GUILLAUME TELL di Gioacchino Rossini – guida all’opera e Trama

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Guida all’opera online e Trama del GUILLAUME TELL di Rossini

Il Tell di Rossini è una grande opera, eppure non viene eseguita spesso, lo sforzo scenico e le difficoltà di casting sono troppo grandi. Tuttavia, è una delle opere più influenti che ha co-fondato il tenore moderno e il Grand Opéra.

 

 

Contenuto

Commentario

Atto I

Atto II

Atto III

Atto IV

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Punti salienti

Ouverture

Il piccol legno ascendi

Qual silvestre metro interno

Sombre forêt (Selva opaca, deserta brughiera )

Tutto apprendi, o sventurato (Oui, vous l’arrachez à mon âme)

Allor che scorre de’ forti il sangue (“Quand l’Helvétie est un champ de supplices)

Domo, o ciel, da un stranier Arrivo dei soldati dei tre cantoni

Giuriam, giuriam pei nostri danni (Jurons, jurons par nos dangers)

Ballabile di soldati (Pas de soldats) Balletto

Quel fasto m’offende (Tant d’orgueil me lasse) Quartetto

Resta immobile (Sois immobile)

Asile héréditaire (O muto asil del pianto)

Sotratto a orribilil nembo

Tutto cangia, il ciel s’abbella Finale

 

 

Raccomandazione di registrazione

Raccomandazione di registrazione

 

 

Premiere

Parigi, 1829

Libretto

Hippolyte Bis, tratto da una novella di Etienne de Juoy (la cui base è il Guglielmo Tell di Schiller).

Ruoli principali

Guillaume Tell, combattente svizzero per la libertà (baritono) - Hedwige, sua moglie (mezzosoprano) - Jemmy, suo figlio (mezzosoprano) - Gessler, balivo asburgico (basso) - Rodolphe, capitano di Gessler (tenore) - Mathilde, principessa asburgica (soprano) - Arnold, svizzero e amante di Matilde (tenore) - Walther, svizzero, capo del popolo Uri (basso)

Recording recommendation

DECCA, con Sherill Milnes, Luciano Pavarotti, Mirella Freni, Nicolai Ghiaurov, Della Jones, diretta da Riccardo Chailly e l'Orchestra Filarmonica Nazionale e il Coro dell'Opera Ambrosiana.

 

 

 

 

Commento

 

 

 

 

Il famoso “do in petto” – la nascita del tenore eroico

Il ruolo di Arnoldo è senza dubbio uno dei ruoli tenorili più difficili del repertorio operistico. Lo scrittore James Joyce, appassionato d’opera, una volta disse: “Ho studiato la partitura del Guillaume Tell e ho scoperto che (il tenore) Sullivan canta 456 sol, 93 la bemolle, 92 as, 54 si, 15 si bemolle, 19 do e due do diesis. Nessun altro può farlo”.

Il tenore della prima rappresentazione era Adolphe Nourrit. Era il miglior tenore del suo tempo e indiscutibilmente un grande cantante. Aveva problemi con questo ruolo e dalla terza rappresentazione in poi si dice che abbia omesso l’aria “Asile héréditaire” (“O muto asil”) e la seguente Caballetta.Otto anni dopo il suo rivale Gilbert Duprez cantò in quest’opera il primo do alto documentato dalla voce piena di petto (“do in petto”) invece della voce in falsetto. Rossini rimase scioccato e disgustato. Paragonò il tono “allo stridore di un cappone a cui è stata tagliata la gola”.

Dopo questo evento nulla fu più come prima, il pubblico si entusiasmò e la generazione successiva di compositori ribaltò lo stile di canto prevalente, nacque il tenore eroico con la voce squillante. Anche Nourrit andò in Italia per imparare il nuovo stile. Quando sua moglie andò a trovarlo in Italia, scoprì che aveva rovinato la sua voce.

 

 

Rossini a Parigi

Nel 1824 Rossini, già un compositore famoso e rispettato (notabene, Rossini aveva solo 32 anni!), venne a Parigi per assumere la direzione del “Théâtre-Italien”. Dopo vari progetti d’opera nuovi e rivisti con successo, il re Carlo X gli offrì una pensione a vita per una nuova opera per il Grand Opéra.

Consiglio di viaggio per gli amanti dell’opera: Dove Rossini creò il “Guillaume Tell” (Clicca per il link al TRAVEL-blogpost)

 

 

Libretto

Rossini scelse il tema dell’eroe della liberazione svizzera “Guglielmo Tell”, che con il suo tema riprendeva lo zeitgeist delle rivoluzioni soppresse come il Risorgimento italiano. Usò come base la novella scritta da Etienne de Juoy, lo scrittore che aveva già scritto il libretto per il suo “Moïse et Pharaon”. Juoy, naturalmente, conosceva la versione di Schiller, ma si discostò dall’originale, così che la versione rogersiana di Tell non coincide completamente con il famoso originale di Schiller. Il cattivo stato di salute dello scrittore non gli permise di creare un libretto d’opera, e commissionò questo lavoro al suo collaboratore Hippolyte Bis.

 

 

Grande opera

Rossini pianificò originariamente l’opera per il 1828, ma ci volle fino all’agosto 1829 per la prima rappresentazione. Mai prima d’ora Rossini aveva impiegato così tanto tempo per creare un’opera, che a volte aveva scritto in un mese.

La ragione principale era il sistema di produzione estremamente complesso del Grand Opéra. Il Grand Opéra si basava sulle tradizioni dell’Opera della Riforma di Gluck e dell’Opéra Comique. Il “Guillaume Tell” di Rossini (1829), insieme alla “Muette de Portici” di Auber (1828) e “Robert le diable” di Meyerbeer (1831), formarono il prototipo di questo nuovo tipo di opera magnifica basata su temi storicizzanti, che combinava i generi artistici di musica, letteratura, danza, decorazione e pittura. Comitati specializzati per ogni genere artistico si occuparono dell’elaborazione dei dettagli e prove interminabili rivelarono i punti deboli, che portarono di nuovo a cambiamenti nella composizione. Le produzioni del Grand Opéra richiedevano agli artisti di creare tessuti storici con una colorazione autentica. Così lo scenografo Cicéri fu mandato nella Svizzera centrale, dove fece dei bozzetti per le scenografie.

 

 

L’ultima opera di Rossini

“Guillaume Tell” fu l’ultima opera di Rossini all’età di 37 anni. Il perché, rimane un mistero fino ad oggi. Fu la sua fragile salute che lo fece soffrire di depressione, fu l’esaurimento creativo dopo anni di eccessiva produttività, o pensò che la sua musica non fosse più adatta ai tempi? Anche se Rossini era in trattativa con il Grand Opéra (c’era un contratto di 10 anni in cui Rossini doveva consegnare 4 opere e ricevere in cambio una sostanziosa pensione a vita), una crisi finanziaria nel bilancio dello stato, innescata dalla Rivoluzione di luglio, fece sì che questi piani fossero vanificati dopo una lunga battaglia legale.

 

 

Musica

Con il Guglielmo Tell, Rossini reinventò se stesso. La coloratura, per non parlare dell’aria di coloratura, fu praticamente sradicata dalla partitura. Solo durante la rappresentazione della Mathilde imperiale l’ascoltatore sente ancora la coloratura nell’aria “Sombre forêt” (“Selva opaca”). Questo è sorprendente, dato che la sua opera di coloratura “Semiramide” è stata composta solo sei anni fa. Così il Guglielmo Tell appare a noi (e agli ascoltatori dell’epoca) come la sua opera più moderna. Per ottenere ciò, Rossini dovette adattare il suo stile e le sue forme al Grand Opéra, che esigeva più un “tableau lirico” e scene di massa statiche che una “trama drammatica” e dava al balletto una posizione di rilievo. Così le immagini di genere, come la vita del pastore, ebbero più importanza delle scene drammatiche come il colpo di mela. Rossini stesso non aveva mai visto la Svizzera centrale, ma conosceva Ginevra e parte delle Alpi della Svizzera occidentale. Rossini usò nell’opera varie canzoni di pastori alpini (francese: “ranz des vaches”), che prese da un canzoniere della Svizzera occidentale.

 

 

 

Racconti

Già per la prima Rossini dovette fare dei tagli a causa delle enormi dimensioni. Con tutti gli entr’actes, le pause e i balletti lo spettacolo dura ben sei ore. . Poco dopo, i tagli divennero la regola in tutte le produzioni, che venivano gestiti dagli interpreti di loro iniziativa. Nel 1831 Rossini si affrettò a scrivere una versione ufficiale abbreviata, ma era già troppo tardi, ed erano già disponibili versioni in francese e testi in lingua straniera.

 

Premiere e recensioni

Il pubblico e la stampa reagirono in modo amichevole ma non euforico alla nuova opera. La popolarità dell’opera aumentò con le successive esecuzioni, mentre cresceva la comprensione per la “nuova musica”. In Italia, l’opera ebbe un periodo difficile nel XIX secolo, poiché dovette sempre lottare con la censura a causa del materiale rivoluzionario. Con il declino del Grand Opéra verso la fine del 19° secolo, l’opera cadde fuori dal repertorio e al giorno d’oggi è raramente eseguita, poiché l’enorme sforzo e le difficoltà di casting hanno un effetto deterrente.

 

Oggi l’opera viene eseguita in francese e in italiano, così che sentiamo in quest’opera versioni ritratto di entrambe le lingue.

 

 

 

 

 

GUILLAUME TELL Act 1

 

 

La famosa ouverture

Trama: Gli abitanti della Svizzera originale vivono sotto la schiavitù dei signori Asburgo.

L’ouverture è uno dei pezzi più famosi e più eseguiti di tutta la musica classica. Rossini ruppe un nuovo terreno con la forma dell’ouverture. Il preludio in quattro parti presenta quattro tableaux:

La prima parte rappresenta l’inizio del giorno. Un violoncello solista apre con il tema ed entra in dialogo con gli altri violoncelli. A poco a poco l’orchestra inizia e i tamburi annunciano l’avvicinarsi del temporale. Gli archi gonfiati e le interiezioni degli strumenti a fiato imitano il temporale, che guadagna in intensità, culminando alla fine con il canto gioioso del flauto e lasciando spazio al sole.

La terza scena pastorale è ispirata alla Sesta Sinfonia di Beethoven, che Rossini stimava molto. Ha usato una melodia del “Ranz des vaches” per il duetto di flauto e cor anglais, uno degli assoli di fiati più famosi della letteratura.

L’ouverture termina con il famoso galoppo, la marcia dei soldati.

Ouverture – Chailly

 

Trama: In un villaggio alpino gli abitanti preparano una festa.

