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1597 – 1700 Les débuts de l’opéra (Italie) Monteverdi, Purcell

1670 – 1750 Tragédie lyrique (France) Rameau, Lully

1700 – 1790 Opera seria (Italie, Europe), Händel, Gluck, Mozart

1700 – 1790 Opera buffa (Italie) Paisiello, Cimarosa

1780 – 1850 Singspiel et période Biedermeier (Allemagne, Autriche) Mozart, von Weber, Lortzing

1792 – 1890 Opéra comique (France) Massenet, Auber, Bizet

1800 – 1850Belcanto (Italie) Rossini, Donizetti, Bellini

1822 – 1870 Grand Opéra (Italie) Meyerbeer, Auber, Rossini

1842 – 1889 Drame musical de Verdi et Wagner (Europe) Wagner, Verdi

1890 – 1926 Verismo et Puccini (Italie) Puccini, Giordano, Cilea, Leoncavallo, Mascagni

1902 – 1945 Romantisme tardif et modernisme (Europe) Strauss, Berg, Debussy

Florence est généralement considérée comme le berceau de l’opéra moderne. Dans ce qu’on appelle la Camerata florentine (Camerata fiorentina), l’élite de l’art et de la noblesse a commencé à se réunir dans les années 1570 dans le but de faire revivre l’art de l’Antiquité. L’objectif principal était de promouvoir la compréhensibilité textuelle de la musique vocale. La devise était : prima le parole, poi la musica (d’abord le texte, ensuite la musique). La musique devait s’adapter aux mots et ne pas les obscurcir. Le but n’était pas de créer des mélodies artistiques et des idées douées, mais un style de chant proche de la parole (cantar recitando). Ces efforts ont donné naissance à la forme originale de l’opéra. Jacopo Peri en fut le premier créateur.

C’est grâce au génie de Claudio Monteverdi que cet arrangement plutôt dépassionné s’est transformé en un dramma per musica avec des personnages en chair et en os et a fait entrer les passions dans l’art de l’opéra (stile concitato). Avec L’incoronazione di Poppea, il a écrit le plus grand chef-d’œuvre et le premier opéra avec castrati dans les rôles principaux.

Progressivement, cette forme d’art atteint d’autres régions d’Italie (Naples : Scarlatti) et d’Europe du Nord (Allemagne : Schütz, Angleterre : Purcell). En France, une variante française se développe 70 ans plus tard, la tragédie lyrique

La forme d’art séculaire dominante du XVIe siècle précédent était le madrigal, une pièce vocale élaborée et polyphonique. En raison de son contrepoint élaboré et de sa polyphonie (polyphonie),l’intelligibilité du texte était extrêmement faible La Camerata a voulu surmonter ce défaut du madrigal et créer une nouvelle forme d’art

1576 Fondation de la Camerata florentine
1598 Le premier opéra : Dafne, de Jacopo Peri.
1607 Le premier dramma per musica et chef-d’œuvre : Orfeo, de Claudio Monteverdi.
1637 La première salle d’opéra, le Teatro San Cassiano à Venise,
163x De nouveaux opéras comiques sont écrits pour la saison du carnaval.
1643 Castrati apparaissent dans des rôles principaux : L’incoronazione di Poppea
1678 Premier opéra en Allemagne (Hambourg, Oper am Gänsemarkt).
1689 Le plus grand chef-d’œuvre des débuts en dehors de l’Italie : Dido et Énée de Purcell

Recitar cantando : Partie vocale plaintive et textuellement intelligible, accompagnée parcimonieusement par la basse continue.
Ritornello : Les sections solistes sont juxtaposées à des chœurs contrastés de l’orchestre.
Monodie : C’est un chant soliste (monophonique), accompagné par des accords, haute intelligibilité du texte, opposé à la polyphonie (plusieurs voix).
Seconda pratica : Contrairement à la prima pratica polyphonique et traditionnelle. Monteverdi utilisait le terme seconda pratica, pour ses arias textuellement intelligibles, passionnées et dissonantes.
Lamento : Lamentation expressive (voir plus : lamento).
Stile concitato: Monteverdi appelait les passages composés dans un style agité stile concitato.

