La genesi dell’Opera da tre soldi fu drammatica. Tutti si aspettavano un fallimento. Ma la prima del 31 agosto 1928 divenne un inaspettato successo trionfale e rese Kurt Weill e Bertold Brecht improvvisamente famosi. Le melodie di Weill divennero popolari e l’opera fu rappresentata 10.000 volte solo nei primi 5 anni.
Grandi fatti E Video YouTube su AIDA di Giuseppe Verdi. I punti salienti sono “O patria mia” con Leontyne Price, “Celeste Aida” con Placido Domingo, “O terra Addio” con Enrico Caruso, “Numi o pietà” con Leontyne Price e la “Marcia trionfale”.
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Leggi fatti interessanti e ascolta fantastici video di YouTube sulla famosa aria “SUMMERTIME“.
Con “Porgy and Bess” Gershwin ha raggiunto l’apice della sua carriera. Con questa composizione è riuscito a creare un’opera di livello internazionale, una delle grandi opere popolari della storia. L’esecuzione di quest’opera comporta grandi difficoltà, motivo per cui l’opera viene ascoltata raramente. La potenza e l’autenticità di quest’opera ha spinto tutti i grandi del jazz del secolo scorso a coverizzare molti brani.
Raramente Verdi si è identificato con un ruolo tanto quanto con quello di Violetta. Grazie alla sua biografia, è stato in grado di mettersi nei panni dei personaggi al massimo grado, e mai la sua musica è stata più animata e tragica che in quest’opera. Traviata divenne l’opera verdiana più popolare, in molti paesi anche l’opera più popolare in assoluto.
L’opera è considerata il primo capolavoro di Verdi e ha stabilito la sua fama mondiale. Il terzo atto è uno dei momenti salienti di tutta la letteratura lirica.
Atto I (Scena della maledizione, Via E scena del balcone)
Atto II (Scena del palazzo, Convitato di pietra)
Atto III (Scena della locanda)
Raccomandazione di registrazione
Bella figlia d’amore (Quartetto)
Venezia, 1851
Francesco Maria Piave, tratto dal romanzo Le roi s'amuse di Victor Hugo
Rigoletto, buffone di corte del Duca di Mantova (baritono) - Gilda, sua figlia (soprano) Sparafucile, sicario (basso) - Maddalena, sua sorella (mezzosoprano) - Duca, Duca di Mantova (tenore) - Ceprano, conte e cortigiano (basso) - Marullo, cortigiano (baritono) - Monterone, conte e padre (baritono)
DECCA, Sherill Milnes, Luciano Pavarotti e Joan Sutherland diretti da Richard Bonynge e dalla London Symphony Orchestra and Chorus o EMI, Tito Gobbi, Maria Callas e Giuseppe di Stefano diretti da Tullio Serafin e dal Coro e Orchestra del Teatro alla Scala.
Il romanzo “Le roi s’amuse” di Victor Hugo è il modello di quest’opera. Quando fu rappresentato per la prima volta nel 1832, quasi 20 anni prima della prima di Rigoletto, questo romanzo causò uno scandalo politico a Parigi e fu vietato dopo la prima rappresentazione. Anche vent’anni dopo, Verdi e il suo librettista Piave dovettero riconoscere che la censura considerava ancora il materiale problematico. Ritrarre un re come un libertino e poi mostrare un killer su commissione che dovrebbe assassinare il re, questo era troppo per la censura veneziana / austriaca. Il libretto fu scritto da Francesco Maria Piave, che era anche responsabile dei contatti con l’ufficio di censura, il che portò a tensioni occasionali con Verdi. Dovettero spostare la location scenica da Parigi a Mantova e il re fu declassato a duca. Per il resto Verdi e Piave seguirono il modello letterario. Testualmente, Piave doveva “solo” tradurre le immagini in un conciso linguaggio operistico.
Victor Hugo chiamava il buffone Triboulet, Verdi e Piave hanno dovuto cambiargli il nome per ordine della censura. Per Verdi, il giullare era la figura chiave di quest’opera (“un personaggio degno di Shakespeare!”) ed era importante per lui poter ingaggiare per la prima il brillante cantante-attore Felice Varesi, che aveva già debuttato il Macbeth. La deformità fisica del gobbo era la metafora e il riflesso della deformità morale del Duca. Come controparte, disegnarono il frivolo Duca, la cui superficialità Verdi sottolineò con tocchi popolari, che fecero ironicamente di questo ruolo uno dei più famosi ruoli tenorili di sempre.
La “tinta musicale” del “Rigoletto” è determinata dalla cupezza del ruolo e dalla musica del buffone di corte (accordi cupi, motivo della maledizione punteggiata, ecc.) e dal contrasto con l’allegria cortese del Duca (arie in forma di minuetto). Inoltre, tutti i ruoli, tranne il primo tenore e il primo soprano, erano affidati a voci di gamma inferiore. Un secondo aspetto importante della tinta di Rigoletto è la frequenza dei duetti. Verdi stesso ha definito Rigoletto una “successione di duetti”.
Verdi considerava Rigoletto una delle sue opere di maggior successo; quasi nessun’altra opera lo aveva ispirato così tanto. La conseguente ondata di creatività portò ad uno dei periodi di composizione più brevi dell’opera di Verdi. Il processo di composizione richiese appena quaranta giorni e, come al solito, egli scrisse le parti orchestrali mentre le prove erano ancora in corso.
La prima ebbe luogo l’11 marzo 1851 al Teatro La Fenice di Venezia e fu un trionfo sorprendente. Anche la messa in scena innovativa ebbe un ruolo non trascurabile. Per la prima volta, le strutture tridimensionali del palcoscenico furono carpite al posto della scenografia, e la nuova tecnologia del palcoscenico della Fenice permise effetti scenici realistici, come le scene del temporale del terzo atto. La musica fu acclamata e l’opera si diffuse rapidamente in tutto il continente.
Trama: Nel palazzo del Duca di Mantova. Una grande festa è in corso.
Il motivo dominante di questa ouverture è il motivo punteggiato della maledizione. L’ouverture è tutto ciò che l’opera è: oscura e tragica. Una tromba solista suona un do ripetuto seguito da pesanti accordi di ottone che poi si fondono nel motivo della maledizione.
Ascoltiamo la grande ouverture dalla registrazione dei Wiener Philharmoniker sotto la direzione di Carlo Maria Giulini. Potenti crescendi fanno rabbrividire l’ascoltatore.
Ouverture – Giulini
Trama: Il Duca parla al Conte di Borsa di una misteriosa donna borghese che egli osserva da qualche tempo. Ma il duca non vuole impegnarsi con nessuna donna. Troppe tentazioni tengono occupato l’inquieto seduttore.
Con quest’aria Verdi traccia un grande ritratto del conte. Lo descrive come un cinico vanitoso, superficiale ma affascinante. È un egoista che si prende tutte le libertà. È incredibile, Verdi dà a tutte le melodie famose di quest’opera questo carattere negativo.
L’aria Questa o quella sembra a prima vista una cosa semplice. Tuttavia ampie parti dell’aria sono scritte in un tono alto (ma senza avere un Si o un Do alto) e sono una sfida per tenori con una voce più baritonale come Caruso o Domingo.
Ascoltate la grande interpretazione di Luciano Pavarotti nell’adattamento cinematografico di Ponnelle. La sua “Questa e quella” è elegante e seducente.
Questa o quella – Pavarotti
Si sente un’altra versione di Jussi Björling con un bel metal nella sua voce.
Questa o quella – Björling
Trama: Anche la contessa di Ceprano è una delle prescelte. Vuole lasciare la festa. Il Duca vuole convincerla a restare. Rigoletto, un buffone di corte gobbo e sgradevole, deride pubblicamente il conte di Ceprano. Improvvisamente viene annunciata una notizia. Si dice che Rigoletto abbia un’amante. Ceprano, l’uomo doppiamente umiliato, giura vendetta sul Rigoletto dalla lingua tagliente.
Trama: Il conte di Monterone entra a palazzo. Rigoletto si prende gioco di lui perché sua figlia è una delle amanti del duca e ha perso il suo onore. Il Duca ordina l’arresto dell’intruso. Il conte maledice Rigoletto e il Duca, con le parole “Chi si burla del dolore di un padre, la mia maledizione sia su di voi”). Inorridito, Rigoletto lascia il palazzo.
Quando Monterone riprende il motivo della maledizione per la prima volta, l’orchestra e gli altri cantanti rimangono in silenzio, solo la voce di Monterone può essere ascoltata. Questo aumenta l’effetto del motivo della maledizione. Poi il motivo della maledizione viene ripetuto due volte, i bassi (violoncello e contrabbasso) suonano dei tremoli per rafforzare l’atmosfera inquietante della maledizione.
Ch’io gli parli
Trama: Per strada, di notte, Rigoletto incontra l’assassino Sparafucile. Egli offre i suoi servizi a Rigoletto. Rigoletto memorizza il suo nome, ma non ha alcun incarico per il momento.