Una caratteristica costitutiva del Grand Opéra erano i tableaux con molto colore locale, come qui il coro della gente di campagna.

È il ciel sereno / Quel jour serein le ciel présage

 

Il canto virtuoso del pescatore

Trama: Un pescatore sta rammendando la rete e Tell è in piedi pensieroso sulla riva, accanto a lui ci sono sua moglie Hedwige e suo figlio Jemmy. Tell lamenta il destino degli svizzeri.
È una canzone da pescatore nel vecchio stile, con passaggi alti e difficili che portano la voce una volta al Do e una volta all’H.

Alfredo Kraus fu il miglior “Tenore di grazia” del dopoguerra insieme a Nicolai Gedda. Rossini scrisse il ruolo di Arnoldo che è scritto in tessitura alta per questo tipo di voce del “tenore lirico eroico”. Kesting (“i grandi cantanti”) parla con la massima lode di Kraus “il piccol legno ascendi”: “La sua voce si trasforma magicamente in una tromba d’argento che produce note alte per le quali qualsiasi altro tenore delle sue sacre candele si accenderebbe”.

Il piccol legno ascendi – Kraus

 

 

Trama: Da lontano si sentono le campane delle mandrie. Il vecchio Melchthal appare in compagnia del figlio, i contadini salutano l’uomo rispettato e figura paterna del popolo.

Sentiamo un bel pezzo corale con solisti e magnifiche parti di fiati.

Al fremer del torrente (Accours dans ma nacelle)

Tell cerca di conquistare Arnoldo per la causa svizzera

Trama: Arnoldo è rimasto solo. È infelicemente innamorato della principessa asburgica Mathilde. È disperato perché i suoi compatrioti lo disprezzano per questo e lui non osa proporsi per lei. Nota in lontananza la battuta di caccia del tiranno Gessler, con Mathilde al suo fianco. Allora Tell si mette al suo fianco, intuendo l’umore depresso di Melchthal. Cerca di conquistarlo alla causa svizzera e riceve da lui un sincero entusiasmo, ma Arnoldo è lacerato dal suo amore per Matilde e per la patria.

Il dialogo si sviluppa in un bellissimo e vario duetto. Nella seconda parte Arnoldo canta ripetutamente la bella cantilena “O ciel, tu sai se Matilde m’è cara”, che esprime il suo amore per la principessa e contrasta con l’entusiasmo patriottico di Tell.

Arresta quali sguardi! Où vas-tu? quel trasporto t’agite? – Pavarotti/Milnes

 

 

Coro e balletto delle ragazze dei fiori

Trama: Appare un corteo nuziale e il vecchio Melchthal benedice gli sposi secondo un’antica usanza. I corni da caccia di Gessler si sentono da lontano. Tell rivolge parole patriottiche al popolo per insorgere contro il dominio asburgico. Quando si accorge che Arnoldo è scappato, va alla ricerca del giovane. Nel frattempo i festeggiamenti per il matrimonio continuano.

Cinto il crine di bei fiori … passo a sei (Hyménée, ta journée fortunée luit pour nous) – Gardelli

 

Trama: Nella seguente gara di balestra Gemmy vince il primo premio. I festeggiamenti vengono bruscamente interrotti dall’arrivo di Leutoldo. Egli riferisce di essere braccato dagli scagnozzi di Gessler. Ha ucciso un lanzichenecco asburgico che voleva abusare di sua figlia. Ora vuole fuggire attraverso il lago. Ma nessuno dei pescatori è disposto ad aiutarlo, perché sul lago si è scatenata una tempesta. Nel frattempo Tell è tornato. Quando sente la storia di Leutoldos e gli inseguitori si avvicinano, Tell decide di aiutarlo e insieme salgono su una chiatta. Gli svizzeri guardano incantati mentre la barca raggiunge la riva soccorsa. Quando gli Asburgo appaiono, il loro capo Rodolfo vuole sapere il nome del traditore che ha aiutato Leutoldo a fuggire. Al rifiuto degli svizzeri, Rodolfo ordina la distruzione del villaggio e fa arrestare il vecchio Melchthal.

A questo punto sentiamo un concertato per voci soliste e coro con una grande stretta.

Finale atto I – Chailly

 

 

 

GUILLAUME TELL Act 2

 

 

Trama: Di notte i cacciatori asburgici festeggiano il successo della giornata di caccia nei pressi del Rütli.

In questo quadro Rossini contrappone due gruppi corali, prima il canto impetuoso dei cacciatori austriaci e poi il coro pastorale dei pastori svizzeri.

Qual silvestre metro interno (Quelle sauvage harmonie)

Il meraviglioso romanzo “selva opaca” (“Sombre forêt”)

Trama: Matilde ha lasciato la società di caccia nella speranza di incontrare Arnoldo, che ama.

Selva opaca è un’aria lirica, accompagnata con parsimonia e tenerezza dall’orchestra. È una delle poche scene che è scritta “nel vecchio stile rossiniano” con colorature e salti di tono.

Quest’aria, con i suoi motivi incalzanti e passaggi legati, sembra magicamente scritta per la gola di Montserrat Caballé.

Selva opaca, deserta brughiera (Sombre forêt) – Caballé

 

 

Il grande duetto di Arnoldo e Matilde

Trama: Appare Arnoldo. È disperato, perché la distinzione di classe si frappone tra i due. Matilde riesce a convincerlo che riuscendo sul campo di battaglia d’Europa può acquisire il diritto di chiederle di sposarlo.
Rossini ha composto un duetto con una sezione centrale splendidamente lirica in stile belcanto italiano e una stretta entusiasmante.

Tutto apprendi, o sventurato (Oui, vous l’arrachez à mon âme) – Freni/Pavarotti

Trama: Quando si accordano per incontrarsi il giorno seguente, si sente Tell e Walther avvicinarsi. Matilde scompare rapidamente, ma Tell nota l’ombra della persona, che desta i suoi sospetti. Arnoldo confessa il suo amore per Matilde e dice loro che combatterà per la bandiera degli Asburgo in terre straniere. I due annunciano la terribile notizia che suo padre è stato ucciso dagli oppressori. Arnoldo è distrutto e insieme giurano di riprendere la lotta contro gli Asburgo.

Di nuovo Arnoldo deve cantare lunghi passaggi alti nella parte centrale di questo trio quando viene a sapere della morte di suo padre. Nella terza parte giurano di vendicarsi.

Allor che scorre de’ forti il sangue (“Quand l’Helvétie est un champ de supplices) – Gedda / Kovacs / Bacquier

Una scena corale unica

Trama: Ora arrivano gradualmente uomini da tutti e tre i cantoni.

Rossini ha composto l’arrivo di ciascuno dei tre cantoni. Tre volte appaiono i combattenti dei cantoni. Tre volte si sentono i richiami dei corni da lontano e l’arrivo solenne degli alleati. Questa esibizione dei tre cantoni con i loro cori divisi è travolgente e dura un intero quarto d’ora. Sentiamo l’esibizione degli uomini di Schwyz.

Domo, o ciel, da un stranier – Chailly

 

Trama: Insieme ai tre uomini giurano di combattere contro gli Asburgo e nominano Tell come loro capo.

I cori uniti dei tre cantoni cantano insieme il giuramento del Rütli. Il secondo atto termina con “Giuriam, giuriam pei nostri danni”.

Giuriam, giuriam pei nostri danni (Jurons, jurons par nos dangers) – Chailly

 

 

 

 

GUILLAUME TELL Act 3

 

 

 

 

Trama: Matilde e Arnoldo si incontrano la mattina dopo in una cappella isolata. Arnoldo le dice che il suo onore gli impone di combattere per il suo paese. Matilde è inorridita nell’apprendere che Gessler ha fatto uccidere il padre di Arnoldo e che il suo sogno di sposare Arnoldo non si sta avverando.

Pour notre amour (ah se privo die speme è l’amore) – Caballé

 

 

Il cappello di Gesler

Trama: In una piazza del mercato di Altdorf, di fronte al castello di Gessler, il cappello di Gessler è piantato su un alto palo. Gessler proclama che tutti coloro che passano nella piazza del mercato devono inchinarsi al cappello, altrimenti affronterà la pena di morte.

Una grande scena sulla piazza. Prima il coro degli svizzeri e dei soldati, poi il balletto delle ragazze.

Gloria al poter supremo (Gloire au pouvoir suprême) – Chailly

 

Il famoso “Pas des soldats”

Ballabile die soldati (Pas de soldats) – Muti/Scala

 

Trama: Quando Tell attraversa la piazza con suo figlio, si rifiuta di salutare il cappello e Rodolfo riconosce Tell come colui che ha aiutato Leutoldo a fuggire. Gessler fa arrestare Tell.
Un bellissimo quartetto di 3 voci maschili e soprano accompagnato dal coro e dall’orchestra.

Quel fasto m’offende (Tant d’orgueil me lasse) – Mazzoli / de Palma /Milnes / Della Jones

 

Tell si muove “Sois immobile“

Trama: Gessler ora se ne esce con la terribile idea che Tell debba sparare la mela dalla testa di suo figlio come punizione. Quando Tell si rifiuta, Gessler ordina di uccidere il figlio. Allora Tell si getta ai piedi di Gessler, Gessler chiede sprezzantemente di sparare alla mela. Tell è commosso e benedice il figlio. Gli viene consegnata la balestra e la faretra e di nascosto gli infila una seconda freccia nella giacca. Ancora una volta Tell va da suo figlio e gli chiede di stare fermo e di pregare Dio.

Accompagnato da un violoncello solista, Tell canta le commoventi parole. La voce del baritono sale al fa (“Gemmy! Gemmy!”) per esprimere il dolore del padre.

Resta immobile (Sois immobile) – Hampson

 

 

Il colpo della mela

Trama: Tell prende la mira e colpisce la mela. Il popolo esulta e Gessler è scioccato. Il figlio si precipita dal padre. Mentre i due si abbracciano, la seconda freccia cade. Gessler gli chiede per cosa fosse la seconda freccia. Quando Tell risponde “per lui”, Gessler fa mettere Tell in catene e ordina la morte nei sotterranei per i due. Poi appare Matilde e ordina pietà per il ragazzo in nome dell’imperatore. Gessler cede. Decide che Tell deve essere portato in nave attraverso il lago fino alle prigioni di Küssnacht, dove lo attende la morte.

Si sente solo il rullo del tamburo mentre Tell prende la mira. Quando colpisce la mela, la musica esplode e il popolo esulta.

Vittoria – Muti

 

 

Trama: Tell maledice il tiranno sanguinario Gessler e viene portato sulla nave sotto gli occhi del popolo agitato.