1607 L’Orfeo (Monteverdi)
1640 Il ritorno d’Ulisse in patria (Monteverdi)
1642 L’incoronazione di Poppea (Monteverdi).
1683 Dido et Enée (Henry Purcell).
1692 The Fairy-Queen (Purcell)

Pur ti miro, pur ti godo (L’incoronazione di Poppea)
Quand je serai couché en terre (Didon et Énée)

Lully (1632-1687) est considéré comme le fondateur de la tragédie lyrique et de l’opéra français. Né à Florence, il a été amené à Paris dans une maison noble en tant que garcon de chambre de 14 ans. C’est grâce à lui que l’opéra français a pris un chemin très différent de celui de l’Italie (et plus tard du reste de l’Europe).

Lully était un musicien talentueux et un très bon danseur lorsque, à l’âge de 20 ans, il a rencontré le futur Roi Soleil, Louis XIV, âgé de 14 ans. Louis était également un amateur de danse et une amitié s’est développée entre les deux.

En raison des prétentions à la grandeur de Louis XIV, la tragédie lyrique a développé une ambition artistique globale qui impliquait l’utilisation de grands moyens pour offrir un grand spectacle à la cour. Lully compose d’abord des comédies populaires en collaboration avec Molière, puis, en collaboration avec Quinault, les premiers opéras, les “tragédies lyriques”, dans lesquelles chœurs et ballets jouent un rôle important, mais sans castrats (comme c’était l’usage en Italie à l’époque).

Avec la mort de Lully, la forme d’art s’est figée, seul le génie de Rameau a pu réanimer la Tragédie lyrique avec les Ballets d’Opéra et les virtuoses orchestrales qui peuplaient ses opéras. Mais en 1750, le temps est révolu, la querelle des Buffonistes et plus tard des Piccinistes consacre l’opera seria et le rayonnement de l’opéra italien

Lully s’est délibérément éloigné du premier opéra italien, qui mettait l’accent sur l’aria et le récitatif. Il considérait l’opéra comme une forme artistique totale comprenant le chant, le chœur, la danse, le jeu d’acteur, la musique orchestrale et la décoration de la scène. Par conséquent, ces éléments ont pris plus de poids et sont devenus des parties obligatoires (par exemple, l’ouverture, le ballet, les effets scéniques, etc.) Rameau a finalement établi le ballet dans l’opéra français, qui n’a jamais joué de rôle dans l’opéra italien et allemand

1673 Lully écrit la première tragédie lyrique (Cadmus et Hermione).
1674 Lully écrit le premier chef-d’œuvre (Armide)
1687 Lully meurt
1735 Le plus célèbre opéra-ballet Les Indes galantes (Rameau)
1750 La controverse dite buffoniste entre les partisans de l’opéra italien et de l’opéra français.

Ouverture française : elle se compose d’une section médiane rapide encadrée par des sections graves aux rythmes pointés.
Ballet de cour, Ballet opéra : Le ballet avait une grande importance dans ce genre (Lully et Louis XIV : Ballet de cour). L’apogée était atteint avec les intermèdes de ballet des Indes galantes (Ballet opéra) (Rameau).
Haut-contre : En raison de l’abandon des castrats dans la tragédie lyrique, la tessiture vocale d’un ténor à registre aigu s’était développée.
Prosodie : L’art de réciter la parole est très valorisé dans les interludes solistes (mélange entre récitatif et aria).

Alceste (Jean-Baptiste Lully)
Armide (Jean-Baptiste Lully)
Les Indes galantes (Jean-Philippe Rameau)

130 ans après les débuts de l’opéra, cette forme d’art avait évolué vers l’arbitraire scénique et musical. Le fait que l’opera seria ait pu se développer en une forme d’art puissante est dû (de manière un peu simpliste) à trois hommes :

L’Allemand Handel établit les castrati comme primi uomini et les coloratura sopranos comme prime donne. Après trois ans d’apprentissage et de voyages en Italie, il décide de chercher fortune à Londres, à ses risques et périls. Pour faire prospérer sa compagnie d’opéra, il utilisa leprincipe de la star (castrats et primadonne) pour attirer la noblesse et les riches dans ses théâtres. Leur arme était le da capo aria, qui leur permettait de montrer leur virtuosité avec des coloratures, des cadences et des ornementations.

L’Italien Metastasio réforma la poésie de l’opera seria et ses libretti devinrent des plans. Il épure l’intrigue et établit des formules fixes. Ses héros étaient des dieux, des chevaliers et des nobles. Aucun autre librettiste dans toute l’histoire de l’opéra n’a mis en musique plus d’œuvres. En s’installant à Vienne, il devint également influent pour l’Europe germanophone.

