3 бессмертных фрагмента из оперы “ТРАВИАТА” Верди – с лучшими интерпретациями с YouTube (Hits, Best of)

Верди редко отождествлял себя с какой-либо ролью так сильно, как с ролью Виолетты. Благодаря своей биографии, он был способен в высшей степени сопереживать героям, и никогда его музыка не была более эмоциональной и трагичной, чем в этой опере. Травиата” стала самой популярной оперой Верди, а во многих странах – самой популярной оперой в истории.

 

 
 
 

 
 
 

Виолетта очарована, но она отпугивает эти глупые мысли

Фолли. Это все безумие, и она отгоняет эти мысли. С виртуозными трелями и пробежками, ведущими к высокому Des, она поет о наслаждении. Подгоняемая пением Альфредо, которое она слышит через открытое окно, она завершает эту пламенную и виртуозную кабалетту экстатическим высоким си.
Послушайте замечательную Анжелу Георгиу в записи 1995 года. В создании этой полной записи “Травиаты” было что-то сказочное. Ключевым событием стала ее встреча с Георгом Шолти. В 84 года Шолти хотел впервые записать “Травиату” с неиспользованными силами и наткнулся на Анджелу Георгиу. На прослушивании она сразу же убедила его. Остальное – легенда: “Ее выступление спонтанно убедило руководство телевидения BBC изменить программу и провести прямую трансляцию спектакля в Королевском оперном театре в Лондоне. Так началось триумфальное шествие сопрано в Лондоне” (источник: Википедия).

Sempre libera – Gheorgiu

 
 
 
 
 
 

Жермон разговаривает с Альфредо

Альфредо не заметил, что Виолетта уехала из дома на карете в Париж, когда посыльный вручил ему письмо Виолетты. Альфредо, не знающий предыстории, глубоко потрясен. В этот момент появляется его отец и узнает о прощальном письме Виолетты. Жермон пытается утешить сына воспоминаниями о доме детства Альфредо.
Выразительной кантиленой виолончели в сопровождении флейты Верди вводит нас в мир Жермона. Баритон исполняет ностальгическую мелодию, украшенную изящными орнаментальными нотами. Слушателю она кажется почти колыбельной, призванной успокоить ребенка.

Послушайте запись американского баритона Роберта Меррилла с оркестром NBC под управлением Артуро Тосканини. Роберт Меррилл в своих мемуарах много писал о работе над “Травиатой” с Тосканини. С одной стороны, он нарисовал картину тирана, который не останавливался даже перед самыми примитивными поношениями, но также и картину одаренного музыканта: “Маэстро сделал тебя лучше, чем ты когда-либо думал, что можешь быть. Он заставил вас парить. Он сделал невозможное возможным”. Послушайте впечатляющую запись этого сотрудничества, сделанную в 1946 году. Меррилл впечатляет своим лирическим баритоном большой звучности.

Di Provenza il mar, il suol – Merrill/Toscanini

 
 
 

 
 
 

Виолетта прощается с миром

Пока Виолетта читает письмо Жермона, мы слышим, как любовная тема нежно звучит в струнных. Начинается одна из величайших прощальных арий оперной литературы, которую вводит гобой и сопровождают шестнадцать струнных инструментов с приглушенным звучанием. Пение Виолетты периодически обыгрывает cor anglais, иногда удваивается. Первая строфа звучит мрачно в миноре, вторая – преображенно в мажоре.

Teneste la promessa…addio del passato – Callas

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “Симон Бокканегра” Верди – с лучшими интерпретациями с YouTube (Хиты, Best of)

Исполняя главную роль Симона Бокканегры, Верди написал грандиозный портрет этой роли. Несколько запутанный сюжет дал композитору простор для великих сцен. Как и “Макбет”, “Симон Бокканегра”, несомненно, является шедевром, но, тем не менее, остается оперой для ценителей.