Anatema a Gessler – Milnes / Palma / Jones

 

 

 

 

GUILLAUME TELL Act 4

 

 

L’aria del Tour de Force di Arnold “Asile héréditaire”

Trama: Arnoldo è nella capanna del padre. Si ricorda di lui e si congeda dal luogo della sua infanzia. Sente il rumore degli svizzeri arrabbiati e viene a sapere dell’arresto di WilliamTell. Ora sa cosa fare, deciso a chiamare gli svizzeri alle armi e a liberare Tell con la forza. Tell non morirà!

L’aria lirica di Arnoldo in combinazione con la successiva cabaletta è uno dei pezzi tenorili più difficili del repertorio operistico. Inizia con un breve motivo di corno che rappresenta il ricordo della gioventù di Arnoldo. Solo poche battute dopo l’entrata del tenore, egli deve cantare un si bemolle esposto con un altro due battute dopo. Rossini compone il dolore dell’addio con un aumento ripetuto della frase “J’appelle en vain” e l’aria finisce con un do alto.

Si continua con la famigerata caballetta “Amis, amis, secondez ma vengeance” (“Corriam! Voliam! S’affretti lo scempio”), che è condita da altri 6 do alti, alcuni dei quali devono essere tenuti per una battuta e mezza per esprimere l’estasi di Arnoldo.

Sentiamo l’aria in quattro versioni.

L’interpretazione di Pavarotti è drammaticamente tirata. Le note alte sono un po’ forzate, Pavarotti ha mostrato un grande cuore per assumere questo ruolo. Tuttavia, si è deliberatamente astenuto dal cantare il ruolo sul palco, perché sapeva che la sua voce sarebbe stata danneggiata se avesse dovuto cantarlo in intervalli di pochi giorni uno dopo l’altro.

O muto asil del pianto (1) – Pavarotti

 

Alfredo Kraus, il fenomenale “Tenore di grazia” canta bellissime linee nobili. Sentiamo la Cavatina (da 1:30). Come bis canta anche un mi bemolle alla fine (4:48).

O muto asil del pianto (2) – Kraus

 

La voce di Bryn Hymel non è solo potente ma anche morbida. Impressionante è il do lungo finale del tenore americano. L’aria inizia da 3.10.

Asile héréditaire (3) – Hymel

 

Infine, ascoltiamo una versione estatica del tenore americano Michael Spyre, la cui voce canta brillantemente i do alti, apparentemente senza stancarsi, e tuttavia ha la souplesse nel vibrato della prima parte lirica.

Asile héréditaire (4) – Spyres

 

Il terzetto celeste

Trama: A casa di Tell. Hedwige è disperata e crede che marito e figlio siano perduti. Poi appare Jemmy e lei lo prende tra le braccia al settimo cielo. Egli è accompagnato da Matilde. Matilde annuncia solennemente che vuole unirsi ai combattenti per la libertà. Commossi, Jemmy e Hedwig la prendono nel loro cerchio.
Un trio celestiale per tre voci femminili.

Sotratto a orribilil nembo / (Je rends à votre amour un fils digne de vous) – Muti/Ricciarelli

 

Trama: Jemmy ricorda l’ordine di chiamare gli svizzeri alla battaglia con un grande fuoco. Prende la balestra dalla casa e dà fuoco alla casa. Hedwig prega Dio che possano ancora salvare la vita di suo marito.

Un duetto di voci femminili accompagnato da un coro di donne forma un bellissimo punto di riposo.

Tu che l’appoggio del debol sei (Toi, qui du faible est l’espérance)

 

Il grande finale

Trama: Leutoldo appare e racconta eccitato che Tell è sulla nave che si trova nel mezzo di una forte tempesta in viaggio verso Küssnacht. Tutti si precipitano a Küssnacht. Sulla nave, Tell ha preso il timone perché è l’unico che può guidare la nave nella tempesta. Quando porta la nave a riva, salta fuori dalla barca e spinge la nave lontano dalla riva con le gambe. La sua famiglia e i suoi amici sono già lì ad aspettarlo. Tell prende la sua balestra e spara a Gessler, che si è salvato su una roccia. Da lontano si vede il castello di Gessler ad Altdorf andare in fiamme. Arnold insieme agli svizzeri appaiono per annunciare che la Svizzera è stata liberata dal giogo asburgico.

Tutto cangia, il ciel s’abbella – Pavarotti/Milnes/Frei/Ghiaurov

 

 

Un bis divertente

La famosa ouverture è stata immortalata in innumerevoli registrazioni e appare in formati popolari dai Flintstones a Bonanza. Una chicca speciale può essere ascoltata su YouTube con la versione yodelata da Mary Schneider.

Versione divertente – Ouverture yodel di Mary Schneider

 

 

 

Raccomandazione di registrazione

 

DECCA, con Sherill Milnes, Luciano Pavarotti, Mirella Freni, Nicolai Ghiaurov, Della Jones, sotto la direzione di Riccardo Chailly e la National Philharmonic Orchestra e l’Ambrosian Opera Chorus.

 

 

Peter Lutz, opera-inside, la guida dell’opera online su “GUILLAUME TELL” di Gioacchino Rossini.

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MACBETH di Giuseppe Verdi – guida all’opera e Trama

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Guida all’opera online e Trama del MACBETH di Verdi

Se il successo di un’opera fosse determinato dalla sua grandezza, Macbeth sarebbe in testa ai favori degli spettatori dell’opera. Forse è la mancanza di una storia d’amore (gli italiani chiamano il Macbeth di Verdi “l’opera senza amore”) che ostacola la popolarità di quest’opera. Non può essere la musica. L’opera non ha un minuto debole e cattura l’ascoltatore dall’inizio alla fine. Musicalmente e artisticamente è alla pari con le altre due opere shakespeariane di Verdi, Otello e Falstaff.

 

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UN BALLO IN MASCHERA di Verdi – guida all’opera e Trama

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La guida all’opera online su UN BALLO IN MASCHERA

Dopo le opere musico-drammatiche “Macbeth” e “Simon Boccanegra”, Verdi torna all’opera numero belcantista con “Un ballo in maschera”. Con quest’opera Verdi offre all’ascoltatore cinque parti brillanti e scene magnifiche. Già la prima fu uno dei più brillanti successi della carriera di Verdi, e l’opera iniziò la sua marcia trionfale intorno al mondo.
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DON CARLO di Verdi – guida all’opera e Trama

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Guida all’opera online e Trama del DON CARLO di Giuseppe Verdi

Don Carlos è un’opera per grandi voci. Ognuno dei sei personaggi principali riceve un convincente fondamento e sviluppo drammatico, e ogni cantante ha grandi punti di forza musicali. Schiller ha scritto un brillante modello letterario con il suo romanzo “Don Karlos” . È un’opera teatrale sulla libertà e la dignità umana dell’età dell’illuminazione, che ha acceso la scintilla dell’ispirazione in Verdi. Nessun’altra opera di Verdi ha una trama di così ampia portata e la potenza di cinque atti.

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SIMON BOCCANEGRA di Giuseppe Verdi – guida all’opera e Trama

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Trama e guida in linea dell’opera SIMON BOCCANEGRA di Verdi

Con il ruolo principale di Simon Boccanegra, Verdi ha scritto un grandioso ritratto di ruolo. La trama un po’ contorta ha offerto al compositore spazio per grandi scene. Come Macbeth, Simon Boccanegra è senza dubbio un capolavoro, ma rimane comunque un’opera per intenditori.

 

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LUCIA DI LAMMERMOOR di Gaetano Donizetti – guida all’opera e trama

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La guida all’opera online e la Trama su LUCIA DI LAMMERMOOR

Fatti interessanti e grandi video di YouTube sulla LUCIA DI LAMMERMOOR di Gaetano Donizetti. I punti salienti sono “Veranno a te sull’aure” con Joan Sutherland e Luciano Pavarotti, “Regnava nel silenzio” con Anna Netrebko, la “Mad scene” con Joan Sutherland, “Tu che a Dio spiegasti le ali” con Luciano Pavarotti, ” Fra poco a me ricovero” con Placido Domingo e il sestetto “Chi mi frena a tal momento” con Maria Callas.

Panoramica e accesso rapido

Contenuto

Trama

Commento

Atto I

Atto II

Raccomandazione di registrazione

 

Punti salienti

Cruda funesta … La pietade

Regnava nel silenzio… Quando, rapito in estasi

Verranno a te sull’aure

Soffriva nel pianto

Chi mi frena a tal momento (Sestetto)

Qui del padre ancor respira

Il dolce suono … Sorge il tremendo fantasma (Mad-Scene)

Spargi d’amor pianto

Fra poco a me ricovero

Tu che a dio spiegasti l’ali

Ruoli e Trama

PREMIERE

Napoli, 1835

LIBRETTO

Salvadore Cammarano, tratto da The Bride of Lammermoor di Walter Scott.

I RUOLI PRINCIPALI

Edgardo di Ravenswood, figlio del precedente signore di Ravenswood (tenore) - Enrico Ashton Lammermoor, signore di Ravenswood (baritono) - Lord Arturo Bucklaw, influente nobile (tenore) - Lucia, sorella di Ashton (soprano) - Raimondo, cappellano e confidente di Lucia (basso) - Normanno, capitano (tenore)

RACCOMANDAZIONE DI REGISTRAZIONE

Per gli amanti della Callas: EMI con Maria Callas, Giuseppe di Stefano e Rolando Panerai diretti da Herbert von Karajan e il Coro della Scala di Milano e la RIAS Symphony Orchestra di Berlino. Per gli amanti della Sutherland: DECCA con Joan Sutherland, Luciano Pavarotti e Sherill Milnes diretti da Richard Bonynge e dal Coro e Orchestra della Royal Opera House Convent Garden.

COMMENTARIO

Libretto

La base letteraria dell’opera era il romanzo di Walter Scott “La sposa di Lammermoor”. Scott era scozzese ed era un autore famoso e molto letto di romanzi storici. In quest’opera prese fatti politici reali e li combinò con la classica storia di “Romeo e Giulietta”. Il librettista Salvatore Cammarano ha eliminato gli sconclusionati intrecci politici e ha ridotto la trama in gran parte a un triangolo amoroso. Cammarano, un amante del romanzo gotico, arricchì la trama in uno stile altamente romantico con una storia di fantasmi e la completò con una scena di follia. Donizetti era affascinato dalla storia scozzese all’epoca; insieme a “Maria Stuarda” e “Roberto Devereux”, “Lucia di Lammermoor” forma la cosiddetta “Trilogia Tudor”. Cammarano, originariamente un pittore teatrale, scrisse un totale di sei libretti per Donizetti; “Lucia” fu la prima collaborazione e avvenne per caso. Donizetti aveva firmato un contratto con Napoli per una rappresentazione nel luglio 1835. La consegna del materiale fu ritardata ed egli non ricevette la bozza fino a maggio. L’inesperto librettista Cammarano (era il suo primo libretto!) fu chiamato perché era sul posto e poteva quindi iniziare subito a contatto diretto con Donizetti, dato che musica e libretto dovevano essere creati in parallelo. L’opera fu completata in tempo all’inizio di luglio. A questa collaborazione seguirono altri cinque progetti comuni.