Verdi ha composto un’atmosfera spettrale e oscura per questo duetto. Accordi pallidi e dissonanti di clarinetti e fagotti introducono la scena. È molto insolito che il seguente duetto (principalmente in sprechgesang) sia scritto interamente senza violini. I violoncelli e i contrabbassi danno alla scena un particolare colore scuro.
Vedetelo in una versione per la televisione girata a Mantova. Questa scena nella Mantova medievale è semplicemente magnifica.
Quel vecchio maledivami! – Wixell / Furlanetto
Sentirete una seconda versione di questa scena con la voce scura come la pece di Sparafucile Marti Talvela.
Quel vecchio maledivami! – Milnes / Talvela
Trama: Rigoletto è disperato per il suo destino. Con il suo corpo deforme e gobbo è condannato al ruolo di buffone di corte.
“Lui con un pugnale, io sono l’uomo che deride”, parla onestamente Rigoletto a se stesso. È un monologo, di un uomo che è diventato amareggiato dal suo destino – infelice per il suo corpo deforme e in una professione che odia.
Rigoletto scaglia le sue parole, scarsamente accompagnate da archi tremolanti eccitati e interrotte due volte dal motivo della maledizione. Solo nella seconda parte sentiamo una schiarita introdotta da un flauto mentre pensa a sua figlia. Infine finisce di nuovo nello stato d’animo dell’inizio. Pari siamo non è un’aria nel senso convenzionale del termine. Verdi cerca la massima differenziazione dalla persona di Duca, il ruolo con le arie tradizionali. Questo aspetto è una parte importante della Tinta musicale di Rigoletto.
Ascoltiamo questo monologo di Robert Merrill. Era uno dei grandi baritoni degli anni ’50. Per lui era chiaro che Rigoletto era il più grande ruolo mai scritto per un baritono.
Pari siamo – Merrill
Trama: Va a casa di sua figlia, l’unico raggio di speranza nella sua vita. Nessuno sa di sua figlia. E Gilda non sa nemmeno il nome del padre, per evitare che il segreto venga scoperto.
Quando Rigoletto entra nel mondo chiuso della sua casa, Verdi cambia bruscamente la musica. L’atmosfera esuberante dura solo brevemente, tuttavia, fino a quando Gilda chiede della sua defunta madre.
Figlia! mio padre! … Deh non parlare al misero – Wixell / Gruberova
Trama: Rigoletto le ha proibito di uscire di casa, solo una visita occasionale alla chiesa è consentita. Improvvisamente, il Duca appare inosservato. Aveva seguito la straniera nella sua ultima visita alla chiesa e ora voleva visitarla. Ascolta i due da un nascondiglio ed è sorpreso di scoprire che Rigoletto sta parlando con lei e viene a sapere che è suo padre.
Ascoltate Tito Gobbi e Maria Callas dalla grande registrazione del 1955 in un duetto emozionante. Il secondo tempo è semplicemente fantastico, le due voci si armonizzano perfettamente tra loro.
Ah veglia, o donna (duetto) – Callas / Gobbi
Trama: Improvvisamente Rigoletto sente un rumore. Il duca riesce a nascondersi abbastanza velocemente. Rigoletto va alla porta. Sparafucile è lì in piedi. Quando Rigoletto lascia la figlia, Gilda è colpita dal rimorso di non aver detto nulla al padre sul giovane che l’ha perseguitata durante le sue visite in chiesa. In questo momento appare il duca. I due si confessano il loro amore. Il duca si maschera da studente con il nome di Gualtier Maldé. Sentono dei rumori dall’esterno. Il duca deve andarsene.
Verdi ha scritto la dichiarazione d’amore del duca in un minuetto di corte. Ma Gilda non è una contessa, il duca vuole avvolgere l’inesperta Gilda intorno al suo dito. Così Verdi usa i mezzi musicali per smascherare la dolce doppiezza del duca.
Si sente Jussi Björling in questo dueat come un duca irresistibile. La sua voce emana calore e passione.
E il sol dell’anima…Addio addio Björling / Sayao
Nel secondo video potrete ascoltare uno dei leggendari duetti di Tito Schipa e Amelia Galli-Curci. È semplicemente meraviglioso come le due voci si incastrano e cantano i grandi ritardandi.
E il sol dell’anima – Schipa / Galli-Curci
Trama: Quando il duca deve lasciare la sua casa, Gilda pensa al suo amante Gualtier Maldé.
Quest’aria è cantata dall’estasi di una ragazza per il suo primo amore. Esige vulnerabilità e bellezza invece che splendore esteriore. Gilda è una giovane donna all’età di 16-18 anni. L’aria è introdotta da due flauti. La voce del cantante deve produrre il bagliore e il timbro del flauto. L’aria ha le massime esigenze. È costellata da molte colorature e ornamenti e raggiunge due volte il do alto.
Sentiamo due interpretazioni
Edita Gruberova è diventata famosa come soprano di coloratura con il ruolo della Regina della Notte. Sentiamo una cantante che può penetrare le sfere più alte con la sua voce e padroneggiare gli abbellimenti assassini.
Per molti, la Callas era una Gilda imbattibile. Il suo “Caro nome” è fantastico. La sua tecnica è fenomenale, sentite solo i suoi trilli perfetti. La sua interpretazione è drammatica e commovente e porta grandi emozioni nell’aria.
Caro nome / Callas
Trama: Nel frattempo sono apparsi dei cortigiani sotto la guida di Marullo e Ceprano. Incontrano Rigoletto. Si nascondono dietro le maschere. Solo Marullo si rivela a Rigoletto. Propongono di rapire la contessa Ceprano per divertimento. Rigoletto si unisce volentieri a loro e prende una maschera. Senza che se ne accorga, gli viene legato un panno intorno agli occhi. Deve tenere la scala per il rapitore. Mentre Rigoletto aspetta il ritorno dei cortigiani, questi rapiscono la sua presunta amante. Quando i rapitori se ne sono andati da tempo, Rigoletto si strappa la maschera dalla testa. Inorridito, deve rendersi conto che sua figlia Gilda è stata rapita.
Zitti, Zitti
Trama: Nel palazzo del duca. Il duca ha capito che Gilda è stata rapita. Si è innamorato di Gilda e giura vendetta.
Anche il duca diventa sentimentale, la sua aria “parmi veder le lagrime” è quasi tenera. Ma è l’aria di un uomo presuntuoso: Quando il duca riflette su come Gilda possa aver chiamato il nome di Gualtier durante il rapimento, l’orchestra si ferma per un momento e il duca può cantare il suo nome alias lentamente e quasi teneramente (nell’esempio dopo 3:05 minuti). Così quest’aria forma un campo di tensione per il cantante tra i sentimenti reali (quelli di una storia d’amore mancata) e l’autocommiserazione di una persona egocentrica.
Ella mi fu rapita… Parmi veder le lagrime – Pavarotti
Trama: I cortigiani appaiono e raccontano trionfalmente al duca il rapimento dell’amante di Rigoletto. Il duca riconosce che si tratta della sua amante. Lei viene portata a palazzo. Il duca la fa portare nella sua stanza.
Raramente la discrepanza di un personaggio in una Scena ed Aria è stata disegnata in tale contrasto. Mentre nella Cavatina il Duca cantava il dolore della perdita (“Parmi veder le lagrime”), ora è pronto a soddisfare incautamente la sua lussuria. Così il Duca è uno dei più grandi cattivi morali della letteratura operistica di Verdi.
Quest’aria ha delle linee bellissime e ha una tessitura alta e finisce addirittura con un Re alto. Se il tenore non può cantare questo tono, di solito viene cantato una o due ottave più basso.
Ascoltate quest’aria nella registrazione del 1971 di Pavarotti e Bonynge, dove Pavarotti canta addirittura il Re alto.
Possente amor mi chiama – Pavarotti
Alfredo Kraus un tenore molto elegante e uno che cantava anche le note più alte. Il suo re alto è una vera e propria tromba.
Possente amor mi chiama – Kraus
Trama: Rigoletto appare nel palazzo, sospetta che Gilda debba essere lì. Viene deriso dai cortigiani e nasconde il suo dolore.
Con l’apparizione di Rigoletto, i violini suonano un motivo punteggiato che sembra imitare l’andatura del buffone gobbo. Con la “Laralara” Rigoletto riprende questo motivo. Ma la finta allegria contiene la componente tragica del motivo del lamento dell’opera barocca (carattere minore, tono calante, breve pausa).
Povero Rigoletto – Wixell
Trama: Rigoletto si rende conto che i cortigiani hanno consegnato sua figlia al conte. Li accusa di aver venduto il bene più sacro di un padre.