 

 
 
 

 
 
 

Трогательный, мрачный “il lacerato spirito” Фиеско

Фиеско выходит из дворца с мрачным выражением лица. Его дочь только что умерла в стенах дворца. Он упрекает себя за то, что не смог защитить ее, и проклинает ее соблазнителя Бокканегру.
Эта мрачная и трогательная ария Фиеско сопровождается вступлениями мужского хора “miserere” и причитаниями женского хора. Оркестровое сопровождение сдержанно в оркестровке, что создает трогательный эффект. Ария благородного и гордого Фиеско показывает его в самом уязвимом положении. Болезненное отчаяние, богохульные восклицания in forte и молитва к дочери требуют от баса продемонстрировать голосом широкий спектр эмоций и, соответственно, широкий диапазон красок. Пьеса не должна превратиться в поверхностную демонстрацию вокальной мощи.
После затухания арии площадь заполняется людьми, что Верди ловко использовал для завершения арии длинным эпилогом, драматически усиливающим безысходность момента.
Мы слышим эту сцену в телевизионной версии постановки Аббадо/Стрелера в “Ла Скала”.

A te l’estremo … Il lacerato spirito – Ghiaurov

 
 
 
 
 
 

Торжественный вход Амелии

Для первого появления Амелии Верди написал прекрасную, задумчивую арию, сопровождаемую пением флейты.
Мирелла Френи, Амелия из записи Аббадо, блистала в этой роли. Ее светлое, чувственное сопрано, которое льется на слушателей как “золотой дождь”, идеально подходит для этой роли, которая, в отличие от многих других героинь Верди, не относится к области драматического спинто, а требует лирического сопрано.

Come in quest’ora bruna – Freni

 
 
 

 
 
 

Сцена в зале большого совета

В зале совета Генуи. Совет обсуждает политику по отношению к своему сопернику из Венеции. Симон предлагает заключить лигу с венецианцами, он не хочет братоубийственной борьбы. Но Паоло и плебеи хотят войны. Дож обращается к соперничающим сторонам с великой речью о сохранении единства.
Верди хотел расширить эту сцену в редакции 1881 года и вставил в этот момент так называемое “pezzo concertato”, ансамбль хора и солистов. Он ведет его через великий монолог “Plebe! Патриции! Пополо!” Бокканегры.

Плебе! Патрици! Popolo – Cappuccilli

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “МАКБЕТ” Верди – с лучшими интерпретациями с YouTube (Hits, Best of)

Macbeth_Verdi_3_immortal_pieces_of_opera_music

Если бы успех оперы зависел от ее величия, то “Макбет” был бы далеко впереди по популярности у зрителей. Возможно, именно отсутствие любовного сюжета (итальянцы называют “Макбет” Верди “оперой без любви”) стоит на пути популярности этого произведения. Это не может быть связано с музыкой. В произведении нет ни одной слабой минуты, оно захватывает слушателя от начала до конца. В музыкальном и художественном отношении оно стоит на одном уровне с двумя другими шекспировскими произведениями Верди – “Отелло” и “Фальстафом”.

 

 
 
 

 
 
 

Концепция Верди относительно роли леди Макбет

Верди требовал, чтобы леди Макбет декламировала письмо, а не пела его. Для композитора заставить примадонну читать письмо при ее первом появлении, вместо того чтобы дать ей возможность блеснуть бравурной арией, было неслыханно для того времени. Более того, Верди требовал от Марианны Барбьери-Нини, леди Макбет премьеры, чтобы его концепция роли была неизменно уродливой (что зафиксировано в письмах).
1952 год стал, пожалуй, самым ярким годом Марии Каллас в вокальном плане. В этом году она окончательно утвердилась в качестве ассолюты в драматической и орнаментированной сфере. 7 ноября 1952 года Мария Каллас спела одно из самых важных выступлений в своей карьере. Макбет” открывал сезон в “Ла Скала”. Ее Леди Макбет была сенсационной, а шумиха вокруг нее переросла в манию Каллас.

Карл Бём однажды назвал гречанку “величайшей трагик в мире”. Интерпретация следующей арии позволяет слушателю убедиться в точности его высказывания. Ни одна другая певица не обладала такими возможностями, которые были в распоряжении Каллас, чтобы драматически и музыкально обрисовать Леди Макбет во всех грандиозных деталях. Это ее заслуга, что эта опера вернулась в репертуар.

Vieni! t’affretta accendere… Or tutti sorgete – Callas.

 
 
 
 
 
 

Гимн родного города от Верди

В классическом стиле Верди сочинил “Patria oppressa”, произведение, которое стало известным как ностальгический гимн родины, не в последнюю очередь по политическим причинам.

