ópera y se interpreta al principio del primer acto. Al igual que Verdi, Puccini se burlaba ocasionalmente de castigar a los notorios rezagados.

El aria “Recondita armonia” debe ser cantada contemplativamente por el tenor, una indulgencia en el pensamiento sin prisas. Puccini escribe “con dolcezza” en la partitura para la orquesta. Deben destacarse los bellos detalles, como las letras “R” de “ardente” y “bruna” que describen a Tosca. Cavaradossi debe cantar con precisión, igual que el pintor trabaja con un ojo exacto. Así, el tenor debe cantar las frases “tu azzurro hai l’occhio” (Attavanti) y “Tosca hai l’occhio nero” de forma diferente, porque queda claro que el amor de Cavaradossi es con Tosca.

Esta hermosa aria de tenor del primer acto es una de las piezas más destacadas de muchos tenores en los recitales. Escuchen la gran aria “Recondita armonia” cantada por Jussi Björling. Fue uno de los mejores tenores de Puccini. Su voz tenía un timbre plateado y sus notas altas eran de una calidad extraordinaria.

Sinopsis:Aida, la hija del rey etíope Amonasro vive como esclava en la corte egipcia. Los guerreros etíopes invaden Egipto para liberar a Aida. El oficial egipcio Radamés sueña con volver con su amor secreto Aida, laureada por la batalla defensiva.

Verdi presenta el papel de Radamés con considerables dificultades. El papel está escrito para un “lirico spinto”, un “tenor heroico juvenil”. Radamés no sólo debe ser capaz de cantar las grandes arias heroicas, sino también ser convincente en los pasajes líricos de piano. La voz del tenor debe ser audible por encima de los sonidos agudos de las trompetas y ser capaz de seguir el ritmo de la calidez de las maderas. El tenor también debe tener confianza en las notas altas. Justo al principio, Radamés debe cantar la gran aria “Celeste Aida” sin ser cantada. Algunos tenores consideran que Celeste Aida es el aria de tenor más difícil de Verdi.La escena de la carta de Anna Netrebko es simplemente magnífica. Domina las partes íntimas de esta pieza, su canto es sutil, los piani son impresionantes, para producir notas altas extáticas de su garganta llena un poco más tarde en gran fervor.

Sinopsis: Lisa se ha enamorado del embajador Sou-Chong. Los dos se dan cuenta de su amor mutuo y deciden ir juntos a China. Allí, Lisa debe darse cuenta de la brecha entre sus culturas, que la deprime. El jefe de la familia, Tschang, exige que el príncipe se case con cuatro mujeres manchúes según las leyes del país, Lisa sería entonces la quinta esposa. El príncipe empieza a darse cuenta de lo desesperado de la situación. Lisa es infeliz en el país extranjero y está llena de nostalgia por su patria vienesa. Una vez más, el príncipe intenta consolarla e invoca su amor.

Esta canción era prácticamente idéntica a la nota ya presente en la obra anterior “de la chaqueta amarilla”, pero apenas se notó. En el remake del País de las Sonrisas, esta pieza se convirtió en el número de oro. Por ello, sin duda hay que dar mucho crédito al tenor Richard Tauber. Tauber ya había colaborado con Lehar en 4 operetas en los años veinte, y las canciones hechas a medida para Tauber solían colocarse en el segundo acto y recibían el apodo de “Tauber Lieder”. La canción de Tauber “Dein ist mein ganzes Herz” es la más conocida, y una de las piezas para tenor más famosas de la historia.

La orquesta introduce esta aria con un melancólico acorde cromático. Lehar lleva el aria a propósito hasta el la bemol alto. Lehar escribió muchas arias para el tenor Richard Tauber. Su posición más bella era el registro medio y su debilidad el registro agudo. Por eso esta aria no va más allá del la bemol alto. La asociación artística entre Tauber y Lehar fue simbiótica en grado sumo. En 1920, Richard Tauber cantó por primera vez una opereta de Lehar y cosechó un éxito inmediato. Lehar sufrió el declive del género de la opereta y sólo con Tauber pudo recuperar los primeros éxitos de La viuda alegre.

Sinopsis: Delante de una posada en Amiens. Una fanfarria anuncia la llegada de una diligencia. De ella salen Manon y su hermano Lescaut, que se detienen para pasar la noche. Des Grieux ve a la joven Manon y se enamora inmediatamente de ella. Cuando Lescaut va a la posada para encargarse de la pernoctación, se queda sola un momento y Des Grieux se acerca a ella. Se entera de su nombre y de que ella partirá al día siguiente para ir al convento por orden de su padre. Des Grieux le ofrece su ayuda para escapar de su destino. Manon quiere saber su nombre y promete volver por la noche. Pronto son interrumpidos, su hermano ha regresado y la conduce a su habitación. Des Grieux se queda atrás. Rapsodiando, piensa en la hermosa joven.