Enfin, 30 ans après Händel, c’est à Gluck qu’il revient de réformer l’opera seria et de le conduire à une floraison d’argent. Avec ses opéras dits réformés, il a domestiqué les étoiles. Ce ne sont plus des affects creux mais des sentiments nobles qui doivent séduire le spectateur d’opéra.

Mozart fut le dernier grand qui écrivit des œuvres pour l’opera seria, il comptait lui-même son Idoménée parmi les plus grands qu’il ait créés

L’opera seria s’est ouvert au public bourgeois, la musique s’est donc internationalisée et le principe de la star a été inventé. La virtuosité devient l’élément principal et la littérature l’élément secondaire.

1709 Haendel écrit son premier et plus grand chef-d’œuvre d’opéra seria (Rinaldo) à l’âge de 24 ans.
1722 Le castrat Farinelli devient le premier chanteur mégastar.
1723 Début de la grande gloire lyrique de Haendel à Londres avec Cuzzoni (soprano) et Senesino (castrat)
1724 Metastasio écrit son premier libretto
1726 Guerre des divas Cuzzoni et Bordoni à l’Opéra de Haendel à Londres
1730 Metastasio s’installe à Vienne
1735 Haendel compose Semele, son dernier chef-d’œuvre dans le genre de l’opéra.
1762 Gluck compose son opéra de réforme Orfeo ed Euridice.
1781 Mozart écrit Idoménée, son premier chef-d’œuvre dans le genre de l’opéra.
1791 Le dernier chef-d’œuvre de l’opéra seria : La clemenza di Tito de Mozart

Aria da capo : L’aria da capo (da capo signifie répétition) est écrite en trois parties A-B-A’. Habituellement, la partie A’ est embellie par l’interprète avec des coloratures, etc.
Coloratura : Le ballet avait une grande importance dans ce genre (Lully et Louis XIV : Ballet de cour). L’apogée a été atteint avec les intermèdes de ballet des Indes galantes (Ballet opéra) (Rameau).
Castrato : Un castrat est une voix de chant masculine équivalente à celle d’un soprano ou d’un mezzo-soprano. Cette voix est produite par la castration du chanteur avant la puberté,

1711 Rinaldo (Haendel)
1724 Giulio Cesare (Haendel)
1735 Alcina (Haendel)
1744 Semele (Haendel)
1762 Orfeo ed Euridice (Gluck)
1779 Iphigénie en Tauride (Gluck)
1781 Idoménée (Mozart)
1791 La clemenza di Tito (Mozart)

Venti turbini, Rinaldo (Haendel)
Unis dès la plus tendre enfance Iphigénie en Tauride, (Gluck)
Fuor del mar ho un mar nel seno, Idomeneo (Mozart)

L’opera buffa était le opéra du peuple au 18e siècle. Il était basé sur la commedia dell’arte et constituait le contraste avec l’opera seria aristocratique en Italie. L’œuvre la plus célèbre est La serva del padrone, une pièce de 50 minutes de Paisiello qui servait d’intermezzo entre deux actes d’un opera seria.

Bien que les œuvres de l’opera buffo soient presque éteintes de nos jours, son influence n’était pas négligeable.

Les comédies de Rossini sont inconcevables sans opera buffa, et même Mozart a été exposé à l’influence de l’opera buffa par l’intermédiaire de l’Italien da Ponte (Don Giovanni, Le nozze di Figaro et Cosi fan tutte en témoignent), même si, en tant qu’œuvres croisées, elles ne sont pas comptabilisées comme faisant partie du genre. En particulier, le thème classique de la différence de statut de l’opera buffa était très significatif pour Mozart.

La controverse buffoniste à Paris entre l’opéra italien et l’opéra français a également été déclenchée par les tournées italiennes d’opera buffa. Rousseau s’est notamment penché sur le “naturel” de l’opéra italien par opposition à l'”artificialité” de la tragédie lyrique

Avec l’avènement de l’opera seria aristocratique, l’opéra populaire avait perdu sa place. Basé sur la commedia dell’arte, il a été réinventé sous le nom de 0pera buffa sur les places de marché et plus tard dans les théâtres. La musique est simplifiée et les dialogues sont peu accompagnés, parfois écrits en dialecte. Les thèmes quotidiens et les différences de classe forment les intrigues en contraste avec le monde mythologique de l’opera seria

170x Premiers théâtres à Naples avec des œuvres d’opera buffa.
1724 Paisiello compose la serva padrone comme intermezzo.
1752 Controverse buffoniste à Paris
1792 Cimarosa compose avec il matrimonio segreto la dernière œuvre importante

