Esta ópera de Giuseppe Verdi é considerada um trabalho agradável sobre a contribuição de Shakespeare para a literatura mundial. Para muitos tenores, o papel de Otello é a coroação da sua carreira.
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A génese da Threepenny Opera foi dramática. Todos esperavam um fracasso. Mas a estreia a 31 de Agosto de 1928 tornou-se um sucesso triunfante inesperado e tornou Kurt Weill e Bertold Brecht de repente famosos. As melodias de Weill tornaram-se populares e a obra foi executada 10.000 vezes só nos primeiros 5 anos.
Ler factos interessantes e ouvir grandes vídeos do YouTube sobre a famosa Ária “SUMMERTIME“.
Com “Porgy and Bess” Gershwin atingiu o auge da sua carreira. Com esta composição, conseguiu criar uma obra de projecção internacional, uma das grandes óperas populares da história. A execução desta ópera envolve grandes dificuldades, razão pela qual a obra é raramente ouvida. A força e autenticidade desta ópera levou todos os grandes do jazz do século passado a cobrir muitas canções.
Verdi raramente se identificou tanto com um papel como com o da Violetta. Devido à sua biografia, ele foi capaz de se colocar no lugar das personagens ao mais alto grau, e nunca a sua música foi tão comovente e trágica como nesta ópera. Traviata tornou-se a ópera mais popular de Verdi, em muitos países até a ópera mais popular de sempre.
A ópera é considerada como a primeira obra-prima de Verdi e estabeleceu a sua fama mundial. O terceiro acto é um dos destaques de toda a literatura de ópera.
“l’incoronazione di Poppea” inspira-se num enredo envolvente com pessoas feitas de carne e osso. É A obra-prima do início do período barroco e Monteverdi apresenta-se como um mestre maduro e criador inovador, que influenciou significativamente a história da ópera com este “dramma per musica”. Ainda hoje, não só o dueto final ainda move os corações dos ouvintes.
Conteúdo
♪ Prologo
♪ Act I
♪ Act II
♪ Act III
Fortíssimos
♪ Sinfonia
♪ E pur io torno qui, qual linea al centro
♪ Signor, deh, no partire … Non temer
♪ Disprezzata Regina Lamento
♪ Oblivion soave Canção de embalar
♪ A Dio Roma, a Dio Patria, amici a Dio Lamento
♪ Coro di Amori: Or cantiamo giocondi
♪ Pur ti miro, pur ti godo Dueto de amor
Recording recommendation
Veneza, 1905
Francesco Busenello, com base na história histórica de Nero.
Ottone, patrício (alto / countertenor) - Poppea, Esposa de Ottone (soprano) - Nero, imperador romano (soprano / tenor castrato) - Seneca, político e filósofo (baixo) - Drusilla, senhora do corte (soprano) - Arnalta, Ama de Poppea (countertenor / soprano castrato) - Amor, Deus do Amor (soprano)
UNITEL/DG, Rachel Yakar, Trudeliese Schmidt, Eric Tappy, Paul Esswood, Matti Salminen, Janet Perry. Alexander Oliver conduzido por Nikolaus Harnoncourt e o Ensemble Monteverdi da Ópera de Zurique.
Monteverdi merece sem dúvida o mérito de ter co-fundado a forma de arte da ópera. Embora não tenha escrito a primeira ópera (esta honra pertence ao italiano Jacopo Peri), escreveu com “Orfeo” a primeira ópera que permaneceu no repertório até hoje e criou importantes elementos estilísticos da nova forma de arte, que vão ser descritos nas secções seguintes. Enquanto as obras de Jacopo Peri ainda eram “música sem paixão”, este novo género de ópera foi realmente lançado com “Orfeo” de Monteverdi, o primeiro “dramma per musica”. Com “L’incoronazione di Poppea”, quase 40 anos mais tarde, Monteverdi desenvolveu ainda mais este género com um segundo salto quântico, na espantosa idade de 75 anos, na sua primeira floração.