La follia

La scena della pazzia del secondo atto è una delle scene d’opera più famose di sempre, e la connessione con il successivo destino di Donizetti nel manicomio di Parigi è una delle più tragiche peculiarità biografiche della letteratura lirica. La causa dei problemi mentali di Donizetti risiedeva in un’infezione da sifilide che aveva probabilmente contratto poco prima del suo matrimonio. Ci fu probabilmente una connessione tra la morte prematura della moglie e dei due figli e la malattia, che portò a sentimenti di colpa e alla conseguente instabilità psicologica. Donizetti era incline a fluttuazioni maniaco-depressive e a sintomi gravi come mal di testa o problemi all’apparato digerente in giovane età. Fino a che punto fosse già in grado di mettersi nel mondo emotivo della folle Lucia 10 anni prima del suo grande crollo rimane una speculazione.

La musica

Nella “Lucia di Lammermoor” Donizetti mostrò un’incomprensibile ricchezza di melodia senza aver attinto a opere precedenti. È stato occasionalmente accusato di un’orchestrazione simil-legnosa della “Lucia”. Questa critica è parzialmente giustificata. Tuttavia, bisogna tener conto della pressione temporale inaudita che non ha permesso di dedicare tempo sufficiente a questo aspetto. Poiché Donizetti era prima di tutto un melodista e anche il suo pubblico dava la massima priorità a questo aspetto, questo aspetto dovrebbe essere perdonato al compositore. Che fosse capace di un trattamento vocale magistrale lo dimostra nelle scene importanti, come il sestetto.

Il ruolo di Lucia

La Lucia della prima, Fanny Tacchinardi-Persiani, era un soprano di coloratura classica, anche se Donizetti aveva in mente piuttosto un soprano drammatico con buone capacità di coloratura. Mentre il ruolo di Lucia fu dominato per molti anni da “canarini” come Adelina Patti, Jennie Lind e Co., Maria Callas cambiò la storia interpretativa e riportò il ruolo nel campo drammatico (soprano drammatico di coloratura). L’esecuzione dal vivo a Berlino nel 1955 con Herbert von Karajan giocò un ruolo importante. Nel dopoguerra, Lucia divenne un ruolo di parata per molti soprani, e la rivalità tra i devoti della Callas (“La Assoluta”) e i fan della Sutherland (“La Stupenda”) su chi fosse la migliore Lucia fu caldamente dibattuta per anni dagli amanti dell’opera. Chi era la migliore Lucia? Coloro che cercano le qualità vocali saranno probabilmente felici con le registrazioni della Sutherland. Quelli che cercano il dramma e la passione finiranno con le registrazioni di Maria Callas. Ma fatevi un’idea in questo ritratto d’opera.

Premiere

La prima, prevista per luglio, dovette essere rimandata a settembre. Il motivo fu i problemi finanziari del Teatro San Carlo napoletano, il che significava che i cantanti non potevano essere pagati. A settembre arrivò il momento della prima, ma le misure economiche costrinsero a dei cambiamenti, per esempio il teatro non voleva soddisfare le alte richieste del suonatore di armonica a bicchieri e non fu possibile trovare un sostituto, così Donizetti dovette riscrivere l’accompagnamento per flauto. Ciononostante, Donizetti fu in grado di celebrare forse il più grande trionfo della sua carriera in questo 26 settembre 1835, soprattutto l’aria della follia portò a tremende ovazioni.


LUCIA DI LAMMERMOOR Atto I

Trama: Enrico, il signore di Ravenswood, sta setacciando la zona con i suoi seguaci. Stanno cercando un misterioso straniero. Enrico sospetta che si tratti di Edgardo, l’ex signore di Ravenswood, a cui Enrico ha rubato illegalmente il titolo nobiliare. Enrico ha grandi problemi finanziari e sperava di risolverli sposando sua sorella, ma lei ha rifiutato il matrimonio combinato con Arturo.

Donizetti apre l’opera con una visione cupa. Il ritmo da marcia funebre di questa sezione si ripete più volte nel corso dell’opera. Tremoli dissonanti, accordi minori e fiati plumbei ritraggono la desolazione e prefigurano i tragici eventi.

Preludio

 

 

Cruda funesta smania…La pietade in suo favore

Trama: Il suo cappellano Raimondo spiega al sorpreso Enrico che Lucia rifiuta il matrimonio per amore di un altro uomo. Quando egli esprime il sospetto che si tratti di Edgardo, Enrico si infuria e giura di impedire questa unione con ogni mezzo necessario.

Nel rispetto delle convenzioni, Donizetti scrive una scena ed aria. Sia la cavatina che la cabaletta ritraggono Enrico come un personaggio spinto e spietato. È quindi il classico antagonista dell’amante del tipo di opera romantica.

Ascoltate Tito Gobbi (1913-1984), forse il miglior baritono belcantista del suo tempo in “Cruda funesta smania…La pietade in suo favore”.

Cruda funesta smania…La pietade in suo favore – Gobbi

In una seconda interpretazione, ascolta Ettore Bastiannini, la cui voce vellutata era nota per le sue brillanti note alte; incredibilmente, iniziò la sua carriera come basso e poi passò al baritono.

Cruda funesta smania – Bastiannini


Regnava nel silenzio…Quando rapito in estasi – due arie famose

Trama: Lucia si incontra da tempo con Edgardo e lo aspetta nel parco del castello. La sera, alla fontana, racconta alla cameriera dal volto scuro che una volta le è apparso il fantasma di un Ravenswood morto, che era stato ucciso da un parente alla fontana e che da allora è sepolto nelle profondità della fontana. Ben presto il suo spirito si ravviva di nuovo, innescato dall’anticipazione dell’imminente arrivo di Edgardo. La sua cameriera la avverte che Enrico sa della sua storia d’amore e le consiglia di desistere dall’unione.

Lucia canta la leggenda della fontana. Questa famosa aria mostra Lucia come una donna sognante e riflessiva; le sue linee vocali sono liriche, ma brillanti nella loro ornamentazione. Gli archi e i fiati entrano nel piano. Gli ottoni pesanti diffondono un umore cupo. Dopo due misure, il clarinetto entra con una figura arpeggiata. Questa figura continuamente ripetuta rafforza l’atmosfera da notturno, e la voce entra nel pianoforte sopra le figure arpeggiate. Questa disposizione permette al cantante di plasmare espressivamente la melodia di “Regnava nel silenzio”. Tre trilli in “si pria limpida” sono particolarmente degni di nota. L’umore di Lucia si illumina con la cabaletta “Quando rapito in estasi”. Donizetti esprime l’eccitazione per l’imminente arrivo di Edgardo con grandi salti di tono, che presentano alla cantante notevoli difficoltà. Donizetti scrive anche notevoli rubati in quest’aria, come il modo in cui il tempo quasi si ferma in “Il ciel per me” e poi cambia immediatamente tempo in “Si schiuda il ciel per me”. O, per esempio, il trillo nel mezzo dell’aria, che si estende per due misure. Questa prima parte viene ripetuta di nuovo. Per il finale, Donizetti ha scelto un abile colpo di scena: il penultimo “ciel” finisce su un Do e con una bella figura ripete ancora una volta “Si schiuda il ciel”, che finisce su un Re spettacolare.

Maria Callas ha fatto la storia del palcoscenico con il ruolo di Lucia. Il famoso produttore Walter Legge volle stabilire nuovi standard di registrazione con l’ensemble della Scala e Serafin, e scelse tra le altre “Lucia di Lammermoor”. Kesting (“Die grossen Stimmen”): “La registrazione della Lucia non era ancora finita quando Legge inviò a Karajan gli ultimi tre minuti del secondo atto su un nastro. Egli decise immediatamente di mettere in scena l’opera lui stesso, e presto viaggiò a Berlino e Vienna con la troupe. La Callas come Lucia causò un pandemonio in entrambi i teatri d’opera, e non fu certo questo successo a determinare Vienna a nominare Herbert von Karajan come successore del pensionato Karl Böhm all’Opera di Stato”.

Ascoltate Maria Callas in una magnifica e struggente interpretazione di quest’aria in questa registrazione diretta da Tullio Serafin.

Regnava nel silenzio…Quando rapito in estasi (1) – Callas/Serafin

Ascolterete una seconda bellissima interpretazione di Anna Netrebko. Con questo ruolo ha convinto negli anni intorno al 2007. Mostra un’interpretazione lirica e colorata. Tuttavia, non è un classico soprano di coloratura, come si può vedere dai passaggi di trillo (confrontare la registrazione con Joan Sutherland qui sotto).

Regnava nel silenzio…Quando rapito in estasi (2) – Netrebko

La terza registrazione è di Joan Sutherland. Lucia fu uno dei suoi ruoli più importanti. Nel 1959, l’allora 32enne si catapultò nella massima serie con la Lucia di Lammermoor di Londra e divenne la grande rivale di Maria Callas nel repertorio Bellini / Donizetti. Ironicamente, il direttore d’orchestra all’epoca era il maestro italiano Tullio Serafin, che provò con l’australiana Sutherland una Lucia musicalmente e drammaticamente convincente. La Sutherland divenne uno degli eccezionali soprani di coloratura del secolo. Nella seguente registrazione del 1968, sentirete perché. Il modo in cui padroneggia i difficili passaggi di trillo con virtuosismo è unico.

Regnava nel silenzio…Quando rapito in estasi (3) – Sutherland

Edgardo appare

Trama: Edgardo appare e spiega che deve andare in Francia per una delicata missione politica. Ma prima vuole riconciliarsi con Enrico per spianare la strada al matrimonio. Quando Lucia gli chiede di tenere segreto il loro amore per il momento, Enrico si indigna. Ma Lucia implora il loro amore.

Edgardo è eccitato, il suo motivo tratteggiato mostra il suo turbamento. Lucia cerca di calmarlo con una lunga cantilena emotiva. Ha successo, perché il duetto termina con una bella cadenza cantata insieme.