Patria oppressa – Abbado

 
 
 

 
 
 

Сцена великого лунатизма

В замке леди Макбет мучают видения. В психическом расстройстве она пытается стереть воображаемые пятна крови со своих рук.
Верди прямо требовал, чтобы леди Макбет на премьере пела “безобразно”. Певица, изначально предназначенная для этой роли, была отвергнута Верди, потому что она “пела слишком красиво, и если бы сцена лунатизма не сработала, вся опера была бы испорчена”. Удивительные слова в те времена, когда Доницетти был еще жив, а Беллини не так давно умер! Ария заканчивается прекрасным “fil di voce”, звуком, замирающим в высоком регистре, который переносит голос в высокое des.
Критики согласны с тем, что интерпретация этой сцены Марией Каллас является одной из величайших в истории записи оперной музыки. Ардуэн говорил об “одном из самых выразительных моментов пения, когда-либо запечатленных на пластинке”, а Кестинг – о том, что “даже при повторном прослушивании нет предела изумлению от богатства тональных и жестикуляционных деталей”. Только один человек, сам Верди, мог придумать такое”.

Una macchia è qui tuttora – Callas

 

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “Евгений Онегин” Чайковского – с лучшими интерпретациями с YouTube (Hits, Best of)

Eugen_onegin_Tchaikovsky_3_immortal_pieces_of_opera_music

Чайковский написал десять опер, и “Евгений Онегин” – его самая известная и прекрасная опера. Эмоциональная музыка, ослепительная оркестровка и внутренний драматизм характеризуют это произведение. Кроме того, Чайковский дарит нам прекрасные, музыкальные оркестровые пассажи, напоминающие о его самых красивых балетах.

 
 
 

 
 
 

Ариетта Татьяны — Татьяна («Сцена письма»)

Татьяна пошла гулять с Онегиным, она чувствовала странное влечение к нему, а Онегин прохладно шел рядом с ней. Вечером в своей комнате она не может заснуть. Чувствительная Татьяна поняла, что влюбилась в Онегина. Она садится за письменный стол и пишет Онегину восторженное любовное письмо. В то же утро она отдает его Онегину.
Сцена с письмом – один из величайших монологов в истории оперы. В этой знаменитой сцене Татьяна проходит через все эмоциональные состояния. От безнадежного отчаяния до экстатического приподнятого настроения. Монолог разделен на четыре части, каждая из которых может быть самостоятельной.

В этой эпистолярной сцене мы узнаем о четырех важных мотивах памяти. Вступление описывает пламенную тоску Татьяны. Вибрирующее тремоло струнных отражает внутреннее смятение и разлад. Смена оркестрового вступления на быстрые шестнадцатые ноты с щипковыми восьмыми нотами взволнованного сердцебиения имитирует ее колебания по поводу того, стоит ли писать письмо. Вскоре Татьяна вступает со своим решением: “Puskai pogibnu y” (“И если бы это был мой конец”). Пение становится все более лихорадочным, поднимаясь волнами до высокого ля-бемоля и завершаясь решением немедленно сесть за стол: “Везды, на до мне!”. Когда певица садится за стол, она умолкает, оркестр успокаивается и начинает новое вступление, на этот раз спокойное. Лейтмотив Татьяны слышен в струнных:

 

Татьяна берет перо, но после нескольких ударов замирает, что же ей писать? Появляется мотив Онегина, нежно пропетый несколько раз гобоем:

 

Но она колеблется: “Не в силах я владеть своей душой!”. Какова же альтернатива? Чайковский цитирует мотив одиночества Татьяны у флейт:

 

На мотив Онегина в оркестре она начинает писать , она раскрывает все. Она пишет признание в своих душевных муках. Чайковский все больше и больше увеличивает темп, музыка становится все более актуальной. Затем настроение резко меняется, когда гобой поет мотив признания в любви:

 

Татьяна сначала нерешительно и нежно подхватывает мотив: “Кто ты? Мой ангел-хранитель или коварный искуситель?” (“Kto ti: moi angel li khranitel”). Страх отказа велик, но она хочет попробовать. Когда она подписывает письмо, звучат великолепные медные и ликующие струнные, и Татьяна заканчивает арию трепетными словами.