Antes de mais, deve dizer-se que não há nenhuma partitura deste trabalho no sentido clássico. A partitura original perde-se, existem “apenas” duas cópias de duas versões diferentes (a veneziana, que é provavelmente uma cópia do original e a napolitana, que é provavelmente uma variação). O princípio composicional foi que apenas o baixo e as partes melódicas foram anotados. Tanto o acompanhamento como a orquestração não são transmitidos, e devem ser definidos pelos intérpretes. Como resultado, as gravações de uma mesma passagem podem ser muito diferentes umas das outras.
Embora conheçamos a lista de instrumentos que foram utilizados como um todo, não sabemos em pormenor quando devem ser utilizados. Apesar de existirem regras de ouro quando os cantores devem ser acompanhados apenas pelo basso continuo ou quando a instrumentação deve ser mais rica (por exemplo no ritornelli), por mais incertezas que subsistam.
Sabemos que Monteverdi preferiu uma instrumentação rica, mas também a adaptou à situação nos teatros, uma vez que os músicos tocavam habitualmente em palco.
A linguagem lírica de Monteverdi queria expressar os sentimentos dos seres humanos, Monteverdi acreditava que a música devia fazer as pessoas chorar, e não discutir. A música não deveria seguir regras rígidas, mas deveria dar espaço à condição humana e expressá-la. Uma das consequências mais sensacionais foram as dissonâncias de Monteverdi. Para os seus contemporâneos estas monstruosidades eram monstruosidades que representavam estados de espírito extremos e desencadeavam fortes polémicas na altura. A famosa “Lasciatemi morire” da ópera “Arianna” – o grito de dor – pode ser usada como ilustração. Ouçam isto:
Lasciatemi morire – von Otter
Outro belo e famoso exemplo de um Lamentos dissonante pode ser encontrado no famoso madrigal “Lamento delle ninfe”. Na amostra de som, ouça uma dissonância às 0:48 com a palavra “dolor” (dor), que ainda hoje nos magoa os ouvidos, os quais estão habituados a dissonâncias. Com o subsequente famoso e arquétipo Lamento sobre um “Basso ostinato” (quatro acordes graves descendentes e repetitivos) Monteverdi tornou-se um verdadeiro definidor de estilo.
Lamento delle ninfe
O primeiro castrati apareceu no século XVI. Foram treinados pelas igrejas e formaram um importante pilar da música vocal das igrejas. Logo encontraram o seu caminho para o novo género de ópera e Monteverdi já empregava castratos em papéis de apoio na sua primeira ópera revolucionária “Orfeo” (1607). Na sua “L’incoronazione di Poppea”, os castratos aparecem pela primeira vez no papel principal. O papel de Nero, portanto o primeiro herói castrato na história da ópera, foi desempenhado por um castrato soprano, e o papel de bufo da enfermeira(!)Arnalta, daí o primeiro drag queen, foi interpretado por um castrato tenor.
Hoje em dia coloca-se a questão de como o papel de Nero, com o seu registo extremamente elevado, deve ser elenco. Na maioria das vezes o papel é cantado por um contratenor, ocasionalmente por uma soprano feminina ou um tenor.
Harnoncourt, por exemplo, um maestro especializado em música antiga, usou uma soprano (Elisabeth Söderström) para o papel de Nero na sua gravação com o Concentus musicus e um tenor (Eric Tappy) na gravação com Ponnelle e a Ópera de Zurique. Não há certo ou errado, no tempo de Monteverdi, os limites dos papéis de género não eram tão rigorosos, a ambiguidade era algo encantador, ou podia ser usado comedicamente, como mostra o casting do papel de enfermeiro por um homem.