Quest’aria è un atto d’accusa emozionante. Richiede una voce espressiva con grande volume e magnifici colori. L’aria passa dall’accusa (“vile razza”) alla supplica (“restituiscila”) al pathos (“onore delle figlie”) e all’adulazione. Sentiamo l’eccitazione con rapidi semicrome nell’orchestra. Gli strumenti a corda più bassi (viola, violoncello e contrabbasso) suonano note di ottavo sulla prima e terza battuta, che imitano il battito cardiaco eccitato del rigoletto. L’ultima parte dell’aria “tutto, tutto al mondo” è una delle più belle melodie baritonali mai scritte.
Sentiamo un grande Gobbi dalla registrazione di Serafin.
Cortigiani, vil razza dannata – Gobbi
La registrazione con la potente voce di Tita Ruffo da una registrazione del 1908 è impressionante.
Cortigiani, vil razza dannata – Ruffo
Trama: Gilda appare e deve confessare a suo padre di aver perso il suo onore. Racconta la storia di Gualtier Maldé.
Gilda è senza parole e l’oboe si assume il compito di introdurre una melodia dolorosa. Quando Gilda canta la melodia, si avverte fin dalla prima nota che Gilda non è più la giovane e spensierata donna del primo atto, ma che è stata immersa in un mondo doloroso e sobrio a causa dello stupro. Con parole tenere, suo padre cerca di confortarla.
Ascoltate una narrazione impressionante di Maria Callas, che fa sentire il dolore di Gilda.
Tutte le feste al tempio – Callas
Un’altra interpretazione di Joan Sutherland nella registrazione Bonynge del 1971
Tutte le feste al tempio – Sutherland
Trama: Appaiono le guardie. Il conte di Monterone viene portato nei sotterranei. Alla sua vista, Rigoletto giura vendetta sul Duca. Invano Gilda implora il perdono del padre.
Verdi ha scritto un duetto emozionante per questa scena. Il canto d’odio che esige vendetta contrasta con le interiezioni mitigatrici di Gilda.
Ancora una volta una grande, impressionante performance di Maria Callas e Tito Gobbi con un climax alla fine che crea la pelle d’oca…
Si, vendetta, tremenda vendetta – Callas / Gobbi
Il terzo atto è considerato il culmine musicale dell’opera, in cui i contrasti si scontrano e portano alla catastrofe. In particolare il quartetto “Bella figlia dell’amore”, già ammirato dai contemporanei, e lo scenario travolgente della locanda in riva al fiume sono i punti salienti dell’intera letteratura lirica.
Trama: Rigoletto conduce sua figlia Gilda in una locanda malandata su un fiume. Rigoletto e Gilda si avvicinano alla casa e sbirciano attraverso un buco nel muro. Sparafucile siede a un tavolo. Maddalena, la sorella di Sparafucile, ha attirato il duca. I due guardano come il Duca entra nella stanza per passare una notte con Maddalena.
C’è una storia interessante in questa famosa aria. Mentre componeva Verdi era ovviamente consapevole di quanto popolare sarebbe diventata quest’aria e dell’effetto che avrebbe avuto sul pubblico. Quindi tenne quest’aria segreta per molto tempo. Per evitare che la melodia trapelasse prima della prima, il tenore e l’orchestra stessa ricevettero l’aria solo nelle ultime ore, poco prima della rappresentazione. Divenne una sensazione e tutti la canticchiarono mentre lasciavano l’auditorium.
Ancora una volta Verdi scelse il ritmo del minuetto. La personalità e le intenzioni del Duca rimangono fisse sul tema della seduzione. L’aria deve essere cantata con leggerezza e non deve degenerare in un pezzo volgare. Questa parte di solito termina con un si alto brillante, anche se Verdi l’ha composta un’ottava più bassa. Ma nessun tenore può permettersi di finire con il Si basso, il giudizio del pubblico sarebbe devastante.
Sentiamo 2 interpretazioni. Cominciamo con l’incomparabile “la donna è mobile” di Pavarotti. Con fascino, leggerezza ed eleganza.
La donna è mobile – Pavarotti
Domingo ha cantato raramente il ruolo del Duca. Come tenore baritonale, la tessitura di Rigoletto era troppo alta per lui. Tuttavia la sua interpretazione di “la donna è mobile” dalla registrazione di Giulini è convincente.
La donna è mobile – Domingo
Trama: Mentre il Duca corteggia Maddalena, Gilda deve rendersi conto che il Duca la tradisce continuamente
Questo famoso quartetto è scritto in un modo molto insolito. Mentre i quartetti di solito funzionano con linee melodiche, in questo quartetto solo la voce tenorile ha una vera e propria melodia. Ciò che è magistrale è che le voci sono scritte in modo completamente indipendente, eppure intrecciate: Maddalena occasionalmente cinguetta sedicesimi, Gilda canta bellissimi pezzi melodici, e Rigoletto declama. L’effetto che Verdi crea è rivoluzionario e stupefacente.
Questo include anche la grande scenografia, che Verdi / Piave descrivono in dettaglio. Rigoletto e Gilda sono fuori al buio e Maddalena e il Duca sono dentro nella stanza illuminata.
Ho incluso tre interpretazioni, iniziando con la leggendaria registrazione di Caruso. Un fantastico documento dell’epoca d’oro dell’opera.
Bella figlia d’amore – Caruso / Galli-Curci / Perini / de Luca
Bella figlia d’amore – Pavarotti / Gruberova / Wixell / Vergara
Bella figlia d’amore – di Stefano / Gobbi / Callas / Lazzarini
Trama: Rigoletto manda a casa sua figlia con l’ordine di fuggire a Verona travestito con abiti maschili. Rigoletto rimane in casa per organizzare lo scambio con Sparafucile. Il duca sale in camera sua. Nel frattempo Gilda è tornata di nascosto in abiti maschili. Origlia la conversazione di Sparafucile con Maddalena. I due discutono il piano di omicidio. Maddalena vuole che l’ignoto sia risparmiato. Sparafucile vuole il denaro. Sono d’accordo sul fatto che ucciderebbero lo sconosciuto e lo metterebbero in un sacco se qualcuno si presentasse, altrimenti l’ospite dovrebbe morire. Gilda riconosce la situazione e vuole sacrificarsi. Entra nella locanda e Sparafucile pugnala lo sconosciuto.
Un’altra delle idee innovative di Verdi ci aspetta in questa scena. Nell’orchestra risuonano accordi dal suono inquietante e un invisibile coro maschile canticchia sequenze cromatiche, creando il suono di un vento che soffia tra gli alberi della riva del fiume.
Un emozionante terzetto ci aspetta in questa scena.
Ah più non ragiono – Gruberova – Furlanetto – Vergara
Trama: Rigoletto si avvicina alla locanda con una barca per raccogliere la borsa con il corpo del duca. Paga Sparafucile e parte con la barca. Quando sta per gettare il sacco nel fiume, improvvisamente sente la voce del duca da lontano. Apre il sacco. Con orrore, si accorge che nel sacco c’è il corpo di sua figlia. Gilda sta morendo e chiede perdono al padre. Quando lei muore Rigoletto chiama “Ah, è la maledizione”.
Verdi non lascia mai morire i suoi amati personaggi senza melodie confortanti, così Gilda dice addio al padre con suoni eterei.
Lassu in cielo – Gruberova / Wixell
E infine un’altra meravigliosa scena di morte con Gobbi e la Callas.
Lassu in cielo – Callas / Gobbi
DECCA con Sherill Milnes, Luciano Pavarotti e Joan Sutherland sotto la direzione di Richard Bonynge e la London Symphony Orchestra and Chorus
o
EMI con Tito Gobbi, Maria Callas, e Giuseppe di Stefano sotto la direzione di Tullio Serafin e il Coro e orchestra del teatro alla Scala.
Peter Lutz, opera-inside, la guida all’opera online di RIGOLETTO di Giuseppe Verdi
“L’incoronazione di Poppea” ispira con una trama avvincente con persone fatte di carne e sangue. È IL capolavoro del primo periodo barocco e Monteverdi si presenta come un maestro maturo e creatore innovativo, che ha influenzato significativamente la storia dell’opera con questo “dramma per musica”. Ancora oggi non solo il duetto finale commuove il cuore degli ascoltatori.
Il Rosenkavalier offre agli amanti della musica due delle scene più sublimi di tutta la letteratura operistica. La presentazione della rosa d’argento e la scena di chiusura sono da menzionare. Come Mozart, Strauss era un compositore per voci femminili e con quest’opera ha creato con la Marschallin, Sophie e Octavian tre ruoli immortali per soprani. I tre diversi ruoli femminili principali furono spesso interpretati dalle stesse cantanti durante la loro carriera: Ottaviano e Sophie in età giovane e media, la Marescialla in età più matura.
Poche opere possono evocare una tale tempesta di applausi alla fine di una rappresentazione come Elektra. La sua musica e il suo ruolo principale sono unici nella letteratura operistica, e Strauss, il grande pittore dei toni, è stato capace di andare ai limiti del suo tempo con questa musica.