Parlando : chant rapide avec une prononciation bien articulée et une intonation légère, en portant une attention particulière au rythme.
Intermezzo : interlude entre deux actes d’un opéra seria.
Castrato : un castrat est une voix de chant masculine équivalente à celle d’un soprano ou d’un mezzo-soprano. Cette voix est produite par la castration du chanteur avant la puberté

1724 La serva padrone (Paisiello) composé comme intermezzo
1792 Il matrimonio segreto (Cimarosa)

Lo conosco a quegli occhietti, (La serva padrone)

Le Singspiel populaire existait dans les pays germanophones depuis le début du 18e siècle. Lorsque l’empereur d’Autriche a commencé à promouvoir le Singspiel comme contrepoids à l’opéra italien, un genre élaboré s’est développé, attirant les meilleurs compositeurs germanophones. Il a ainsi ouvert l’opéra au théâtre musical avec des dialogues parlés et des lieder (chansons populaires).

Mozart écrit l’Entführung aus dem Serail, le premier chef-d’œuvre auquel l’empereur l’avait personnellement invité. Moins de dix ans plus tard, Mozart enchaîne avec La Flûte enchantée.

Fidelio est également classé comme un Singspiel, bien que cela ne s’applique strictement qu’à la première partie. Avec l’avènement du premier romantisme allemand (l’ère Biedermeier) est venue la grande époque du Singspiel. Le Freischütz de Weber a inspiré toute une génération de compositeurs, et avec Die lustigen Weiber von Windsor, le Singspiel a trouvé un dernier point culminant digne de ce nom.

Le Singspiel s’oppose à l’opéra italien et aristocratique. Il diffère par les dialogues parlés (au lieu du récitatif accompagné), l’utilisation de chansons (au lieu d’arias élaborées) et d’histoires populaires (par exemple, des contes de fées). Le niveau artistique est très élevé dans les grandes œuvres du Singspiel (par exemple Zauberflöte, Fidelio, Freischütz).

1766 L’empereur Joseph II déclare le Burgtheater de Vienne comme lieu du Singspiel allemand.
1782 L’empereur Joseph II commande personnellement à Mozart la composition de Die Entführung aus dem Serail.
1811 Première représentation de Der Freischütz.
1849 Le dernier chef-d’œuvre du Singspiel (Die lustigen Weiber von Windsor)

Lied : pièce solo avec des mélodies simples et un refrain.

1782 Die Entführung aus dem Serail (Mozart)

1791 Die Zauberflöte (Mozart)

1805 Fidelio (Beethoven)

1811 Der Freischütz (von Weber)

1837 Zar und Zimmermann (Lortzing)

1849 Die lustigen Weiber von Windsor (Nicolai)

Der Vogelsänger bin ich ja (Zauberflöte)

Der Hölle Rache (Zauberflöte)

Wolfschluchtszene (Der Freischütz)

Durch die Wälder durch die Auen (Der Freischütz)

Leise, leise fromme Weise (Der Freischütz)

Horch, die Lerche singt im Hain (Die lustigen Weiber von Windsor)

Le belcanto décrit une technique vocale italienne avant 1900 qui comprend la pureté et la délicatesse du ton, le débit (legato), le chant avec le souffle (canto sul fiato), ainsi qu’une plus grande flexibilité dynamique (messa di voce) et une agilité dans l’ornementation. Les compositeurs de bel canto (classique) célèbres étaient Donizetti, Bellini et Rossini, mais Verdi a également composé principalement dans le style bel canto.
Ce style bel canto a été perfectionné par les castrats au 18e siècle (voir Chapitre opera seria). Dans ces sections, on parle de belcanto classique, qui à partir de 1800 est principalement associé à Donizetti, Bellini et Rossini et est considéré comme le sommet de la culture belcantiste. Verdi a également composé principalement dans le style bel canto, mais en termes d’histoire de la musique, il peut être rattaché à la période du Haut Romantisme.

À l’époque du bel canto classique, la vedette n’était plus le castrat, mais la coloratura (mezzo) soprano Les compositeurs du belcanto ont écrit des airs dans la gorge de la prima donna, qui est ainsi entrée dans l’histoire. Des noms comme Isabella Colbran (qui fut un temps l’épouse de Rossini), Giuditta Pasta (un temps la maîtresse de Bellini) et Giuditta Grisi sont encore aujourd’hui associés aux œuvres des trois grands.