 

Сцена письма в исполнении Анны Нетребко просто великолепна. Она мастерски владеет интимными частями этого произведения, ее пение тонко, пианино захватывает дух, только для того, чтобы чуть позже выдать экстатические верхние ноты в большом запале из своего полного горла.

«Пускай погибну я, но прежде…» – Нетребко

 
 
 
 
 
 

Великая ария Ленского “Куда, куда

“.
Наступает утро дуэли. Ленский стоит среди пустынного снежного пейзажа. В ожидании Онегина его мысли в смертельном предчувствии возвращаются к прошедшей юности и любви к Ольге.
Меланхоличная “Куда, куда” стала эстрадным номером многих теноров. В плейлисте вы можете услышать четыре версии.
Вы получите впечатление от классического русского тенора в удивительно хорошем качестве звука (год записи 1912) с голосом, возможно, лучшего русского тенора, Леонида Собинова из этого произведения под названием “Ария Ленского”. Русские тенора звучат несколько необычно для западного слуха. Они обладают высоким тембром, звучат очень элегично и способны петь красивые линии. Но они не так богаты красками и иногда звучат несколько коряво (Kesting).

Куда, куда, куда вы удалились (Ария Ленского) – Собинов

 
 
 

 
 
 

Трагический финал

Утро в доме Гремина. Татьяна получила письмо от Онегина, который вот-вот должен появиться. Татьяна хорошо помнит, как два года назад Онегин отшил ее с холодным сердцем. Счастье было так близко, но теперь она замужем и просит Онегина уйти. Онегин отказывается. Взволнованная Татьяна признается ему в любви. Но ее верность принадлежит мужу. Онегин не хочет с этим мириться, но Татьяна отвергает его и выходит из комнаты. Онегин поспешно покидает дом.
Мы слышим отрывок этой сцены из гала-концерта Анны Нетребко и Дмитрия Хворостовского на Красной площади в Москве.

О! как мне тяжело! – Нетребко/Хворостовский

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “ЭЛЕКТРА” Штрауса – с лучшими интерпретациями с YouTube (Hits, Best of)

Elektra_Strauss_3_immortal_pieces_of_opera_music

Немногие оперы могут вызвать такие бурные аплодисменты по окончании спектакля, как “Электра”. Музыка “Электры” и ее главная партия уникальны в оперной литературе, и Штраус, великий художник тона, смог расширить границы своего времени с помощью этой музыки.

 

 

 
 
 

 
 
 

Впечатляющая киноверсия Бёма / Фридриха

.
Штраус написал блестящую музыку для этого длинного монолога Электры, одного из кульминационных моментов оперы. Оркестр без устали обрушивается на Электру, когда на ее глазах разворачивается постыдный акт убийства. Лишь ненадолго музыка становится светлее, когда она, словно в трансе, представляет себе, что ее отец вновь появляется. В сопровождении нежных струнных нот она вспоминает своего отца. В последней части музыка становится боевой и триумфальной во время ее мыслей о мести.
Мы слышим запись из великолепной киноверсии этой оперы режиссера Гетца Фридриха и дирижера Карла Бёма 1981 года. Бём (родился в 1894 году) был давним личным другом композитора, и он от всего сердца желал, чтобы ему была предоставлена возможность завершить эту постановку. Незадолго до окончания работы он умер в возрасте 87 лет. Этого оказалось достаточно для создания фильма, который в итоге стал великолепной картиной этой оперы.
В этом отрывке мы слышим Леони Рысанек, уроженку Вены и одну из великих послевоенных характерных актрис Штрауса и Вагнера.

Alein, weh, ganz allein – Rysanek

 
 
 
 
 
 

Электра узнает своего брата – пикантная сцена узнавания

Разыгрывается пикантная сцена. Когда Орест открывается, Электра только заикаясь произносит имя своего брата. После этого недоверчивого изумления звучит нежная мелодия, провозглашающая братскую любовь Электры. Любовь и триумф объединяются под теплоту неслыханной доселе музыки.