Primeiro a palavra e depois a música (prima la musica, poi le parole) foi o credo de Monteverdi. Ele queria dar vida aos sentimentos do povo. A música tornou-se monódica e assim o texto e o significado do libreto foi reforçado. Assim, Monteverdi dependia de um parceiro agradável, um dramaturgo que não só podia escrever um belo poema, como também podia contar uma história para o seu “dramma per musica”.
O autor do libreto era o advogado veneziano e poeta Francesco Busenello. Para a ópera utilizou a então moderna forma veneziana com prólogo e três actos.
Busenello e Monteverdi escolheram papéis que se tornaram arquetípicos. Em primeiro lugar, o contraste entre o casal de alta patente (Nero / Poppea) e o casal de baixa patente (Ottone / Drusilla) deve ser mencionado. Além disso, usaram pessoas comuns como personagens cómicos (os enfermeiros, os criados), bem como o papel do esquema (Octavia) e o papel das calças. Como esta constelação nos parece próxima da ópera “Le nozze di Figaro” de Mozart, que foi composta 150 anos mais tarde e escrita pelo veneziano da Ponte!
As personagens criadas por Monteverdi e pelo seu libretista Busenello parecem-nos ser pessoas de carne e osso, tornando-nos mais fáceis de identificar com elas do que com a maioria das personagens de óperas de séculos posteriores que estão mais próximas em termos de tempo.
Monteverdi e o seu libretista basearam a sua história, pela primeira vez, não na mitologia grega, mas em material histórico. Mostram uma sociedade romana decadente, cheia de pessoas egoístas, sem escrúpulos e cínicas. Os criadores da obra conseguiram (como o seu Shakespeare contemporâneo) retratar de forma realista as pessoas com as suas fraquezas humanas.
Nesta fase da ópera barroca não houve separação entre seria e bufa. A ópera encarna tanto os elementos trágicos do drama como os elementos bufos. No final dos anos 1630, as óperas foram escritas especialmente para a época carnavalesca (esta obra é uma delas), pelo que uma comédia num drama era permitida, mesmo desejada, para apelar à crescente classe abastada de mercadores que eram menos educados do que o clero e a nobreza. Só décadas mais tarde é que Metastasio criou o estilo barroco da serie da ópera e os caminhos dos bufos da ópera e da serie separados para sempre.
Temos sorte que esta ópera tenha sido preservada para nós. Em 1651, quatro anos após a morte de Monteverdi, a ópera foi novamente apresentada em Nápoles e uma notação musical limpa foi preservada. A partitura original desapareceu, pelo que existem duas fontes de música diferentes. Os documentos tinham sido perdidos durante muito tempo e foram redescobertos em 1888, publicados pela primeira vez pela Goldschmidt em 1904 e executados pela primeira vez em 1908. Em 1954 foi apresentado em Viena sob a direcção de Paul Hindemith com instrumentos parcialmente originais. Na orquestra sentou-se Nicolaus Harnoncourt, que juntamente com Jean-Pierre Ponnelle gravou um sensacional ciclo de Monteverdi sobre instrumentos da época na Ópera de Zurique nos anos 70, com uma riqueza barroca de encenação. Eles anunciaram um verdadeiro Renascimento de Monteverdi.
Synopsis: No mundo dos deuses..
Monteverdi começa o trabalho com uma abertura solene e breve. É interessante comparar diferentes gravações; elas diferem muito, uma vez que (como descrito na secção de introdução) a instrumentação exacta das peças musicais não é conhecida.
Sinfonia – Harnoncourt
Synopsis: Fortuna (destino) e Virtù (virtude) discutem sobre quem está no comando do mundo. Será o dinheiro ou a incorruptibilidade? Cupido é de uma opinião diferente, ele quer provar aos dois que só o amor determina o curso das coisas.
Deh nasconditi o virtu
Synopsis: Ottone regressa do serviço militar a casa. Ele está feliz por ver a sua esposa Poppea novamente. Em frente da casa vê os guardas do Imperador, sabe agora que Nero passou a noite com Poppea. Ottone é destruído. Ele esconde-se.