Sulla tomba – Callas / Campora

Trama: Lucia implora Edgardo di scriverle dalla Francia, e si scambiano solennemente gli anelli di fidanzamento.

Donizetti ha scritto questo spettacolare duetto in unisono, che si muovono in intervalli di ottava. Egli intendeva sottolineare la consumata armonia tra i due, evidenziando così il contrasto con gli sconvolgimenti che seguono.

Ascoltiamo questo famoso pezzo in tre versioni.

Prima, Joan Sutherland con Luciano Pavarotti:

Verrano a te sull’aure (1) – Sutherland/Pavarotti

A seguire, Maria Callas con Giuseppe di Stefano:

Verrano a te sull’aure (2) – Callas/diStefano

Una coppia unica di duetti erano Tito Schipa e Amelita Galli-Curci.

Verrano a te sull’aure (3) – Galli-Curci/Schipa

Trama: Durante l’assenza di Edgardo, Enrico ha intercettato la sua corrispondenza con Lucia. Organizza il matrimonio con Arturo e dà a Lucia delle lettere false, che dovrebbero provare che Edgardo ama un’altra.

Soffriva nel pianto – Callas / Gobbi

 


Se tradirmi potrai – l’intrigo di Enrico

Trama: Lucia resiste ai progetti di matrimonio di Enrico. Ma lui la incalza, sostenendo che il suo destino è segnato se lei non acconsente al matrimonio.

In una cabaletta infuocata, Enrico incalza l’infelice Lucia. “Si prepari la camera nuziale”, esorta Enrico – “la tomba”, risponde Lucia.

Ascolta Maria Callas in questo duetto “Se tradirmi potrai”.

Se tradirmi potrai – Callas/Panerai

 

Trama: Anche il suo confidente Raimondo gioca la carta di Enrico e le chiede di sacrificarsi per l’onore e il benessere della sua famiglia. Ora Lucia, umiliata, accetta di sposare Arturo.

Con il tono solenne e stentato di un prete, Raimondo fa pressione su Lucia. Un goffo ritmo punteggiato e l’uso esagerato di trombe, tromboni e timpani testimoniano la mostruosità di Raimondo. Lucia sa che questo passo significa la distruzione della sua vita.

Al ben de’tuoi qual vittima – Sutherland/Siepi

La scena del matrimonio

Trama: Gli ospiti sono riuniti nella grande sala per assistere alla firma del contratto e al matrimonio. Arturo attende con impazienza l’arrivo di Lucia, Enrico sostiene che è ancora in lutto per la madre defunta. Quando appare, è mortalmente pallida e firma apaticamente il contratto.

Donizetti lascia che siano i violini a narrare questa scena. Con una piacevole melodia dei violini, Arturo ed Enrico conversano in attesa di Lucia. Quando lei appare, l’orchestra passa bruscamente alla tragedia delle figure discendenti suonate dai violini. “Ho firmato la mia condanna” sussurra lei mentre firma il contratto.

Dov’è Lucia – Callas / Franke / Sordello

Trama: Improvvisamente si sente un rumore. Inorriditi, gli ospiti si rendono conto che Edgardo si sta intromettendo nella scena del matrimonio. Edgardo è accecato dalla rabbia.

Gli amanti della letteratura potrebbero conoscere il passaggio di “Madame Bovary” di Flaubert in cui Emma Bovary visita l’Opera di Rouen con il suo noioso marito e Flaubert scrive del sestetto con i pensieri della sua protagonista. In un momento di rallentamento (chiamato “concertato”), i personaggi principali di questo sestetto cantano il loro dolore, la rabbia e la confusione delle loro anime. Musicalmente, Donizetti ha risolto questo momento in modo interessante. Il sestetto inizia con i due arcinemici che cantano in armonia. Tutto il sestetto è scritto in chiave maggiore, è la calma prima della tempesta. Commentando questo famoso passaggio, Giacomo Puccini disse che in un aspetto gli italiani superano i compositori tedeschi, cioè nella capacità di esprimere una tristezza infinita in chiave maggiore.

Nella storia dell’opera, l’importanza di questo pezzo non deve essere sottovalutata; divenne il modello per un’intera generazione. Al pari del quartetto del “Rigoletto”, il sestetto rappresenta uno dei vertici insuperati della cultura romantica d’insieme.

Nel 1908, il tenore Enrico Caruso e cinque cantanti fecero una registrazione di questo sestetto che divenne una leggenda – sia per l’arte musicale che per il prezzo esorbitante della registrazione. Fu venduta su un disco unilaterale al prezzo di 7 dollari, guadagnandosi un soprannome che ha portato da allora: il “Sestetto da sette dollari”. Questo corrisponde a un prezzo di vendita con il potere d’acquisto di oggi di circa 170 dollari.

Chi mi frena a tal momento – Caruso et al.

Un’altra circostanza famosa intorno a questo bel pezzo è avvenuta negli anni cinquanta. È famosa la scena di una leggendaria registrazione berlinese del 1955 con Karajan e la Callas. Sensazionale fu il fatto che Herbert von Karajan ordinò un “da capo” per il grande momento.

Chi mi frena a tal momento (Sestetto) – di Stefano / Panerai / Callas / Zaccaria

 

Trama: Enrico e i suoi seguaci sguainano le spade, ma Raimondo riesce a convincerli a risparmiare il sangue di Edgardo. Gli mostra il certificato di matrimonio e gli chiede di lasciare il posto. Fissando incredulo il foglio, Edgardo chiede indietro il suo anello alla disperata e sorpresa Lucia e lascia il castello.

T’allontana sciagurato – Kraus / Plishka / Elvira

LUCIA DI LAMMERMOOR ATTO II

Trama: Edgardo è tornato a casa. Fuori infuria un temporale.

Donizetti ha composto una musica da temporale estremamente efficace che disegna ingegnosamente l’atmosfera febbrile e cupa.

Orrida è questa notte – Bergonzi

Trama: Enrico lo cerca. In un’agitata disputa, accompagnata dal rumore di un temporale, i due si accordano per un duello la mattina seguente.

Questo spettacolo è diviso in due parti secondo uno schema fisso, il lento “Qui del padre ancor respira” è seguito dal giuramento di uccidere l’avversario nel duello (“O sole, più rapido”).

Ascolta l’avvincente duetto dei due nemici mortali interpretato da Luciano Pavarotti e Sherill Milnes.

Qui del padre ancor respira – Pavarotti / Milnes

 

Trama: Nella sala delle nozze, gli invitati stanno festeggiando il matrimonio. Poi appare Raimondo e riferisce che Lucia ha pugnalato a morte il marito nel letto nuziale. Gli ospiti sono scioccati.

In questo passaggio sentiamo la voce del prete Raimondo sopra un coro simile a un inno che già prefigura i passaggi corali di Zaccaria e degli ebrei che Verdi comporrà sette anni dopo nel “Nabucco”.

Oh! qual funesto avvenimento! – Ghiaurov / Bonynge

 


Lucias Scena Pazza

Trama: Lucia appare con i vestiti macchiati di sangue e un coltello in mano. Fantastica e poi crolla svenuta.

Questa famosa aria è un pezzo altamente virtuosistico. La cosiddetta scena della pazzia non consiste in un’aria, ma è un labirinto di pezzi che inizia con un Andante, poi sfocia in un Allegro vivace maniacale, è seguito da un Recitativo Accompagnato seguito da un’aria Larghetto (con coro) e un trio Allegro con Enrico, Raimondo e coro completo, e finisce in un’altra aria più coda. Non c’è da stupirsi che questa scena sia considerata una delle più difficili della letteratura operistica. Inoltre, i rapidi salti di tono tra registri vocali alti e bassi e l’ornamentazione virtuosistica richiedono una tecnica di coloratura virtuosistica. Donizetti scrisse quest’aria con un accompagnamento originariamente con un’armonica a bicchieri e aggiunse una versione per flauto. Oggi, il famoso passaggio è solitamente cantato con l’accompagnamento della sequenza di coloratura con il flauto.

Nella pratica esecutiva, molti cantanti abbellirono l’aria come meglio credevano. Alcune di queste interpretazioni furono adottate da altri cantanti o addirittura divennero uno standard di esecuzione (vedi la nota su Nellie Melba qui sotto). Questo cambiò bruscamente con l’interpretazione di Maria Callas accompagnata da Herbert von Karajan dal 1955. Lei fece furore in questo ruolo e questo in gran parte nella versione “Come scritto” cioè come composto da Donizetti e con solo pochi ornamenti supplementari.

Il dolce suono…Sorge il tremendo fantasma (1) – Callas/Karajan

“Una drastica modifica di questa scena, tuttavia, fu fatta circa 30 anni dopo la morte di Donizetti. Intorno al 1880, il soprano australiano Nellie Melba osò cantare una lunga cadenza con accompagnamento di flauto solo alla fine del suddetto movimento lento – un atto funambolico quasi incredibile in cui il soprano si impegna in una gara con il flauto sulla falsariga di ‘Anything you can play, I can imitate, but higher'” (Abbate/Parker, A History of Opera). Ascoltate Nellie Melba, in una registrazione del 1904 di questo famoso brano.

Del ciel clemente un riso (Cadenza) (2) – Melba

Questa cadenza di follia è diventata in seguito il passaggio più famoso di quest’opera ed è fedelmente riprodotta dalla maggior parte dei soprani fino ad oggi. Ascoltate la famosa Joan Sutherland che canta l’Aria della Follia (e la cadenza poco prima delle 9:00).

La voce della Sutherland “è la felice combinazione della pienezza di una voce da soprano drammatico con la sicurezza degli acuti e la scioltezza della coloratura di un ‘soprano d’agilità'”. (Fischer, “Große Stimmen”). Le grandi altezze, tuttavia, non le furono date da Dio; dovette lavorare per ottenerle; all’inizio della sua formazione era ancora considerata un mezzosoprano. Suo marito, il pianista e direttore d’orchestra Richard Bonynge riconobbe che lei aveva il potenziale e “a differenza di lei, lui aveva un’intonazione assoluta, e così fu in grado di ingannarla spingendo la sua voce verso l’alto, sostenendo che cantava una terza più bassa di quanto facesse in realtà; così realizzò cose nel lavoro privato che non avrebbe osato fare in pubblico.” (Fischer, “Große Stimmen”).

Il dolce suono riso (3) – Sutherland

Ascoltiamo un’emozionante registrazione di Anna Netrebko da una performance al Metropolitan Opera di New York, in cui un’armonica di vetro è usata come strumento di accompagnamento (tranne la cadenza, che è suonata con il flauto). Lo strumento crea un’atmosfera affascinante e soprannaturale.