Contenuto
Atto I ;
Punti salienti
Allein! Weh, ganz allein! (monologo di Elektra)
Ich kann nicht sitzen und ins Dunkel starren
Ich habe keine guten Nächte (monologo di Clitennestra)
Orest! (scena del riconoscimento)
Elektra! Schwester! (Scena di riconoscimento)
Ob ich nicht höre (Finale)
Raccomandazione di registrazione
Raccomandazione di registrazione
Dresda, 1909
Hugo von Hofmannsthal, dopo la sua tragedia Elektra basata sul dramma greco di Sofocle.
Clytemnestra, moglie e assassina di Agamennone (mezzosoprano) - Aegisth, amante di Clytemnestra (tenore) - Elektra, figlia di Clitennestra e Agamennone (soprano) - Chrysothemis, sorella di Elektra (soprano) - Orest, fratello di Elektra (baritono)
una meravigliosa versione cinematografica in DVD: DG con Leonie Rysanek, Astrid Varnay, Caterina Ligendza e Dietrich Fischer-Dieskau diretti da Karl Böhm e la Filarmonica di Vienna e diretti da Götz Friedrich o come CD regolare: DECCA con Birgit Nilsson, Maria Collier, Gerhard Stolze e Tom Krause diretti da Georg Solti e la Filarmonica di Vienna. .
Strauss aveva 44 anni quando compose Elektra nel 1908 ed era l’apice della sua carriera sia come compositore che come direttore d’orchestra. Aveva completato Salome pochi anni prima, il che lo catapultò nell’avanguardia del mondo musicale europeo. Tre anni dopo Salomé, fu il turno di Elektra. Nessuno negherebbe la parentela tra Elektra e Salomè, perché ci sono molti paralleli: la vicinanza riguarda tanto l’espressività della musica quanto i personaggi dell’opera. I rispettivi personaggi principali Elektra/Salomè, Clitennestra/Regina e Egisto/Erode sono anime gemelle in termini di contenuto e musica e la trama mostra grandi parallelismi. Strauss era titubante su questa vicinanza a Salomè quando Hugo von Hofmannsthal presentò Elektra come soggetto per un’opera. Strauss fu affascinato dalla storia e suggerì la creazione di un libretto, quando nel 1903, insieme a Hofmannsthal, diede una magnifica produzione di Max Reinhardt. Ma dopo la composizione di Salomè il pericolo di un’altra versione di quest’opera gli sembrava troppo grande. Alla fine Strauss riconobbe che il materiale gli offriva esattamente le scene di cui aveva bisogno per la sua musica e si mise al lavoro.
Elektra fu la prima collaborazione di Strauss con Hofmannsthal, che fu seguita da un’influente partnership artistica durata 20 anni. In Elektra, Hofmannsthal seguì da vicino il modello letterario di Sofocle in termini di contenuto. Tuttavia, andò ben oltre il modello antico nel disegnare le personalità dei ruoli principali. Attinse all’opera “Studi sull’isteria”, di Breuer e Siegmund Freud. Il risultato fu un testo tenuto incredibilmente cupo, si può quasi parlare di uno studio sugli abissi umani. Questo vale soprattutto per i personaggi principali Elektra e Clitennestra. Ha disegnato il quadro di due donne ossessionate, e l’opera è praticamente ostaggio dei loro stati traumatici. Proprio come Clitennestra è tormentata dalle sue notti insonni, Elektra è guidata e ossessionata dai suoi pensieri di vendetta. Hoffmannsthal disegna due figure che sono fisicamente e fisicamente distrutte e si sentono messe all’angolo come animali braccati.
Strauss cercò consapevolmente questi punti di partenza in termini di contenuto. Voleva usare questi stati d’animo come trampolino di lancio per migliorare l’espressione musicale e fare un passo avanti rispetto a Salomè. Con Elektra, Strauss consolidò la sua reputazione di compositore leader dell’avanguardia, che si era guadagnato con la sua musica sinfonica (per esempio ein Heldenleben/Vita dell’eroe) e con la sua Salome. In nessun’altra opera Strauss si spinse musicalmente più in là che in Elektra. Sentiva, tuttavia, di non voler attraversare il Rubicone verso l’atonalità, che Berg, Schönberg & Co. presero.
I discepoli dell’avanguardia idolatravano i loro epigoni, ma li abbandonavano anche rapidamente, cosa che Strauss dovette sperimentare due anni dopo quando compose il suo (nostalgico) Rosenkavalier. “Non dirigo acqua di zucchero”, fece sapere il giovane Otto Klemperer al pubblico, e Strauss dovette presto dolorosamente rendersi conto di essere annoverato tra i conservatori.
Come per Salomè, Strauss scrisse l’opera per una grande orchestra, con la quale fu in grado di esprimere tutte le sfaccettature dei sentimenti umani. Grandi parti della partitura sono scritte in musica dissonante e cromatica per disegnare gli abissi e le ferite delle anime e la disperazione dei personaggi. Quaranta strumenti a fiato e grandi percussioni “gridano” letteralmente le dissonanze dalla buca dell’orchestra. Tra questi ci sono le tube di Wagner e l’Heckelphon (una specie di oboe basso sviluppato qualche anno prima dalla ditta Heckel).
Ha volutamente scritto singoli passaggi in eufonia armonica, incluso il ruolo di Chrysothemis e la scena di riconoscimento di Elektras.
Strauss ha usato una sorta di sistema di leitmotiv in quest’opera, che si estende su tutta la partitura ed è molto complesso nella sua struttura. I motivi sono costantemente suddivisi, stratificati e alterati, portando ripetutamente a una sorta di polatonalità dove gli accordi maggiori si scontrano con quelli minori.
Ad eccezione della scena iniziale, si ascoltano principalmente monologhi e duetti. Trii o quartetti non si presentano quasi mai, e le esibizioni del coro sono rare. Il mix di teatro da camera e orchestra gigante porta ad una tensione particolare.
Questo ruolo occupa una posizione speciale nella letteratura lirica. Nessun altro personaggio, nemmeno Salomè o Lady Macbeth, è mai stato impostato su toni musicali così eccessivi nella sua ossessione e pulsione. Elektra è costantemente in scena ed è sempre al centro dell’azione scenica. La voce di Elektra deve cantare senza sosta contro una grande orchestra, il che richiede al direttore una grande attenzione nel gestire il volume orchestrale in modo da non sovraccaricare e affogare la voce di Elektra, ma per far sentire il confine con la follia.
Dopo meno di 2 ore la Singer e il pubblico sono entrambi esausti e il sipario cade.
Come Salomè, Elektra è un’opera in un atto unico. La drammaturgia fa quasi completamente a meno di una divisione in scene e, alla maniera wagneriana, non permette una pausa, per massimizzare l’effetto sull’ascoltatore.
Alla prima, l’opera fu accolta con moderazione. Anche se fu rapidamente eseguita in molti teatri d’opera, le reazioni rimasero contrastanti. Acclamata dagli avanguardisti, fu accolta criticamente dai conservatori.
Trama: Nel cortile del palazzo di Clitennestra a Micene. I servi fanno il loro lavoro al pozzo dell’estrazione. Si entusiasmano per Elektra, che ha vissuto nella casa come un’ombra, con i capelli aggrovigliati e lo sguardo selvaggio.
Con i battiti brutali dell’orchestra, il motivo di Agamennone, il sipario si alza e le grida ossessionanti delle cameriere “Dov’è Elektra” costringono l’ascoltatore sul bordo anteriore della sua sedia proprio all’inizio.
Wo bleibt Elektra – Solti / div.
Trama: Quando Elektra appare, le cameriere scompaiono. È tormentata dal pensiero dell’omicidio di suo padre. Molti anni fa sua madre e il suo amante Aegisth hanno brutalmente picchiato a morte suo padre nel bagno di casa. Da allora lei pensa di espiare questo atto di sangue contro il suo amato padre.
Strauss ha scritto una musica abbagliante per questo lungo monologo di Elektra, uno dei punti salienti dell’opera. L’orchestra frusta senza tregua Elektra mentre il vergognoso omicidio ha luogo davanti ai suoi occhi. Solo brevemente la musica si illumina quando lei immagina, come in trance, che suo padre sta riapparendo. Accompagnata da delicati toni di archi, si ricorda di suo padre. Nell’ultima parte di questo monologo la musica diventa marziale e trionfale con i suoi pensieri di vendetta.
Ascoltiamo una registrazione dal magnifico adattamento cinematografico del regista Götz Friedrich e del direttore d’orchestra Karl Böhm del 1981. Böhm (nato nel 1894) era un amico personale di lunga data del compositore, ed era il suo desiderio del cuore che gli fosse permesso di completare questa produzione. Poco prima della fine della produzione morì all’età di 87 anni. Fortunatamente il lavoro era progredito abbastanza, per produrre il film, che finalmente divenne un grande monumento.