Орест! – Rysanek

 
 
 

 
 
 
 

Дикий танец мести Электры

Знаменитая сюрреалистическая сцена танца с экстатической музыкой начинается в записи в 8:30, в которой мажорная мелодия борется с повторяющимся минорным трезвучием, создавая эффект преследующего финала оперы.
Ob ich nicht höre (Finale) – Rysanek / Varnay

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “Саломея” Штрауса – с лучшими интерпретациями с YouTube (Хиты, Best of)

Salome_Strauss_3_immortal_pieces_of_opera_music

Рихард Штраус впервые увидел театральную пьесу “Саломея” в 1902 году в постановке Макса Райнхарда, а три года спустя создал экспрессионистский звуковой мир, который, казалось, порывал со всем ранее известным. Несмотря на то, что с момента первого представления пьесы прошло уже тринадцать лет, произведение, положенное на музыку как опера, встретило открытую враждебность со стороны традиционалистов. Но премьера в Дрездене стала сенсацией, и “Саломея” начала свое триумфальное шествие по миру.

 

 
 
 

 
 
 

Саломея хочет поцеловать рот Иоханаана

Этот отрывок ведет к одному из самых ярких моментов оперы. Отказ Иоханаана (“Никогда, дочь Вавилона, дочь Содома”) доводит Саломею до бешенства, и она четыре раза поет мотив поцелуя (“Я поцелую твой рот Иоханаан”), который Штраус музыкально усиливает до исступления четыре раза.

Послушайте эту завораживающую сцену в записи с Шерил Студер. Американская певица обладала огромным диапазоном в своем репертуаре, воплотив за свою сценическую карьеру 80 различных ролей. Когда она записала “Саломею” в 1990-х годах, ее назвали лучшей Саломеей за долгое время.

Niemals Tochter Babylons, Tochter Sodoms – Studer

 
 
 
 
 
 

Танец семи вуалей

Ирод хочет, чтобы Саломея станцевала для него, а взамен предлагает исполнить ее бесплатное желание. Саломея соглашается и исполняет танец семи вуалей.
Саломея – одна из самых сложных партий для сопрано. Она требует объема, выносливости, силы и драматического голоса. После долгого и сложного танца певица должна освоить потрясающую финальную часть, которую Штраус написал для нее. В каждой постановке это приводит к вопросу о том, можно ли разделить партию на танцевальную и вокальную. На премьере Мари Виттих отказалась сама исполнять эротический танец.

Впоследствии эта традиция сохранилась. Одним из немногих исключений стала известная американская сопрано Мария Юинг. Она пела и танцевала эту роль и делала это неизменно. Одна вуаль за другой падает на пол, пока она не предстает перед зрителями обнаженной.

Танц семи вуалей – Эвинг

 
 
 

 
 
 
 

Огромное желание Саломеи

.
После танца она требует, чтобы Ирод преподнес ей голову Иоханаана на серебряном блюде. Ирод отчаянно пытается отговорить ее от этой просьбы, но Саломея настаивает на согласии. По приказу Ирода стражники уходят и через некоторое время появляются с головой и блюдом.
Финальная сцена может быть описана только одним словом: “экстаз”. Возможно, Штраус написал величайший экстаз в истории оперы с помощью финальной песни “Саломеи” и оркестрового сопровождения. Она заканчивается знаменитым диссонансом на sforzato, почти в конце оперы, и следующим за ним до-диез-мажорным разрешением.

Мы слышим версию 1949 года Любы Велич. “Фриц Райнер, который когда-то достиг совершеннолетия в Дрездене под музыку Рихарда Штрауса, в 1949 году выходит на подиум для пары представлений “Саломеи”, которые пользуются еще большим спросом на черном рынке Нью-Йорка, чем любые бродвейские спектакли, и билеты на которые, продаваемые под столом, преодолевают тогдашний звуковой барьер в 100 долларов за штуку. Причина – рыжеволосая, пышнотелая и полная страстного болгарского темперамента: Люба Велич совершила триумфальное турне по Европе в роли развязанной Саломеи со смертельно сладким голосом маленькой девочки, ее слава уже опередила ее, и дебют в Метрополитен-опера станет вершиной ее карьеры. Пока ее голос быстро не пошел на спад, благодаря своей всепоглощающей вокальной технике она разносит даже самых строгих критиков до оваций”.

По словам Юргена Кестинга (“Grosse Stimmen”), “заключительная песня Величш – это, как вибрация чувств, атака на нервы слушателя. Велич не поет, она превращается в персонажа. Звук ее голоса одновременно чист и горяч, ясен и изысканно окрашен. ‘I Kissed Your Mouth’ – это оргазм, вызывающий привыкание”.