Il dolce suono riso (3) – Netrebko

Trama: Enrico torna e si rende conto di quello che è successo. Vede lo stato della sorella e la pietà lo coglie. Lucia ora si congeda, fantastica e chiede al suo amante di versare una lacrima sulla sua tomba.

Lucia è già estasiata, ha raggiunto lo stadio del delirio. Sentiamo solo trilli e scale virtuosistiche. La scena si conclude con una bellissima stretta accompagnata dal flauto.

Spargi d’amaro pianto – Callas


Il grande finale di Edgardo

Trama: Edgardo ha perso la sua voglia di vivere ed è pronto a morire per mano del nemico.

Il finale appartiene a Edgardo e al coro. Segue un’altra classica scena ed aria che inizia con la cavatina “Fra poco a me ricovero”. Pesanti accordi di trombone e semitoni discendenti nel recitativo (“Tombe degli avi mei”) annunciano l’avvicinarsi della calamità. La malinconica cavatina è accompagnata da un motivo di marcia funebre nei fiati.

Ascoltate questo passaggio cantato da Placido Domingo nella registrazione con Giulini. Sentiamo una voce nel fiore della sua bellezza in un’aria che è meravigliosamente adatta alla sua ricca voce in termini di tessitura.
Fra poco a me ricovero – Domingo / Giulini

Trama: Un gruppo di persone passa da casa sua. Edgardo apprende da loro cosa è successo a Ravenswood, e che Lucia sta morendo. Improvvisamente suonano le campane di una chiesa, segno che Lucia è morta.

Questa scena è disposta magnificamente. La musica dell’orchestra è scritta al ritmo di una marcia funebre. Su questo si sente il coro e, sopra di esso, le struggenti cantilene di Edgardo.

O meschina – Pavarotti

Trama: Edgardo ha perso il coraggio di vivere. Si pugnala con il pugnale per potersi unire a Lucia in cielo.

Sentiamo alla fine una melodia espressiva del tenore che è accompagnata da un trio d’archi dopo la ferita fatale.

Sentiamo questo finale in due versioni.

Iniziamo con Luciano Pavarotti. L’Edgardo del 1971, insieme agli altri due ruoli donizettiani di Nemorino e Tonio, sono tra le sue più grandi registrazioni della sua carriera e non sono state superate nella storia delle registrazioni.

Tu che a Dio spiegasti l’ali (1) – Pavarotti

Non perdetevi la registrazione con Tito Schipa degli anni ’20. Nessuno può portare così tanta emozione nella sua voce.

Tu che a Dio spiegasti l’ali (2) – Tito Schipa


Raccomandazione di registrazione

Per gli ammiratori della Callas: EMI con Maria Callas, Giuseppe di Stefano e Rolano Panerai sotto la direzione di Herbert von Karajan e il Coro della Scala di Milano e la RIAS Sinfonie-Orchester Berlin.

Per gli ammiratori della Sutherland: DECCA con Joan Sutherland, Luciano Pavarotti e Sherill Milnes sotto la direzione di Richard Bonynge e il coro e l’orchestra della Royal Opera House Convent Garden.

Peter Lutz, opera-inside, la guida online all’opera LUCIA DI LAMMERMOOR

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ELISIR D’AMORE di Gaetano Donizetti – guida all’opera e trama

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La guida all’opera online e la Trama di Elisir d’amore

Donizetti scrisse l’opera in incredibili 13 giorni. Insieme al suo Don Pasquale e al Barbiere di Siviglia di Rossini, Elisir d’amore forma il luminoso triumvirato delle migliori opere buffe italiane del XIX secolo 

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LA FILLE DU REGIMENT di Donizetti – guida dell’opera e trama

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Guida all’opera online e Trama de LA FILLE DU REGIMENT di Donizetti

“La fille de régiment” è un fuoco d’artificio di voci e richiede due grandi interpreti dei ruoli principali. Il ruolo femminile di Marie richiede una grande voce con una straordinaria personalità teatrale, e il protagonista maschile richiede il tour de force tenorale dei 9 do alti di “Pour mon ame”.

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NABUCCO di Giuseppe Verdi – guida all’opera e trama

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La guida e la Trama dell’opera online su NABUCCO

Nabucco fu la prima opera di Verdi per l’Olimpo. Dopo gli anni amari del 1838-40, oscurati dalle crisi, fu il ritorno di Verdi alla luce. Verdi mostrò una gigantesca ricchezza di idee nel “Nabucco” e l’opera divenne un successo sensazionale. In seguito chiamò i diciassette anni di frenesia creativa che si instaurarono “i suoi anni di galera”. Continua a leggere

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OTELLO di Giuseppe Verdi – guida all’opera e trama

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Guida dell’opera online e Trama dell’OTELLO di Giuseppe Verdi

Quest’opera di Giuseppe Verdi è considerata un lavoro congeniale sul contributo di Shakespeare alla letteratura mondiale. Per molti tenori, il ruolo di Otello è il coronamento della loro carriera.

Contenuto

Trama

Commento

Atto I (scena del porto)

Atto II (Scena della sala)

Atto III (Scena del giardino)

Atto IV (Scena della morte)

Raccomandazione di registrazione

Punti salienti

Esultate

Gia nella notte (Duetto d’amore)

Credo

Si pel ciel

Dio mi poteva scagliare

Mia madre aveva una povera ancella (Willow song)

Ave Maria

Niun mi tema

RUOLI E TRAMA IN 4 MINUTI

PREMIERE

Milano, 1887

LIBRETTO

Arrigo Boito, tratto dal dramma omonimo di William Shakespeare.

I RUOLI PRINCIPALI

Otello, comandante moro della flotta veneziana (tenore) - Desdemona, moglie di Otello (soprano) - Iago, alfiere di Otello (baritono) - Emilia, moglie di Jago (mezzosoprano) - Cassio, capitano di Otello (tenore) - Roderigo, nobile veneziano (tenore)

RECORDING RECOMMENDATION

DECCA con Mario del Monaco, Renata Tebaldi e Aldo Protti diretti da Herbert von Karajan e la Vienna Philharmonic Orchestra.

 

 

COMMENTARIO

Sulla strada del dramma musicale

La posizione unica dell'”Otello” nell’opera del grande maestro italiano è legata al conseguente passaggio al dramma musicale di un’opera composta attraverso. Una strada che aveva già intrapreso con Macbeth e Simon Boccanegra e che continua coerentemente con Otello. Non sono più i singoli numeri a formare la struttura dell’opera, ma le unità drammatiche delle scene. Il flusso della trama e della musica non è più disturbato dalla divisione artificiale in recitativo e aria. Inoltre, il testo di Arrigo Boito non è più strutturato nelle classiche dimensioni dei versi, ma è più naturale e vario. Questo rende la musica più drammatica, a spese della melodia ricorrente. Naturalmente, questo è legato al dramma musicale di Wagner e alla melodia infinita, anche se Verdi come nazionalista culturale (Abbate, Parker) lo rifiuta più volte.

La collaborazione con il librettista Arrigo Boito

Verdi aveva quasi 70 anni e non voleva più scrivere opere. Si godeva la sua grande casa di campagna a Sant’Agata con i suoi 16 giardinieri dipendenti. Durante una cena l’editore Ricordi e il direttore d’orchestra Faccio parlarono con Verdi e sua moglie dei drammi di Shakespeare come modelli per le opere. Poco dopo mandarono da lui Arrigo Boito per parlare casualmente di un libretto per Otello. Entrambi erano uniti dal loro amore per le opere di Shakespeare. Verdi si infiammò e scrisse segretamente quest’opera. 6 anni dopo l’opera fu completata e Verdi trionfò con la sua opera 1887 alla Scala di Milano, 16 anni dopo il suo ultimo lavoro, l'”Aida”.

Con Boito Verdi trovò per la prima volta un librettista congeniale. Boito riprese la trama di Shakespeare e formò un libretto compatto che disegnava acutamente i personaggi. Boito era lui stesso un rinomato compositore d’opera (la sua opera principale era il “Mefistofele”) ed era quindi in grado di creare un libretto ottimale per Verdi.

Era sorprendente che questa collaborazione funzionasse a livello personale. I due artisti erano di generazioni diverse e Boito si espresse più volte criticamente negli anni precedenti sull’opera italiana della prima metà del secolo. La trovava provinciale rispetto al grand opéra di Parigi. Verdi percepì questo come un attacco personale a se stesso.

Verdi e Boito si attennero abbastanza strettamente al dramma di Shakespeare. Naturalmente, i versi dovevano essere riscritti per l’opera, perché la velocità del discorso nell’opera è molto più bassa che nel teatro parlato. Inoltre, hanno completamente omesso il primo atto, che si svolge a Venezia, per non sovraccaricare l’opera di temi secondari, con il risultato che le 3300 righe di versi dell’opera di Shakespeare sono diventate alla fine 800 versi nell’opera.

Il bene contro il male

Verdi e Boito fanno invocare Dio ai tre personaggi principali in una grande scena. Il Credo di Jago nel secondo atto, l'”Ave Maria” di Desdemona nel terzo atto e il “Dio mi potevia scagliar” di Otello. Tutte e tre le interpretazioni sono ritratti dei ruoli. Mentre Iago rappresenta il “male” e Desdemona il “bene”, Otello è (nel linguaggio moderno) la “vittima”, diventando un individuo rassegnato che muta in uno strumento del male per distruggere il bene.

La prima

Su richiesta di Verdi, l’opera fu tenuta segreta per molto tempo. Compose nella sua tenuta di Sant’Agata e il nome dell’opera non fu mai menzionato nella sua corrispondenza con Ricordi e Boito, fu usato invece il nome in codice “Progetto Cioccolatte” o “Caffélatte”.

Quando l’opera fu annunciata, tutta l’Europa attendeva con ansia la prima del 5 febbraio 1887. L’ultima prima di un’opera di Verdi era già avvenuta 15 anni prima. Verdi aveva nel frattempo acquisito lo status di padre della patria ed era già un “tesoro nazionale”. C’era grande stupore per la musica del “nuovo” Verdi, quasi nessuno si aspettava una reinvenzione del maestro. Il giubilo che si scatenò dopo l’ultima nota fu senza limiti e fu uno dei grandi trionfi di Verdi.

 

OTELLO ACT I

L’apertura con la scena della tempesta

Trama: Di fronte al castello del porto di Cipro. Un temporale simile a un uragano infuria. I soldati ciprioti e veneziani sono riuniti e aspettano l’arrivo del vascello con Otello, che deve assumere la carica di nuovo comandante in capo.