Monteverdi acompanha sensivelmente todas as nuances do texto com instrumentos em mudança e mostra-se um mestre do acompanhamento colorido ao arioso de Ottone.
E pur io torno qui, qual linea al centro – Esswood
Synopsis: Em frente da casa há dois guardas, falam do imperador corrupto, que, em vez de manter a ordem, pensa apenas no seu prazer. Nero aparece, acompanhado por Poppea. Ela quer que ele fique, ele promete-lhe que em breve banirá a sua esposa e Poppea tornar-se-á a nova imperatriz.
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A primeira parte desta passagem está escrita no estilo declamatório do “recitar cantando”. Gradualmente a peça ganha vida e dá ao tenor (castrato) a oportunidade de brilhar com belos ornamentos das 6:45 e ao Poppea a oportunidade de definhar maravilhosamente às 7:15 (“Tornerai”). É a tentação sexual não envernizada que Monteverdi acentua com a voz baixa de Poppea nesta cena.
Signor, deh, no partire … Non temer
Synopsis: O poppea triunfa. Mas o seu criado Arnalta avisa-a do inconstante Nero e da sua esposa Ottavia, que descobriu as aventuras do seu marido e pode procurar vingança.
Poppea aparece-nos como uma mulher moderna, de modo algum como a nobre mulher “não me toques”. O papel de Arnalta foi um papel castrato e, claro, cómico. A senhoria e a criada trocam golpes, que Monteverdi encenou magistralmente.
Speranza tu mi vai – Persson
Synopsis: Octavia está nas câmaras imperiais juntamente com a sua enfermeira. Ela lamenta o seu destino da esposa enganada.
As lamentações foram sempre pontos altos das óperas barrocas, comovente é a sua question retórica “Nero…dove sei? (“Nero onde estás?”) às 3:03 e os subsequentes gestos de desespero.
Ouvimos o lamento na interpretação assombrosa de Jennifer Larmore.
Disprezzata Regina – Larmore
Synopsis: A sua enfermeira recomenda-lhe que procure um amante e assim se vingue de Nero e se divirta. Quando o Senador Séneca a visita, ela conta-lhe o que aconteceu. Séneca aconselha-a a permanecer virtuosa, e uma página acusa-o sem rodeios de espalhar apenas belas palavras. Ottavia pede a Séneca que se mantenha ao seu lado.
O Séneca parece medido mas pretensioso.
Ecco la sconsolata – Salminen
Synopsis: Todos excepto Séneca deixam a sala. Pallas Athena aparece e anuncia a sua morte iminente. Séneca recebe esta mensagem calmamente, logo após o aparecimento de Nero. Diz-lhe que vai casar com o Poppea hoje. Séneca avisa-o para não incomodar o povo e o Senado, mas Nero está determinado a prevalecer e expulsa Séneca do palácio.
O efeito que Monteverdi criou com o choque do soprano e do baixo foi grandioso e dramatizou o contraste entre as duas personalidades. A primeira parte permanece no “stile recitando” e muda das 3:00 da manhã para o famoso “stile concitato” agitado de Monteverdi, inventado por ele, que pinta magnificamente musicalmente o choque das duas potências. Para o intérprete de Nero, o desafio era moldar as explosões, por vezes barulhentas, de tal forma que a sua voz permanecesse suficientemente suave para o dueto final, onde tem de cantar belas linhas num registo extremamente elevado.
Son risoluto al fine – Tappy / Salminen
Synopsis: Poppea avisa Nero sobre Séneca e Nero decide enviar a Séneca uma ordem para cometer suicídio e deixa a casa.
Uma ária de Nero, na qual elogia a beleza de Poppea.
Quest’eccelso diadema ond’io sovrasto – Tappy
Synopsis: Ottone visita Poppea e tenta reconquistar o favor da sua esposa. Mas ela não quer saber mais nada sobre ele, o trono está demasiado próximo.