In questo estratto ascoltiamo Leonie Rysanek, nativa di Vienna e una delle grandi attrici di carattere del dopoguerra dei ruoli di Strauss e Wagner.
Allein, weh ganz allein – Rysanek
Trama: La sorella Chrysothemis appare e le dice che sua madre ha intenzione di rinchiudere Elektra nella torre. Chrysothemis è disperata, soffre per la terribile situazione della sua famiglia. È giovane e bella e sogna i bambini e la vita in una famiglia felice.
Chrysothemis è l’opposizione musicale di Elektra. La sua musica è tonale e morbida e le melodie sono tenere.
Ich kann nicht sitzen und ins Dunkel starren – della Casa
Trama: Dice che Clitennestra non riposa la notte da anni. Sogna continuamente di essere picchiata a morte da suo figlio Orest, che ha bandito dalla sua casa quando era ancora un bambino. Clitennestra appare con il suo seguito.
Una musica selvaggia e grottesca accompagna l’apparizione di Clitennestra.
Es geht ein Lärm los – Solti
Trama: I suoi occhi sono sfigurati dalla mancanza di sonno e il suo corpo è coperto di amuleti che dovrebbero proteggerla dalla maledizione dell’incubo. Accusa gli dei di tormentarla eternamente con gli incubi.
Strauss portò quest’opera ai limiti della tonalità e descrisse esplicitamente questa scena di Clitennestra come il punto più vicino all’atonalità.
Clitennestra è uno dei ruoli classici che i cantanti cantano nell'”autunno della loro carriera”. Ascoltiamo Astrid Varnay, che è stata lei stessa una delle più eccezionali rappresentanti dell’Elektra. Guardate questa scena impressionante dell’adattamento cinematografico di Friedrich/Böhm.
Ich will nichts hören – Varnay
Trama: Clytemnestra vuole rivolgersi a Elektra, perché sua figlia la conosce bene e potrebbe forse liberarla dagli incubi. I suoi confidenti la mettono in guardia dalla Elektra “sbagliata”, ma lei obietta che i loro consigli non hanno portato alcun miglioramento. Vuole stare sola con sua figlia e manda via i suoi confidenti. Descrive le sue terribili notti in cui la sua anima vorrebbe essere morta e le chiede un consiglio.
Con evidente piacere Strauss ha composto l’arrivo dell’amuleto coperto da Clitennestra. Motivi di 32° stuzzicanti rendono udibile lo scintillio delle pietre. Strauss era un maestro della musica onomatopeica, che padroneggiava già nei suoi primi anni come compositore di poemi sinfonici. Strauss ha lasciato uno dei suoi indimenticabili bonmot sul tema dell’onomatopea: Come è noto, aveva un rapporto speciale con la birra, perché sua madre era la nipote del fondatore della fabbrica di birra Hacker-Pschorr, una delle grandi birrerie di Monaco. Strauss osava arditamente affermare che se descriveva una birra musicalmente, si poteva anche sentire la marca.
In questa scena sentiamo Martha Mödl, una delle grandi attrici del dopoguerra.
Ich habe keine gute Nächte – Mödl
Trama: Elektra le raccomanda di offrire un sacrificio umano agli dei. Clitennestra è curiosa e vuole saperne di più. Elektra dice che solo Orest può fare il sacrificio. Al suo nome un brivido attraversa il corpo della madre, non aveva proibito a Elektra di fare il suo nome? Clitennestra afferma ipocritamente che Orest è impazzito e vive con i cani. Elektra non crede a nulla di tutto ciò. Sa che Clitennestra teme la sua vendetta. Quando le viene chiesto chi dovrebbe essere la vittima, Elektra dice che dovrebbe essere la madre stessa.
Sentiamo questo passaggio drammatico nella registrazione di Solti. La sua registrazione in studio con l’Orchestra Filarmonica di Vienna occupa una posizione speciale nella discografia. L’approccio di Solti a partire dagli anni ’60 era percepito come musicalmente bruto, e l’Orchestra Filarmonica di Vienna, insieme a Elektra Birgitt Nilsson, ha preso questo approccio senza compromessi. La registrazione di Solti è una delle grandi registrazioni di Birgit Nilsson.
Was bluten muss – Nilsson
Trama: Clytemnestra è sconvolta. Ecco che i suoi servi appaiono e le sussurrano. Improvvisamente, dalla sua bocca esce una risata isterica.
La madre ride quando sente la morte di suo figlio.
Ach Lichter – Ludwig
Trama: Elektra apprende il motivo da sua sorella che si è precipitata da lei. Orest è morto. Elektra è scioccata, perché sperava che Orest tornasse per vendicarsi.
Orest ist tot – Madeira / Nilsson
Trama: Un servo parte per portare a Egisto la lieta notizia della morte di Orest. Elektra esorta la sorella che ora le sorelle devono commettere l’omicidio di sua madre. A questo scopo ha conservato l’ascia con cui suo padre è stato picchiato a morte. Chrysothemis è paralizzata. Elektra la prega di aiutarla nella vendetta. Ma sua sorella si rifiuta.
Elektra cerca di incantare la sorella. Con un canto simile ad un’aria in chiave maggiore innocente cerca di convincere la sorella a commettere l’atto crudele.
Nun muss es von uns geschehen – Rysanek / Borkh
Trama: Frequentemente Elektra dissotterra l’ascia. Appare un uomo misterioso. Sostiene di essere il messaggero della notizia della morte di Orest. Chiede la strada per arrivare a Clitennestra. Quando Elektra gli racconta la sua situazione, l’uomo si rivela come suo fratello Orest, che è venuto a vendicarsi di sua madre. Egli è costernato per come Clitennestra ha lasciato soffrire sua figlia. Elektra è felicissima di rivedere suo fratello. Si vergogna davanti a lui di aver sacrificato la sua giovinezza e la sua bellezza per gli anni di dolore.
Si svolge una scena struggente. Quando Orest si rivela, Elektra può solo balbettare il nome del fratello. Dopo questo incredulo stupore, una tenera melodia suona e annuncia l’amore fraterno di Elektra. Amore e trionfo si uniscono al calore di una musica mai sentita prima in quest’opera.
Orest! – Rysanek
Ascoltiamo questo pezzo forte dell’opera in una seconda interpretazione, cantata da Kirsten Flagstadt. Insieme a Birgitt Nilsson, la norvegese era il più famoso dei soprani altamente drammatici del XX secolo. La sua carriera precedette quella del soprano svedese, e fu l’unica a poter competere con il soprano svedese in termini di potenza vocale, addirittura superandola.
Orest! – Flagstadt
Trama: Il compagno di Orest lo ammonisce ad entrare velocemente nel palazzo per commettere il crimine. Quando se ne sono andati, Elektra scopre di aver dimenticato di dare a Orest l’ascia. Improvvisamente il grido di morte di Klytämnestra si sente nella casa. Ora tutta la casa è in piedi e sente parlare del crimine.
Accompagnato da suoni di basso spettrali, Orest si dirige verso la camera da letto di Clitennestra. Non vediamo l’omicidio sulla scena, ma sentiamo solo le grida spaventate di Clitennestra, gli striduli strumenti a fiato e il rantolo di Clitennestra morente.
Ich hab ihm das Beil nicht geben können – Borkh / Schech
Trama: Ora appare Aegisth. Ha saputo della morte di Orest e vuole parlare con il messaggero. Ipocritamente Elektra gli indica la strada per Orest. Entra nella casa e viene ucciso da lui. Chrysothemis appare e racconta trionfalmente dell’apparizione di Orest e dell’uccisione della vendetta.
Ascoltiamo questa scena nella registrazione di Beecham del 1947, che è uno dei grandi momenti della discografia Elektra, anche grazie alla Crisotemi di Lyuba Welitsch. Due anni dopo, la stessa Welitsch avrebbe celebrato uno dei più grandi trionfi teatrali del XX secolo come Salomè al Met (maggiori informazioni su questo nel ritratto d’opera di Salomè: https://opera-inside.com/salome-by-richard-strauss-the-opera-guide/#Ah
Elektra! Schwester! – Welitsch
Sentiamo la scena in una seconda versione: Inge Borkh e Lisa della Casa come Elektra e Chrysothemis erano una coppia da sogno al Festival di Salisburgo nel 1957. Per Inge Borkh il ruolo di Elektra fu il ruolo della sua vita, lo si può ascoltare in 6 registrazioni totali! Il suo soprano non era quello di un soprano classico altamente drammatico. Era un po’ più sottile nel registro medio, ma scintillante nel registro alto. La registrazione dal vivo al Festival di Salisburgo con Mitropoulos fu probabilmente la sua migliore registrazione.
Elektra! Schwester! – Borkh / della Casa
Trama: Le due sorelle cadono l’una nelle braccia dell’altra. Chrysothemis si precipita da suo fratello ed Elektra crolla morta dopo una danza selvaggia.