L’inizio di quest’opera è unico. Non c’è un’ouverture all’inizio, ma un fortissimo scoppio di una violenta tempesta. Verdi ha messo in musica questa scena dell’uragano in modo dettagliato. Alla maniera del grand opéra di Parigi ha completato l’orchestra con un organo e una macchina del tuono.

Una Vela – Canadian Opera

Trama: La nave raggiunge il porto in sicurezza e Otello proclama la vittoria nella battaglia navale contro i turchi. Il popolo festeggia l’eroe.
Questa performance tenorile è considerata una delle scene iniziali più difficili della letteratura lirica. Otello appare a passo di corsa e deve cantare il trionfale “Esultate” al massimo volume possibile contro l’orchestra senza avere la possibilità di “scaldare” le sue corde vocali.

Esultate – Domingo

 

Un’aria di storia circonda la prossima registrazione. Sentiamo l’Otello della prima del 1883, Francesco Tamagno. Ci sono registrazioni di lui dal 1903. Verdi apprezzava la potenza sconfinata della sua voce e il grande suono degli Alti Passi. Ma Verdi si lamentava del fatto che Tamagno sapesse cantare solo ad alta voce, anche se l’opera richiede competenze diverse. Nel secondo tempo, i passaggi più lunghi dovevano essere cantati con una voce vuota e disperata a metà volume. Tamagno ha cantato l’Otello 400 volte durante la sua carriera. Ascoltiamo un estratto della sua registrazione del 1903.

Esultate – Tamagno

In contrasto con l’opera di Shakespeare, il colore della pelle di Otello non gioca quasi nessun ruolo nell’opera. Mentre il tema del colore della pelle e del conseguente razzismo è un aspetto centrale del modello letterario, questo aspetto era secondario per Verdi e Boito e viene menzionato solo poche volte nei dialoghi.

Trama: Tra i soldati ci sono Iago, guardiamarina di Otello, e Rodrigo, un nobile. Entrambi odiano Otello. Iago, perché Otello lo ha trascurato in una promozione e ha eletto Cassio capitano e Rodrigo, perché è ancora innamorato della moglie di Otello, Desdemona, ma lei ha sposato l’odiato Moro. Jago si unisce a Rodrigo e annuncia che continua a fingere di essere amico di Otello, ma che colpirà al momento giusto. Otello è ormai arrivato al castello e i ciprioti festeggiano la vittoria con un falò.

Fuoco di gioia – K&K Philharmoniker & Coro

 

 

Il primo intrigo di Jago

Trama: Iago scopre Cassio. Vuole sedurlo per farlo bere, Cassio rifiuta all’inizio perché è in servizio. Jago sa che Cassio diventa una testa calda quando beve. Cassio cede e presto è ubriaco. Jago chiede a Rodrigo di provocarlo. Infatti, Cassio tira fuori la spada e Montano cerca di trattenerlo e Cassio lo ferisce.

La canzone del bere è formalmente l’unico numero autoconclusivo dell’opera. Jagos “beva, beva, beva” conduce la voce cromaticamente nelle profondità e poi al La alto, che crea un effetto demoniaco.

Inaffio l’ugola – Nucci

Il grande duetto d’amore

Trama: Otello ha sentito il rumore e appare. Vede che Cassio ha ferito il vecchio comandante Montano. Toglie a Cassio il grado di capitano e li manda tutti a casa. Rimane solo con Desdemona, dove trova pace tra le sue braccia.

Questo duetto d’amore è uno dei momenti salienti dell’opera. I due stanno sulla terrazza di sera e guardano il mare calmo. I violoncelli solisti silenziosi ci introducono alla romantica atmosfera notturna, e Desdemona è accompagnata da arpe scintillanti. Ma Verdi non compone un tipico duetto d’amore, troppa disperazione e dramma sono palpabili. Nella seconda parte, Verdi crea un bellissimo tema quasi wagneriano con un effetto urgente:

Incontreremo questo cosiddetto “motivo del bacio” ancora una volta nell’ultimo atto, tra l’altro nella scena della morte di Otello. La scena finisce con flauti e arpe, accompagnati da archi.

Domingo affascina in questa registrazione come un Otello urgente ed estatico.

Gia della notte – Domingo / Studer

OTELLO ACT II

Il credo di Iago

Trama: In una sala del castello. Iago continua il suo intrigo con Cassio. Gli fa visita e gioca a fare il suo confidente. Consiglia al disperato Cassio di parlare con Desdemona e vincere la loro intercessione a Otello. In questo momento lei è in giardino. Quando Cassio va a parlare con lei, Iago trionfa silenziosamente.

Poi sentiremo il famoso credo di Iago. Il carattere musicale di Iago è dominato dalla declamazione. Verdi scrive melodie e armonie solo nei passaggi in cui Iago vuole adulare o ingannare. Nel “Credo” vediamo lo Iago senza veli. Nel canto di declamazione e nella caratterizzazione di Iago è impossibile per noi non vedere i paralleli con Wagner. Verdi lo negò con veemenza, non voleva essere visto come il copista di un originale.

Verdi usa mezzi musicali veementi per disegnare Iago come il male. Salti di tono frastagliati, contrasti stridenti e sequenze di toni cromatici, insieme all’effetto di aumento della tonalità, fanno sembrare il Credo l’opposto del tradizionale Credo cristiano. Sentiamo un Bryn Terfel demoniaco in questa confessione nichilista di Iago.

Credo – Terfel

Toscanini stesso ha provato il ruolo di Jago con Valdengo. Il risultato è un accattivante ritratto del ruolo. C’erano Jago che avevano a disposizione materiale vocale migliore, ma la sua dizione è molto espressiva e monumentale.

Credo – Valdengo

 

 

 

Trama: Per caso appare Otello e Iago vuole far germogliare la gelosia nel Moro. Otello ha notato che qualcuno era in giardino con sua moglie. Abilmente Iago fa sospettare a Otello che Desdemona possa essere innamorata di Cassio. Ma Otello non è ancora convinto, senza prove crede ancora nell’amore. Ma guai se lei dovesse tradirlo.

Cio m’acccora … che parli – del Monaco / Gobbi

 

Trama: Andando al castello, il popolo rende omaggio alla benevola Desdemona. Quando vede Otello, gli chiede di restituire a Cassio il suo grado di capitano. Otello ha un terribile sospetto. È agitato, dice di avere mal di testa e non vuole parlarne. Desdemona vuole raffreddargli la fronte con un fazzoletto per alleviare il dolore. Ma Otello getta via il fazzoletto con rabbia. Emilia, moglie di Iago e amica di Desdemona, lo raccoglie e Iago glielo strappa. Emilia sospetta il male e lo mette in guardia.
Per Domingo, Otello è stato forse il più grande ruolo tenorile di sempre e anche il più impegnativo, soprattutto a causa del secondo atto, “che è un’opera nell’opera”. Soprattutto il quartetto “se incoscia” è una parte molto impegnativa e da allora in poi Otello è costantemente sfidato in questo atto.

Se incoscia contro te – Domingo / Studer / Leiferkus

 

 

Trama: Otello manda via Desdemona ed è già divorato dalla gelosia. Di nuovo solo con Iago, non vuole solo accuse da Iago, ma prove visibili. Ora gli dice che una notte, quando era nel campo accanto al letto di Cassio, lo ha sentito parlare di Desdemona nel sonno e maledire il destino che ha dato Desdemona al Moro.

Verdi mostra la sua maestria in questa scena, come crea un’atmosfera spettrale in questa scena di sogno. Nella rappresentazione di Iago, le scene di canto sono accompagnate da radi suoni di archi, mentre i passaggi declamatori sono accompagnati solo da pallidi fiati.

Ascoltiamo un’avvincente interpretazione di “Era la notte” del giovane Tito Gobbi del 1948: “Tito Gobbi trasforma il pezzo in una suggestione diabolica” (Kesting).

Era la notte – Gobbi

 

Trama: Come prova, afferma di aver visto Cassio con in mano il fazzoletto che fu il primo regalo di Otello a Desdemona.

Sentiamo la grande e famosa registrazione di questo passaggio da parte di Caruso con una passione unicamente rossa e incandescente.

Desdemona rea … Ora per sempre addio – Caruso

Una seconda interpretazione di Domingo.

Ora per sempre addio – Domingo

Il grande duetto di Iago e Otello – Si, pel ciel

Trama: Ora Otello è convinto della colpevolezza di Desdemona. Fa un solenne giuramento di vendetta e Iago si unisce a lui.

Nella scena del giuramento si possono ancora vedere i resti della vecchia opera verdiana. Nello stile di una cabaletta, un veloce climax mono-strofico, Verdi compone la fine del secondo atto. Prima del giuramento suonano le tre famose grida del “Sangue”. In questa scena si può osservare musicalmente come Otello abbia una propria forma musicale all’inizio, ma gradualmente si adatta allo stile di declamazione di Iago fino a cadere in una mera imitazione di Iago, segno che Iago ha ottenuto il completo controllo su Otello.

Sentiamo questa scena chiave in quattro registrazioni diverse.

Mario del Monaco non era un cantante di sfumature. Così l’opinione su del Monaco si è divisa. Nessuno ha cantato il ruolo così spesso su disco. In questa registrazione, “del Monaco è spinto da un furore elettrizzante che agita tutti. Il Si pel ciel è mozzafiato, e le loro urla di sangue spingono persino l’ascoltatore del disco sulla sua sedia – è la performance con cui si è cantato nell’Olimpo di Otello”. (Fischer, grandi voci).

Si, pel ciel marmoreo giuro (1) – del Monaco / Warren

Nel 1914, i due titani dell’opera italiana cantavano questo duetto. Tito Ruffo il baritono del secolo ed Enrico Caruso il tenore del secolo coltivarono una rivalità artistica.

Si, pel ciel marmoreo giuro (2) – Caruso / Ruffo

La registrazione di Björling e Merrill di questo duetto gode di una reputazione leggendaria. Le chiamate di sangue di Björling sono gigantesche (1:54), l’energia è palpabile. “Un’energia e una veemenza quasi vulcaniche. Ogni sillaba è cantata da Björling con la massima enfasi”. (Kesting). Questo estratto è l’unica registrazione di Björling in questo ruolo.

Si, pel ciel marmoreo giuro (3) – Björling / Merrill

OTELLO ACT III

 

Otello umilia Desdemona

Trama: Iago e Otello sono nella Sala Grande del castello. Iago vuole coinvolgere Cassio in una conversazione nella sala e Otello deve ascoltare in segreto. Iago parte per andare a prendere Cassio. Appare Desdemona. Ancora una volta intercede per Cassio. Ma Otello vuole solo vedere il fazzoletto. Accusa Desdemona di infedeltà. Desdemona giura di essere casta. Livido per la presunta bugia, Otello la maledice come una puttana.