El aria que sigue ahora es la pieza más famosa de esta ópera y la primera aria famosa escrita por Puccini, que tenía entonces 33 años…. El compás de ¾ da a la pieza un carácter cadencioso y soñador. El acompañamiento orquestal de la melodía es muy rico, la afinación de los instrumentos de acompañamiento con cuerdas divididas abarca varias octavas, enfatizando la pasión de Lescaut con notas en registros extremos.

En la segunda parte, Des Grieux cita tierna y arrebatadoramente el motivo de Manon “Manon Lescaut mi chiamo” una y otra vez, con el que se había presentado. Es un efecto sorprendente que hace que esta aria parezca casi un dúo. ¡La tercera parte, “O susurro gentil, deh! Non cessar!“, repetida varias veces, termina con un apasionado Si agudo cantado con brío:

Sinopsis:El filósofo Colline llega a casa. Está de mal humor, porque no ha podido empeñar nada en la casa de empeños, ya que estaba cerrada en Nochebuena. Sólo el músico Schaunard pudo ganar algo y trae vino, leña y algo de dinero. Así que deciden pasar la Nochebuena en el Café Momus. Les interrumpe su casero, Benoit, que les envía un recordatorio por el alquiler atrasado. Se deshacen de él y se van al café. Sólo Rodolfo se queda, ya que tiene que terminar un artículo. Llaman a la puerta. Es Mimi, la costurera del apartamento de al lado. Pide una luz para la vela apagada. Mimi se siente débil y Rodolfo la cuida. Los dos hablan de sus vidas y de sus sueños. Rodolfo comienza y cuenta sobre sí mismo, el poeta, el millonario de los sueños.

El aria comienza pianissimo y dolcissimo y la primera parte termina con un hermoso rallentando cuando Rodolfo señala la hermosa luna que brilla románticamente en la habitación (“e qui la luna”). Rodolfo se presenta con un expresivo “Chi son” en el que se describe como poeta y pobre artista. En la tercera parte, cuenta sus sueños, que culminan gloriosamente con la palabra “Millionaria“. En la cuarta parte canta a Mimí, a quien acaba de conocer. Infinitamente romántica resulta la famosa secuencia final con el do de pecho (Ma il furto non m’accora, poiché, poichè v’ha preso stanza, la speranza).

Muchos expertos consideran a Pavarotti el mejor Rodolfo de la historia de las grabaciones. En palabras de Kesting: “Schlechthin überragend, auch und gerade darstellisch setzt sich Pavarotti als Rodolfo unter Karajan in Szene. Es uno de los raros retratos vocales que hace visible el personaje. En ninguna otra grabación – aparte de La fille du régiment – ha cantado con más libertad y soltura, en ninguna con una paleta de colores más rica.”

Sinopsis: En el jardín detrás de la casa de los Reich. El Junker Spärlich quiere ofrecer a Anna una serenata, cuando es interrumpido por el doctor Cajus, que está planeando lo mismo. Fenton también tenía la misma idea, ante su aparición sus dos rivales se esconden y le escuchan.

Acompañado por el canto de los pájaros de la orquesta, Fenton canta una romántica serenata. Esta aria quedará probablemente asociada para siempre a Fritz Wunderlich, quien, con la melifluidad de su voz y su genuina musicalidad, dio forma a esta serenata no en una pieza sentimental, sino en un romance conmovedor.

Sinopsis: Fausto ha hecho un pacto con Mefisto. Mefisto ayuda al envejecido científico a un beziheung de amor. A cambio, su alma le pertenece en el más allá. Mephisto hace aparecer a Margarete en la rueca como una visión. Fausto queda hechizado y embelesado. Rápidamente firma el papel de Mefisto y a cambio recibe una poción de rejuvenecimiento, que bebe con avidez. Al día siguiente, Fausto ve a Margarita y se acerca a ella. Pero ella lo rechaza, por lo que Fausto no se desanima, sino que la ama aún más. Al día siguiente, Fausto se presenta en su jardín acompañado de Mefisto. Mefisto se va a buscar un regalo para Margarita. Mientras tanto, Fausto está solo, y su expectación por volver a ver a Margarita es grande.