La famosa, surreale scena della danza con la musica estatica inizia nella registrazione alle 8:30. In essa, una melodia maggiore combatte contro una triade minore ripetuta, creando uno spettrale effetto finale dell’opera.
Ob ich nicht höre (Finale) – Rysanek / Varnay
Un meraviglioso adattamento cinematografico in DVD:
DG con Leonie Rysanek, Astrid Varnay, Caterina Ligendza e Dietrich Fischer-Dieskau sotto la direzione di Karl Böhm e l’Orchestra Filarmonica di Vienna; regia di Götz Friedrich.
O come un normale CD:
DECCA con Birgit Nilsson, Maria Collier, Gerhard Stolze e Tom Krause sotto la direzione di Georg Solti e l’Orchestra Filarmonica di Vienna.
Peter Lutz, opera-inside, la guida dell’opera online su ELEKTRA di Richard Strauss.
Il Faust di Gounod è una delle grandi opere. È un capolavoro con molte scene avvincenti che sono diventate famose. Il ruolo di Margeritue è uno dei ruoli più belli e impegnativi della letteratura lirica.
Contenuto
Atto I (Scena di studio)
Atto II (Scena della kirmesse)
Atto III (Scena del giardino, scena d’amore)
Atto IV (Scena della ruota che gira, scena della chiesa, scena del duello)
Atto V (Notte di Valpurga, scena delle segrete)
Raccomandazione di registrazione
Punti salienti
# Le veau d’or #
Faites-lui mes aveux (Aria di fiori)
Ah! je ris de me voir (canzone del gioiello)
Déposons les armes (Coro dei soldati)
À l’étude mon maitre (Terzetto finale)
Parigi, 1859
Jules Barbier, Michel Carré, tratto dal romanzo omonimo di Goethe.
Faust, uno studioso (tenore) - Mefisto, diavolo (basso) - Margarethe, una giovane donna (soprano) - Valentin, fratello di Margarethe (baritono) - Siebel, un giovane (soprano) - Marthe, vicina di Margarethe (mezzosoprano).
WARNER BROTHERS con Cheryl Studer, Richard Leech, Thomas Hampson e José van Dam diretti da Michel Plasson e l'Orchestra e il Coro del Capitole di Tolosa e il Coro dell'esercito francese.
La leggenda del Dottor Faust risale al Medioevo ed è stata messa in letteratura da vari scrittori e musicata da molti compositori. Basti pensare al poema sinfonico di Berlioz o all’opera Mefistofele di Boito. Il modello letterario più famoso è quello di Goethe. Ha completato il suo Faust 50 anni prima della prima dell’opera di Gounod.
Barbier, uno dei due librettisti del Faust di Gounod, aveva già offerto il suo libretto a Meyerbeer prima. Ma Meyerbeer rifiutò con la motivazione che il Faust era un santuario che non doveva essere profanato con musica profana.
La trama del Faust di Gounod è grosso modo paragonabile a quella di Goethe, ma senza avere la profondità filosofica e scientifica del modello letterario, che spesso ha portato all’opera il rimprovero di superficialità. Il Faust di Gounod fu scritto nei decenni della Parigi del piacere prima della guerra franco-tedesca. Il Faust di Gounod non è un uomo che si sforza di comprendere il mondo. Alla domanda di Mefisto su cosa si sforzi di fare, egli menziona i piaceri dell’amore. (“A moi les plaisirs, Les jeunes maîtresses!”). Per Gounod, la tragedia di Margarete è la storia più importante e la pone al centro della sua opera. In definitiva, Faust è una bella opera francese, con l’intenzione di non portare troppa zavorra del modello letterario. Nel mondo dell’opera tedesca quest’opera viene spesso chiamata “Margarethe” per distinguerla dal Faust di Goethe.
Le prove per la prima del 1859 furono snervanti. Gounod soffriva sotto il direttore teatrale dittatoriale Cavalho, che allo stesso tempo era il regista dell’opera. Inoltre sua moglie cantava il ruolo femminile principale. Come se non bastasse, dovette continuamente tagliare la musica, anche il giorno della prova generale, l’opera era ancora troppo lunga, 4 ore. Un osservatore che più tardi descrisse queste scene fu Jules Massenet, che assistette molto da vicino a tutto questo come timpanista dell’orchestra. L’opera ebbe solo un moderato successo all’inizio, ma trovò molti complimenti da parte della critica. Il successo iniziò negli anni successivi in Germania. Dopo una rielaborazione per il Grand opéra iniziò il successo mondiale. Negli anni tra le due guerre mondiali l’opera divenne addirittura l’opera più rappresentata. Dopo la guerra cadde fuori dal repertorio in molti luoghi e ci vollero diversi decenni prima che venisse di nuovo eseguita più frequentemente.
Quindi ci sono due versioni di Faust. La versione originale fu scritta per il Théatre lyrique e la versione moderna fu adattata da Gounod 10 anni dopo per il Grand opéra. Oltre ad ampliare le scene del balletto, questo includeva il cambiamento dei recitativi parlati in recitativi cantati e accompagnati.
Tuttavia, il Faust non è diventato un’opera classica del “grand opéra”. Fortunatamente, Gounod poteva fare a meno delle solite scene corali sovradimensionate, della musica da temporale e dei complicati conflitti politico-mondani.
Nella prima parte dell’ouverture prevale uno stato d’animo misterioso e cupo. Nella seconda parte dell’ouverture, Gounod ci presenta due magnifici temi dell’opera (uno dei quali si trova nell’aria di Valentin nel secondo atto) con una splendida orchestrazione.
Ouverture – Binder / Wiener Philharmoniker
Trama: Faust è seduto nello studio. Ha innumerevoli libri e atlanti davanti a sé. Rien! È disperato, ha acquisito molte conoscenze e tuttavia ha raggiunto poca saggezza. È stanco della costante ricerca del senso della vita. La coppa di veleno è già pronta. Quando la porta alla bocca, sente il canto delle giovani donne e dei contadini.
Gounod abbrevia il racconto di Goethe. Con un grandioso “Rien” riassume la prima sezione del “Faus” in una sola parola (Mefistos scommessa con Dio).
Rien! En vain j’interroge, en mon ardente veille – Kraus
Trama: Il canto lo distrae. Egli loda Dio. Ma presto ha di nuovo in mano la coppa di veleno. L’amore, la felicità e la fama lo hanno lasciato. Vuole fare un ultimo tentativo, anche con l’aiuto di Satana. Appare effettivamente nella persona di Mefisto. Chiede a Faust perché lo ha chiamato. Faust lo respinge. Mefisto insiste: è l’oro o la gloria che vuole? Allora Faust spiega: “L’amore è ciò che gli manca”. Mefisto potrebbe esaudire questo desiderio. Quando Faust gli chiede cosa vuole in cambio, Mefisto risponde che la vita terrena apparterrà a Faust, ma la sua anima gli apparterrà nell’aldilà.
Nella scena successiva sentiamo l’apparizione di Mefisto, che improvvisamente si pone di botto di fronte allo sconcertato Faust e gli chiede a cosa ambisca.
Me voici! D’où vient ta surprise? – Björling / Siepi
Trama: Mefisto crea una visione di Margherita sul filatoio. Faust è incantato e ammaliato. Firma rapidamente la carta di Mefisto e riceve in cambio una pozione ringiovanente, che beve avidamente. Faust loda trionfalmente la sua giovinezza.
Un bel pezzo di Gounod con un bellissimo effetto compositivo: mentre Faust riceve la visione di Gretchen, il ritornello giubilante (“à moi les plaisirs”) viene ripetuto più volte, mezzo tono più alto ogni volta, risultando in una tirata estatica (da 5:00).
A moi tes désirs, A moi ton ivresse, A moi tes plaisirs – Leech / van Dam
Un’altra interpretazione con Björling e Siepi. Cattura con il fuoco e l’estasi. La registrazione soffre un po’ della scarsa qualità di una registrazione dal vivo.
O merveille … a moi les plaisirs, Les jeunes maîtresses! (!)
Trama: Una fiera in città. Valentin deve andare in guerra. Beve e guarda pensieroso un amuleto di sua sorella Marguerite che lei gli ha dato come talismano. Siebel e Wagner lo vedono e gli chiedono perché è depresso. Valentin risponde che deve lasciare Margarete senza protezione. Siebel si offre di vegliare su di lei. Valentin lo ringrazia, ora può unirsi all’esercito con calma.
L’aria di Valentin è diventata uno dei pezzi più popolari per baritoni ed è spesso cantata nei recital. Quest’aria non era ancora inclusa nella prima versione dell’opera. Fu solo durante una produzione londinese del 1865, quando un baritono si lamentò che Valentin non aveva una bella aria, che Gounod aggiunse questo pezzo. Prese un tema dall’ouverture e lo trasformò in questa bella aria.