Una delle difficoltà del terzo atto per Otello è portare l’ironia diabolica nel canto. È affascinante osservare come Verdi sviluppa il ruolo di Otello nel corso dell’opera. Nell'”Esultate” del primo atto vediamo un cantante radioso ed espressivo, nel secondo atto diventa un leone ruggente e in questo e nel quarto atto un protagonista lamentoso.

Vickers fu un grande Otello. La sua potenza vocale era leggendaria e tuttavia traspare un grande sentimentalismo.

Dio ti giocondi – Vickers / Freni

 

Il dramma interiore di Otello

Trama: Quando Desdemona non c’è più Otello crolla, l’amore per Desdemona era la cosa più importante della sua vita. La sua luce della vita se n’è andata, la sua anima è divorata e brama vendetta.

Il vero dramma di quest’opera di Shakespeare si svolge all’interno dei personaggi. Otello deve dare vita a tutte le sfumature della personalità. Verdi richiede a Otello di alternare costantemente recitativo, declamazione e canto cantabile. La partitura del tenore è disseminata di segni di espressione che cambiano continuamente (piano, morendo, dolce, con espressione, ecc.). “Dio mi potevi scagliar” inizia nel tono pallido della disperazione, passa a una sezione centrale in piano e finisce nel fortissimo di “Ah dannazione”.

Verdi e Boito fanno invocare Dio ai tre attori principali in una grande scena. Il Credo di Iago nel secondo atto, l'”Ave Maria” di Desdemona nel terzo atto e il “Dio mi potevia scagliar” di Otello. Tutti e tre sono ritratti dei ruoli. Mentre Iago rappresenta il “male” e Desdemona il “bene”, Otello (nell’uso moderno) è la “vittima”, diventa un individuo rassegnato che muta in uno strumento del male per distruggere il bene.

Sentiamo la scena chiave di quest’opera in tre interpretazioni.

Per molti, Vinay era l’archetipo di Otello dopo Tamagno. Dotato di corde vocali spesse, il tenore cileno ha cantato prima come baritono e poi è passato al tenore eroico. Otello è stato il ruolo della sua vita, ma ha rovinato la sua voce con ruoli wagneriani. Così ha cantato Otello per meno di 10 anni. Il seguente estratto è dalla registrazione completa con Toscanini. L’interpretazione di Toscanini ha un tocco dell’originale. Era un violoncellista nell’orchestra alla prima rappresentazione del 1883 e più tardi lavorò con Verdi come direttore delle sue opere. Così questa registrazione ha uno status storicamente elevato. Questa registrazione completa è generalmente considerata come una delle più grandi registrazioni nella storia dell’opera.

Dio mi potevi scagliare tutti i mali (1) – Vinay

 

Il secondo tenore con forza accanto a Vinay fu Mario del Monaco. Ha cantato il ruolo 427 volte nel corso della sua carriera. Mario del Monaco non ha interpretato il ruolo di Otello ma è stato Otello. Raccontò che l’addio al palcoscenico dovuto all’età fu il giorno più buio della sua vita. Mario del Monaco morì il 16 ottobre 1982. Il suo ultimo desiderio fu quello di essere sepolto con il costume di Otello.

Dio mi potevi scagliare tutti i mali (2) – del Monaco

La prossima interpretazione è di Lauritz Melchior in una registrazione in lingua tedesca. Particolarmente notevole è il suo impressionante crescendo da pianissimo a fortissimo di “quel raggio”.

Dio mi potevi scagliare tutti i mali (3) – Melchior

 

 

Trama: Iago appare e riferisce che Cassio è sulla terrazza. Otello si nasconde rapidamente e Iago coinvolge Cassio in una conversazione. Iago vuole che parli di Bianca, la sua amante. Otello sente Cassio e pensa che stia parlando di Desdemona. Le risate dei due gli fanno ribollire il sangue e quando Cassio tira fuori il fazzoletto che Iago aveva messo nella sua stanza, tutto è chiaro per Otello.

Vienni, l’aula è deserta … Questa è una ragna – Gobbi / Del Monaco

 

 

Trama: Questa è la condanna a morte per Desdemona. Otello ordina a Iago di procurarsi un veleno. Iago gli propone di strangolare Desdemona sul letto dove lei ha peccato. Questa idea piace a Otello e lo nomina capitano. Le fanfare annunciano l’arrivo di un inviato veneziano.

Viva! Evviva! Viva il Leon di San Marco!

 

Trama: La sala si riempie di gente quando appare l’inviato. Otello lo saluta alla presenza di Desdemona. Otello viene omaggiato come leone di Venezia. L’inviato gli consegna una lettera del Doge. L’inviato chiede dov’è Cassio, Desdemona ne approfitta per difendere ancora una volta Cassio con Otello. Otello legge sprezzantemente che deve tornare a Venezia e Cassio diventa il nuovo comandante di Cipro. Con rabbia cieca Otello getta a terra Desdemona e la maledice. Tutti sono scioccati. I piani di Iago minacciano di fallire ed egli esorta Otello ad agire in fretta, lui stesso renderà conto di Cassio.

OTELLO ACT IV

L’addio di Desdemona al mondo

Trama: Nella camera da letto di Desdemona. Il presentimento della morte la afferra ed Emilia cerca di calmarla. Desdemona vuole che Emilia metta il suo abito da sposa sul suo letto. Quando morirà, vuole essere sepolta con quello. Desdemona canta la ballata della cameriera di sua madre che è stata abbandonata dal marito e dice addio a Emilia.

Questo pezzo, la cosiddetta canzone del salice, ha un’armonia particolare. L’intonazione eccessiva suggerisce un’origine orientale. La voce è accompagnata da un’arpa, oltre ad essa questo pezzo ha una strumentazione economica, che aumenta l’urgenza di questa canzone. Verdi ha reso il finale particolarmente drammatico, dove prima il vento fa vibrare minacciosamente la finestra e Desdemona saluta Barbara, all’inizio come ogni sera, ma poi quando si rende conto che potrebbe essere l’ultima volta abbraccia Barbara e canta un acuto pieno di dolore.

Nel 1963 Maria Callas ha cantato questa scena in un recital nel suo ritorno. L’interpretazione è impressionante.

Mia madre aveva una povera ancella – Callas

 

Trama: Sola nella stanza prega la Vergine Madre in previsione della sua ora di morte.

Verdi e Boito cercarono di scolpire chiaramente i caratteri dei personaggi principali. Verdi scrisse in una lettera come cercò di mettere questo in musica. “La Desdemona è un ruolo in cui il filo, la linea melodica, non si interrompe mai dalla prima all’ultima nota. Come Iago deve solo declamare e sogghignare, e come Otello, una volta guerriero, una volta amante appassionato, una volta devastato … e una volta brutale come un barbaro, deve cantare e cantare, Desdemona deve sempre cantare” (Verdi, citato da Abbate/Parker).

Desdemona, e non Otello, è il vero avversario di Iago. Al contrario di Otello, lei è in grado di eludere con successo l’influenza di Iago. L'”Ave Maria” di Desdemona rende più ovvio che l'”Ave Maria” è la controparte del “Credo” di Iago. Il contrasto si manifesta non solo nel contenuto (il male contro il bene), ma anche nella musica. Così il Credo di Desdemona è in Maggiore e quello di Iago è in Minore, mentre il primo è dominato da scale ascendenti e il secondo da scale discendenti.

nella prima registrazione. Sentiamo Renata Tebaldi. La sua Ave Maria è soprannaturale, la brillantezza e l’estasi sono toccanti. La Desdemona fu uno dei ruoli più importanti della sua carriera e fu sia il primo che l’ultimo ruolo che cantò al Met.

Ave Maria – Tebaldi

La Yoncheva ha ricevuto ottime recensioni per il suo debutto nel ruolo di Desdemona 2015. Un’interpretazione intima e impressionante della bulgara.

Ave Maria – Yoncheva

La scena della morte – un’atmosfera spettrale

Trama: Otello appare e le chiede se ha pregato, perché ora deve morire. Otello vuole che lei confessi di averlo tradito con Cassio, il fazzoletto è la prova. Desdemona giura la sua innocenza e chiede pietà, ma Otello la strangola a mani nude.
I contrabbassi ovattati creano un’atmosfera notturna deprimente e conducono a un’atmosfera spettrale.

Chi è là – del Monaco

 

 

L’addio di Otello

Trama: Emilia appare e consegna la notizia che Cassio ha ucciso Rodrigo. Emilia vede la morente Desdemona, che afferma di essersi uccisa ma Otello si rivela essere l’assassino. Emilia chiede aiuto. Cassio, Iago e Montano appaiono. Otello spiega il crimine e il fazzoletto come prova. Invano, Iago cerca di impedire a Emilia di dire la verità. Cassio sa tutto, il morente Rodrigo ha confessato l’inganno di Iago. Otello riconosce il suo errore fatale e si uccide con un pugnale. Morendo, bacia Desdemona un’ultima volta.

Otello canta se Desdemona sera ha già pregato su un toen (“Diceste questa sera le vostre preci”). Come in molti luoghi, Verdi prescrive il termine “cupo”, che significa qualcosa come scuro o cupo.

“Niun mi tema” è l’ultima scena di morte che Verdi ha scritto nella sua lunga carriera di compositore. È rassegnativa. Accordi scuri in minore accompagnano Otello al suo suicidio. Otello crolla morente, la musica cambia in maggiore e un’ultima volta suona la melodia d’amore.

Aprite … Niun mi tema – Domingo

Jonas Kaufmann ha sempre selezionato con cura i suoi ruoli. Nel 2016 ha finalmente cantato il suo primo Otello completo. Politicamente corretto, il volto non era più nero. L’altezza vocale di questo ruolo non corrisponde al cento per cento alla sua voce. La sua interpretazione del “niun mi tema”, è quella di un Otello vulnerabile quasi tenero.

Niun mi tema – Kaufmann

Riascoltiamo l’Otello della prima, Francesco Tamagno. “Nessun cantante ha espresso più vividamente l’idea verdiana di “suoni quasi senza chiave” di Tamagno nelle tre declamazioni “morte”, nessuno ha reso l’ultima frase più duttile. (Kesting)

Niun mi tema – Tamagno

Raccomandazione di registrazione dell’opera OTELLO

DECCA con Mario del Monaco, Renata Tebaldi e Aldo Protti sotto la direzione di Herbert von Karajan e l’Orchestra Filarmonica di Vienna.

Peter Lutz, opera-inside, la guida all’opera online di OTELLO di Giuseppe Verdi.

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