Ad altri tocca in sorte – Domènech / Persson
Synopsis: Ottone visita Poppea e quer falar com ela. Poppea explica que ela escolheu Nero e o trono.
Otton, torna in te stesso – Esswood
Synopsis: Ottone consola a Drusilla de Poppea, que há muito está apaixonada por ele.
Pur sempre di Poppea – Esswood / Perry
Synopsis: Seneca está no jardim da sua casa enquanto Mercúrio aparece. Ele recebe o anúncio da sua morte iminente com compostura. Aparece o soldado Liberto. Antes de poder dar a ordem a Nero, Séneca avisa-o que sabe o motivo da sua visita e que pode dizer a Nero que terminará a sua vida antes da noite. Os amigos de Séneca lamentam o seu destino. Ele pede-lhes que preparem o banho onde ele cortará os pulsos.
Na primeira parte, ouvimos o luto de Séneca, seguido do aparecimento dos seus amigos. Esta passagem de três vozes é composta em três secções, lenta-rápido-baixa. As partes lentas estão escritas no “velho estilo madrigal”. A parte do meio rápido é mantida estranhamente alegre na música e no texto (“Esta vida é demasiado doce, este céu é demasiado claro, cada amargura, cada veneno”), provavelmente uma homenagem ao carnaval.
Amici, è giunta l’hora – Sedov / Grégoire / Bennett / Inaç
Synopsis:No palácio de Nero a página e a empregada confessam o seu amor uma à outra.
Após a proclamação da morte, Monteverdi quis dar algum descanso à audiência e inseriu um dueto dos dois criados ao estilo de uma canzonetta (uma peça de canto mais leve e secular). Esta cena oferece ao realizador a oportunidade de entreter o seu público com um humor caloroso no estilo do carnaval.
Sento un certo non so che
Synopsis:Nero agora pode casar com Poppea. Ele celebra com o seu confidente Luca No palácio e elogiam a sua beleza.
Esta peça exuberante em forma de bacanal dá ao cantor a oportunidade de brilhar no início com coloraturas bonitas e virtuosas. Claro que Monteverdi e o seu libretista aludiam à alegada homossexualidade de Nero com esta cena.
Hor che Seneca è morto… Idolo mio…. I mieti subiti sdegni – Jaroussky / Vidal
Synopsis: Ottavia não permaneceu passiva e convocou Ottone. Ela lembra-lhe que uma vez a sua família tinha sido enobrecida pelos seus antepassados. Ela agora exige que ele mate Poppea. Ottone sabe que esta seria a sua sentença de morte e hesita. Mas a imperatriz chantageia-o, se ele não prometesse fazer a escritura, ela diria a Nero que ele a tinha atacado. Ottone capitula e regressa a casa, onde a Drusilla o espera. Ele explica-lhe a sua situação. Para matar Poppea ele quer disfarçar-se de Drussilla. Drusilla quer ajudá-lo e ele escorrega para dentro da roupa dela.
Synopsis: Na véspera da sua coroação, Poppea vê-se no destino dos seus sonhos e deita-se para descansar. A sua enfermeira promete tomar conta dela.
Ouvimos a encantadora canção de embalar “Oblivion soave” da Travesty-Nurse de Poppea com um delicado acompanhamento da orquestra.
Oblivion soave – Jaroussky
Synopsis: A enfermeira adormece e aparece Cupido. Ele quer proteger Poppea da aproximação de Ottone.
Dorme l’incauta, dorme
Synopsis:Ottone aparece disfarçado de Drusilla. Ao levantar a sua espada acima do Poppea adormecido, Cupido entra. Poppea acorda e pensa que a Drusilla quer matá-la, Ottone consegue escapar.
Synopsis: Em casa Drusilla espera alegremente o seu amante, que em breve terá para si.