Quest’aria era uno dei cavalli di battaglia di Hvorostovsky. Canta il finale in modo efficace con una nota finale lunga e molto cantata.
Avant de quitter ces lieux – Hvorostovsky
Robert Merrill aveva una voce lussureggiante e colorata che emerge meravigliosamente in questo pezzo.
Oh sainte médaille … Avant de quitter ces lieux – Merrill
Trama: Wagner cerca di tirarlo su di morale. Appare Mefisto. Si unisce ai tre amici e sostiene che l’oro governa il mondo.
Questo pezzo è un elemento dell’Opera Comique. Quando si guarda il Faust di Goethe, sembra strano che il diavolo in quest’opera debba cantare un’aria di Buffo. Forse questa banalizzazione è uno dei motivi per cui quest’opera non ha ancora avuto il successo che ha avuto nei paesi di lingua tedesca come nei paesi di lingua inglese.
La musica inizia con un fortissimo dell’orchestra e l’apparizione trionfale di Mefisto. La sua descrizione del popolo che danza intorno al vitello d’oro deve essere cantata con un tono sarcastico. Il pezzo è breve ma impegnativo per il cantante, che deve portare le sfumature di quest’aria sopra il “rumore” dell’orchestra.
Ascoltiamo una produzione roboante dell’Opera di Stato di Vienna. Ruggiero Raimondi è stato un eccellente, impressionante interprete, dotato di un organo dal suono impressionante e potente.
Le veau d’or est toujours debout! – Raimondi
Trama: Quando Wagner vuole salutarlo, si guarda le linee della mano e profetizza che morirà nel prossimo attacco, e a Siebel, che ogni fiore che toccherà d’ora in poi appassirà. Poi loda la bellezza di Marguerite con parole beffarde. Quando Valentin sente il suo nome, attacca Mefisto con la sua spada per punirlo. La sua spada rimbalza, una forza magica protegge Mefisto e la spada si rompe. Il Diavolo! Come unica difesa possibile, Valentin e i suoi amici formano una croce con le loro spade. Mefisto si ritira.
Un bel pezzo corale completa efficacemente questa scena.
Coro delle spade – Blanc / Autron / Bertan
Trama: I tre amici lasciano la piazza. Faust appare e ricorda a Mefisto la sua promessa. Egli fa apparire delle donne e chiede a Faust di fare la sua scelta, ma Faust insiste sulla persona che ha visto, Marguerite. Lei si presenta presto accompagnata da Siebel. Mefisto lo caccia via e Faust parla con Marguerite. Ma lei lo respinge. Faust non si scoraggia, la ama ancora di più. La piazza si riempie di nuovo di gente.
La musica di questa scena è diventata nota con il nome di “Faust-Walz”.
Ainsi que la brise légère – Met Opera
Il terzo atto è il più importante di quest’opera. Di solito dura circa un’ora ed è una sequenza di scene magnifiche.
Trama: Siebel è nel giardino vicino alla casa di Marguerite. È innamorato di lei e vuole raccogliere dei fiori. Ma appena nella mano appassiscono. Quando mette la mano nel vaso dell’acqua santa ha rotto l’incantesimo e i fiori non appassiscono più. Mette un mazzo di fiori davanti alla porta di Margaretes.
Siébel è un cosiddetto rotolo di pantaloni ed è cantato da una donna. L’aria di fiori è uno dei tanti pezzi di quest’opera che è diventato popolare. Il mezzo americano Joyce di Donato canta un grande ritratto del ruolo nella seguente interpretazione.
Faites-lui mes aveux – Di Donato
Trama: Faust appare nel giardino accompagnato da Mefisto. Mefisto parte per procurare un regalo a Marguerite. Faust è solo e in attesa del ricongiungimento con lei.
Una caratteristica di questa famosa aria è che il tenore è accompagnato da un violino solista che suona intorno alla voce del tenore durante tutto il pezzo. Berlioz disse che questo trucco di Gounod “è molto più un peccato che un aiuto all’insieme, e credo che avesse ragione il cantante Duprez, che un giorno, quando uno strumento solista nell’orchestra lo accompagnava durante una romanza, disse: “Questo strumento del diavolo con le sue corse e variazioni mi irrita come una mosca che mi gira intorno alla testa e vuole sedersi sul mio naso”. ”
Conde ha replicato che Gounod pronuncia con il violino ciò che le parole potrebbero dire solo a metà (” ce que les mots ne disent qu’à demi “).
Le parole di Faust sono spirituali ed espressive. Parole come “innocente et divine” o “que de richesse” danno al cantante la possibilità di mostrare la sottigliezza e la ricchezza della sua voce. L’intensità aumenta costantemente fino al culmine dell’aria con lo spettacolare do acuto, che deve essere cantato con gusto e non deve in nessun caso essere grossolano e bramoso di riconoscimento, che distruggerebbe l’atmosfera di questo pezzo. Il pezzo termina con un bellissimo adagio del violino solista.
Sentiamo quest’aria in due registrazioni.
Forse l’interpretazione di Björling è imbattibile. Ha registrato quest’aria ripetutamente. In questa registrazione lo vediamo in una produzione televisiva. Notiamo uno sguardo incerto all’inizio, ma poi Björling seduce l’ascoltatore dal primo secondo in poi. Si trasforma in un amante tenero e romantico. Il suo canto e il suo modo di suonare sono di grande naturalezza, così come il do alto. Questa performance insieme a quella di Enrico Caruso e fu il modello per tutti i tenori dopo di loro.
Salut, demeure chaste et pure – Björling
Caruso, che aveva una voce piuttosto baritonale, mostrò problemi con le note alte all’inizio della sua carriera. “Quando fece le sue prime registrazioni, questo problema fu comunque risolto, come dimostra la splendida registrazione di Salut, demeure chaste et pure, che cantò nel febbraio 1906 e in cui la fusione del lirico con l’eroico si sente molto bene: sviluppata da una tenera mezza voce, la voce fiorisce sempre più e si dispiega su uno splendido do acuto, che non dà segni di una fastidiosa piaga. ” (Fischer, grandi voci)
Salut, demeure chaste et pure – Caruso
;
Trama: Mefisto è tornato, portando una scatola di gioielli sotto il braccio. Lo mette accanto al bouquet di Siébel e lo spinge via. Faust si sente ora in colpa per la castità di Marguerite, ma Mefisto scaccia questo pensiero. Faust si allontana dalla casa e la osserva da una distanza d’ascolto. Marguerite appare in uno stato d’animo pensieroso, ricordando la sua defunta madre e sorella. Si siede all’arcolaio e canta la ballata del Re di Thule. Ricorda il giovane che aveva visto sulla piazza del mercato. Chi poteva essere? Le piaceva, ma era troppo timida per parlargli.
La nona scena del terzo atto è composta da due momenti salienti dell’opera. Marguerite canta prima la ballata del Re di Thule e poi la famosa aria del gioiello.
Nell’aria ” il était un roi de Thulé ” Gounod parafrasa i versi del Faust di Goethe. Thule è un’isola nel mare Artico, forse l’Islanda, dove una donna canta malinconicamente il dolore, la morte e l’amore eterno. Marguerite ha perso sua madre e la sua sorellina. Ora suo fratello è un soldato, che forse non rivedrà mai più. Si sente sola.
La Callas ha meravigliosamente catturato la malinconia della canzone. Riesce a cantare in modo impressionante i diversi cambiamenti di umore che Margarete attraversa in quest’aria.
Il était un roi de Thulé – Callas
Trama: Marguerite vede il bouquet di Siébel e lo prende in mano. Quando vede il portagioie, lascia cadere il semplice bouquet. Affascinata, prova i gioielli. Ora si sente una principessa. Se solo lo straniero fosse con lei ora e potesse vederla.
La maggior parte di quest’opera è scritta per un soprano lirico-spinto, un soprano drammatico che può rappresentare fedelmente l’intero spettro dei sentimenti: Deve rappresentare l’innocenza della giovane donna, poi l’amante di Faust, il fedele frequentatore della chiesa, poi il tragicamente abbandonato e infine il folle, imprigionato. In quest’aria si aggiunge la musica della giovane donna civettuola, punteggiata di ornamenti. Questo pezzo richiede quindi la voce di un soprano lirico di coloratura.
Questa vasta gamma di requisiti fa di Marguerite uno dei ruoli più impegnativi della letteratura lirica ed è quindi difficile da ricoprire. Il famoso critico britannico John Stean scrisse nel 1971 che nella storia documentata dai dischi solo quattro cantanti donne potevano coprire questo intero spettro vocale: Lili Lehmann, Rosa Ponselle, Maria Callas e Montserrat Caballé. Esistono registrazioni di quest’opera di due di queste cantanti.
Sentiamo l’interpretazione in 2 registrazioni. Prima Angela Gheorghiu e poi la citata Maria Callas.