Финальная сцена – Welitsch/Reiner

 

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “ЦВЕТОК” Штрауса – с лучшими интерпретациями с YouTube (Hits, Best of)

Die_Fledermaus_the_bat_3_immortal_pieces_of_opera_music

В “Фледермаусе” Иоганна Штрауса отражено чарующее и незабываемое великолепие belle époque и очарование Вены.

– more–> 

 
 
 

 
 
 

О как это трогательно (O je wie rührt mich dies) – комедия начинается

В этой комедии все справедливо. Восхитительно, как в этой записи с Германом Преем и Кири те Канава прощание мужа Эйзенштейна с женой сопровождается цитатой из “Валькирии” и переходит в “O je wie rührt mich dies”, где оба изображают сожаление по поводу сложившейся ситуации.
So bleib ich nun allein (trio) … O je wie rührt mich dies

 
 
 
 
 
 

“Дуэт часов”

Появляется тюремный надзиратель доктор Франк, приглашенный под именем шевалье Шагрина. Орлофски со смаком представляет друг другу двух фальшивых французов Ренара и Шагрена, и те вынуждены разговаривать на французском языке. И наконец, появляется Розалинда в маске графини. Сначала она видит своего мужа и, к своему изумлению, Адель. Эйзенштейна под псевдонимом Ренар знакомят с таинственной графиней, и он сразу же загорается. Пока он флиртует с ней, Розалинда внутренне клянется отомстить. В качестве доказательства она завладевает карманными часами Эйзенштейна.
Эта пьеса также известна как “Дуэт часов”.
Dieser Anstand, so manierlich (дуэт) Prey / te Kanawa

 

 
 
 

 
 
 

“Mein Herrn Marquis” – ослепительное исполнение Адель

“Mein Herr Marquis, ein Mann wie sie” – одна из самых запоминающихся песен этой оперы. В дразнящем вальсе служанка разоблачает своего господина словами: “Нет, герр маркиз, такой человек, как вы, должен понимать это лучше”.
Mein Herr Marquis (2:15) – Gruberova

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “Гильом Телль” Россини – с лучшими интерпретациями с YouTube (Hits, Best of)

Хотя “Телль” Россини – великое произведение, его не часто исполняют. Сценическая сложность и трудности кастинга слишком велики. Тем не менее, это одно из самых влиятельных произведений в истории оперы, которое помогло основать современный тенор и гранд-оперу.

 
 
 

 
 
 

Прекрасный романс “Sombre forêt” (“Selva opaca”)

Россини сочинил для Матильды лирическую арию, скупо и нежно сопровождаемую оркестром. Это одна из немногих сцен, написанных “в старом стиле Россини”, с колоратурой и скачками тона.

Эта ария, с ее срочными мотивами и пассажами легато, кажется написанной для горла Монтсеррат Кабалье.

Selva opaca, deserta brughiera (Sombre forêt) – Caballé

 
 
 
 
 
 

Телла движется “Sois immobile”

Теперь Гесслеру приходит в голову ужасная мысль, что Телль в наказание должен сбить яблоко с головы своего сына. Когда Телль отказывается, Гесслер приказывает убить сына. Телль умоляюще бросается к ногам Гесслера, но тот, насмешливо посмеиваясь, требует, чтобы яблоко было снято. Растроганный, Телль благословляет сына. Ему вручают арбалет и колчан, и он тайком кладет вторую стрелу в куртку. Телль снова обращается к сыну и просит его тихо стоять и молиться Богу.
В сопровождении солирующей виолончели Телль произносит трогательные слова. Голос баритона поднимается до F (“Джемми! Джемми!”), чтобы выразить боль отца.

Resta immobile (Sois immobile) – Hampson

 
 
 

 
 
 
 

Ария Арнольда “Asile héréditaire” (“O muto asil”)

Арнольд находится в коттедже своего отца. Он вспоминает его и прощается с местом своего детства.
Лирическая ария Арнольда в сочетании с последующей кабалеттой – одна из самых трудных теноровых партий в оперном репертуаре. Она начинается с короткого мотива рога, который представляет собой воспоминание о юности Арнольда. Через несколько тактов после вступления тенора он должен спеть открытый си-бемоль и еще один си-бемоль двумя тактами позже. Россини передает боль расставания многократным усилением фразы “J’appelle en vain”, и ария заканчивается высоким си.