O felice Drusilla, o che sper’io – Bott
Synopsis: Mas os soldados vêm no seu lugar para a prender e condená-la por homicídio. Quando Nero aparece e a ameaça com tortura, Drusilla sacrifica-se e afirma que ela própria queria matar Poppea, pelo que Nero ordena-lhe que morra de forma agonizante. Agora Ottone aparece e confessa a verdade de que estava a agir em nome da imperatriz. Nero triunfa, o que lhe dá a ansiada razão para se separar da sua esposa. Castiga Ottone, privando-o de todos os seus bens e expulsa-o de Roma, perdoando Drusilla por ser um exemplo brilhante para todas as esposas, sacrificando-se pelo seu marido. Drusilla insiste em que lhe seja permitido acompanhar Ottone. Nero aceita e envia os seus soldados para Ottavia para a expulsar do país com um navio. Poppea aparece, e os dois celebram o resultado dos acontecimentos.
Signor, oggi rinasco ai primi fiati
Synopsis: Wistfully Ottavia entra no navio e deve despedir-se de Roma.
Pela segunda vez, Ottavia canta um grande lamento. A música do acompanhamento é triste e as dissonâncias exalam desânimo.
A Dio Roma, a Dio Patria, amici a Dio – d’Oustrac
Synopsis: Arnalda triunfa, agora ela pode mudar-se para o palácio. O dia da coroação amanhece, Nero orgulhosamente apresenta a Poppea o esplendor da coroação. Cônsules e tribunas aparecem nas celebrações.
A te, sovrana Augusta und Sinfonia – Fredman
Synopsis: Cupid triunfa, ele ganhou a aposta.
Coro di Amori: Ou cantiamo giocondi – Jacobs
Synopsis: Numa cerimónia solene, Poppea é coroado imperatriz.
Monteverdi conclui esta ópera com um belo dueto cheio de amor e erotismo. As vozes de Poppea e Nero abraçam-se literalmente, seguem um ao outro, exigem um ao outro e são colocadas em intervalos próximos.
A peça não foi incluída na versão original do libreto de Busenello. Foi escrita e composta posteriormente (há mesmo opiniões que afirmam que não foi escrita pelo próprio Monteverdi).
Pur ti miro, pur ti godo – Jaroussky / De Niese
Como segunda versão, ouvimos uma gravação celestial, revelando-se em ritmo lento com um erotismo que crepita:
Pur ti miro, pur ti godo – Cencic / Yoncheva
UNITEL/DG, Rachel Yakar, Trudeliese Schmidt, Eric Tappy, Paul Esswood, Matti Salminen, Janet Perry. Alexander Oliver sob a direcção de Nikolaus Harnoncourt e do Ensemble Monteverdi da Ópera de Zurique
Peter Lutz, opera-inside, o guia de ópera online sobre L’INCORONAZIONE DI POPPEA de Claudio Monteverdi.
O Rosenkavalier oferece aos amantes da música duas das mais sublimes cenas de toda a literatura da ópera. A apresentação da rosa prateada e a cena de encerramento devem ser mencionadas. Tal como Mozart, Strauss foi um compositor para vozes femininas e com esta ópera criou com o Marschallin, Sophie e Octavian três papéis imortais para sopranos. Os três diferentes papéis principais femininos foram muitas vezes interpretados pelos mesmos cantores ao longo das suas carreiras: Octávio e Sophie numa idade jovem e média, o Marschallin em anos mais maduros.
Poucas óperas podem evocar tais tempestades de aplausos no final de uma actuação como a Elektra. A sua música e o seu papel principal é único na literatura de ópera, e Strauss, o grande pintor de tom, foi capaz de ir até aos limites do seu tempo com esta música.
O Fausto de Gounod é uma das grandes óperas. É uma obra-prima com muitas cenas de aperto que se tornaram famosas. O papel de Margeritue é um dos mais belos e exigentes papéis da literatura de ópera.
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