Con grande giocosità e bella voce sentiamo prima Angela Gheorghiu.
Ah! je ris de me voir – Gheorghiu
La prossima è Maria Callas. È fantastico quali sfumature vocali riesce a tirar fuori dall’aria. “Se mai l’unità di dizione e declamazione, le sottili sfumature delle parole e l’eloquenza della performance richiesta da Gounod è stata raggiunta di nuovo dopo la guerra, allora è stato in questa esecuzione” (Kesting).
Ah! Je ris de me voir – Callas
Synopsis : La sua vicina Marthe appare e ammira Marguerite adornata di gioielli. Mentre chiacchierano, appaiono Faust e Mefisto. Per attirare Marte lontano da Marguerite, Mefisto inventa la storia che viene a dirle che suo marito è morto. Presto la corteggia, perché lei ha bisogno di un nuovo marito. Marthe si sente lusingata e lo porta a spasso. Faust e Margarete sono ora soli. Margarete racconta di se stessa che è tutta sola. La madre e la sorella sono morte e suo fratello è in guerra.
Questa scena si sviluppa in un bellissimo quartetto con un ricco accompagnamento orchestrale.
Prenez mon bras un moment – Gedda / de los Angeles / Christof / Michel
Trama : Mefisto lascia Marthe ed evoca un’atmosfera romantica per i due amanti.
Berlioz era molto positivo sul Faust di Gounod. Ha menzionato specificamente questa scena: “Non saprei cosa sia più bello, la dolce armonia della voce o la velata orchestrazione dell’accompagnamento. Questo crepuscolo poetico, questo chiaro di luna musicale, che accarezza l’ascoltatore, lo incanta e lo incanta poco a poco, ed è pieno di un’eccitazione che aumenta fino alla fine, è ammirevole. E questa magnifica scena è coronata dal monologo di Margarethe alla finestra. La passione della ragazza scoppia qui alla fine con una potenza impetuosa e un’eloquenza avvincente. E questo, credo, è il capolavoro della partitura”.
Il était temps! .. O nuit d’amour – Gedda / de los Angeles
Sentiamo Jussi Björling in questa scena con una voce e un tono bellissimi.
Il était temps! … O nuit d’amour – Björling / Kirsten
Trama: Mesi dopo. Marguerite aspetta un bambino. Faust l’ha lasciata. È esposta alla derisione degli abitanti del villaggio. Desidera il suo ritorno, ma dentro di sé sa che lui non tornerà da lei.
Sentiamo questa elegia di Marguerite accompagnata da bei suoni di archi fluttuanti e ronzanti.
Ils ne sont plus là!… Il ne revient pas! – Benackova
Trama: Siebel appare. Le confessa il suo amore e vuole vendicarla. Lei lo ringrazia, ma non ha ancora perso la speranza che lui torni. Va in chiesa a pregare per il suo ritorno.
Questo canto grato e confortante è una bella sosta dell’opera.
Versez votre chagrin – Mentzer / Fassbänder
Trama: Nel servizio divino sente ripetutamente la voce di Mefisto sopra i cori, e sviene.
Gounod aveva un rapporto stretto con la chiesa. Da giovane giocò a lungo con l’idea di diventare prete. Frequentò il seminario teologico e indossò l’abito da prete. Prima era stato organista e maestro di coro di una chiesa per sei anni. Gounod fu a lungo combattuto tra la mondanità e la chiesa e non riuscì mai a risolvere bene questo equilibrio. Questo portò ad una crisi nervosa durante la composizione del Faust e dovette essere ricoverato per un breve periodo.
La scena della chiesa con il diavolo è proverbialmente diabolica e incredibilmente drammatica nella sua disposizione e nella musica. Ascoltiamo una registrazione con gli eccellenti interpreti Jose van Dam e Cheryl Studer.
Seigneur, daignez permettre à votre humble servante – Studer / van Dam
Trama: La guerra è finita.
Questo pezzo di coro con balletto è uno dei pezzi più famosi di quest’opera, il cosiddetto coro dei soldati.
Déposons les armes – Plasson
Trama: Valentine torna al villaggio. Ha saputo della disgrazia di sua sorella e vuole affrontarla. Anche Faust è andato a casa di Marguerite perché è tormentato dalla sua coscienza sporca. Mefisto lo accompagna e canta beffardamente una serenata per Margerete, che lui chiama Catherine.
Quest’aria del diavolo doveva essere cantata alla francese, non diabolicamente brutta, ma elegantemente divertita. Le risate di quest’aria sono entrate nella storia dell’opera.
Vous qui faites l’endormie – Furlanetto
Vale la pena dare un’occhiata a una registrazione leggendaria di Fyodor Shalyapin non solo per chi è interessato alla storia dell’opera. Questo basso russo, nato nel 1873 vicino alla città tartara di Kazan, è stato anche chiamato il più grande basso della storia. Se questo sia vero è difficile da giudicare. In ogni caso, è stato il più influente. Molti dei ritratti di ruolo sono ancora oggi influenzati da lui. Riguardo al Mefisto di Shaljapin, Fischer (Great Voices) ha scritto: “Nella Serenata, ogni nota sembra venire da un buco diverso, e le variazioni della risata diabolica da sole potrebbero servire come materiale didattico per generazioni.” In effetti, la registrazione vale la pena di essere ascoltata anche solo per le varie risate diaboliche.
Vous qui faites l’endormie – Schaljapin
Trama: Valentin si unisce ai due. Vuole soddisfazione e sfida Faust a duello. Maledice il medaglione che lo ha protetto durante la guerra e lo getta via. Affronta Faust con la spada. Quando i due combattono, Valentin muore per un colpo subdolo di Mefisto. La gente si riunisce nel villaggio. Anche Margarete accorre.
Par ici, mes amis! on se bat dans la rue! – Araiza / Raimondi / Görngross
Synopsis : Quando Valentin muore, maledice sua sorella e le promette una vita di disgrazia fino alla sua morte.
Ecoute moi bien …Ce qui doit arriver arrive à l’heure dite! – Merrill
Trama: Mefisto ha condotto Faust sulle montagne. Con un’orgia selvaggia di streghe vuole distrarre lo sventurato dal suo dolore.
Guarda un balletto classico con la bella musica della Notte di Valpurga in una produzione russa.
Notte di Valpurga- Maximova/Yagoudin/Vlasov
Trama: Mefisto Faust e Mefisto visitano Marguerite nelle prigioni. Nel suo dolore ha ucciso il suo bambino. In preda allo squilibrio mentale siede in una cella. Quando sente la voce di Faust, si sveglia di nuovo. Faust le giura il suo amore.
Ah! c’est la voix du bien aimé!… Oui, c’est toi que j’aime – Studer / Leech
Trama : Faust vuole fuggire con lei. Il tempo stringe, perché l’esecuzione ha luogo all’alba. Ma Marguerite non lo sente più, è di nuovo impazzita. Quando Mefisto appare, riconosce in lui il suo demone. Li manda via e muore. Mefisto chiama “giudicato” ma i cori celesti suonano e chiamano: “Salvato”. Mefisto è giudicato dall’Arcangelo.
Questo trio è una delle parti più belle dell’opera. Se si prendono come punto di riferimento scene comparabili di altre opere (per esempio la scena delle segrete del Trovatore o opere del grand opéra), la brevità di questo passaggio è sorprendente. Gounod compone questo passaggio in modo compatto e drammatico. Il coro “Anges pures, anges radieux” (“angeli puri e radiosi, portate la mia anima in cielo”) è ripetuto più volte, sempre mezzo tono più in alto, il che provoca un effetto incredibilmente drammatico.
Nella seguente grande apoteosi con coro l’arcangelo giudica il diavolo.
Ascoltiamo questa scena finale in 3 interpretazioni.
Cominciamo con la registrazione con Jonas Kaufmann del Metropolitan Opera.
À l’étude mon maitre – Kaufmann / Poplavskaya / Pape
Per gli amanti delle registrazioni storiche: Nellie Melba è una delle leggende dell’epoca d’oro. La sua interpretazione in questo trio del 1910 è “trionfale, la sua voce grida letteralmente nelle altezze crudelmente esposte del trio. Il portamento legato del canto è meraviglioso” (Kesting).
À l’étude mon maitre … Christ est ressuscité – Melba / Mc Cormack
L’interpretazione di questo trio dimostra quanto sia drammatica questa parte dell’opera, e che è una delle parti più drammatiche della storia dell’opera. La performance dei tre cantanti è formidabile e il Si finale di tenore e soprano è grandioso.
A l’étude mon maître – Björling / Moore / Dickson
WARNER BROTHERS con Cheryll Studer, Richard Leech, Thomas Hampson e José van Dam sotto la direzione di Michel Plassson e l’orchestra e il coro della capitale di Tolosa e il coro dell’esercito francese.
Peter Lutz, opera-inside, la guida dell’opera online su FAUST di Charles Gounod.