Она продолжается печально известной кабалеттой “Amis, amis, secondez ma vengeance” (“Corriam! Voliam! S’affretti lo scempio”), которая пересыпана еще 6 высокими си, некоторые из которых должны удерживаться в течение полутора мер, чтобы выразить экстаз Арнольда.
Интерпретация Паваротти драматична. Его высокие частоты впечатляют, но несколько принужденно. Паваротти проявил большое сердце, взявшись за эту роль. Однако он намеренно воздержался от исполнения роли на сцене. Он знал, что его голос будет поврежден, если ему придется петь ее несколько дней подряд.

O muto asil del pianto – Pavarotti

 

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “ДИДО И АНЕАС” Перселла с лучшими интерпретациями с YouTube (Hits, Best of)

Дидона и Эней” – величайшее произведение “британского Орфея” Генри Перселла, который в этой работе показал себя мастером барочной формы. Его ламенти непревзойденны, его тональная живопись образна, его диссонансы смелы, а в песне “Когда я положен в землю” он написал одну из самых прекрасных арий всей эпохи барокко.

 
 
 

 
 

Любовь к Энею тревожит Дидо

В этой арии Перселл навязчиво использует барочный прием: для сопровождения этой плаксивой арии Дидо Перселл повторяет мотив basso ostinato (грунтового баса) не менее 21 раза.

.
Поверх этого Перселл сочиняет выразительный напев. Перселл усиливает драматический эффект иногда сильными мелизмами (растягиванием слов):

Мы слышим эту арию в исполнении легендарной Джанет Бейкер, которая сделала себе имя в основном на ораториях и отдельных операх.

Ах! Белинда, меня терзают муки – Бейкер

 
 
 
 
 
 

Вместе с ведьмами

Ведьмы хотят знать, как это произойдет. Колдунья объясняет, что Энею явится дух в облике Меркурия, который увещевает его искать Италию и отправиться в плавание. Но сначала они хотят вызвать бурю, которая изгонит Дидону и Энея из леса обратно во двор в день охоты. В честь этого фурии исполняют танец.
Это произведение также называют “Эхо танца фурий”, потому что у Перселла короткие хоровые пассажи повторяются снова и снова хором на заднем плане как эхо. Удивительный и чарующий эффект!

В нашей глубокой сводчатой келье – Гардинер

 
 
 

 
 
 

Дидо принимает жестокое решение – ария “Когда меня положат в землю”

.
Дидо хочет только умереть. И снова она обращается к Белинде, чтобы умереть от собственной руки.
Эта ария – одна из величайших арий оперной литературы, lamento, классическое произведение барочной оперы. Она написана очень эффектно и является одним из немногих барочных ламенто, которые действительно могут довести слушателя до слез.

Перселл написал это произведение чрезвычайно эффектно. Он начинает с нисходящего хроматического мотива в сопровождении баса, который становится глубоко печальным остинато и постоянно повторяющимся мотивом (по-английски он называется “ground bass”):

В конце остинато Дидо начинает свое причитание:

Эта мелодия впечатляет множеством великолепных эффектов. Особенно впечатляет то, что в отличие от нисходящего остинато сопровождающего голоса, мелодия Дидо стремится вверх (от g на “when” до e на “no”) со скачками тона (и последующими нисходящими нотами), что делает заметным диссонанс Дидо. Мрачному настроению также способствует красивая апподжиатура (предвестие) на первом “laid” (дополнительный диссонанс, чуждый мелодии, который возникает в напряженной части меры и разрешается на следующей ноте). Еще один прекрасный эффект певческого голоса мы находим в приведенном выше нотном примере в мрачном тритоне на “Trouble”.

Во второй части Перселл вводит еще один элемент голосовой партии “Помни меня”, который очаровывает своей простотой.

В финале “Помни меня” Перселл позволяет музыке взлететь на утешительную высоту, а затем завершает ее словами “Забудь мою судьбу”, которые уносят нас в глубины отчаяния.