Avec Naples, Rome et Milan, Paris s’est élevé au rang de centre international de l’opéra Les trois grands compositeurs italiens du bel canto s’installent à Paris et écrivent leurs œuvres tardives pour la capitale française (par exemple Guillaume Tell, Don Pasquale, I puritani).

La rupture intervient au début des années trente. Le tenore di grazia (ténor lyrique) et la soprano coloratura de l’époque du belcanto ont été remplacés par le ténor spinto dramatique et la mezzo-soprano dramatique. Avec les grands théâtres (Grand Opéra, La Fenice, La Scale, etc.), la puissance pénétrante de la voix et le potentiel dramatique deviennent le critère numéro un pour des compositeurs comme Verdi et Wagner

La distinction entre opera buffa et opera seria du 18ème siècle a été abolie. Dans le style bel canto, les compositeurs servaient les deux genres de manière égale. L’aria est composée de bout en bout (les libertés de l’aria da capo disparaissent) et la belle mélodie devient le critère de référence. Car les compositeurs ne sont plus les employés des princes, mais ceux des imprésarios, qui veulent remplir leurs théâtres

1813 Barbaja, le premier impresario de théâtre moderne, transforme l’opéra napolitain San Carlo en un casino de jeu. Rossini devient directeur artistique et doit attirer les clients avec de la musique. 1815 Rossini réinvente la comédie lyrique avec L’Italiana in Algeri, la soprano coloratura en devient la vedette.
1815 Rossini compose Il barbiere di Siviglia, la comédie musicale par excellence.
1829 Rossini écrit son dernier opéra, Guillaume Tell, et se tait à l’âge de 37 ans.
1831 Dans la première de La Sonnambula, Battista Rubini et Giuditta Pasta forment un couple d’amoureux romantiques. Bellini le double peu après avec Norma, écrivant ainsi l’œuvre phare de l’ère du bel canto.
1835 Donizetti écrit la scène de la folie de Lucia di Lammermoor, une pièce emblématique de la littérature lyrique qui influence une génération de compositeurs.
1837 Le ténor français Duprez chante le do aigu de Guillaume Tell de la poitrine (plutôt que de la voix de tête), inaugurant l’ère du ténor dramatique

Scena ed aria : Ce qu’on appelle scena ed aria est un élément structurel de l’opéra italien classique qui décrit une scène très schématisée avec des personnages individuels. La séquence de la scena ed aria est la suivante : récitatif (tempo d’attacco), aria lente (cavatina), récitatif (tempo di mezzo), aria rapide (cabaletta) et éventuellement une stretta à la fin. La Scena ed Aria permettait aux librettistes d’écrire les scènes selon un schéma fixe sans avoir besoin d’une longue coordination avec le compositeur. La forme Scena ed Aria a été perfectionnée par Rossini et adoptée par Donizetti, Bellini et Verdi.

Coloratura : Dans la musique d’opéra, la colorature désigne un passage qui requiert une agilité particulière, notamment dans le registre aigu. Cela inclut surtout le chant de longues séquences de notes avec des trilles et autres ornementations.

1813 L’italiana in Algeri (Rossini)
1813 Tancredi (Rossini)
1816 Il barbiere di Siviglia (Rossini)
1829 Guillaume Tell (Rossini)
1831 La sonnambula (Bellini)
1831 Norma (Bellini)
1832 L’elisir d’amore (Donizetti)
1835 I puritani (Bellini)
1835 Lucia di Lammermoor (Donizetti)
1840 La fille du régiment (Donizetti)
1843 Don Pasquale (Donizetti)

Mira o Norma (Norma)

Casta Diva (Norma)

Il dolce suono (Lucia di Lammermoor)

Una furtiva lagrima (L’Elisir d’amore)

Largo al factotum (Il barbiere di Siviglia)

Asile héréditaire italien : o muto asil del pianto (Guillaume Tell)

Naqui all’affanno … non più mesta (Cenerentola)

Le terme “Opéra Comique” est quelque peu trompeur. Il a été inventé au début du XVIIIe siècle pour le distinguer de la tragédie lyrique, avec ses dieux et ses nobles dans les rôles principaux. Bien qu’il ait effectivement eu un noyau comique (par exemple, les vaudevilles), le vent a tourné et l’opéra comique s’est orienté vers un nouvel opéra comique, artistiquement supérieur. La naissance de l’opéra comique “classique” a lieu 3 ans après la Révolution française.