Una característica de esta famosa aria es que el tenor está acompañado por un violín solista, que juega alrededor de su voz durante toda la pieza. Berlioz consideraba que este artificio de Gounod “hace mucho más daño que bien al conjunto, y creo que tenía razón el cantante Duprez, que un día, cuando un solo instrumental de la orquesta le acompañaba en una romanza, dijo: “Este instrumento del diablo, con sus carreras y variaciones, me irrita como una mosca que zumba alrededor de mi cabeza e intenta sentarse en mi nariz.” Conde replicó que Gounod decía con el violín lo que las palabras sólo podían decir a medias “ce que les mots ne disent qu’à demi”. Las palabras de Fausto son espirituales y expresivas. Palabras como “Innocente et divine” o “Que de richesse” dan al cantante la oportunidad de mostrar la sutileza y la riqueza de su voz. La intensidad aumenta constantemente hasta el clímax del aria con el espectacular do de pecho, que debe cantarse con gusto y en ningún caso debe hacerse de forma grosera y aplaudiendo, lo que destruiría el ambiente de esta pieza. La pieza termina maravillosamente con el violín solista en el Adagio.

La interpretación de Björling es quizás insuperable. Ha grabado esta aria en repetidas ocasiones. Escuche y vea la grabación de una producción televisiva. Observamos un aspecto incierto al principio, pero luego Björling seduce al oyente desde el primer segundo. Se transforma en un amante tierno y romántico. Su canto y su interpretación son de gran naturalidad, al igual que el do de pecho del final. Esta interpretación, junto con la de Caruso, es y fue el modelo para todos los tenores que les siguieron.

Sinopsis: Don Giovanni se encuentra en la habitación de Donna Anna. Cuando Don Giovanni quiere salir de la habitación, Donna Anna trata de impedírselo. Quiere saber su nombre. El ruido despierta al comendador, el padre de Donna Anna. Éste reconoce la situación y ataca al seductor con su espada. En el duelo, Don Giovanni apuñala al Comendador. Donna Anna parte con su prometido Don Ottavio para encontrar al asesino. Don Ottavio consuela a su amada y quiere vengar la muerte de su padre.

Una de las famosas arias de tenor de Mozart. Don Ottavio se caracteriza por dos sentimientos, por un lado el deber de venganza y por otro el amor por Donna Anna. Estos sentimientos deben ser cantados con una dignidad aristocrática. El aria comienza con un cálido tema expresivo, dolce e espressivo, acompañado de un bello motivo en las cuerdas. La segunda parte del aria está dedicada a la venganza. La música se vuelve más agitada. Una carrera virtuosa muestra a un Don Ottavio agitado y decidido. Esta aria es una piedra de toque para los tenores. Requiere una respiración infinita, habilidades de coloratura y la capacidad de gestionar grandes saltos de tono. Todos los ingredientes que hacen sudar incluso a los cantantes experimentados.

Para muchos, la interpretación de Mc Cormack de esta aria en 1916 era el estándar de oro. Kesting la cuenta entre las mejores grabaciones: “Quien quiera entender, por ejemplo, que un fa redondeado y bien centrado en una voz de tenor es más importante que un do, por muy sonoro que sea, que escuche las notas de retención de Mc Cormack, golpeadas con la resonancia de una campana. Mc Cormack supera a todos los demás cantantes en esta aria”.

Sinopsis: Ha llegado el día del concurso de canto. Beckmesser y Walther von Stoltzing presentan su canción de premio. El Cantante se adueña de la mano de Eva. Walther comienza su canción. Ya después de la primera estrofa un murmullo de asombro recorre el público y la multitud de los Meistersinger, que aumenta después de la segunda estrofa. Después de la tercera estrofa, no hay dudas sobre el ganador.

En ritmo oscilante y acompañada por el tierno pizzicato de las cuerdas y las encantadoras interjecciones de las maderas, se desarrolla el aria de la rosa de Susanna. Es una hermosa y lírica declaración de amor a su futuro marido Fígaro, y la utopía de un mundo en el que ya no existen las distinciones de clase. El aria es un importante punto de descanso en la ópera.

Preislied consta de tres estrofas que aumentan continuamente en tempo, volumen e intensidad. Es un aria de Heldentenor, urgente y romántica, que debe ser cantada en el más bello legato y que deriva su belleza no sólo del magnífico acompañamiento.

Escuche a Plácido Domingo en esta eficaz pieza en la grabación dirigida por Eugen Jochum. El tenor español no era el Walther ideal desde el punto de vista idiomático, pero ningún tenor podía igualar la belleza y el esplendor de su interpretación del Preislied.