Возможно, самая мрачная и, следовательно, самая пронзительная запись принадлежит Джанет Бейкер. Она поет арию задушенным голосом, который раскрывается только в последних тактах, создавая великолепный эффект.
When I am laid in earth – Baker

/0 Отзывы/от

3 бессмертных фрагмента из оперы “САМСОН И ДАЛИЛА” Сен-Санса – с лучшими интерпретациями с YouTube (Hits, Best of)

Самсон и Далила” – одно из 5 величайших произведений французской оперной литературы. Три бессмертные арии для меццо-сопрано, ошеломляющая вакханалия, привлекательная партия тенора и великолепные хоры оставляют неизгладимые впечатления. Второй акт демонстрирует самые сильные эмоции и страсти.

 

– more–> 

 
 
 

 
 
 

Великая мольба Далилы к Богу Любви

Беспокойное вступление показывает волнение Далилы; месть – ее цель. Задача этой арии – сохранить прекрасную молитву к Богу любви женственной, несмотря на мстительный текст (он мой раб; влейте яд в его жилы) и низкие пассажи.

Никто не смог сделать эту мольбу столь же сильной, как Мария Каллас.

Samson, recherchant ma présence … Любимый, помоги моей беде! – Мария Каллас

 
 
 
 
 
 

Великая сцена соблазнения – Mon coeur s’ouvre à ta voix

Сен-Санс написал не менее трех великих, бессмертных арий для роли Далилы. Эта ария – одна из самых красивых и соблазнительных арий во всем оперном репертуаре.
Далила хочет соблазнить Самсона из лучших побуждений, но чувствуется, что за ее соблазнительными обещаниями кроется нечто большее. Возможно, она не влюблена в Самсона, но у нее есть к нему чувства. Она пытается соблазнить Самсона своим теплым, эротичным голосом. Аккомпанемент оркестра нежный, временами игривый, в нем полностью отсутствуют духовые и ударные инструменты.

Сен-Санс обозначил исполнение как “dolcissimo e cantabile”. Голос и оркестр сияют в светлом мажоре. Оркестр играет набухающие и затухающие аккорды, имитирующие легкий, дующий ветерок – аллегория красоты и соблазна.

Но Далила еще не достигла конечного пункта назначения. Она должна проникнуть за тайну Самсона. Сладко, почти умоляюще, она просит Самсона поговорить с ней, осушить ее слезы. Тон становится более настоятельным, и она повторяет экстатическое “versez moi l’ivresse” (“Наполни меня счастьем”), которым она хочет покорить Самсона. Прекрасный пассаж кларнета подхватывает тему в мучительно-сладкой манере. Во второй части вновь звучат темы первой части. Звучание оркестра меняется все больше и больше, в нем появляются соблазнительные восточные фигуры, пока в последней части снова не зазвучат западные гармонии. В конце Самсон сдается, произведение становится дуэтом, и он несколько раз тоскует “Dalila, je t’aime”.
Смотрите великолепный отрывок с Ольгой Бородиной и Пласидо Доминго
Mon coeur s’ouvre à ta voix – Borodina / Domingo

 

 
 
 

 
 
 
 

Знаменитая Вакханалия – восточные звуки

В “Вакханалии” Сен-Санс написал балет как развязанную эротическую картину. Подгоняемые энергичной музыкой, гости начинают свой экстатический танец.
Балет начинается с вступления гобоя. Музыка написана в фригийском мажоре (джихазе) – гамме, распространенной в восточной музыке.

Сен-Санс имитировал в “Вакханалии” (и во всей опере) полдюжины древних арабских инструментов. Вступление гобоя напоминает звук шаума, арфа имитирует кунан, а струнные инструменты, играющие пиццикато, имитируют удэ – гитару с изогнутым грифом, похожую на лютню, на которой играют плектром и используемую по сей день.

Во второй части музыка становится европейской, похожей на вальс, чтобы затем вернуться в мир первой части.

Вакханалия отдаленно напоминает сцену Венусберга из “Тангейзера” и, несомненно, послужила вдохновением для “Танца семи вуалей” Штрауса из “Саломеи” в году.

Услышьте и посмотрите великолепную “Вакханалию” в постановке Метрополитен-музея.

Вакханалия – Левайн

 

/0 Отзывы/от