Napoléon définit personnellement le genre de l’opéra comique par décret : ” Comédie ou drame mêlé de couplets, d’ariettes ou de morceaux d’ensemble. ”

Il devint l’opéra de la bourgeoisie et du peuple, et l’élément stylistique le plus important était les dialogues parlés (au lieu des récitatifs accompagnés de musique). Le spectre s’étendait des comédies aux drames avec un maximum de trois actes. Le premier chef-d’œuvre fut l’opéra Frau Diavolo d’Auber.

Eugène Scribe et son atelier d’écriture devinrent la plus importante source de libretto, produisant près de 500 libretti. Scribe combinait surtout l’intrigue sentimentale avec les conventions bourgeoises, le patriotisme et la satire de ses contemporains.

À partir de 1850, la distinction avec le grand opéra commence à s’estomper, et les plus grandes œuvres du genre sont produites (Carmen, Les contes d’Hoffmann, Faust, Manon). Toutes ces œuvres étaient adaptées aux conventions de l’opéra comique.

Le terme “Opéra Comique” désigne non seulement un genre, mais aussi un lieu à Paris, et reste une institution française jusqu’à aujourd’hui. L’Opéra comique d’aujourd’hui (également connu à Paris sous le nom de Salle Favart) est un beau théâtre historique et date de 1898. Les deux théâtres précédents ont brûlé, y compris le premier théâtre de “Carmen” ; l’incendie s’est produit en 1887 et a coûté la vie à environ 100 personnes

L’opéra comique était très différent de la grandiloquente tragédie lyrique en cinq actes. Les principales formes de l’opéra comique comprenaient : l’utilisation de la langue française, trois actes, des dialogues parlés, des sujets réalistes (c’est-à-dire non mythologiques, etc.). Des récitatifs ont été composés plus tard pour de nombreux opéras afin de les adapter à d’autres maisons d’opéra (par exemple, Carmen)

1793 Napoléon Bonaparte décrète le nouvel Opéra comique
1797 Création de l’œuvre principale de l’opéra dit de secours, Médée de Cherubini.
1830 Fra Diavolo d’Auber apparaît, Eugène Scribe en est le librettiste.
1840 Donizetti conquiert l’opéra comique avec La fille du régiment.
1850 Ouverture au drame : l’Opéra comique devient “le petit Grand Opéra”.
1850 Le genre comique ne fait plus partie de l’opéra comique et se tourne vers l’opérette.
1875 L’opéra Carmen provoque un scandale théâtral à l’Opéra comique.
1887 L’incendie de la deuxième salle Favart pendant une représentation, fait 100 morts

Couplet : Le terme vient de l’opéra français. Un couplet est une chanson joyeuse multi-strophique avec un refrain distinctif à la manière d’un rondo, avec un refrain récurrent. Un exemple est Chacun le sait, chacun le dit de l’opéra La fille du régiment.
Opéra de sauvetage : L’opéra de sauvetage (comédie héroïque) devient populaire après la Révolution. ” Le sauvetage de la détresse ” combiné à une histoire d’amour est le schéma de ses intrigues, les œuvres les plus célèbres étant Médée (Cherubini) et le Singspiel Fidelio (Beethoven)….
Les principales formes de l’opéra comique sont : l’utilisation de la langue française, 3 actes, des dialogues parlés, des sujets réalistes (c’est-à-dire non mythologiques, etc.)

1797 Médée (Cherubini)
1826 Fra Diavolo (Auber)
1840 La fille du régiment (Donizetti)
1859 Faust (Gounod)
1875 Carmen (Bizet)
1881 Les contes d’Hoffmann (Offenbach)
1884 Manon (Massenet)

Salut la France (La fille du régiment).
L’amour est un oiseau rebelle (Carmen)
Ah, fuyez douce images (Faust)
Les oiseaux de la charmille (Les contes d’Hoffmann)

Le Grand Opéra (français) est le nom d’un genre d’opéra qui a vu le jour à Paris après la Révolution française. Le Grand Opéra était basé sur les traditions de l’opéra réformé de Gluck et de l’Opéra Comique.

Le “Guillaume Tell” de Rossini (1829), ainsi que la “Muette de Portici” d’Auber (1828) et “Robert le diable” de Meyerbeer (1831), formaient le prototype de ce nouveau type d’opéra somptueux aux thèmes historicisants qui prétendait combiner les genres artistiques de la musique, de la littérature, de la danse, de la décoration et de la peinture. Des comités spécialisés dans chaque genre artistique se chargeaient de régler les détails, et les répétitions interminables mettaient au jour des faiblesses qui entraînaient à leur tour des modifications de la composition.

Les productions du Grand Opéra exigeaient des artistes qu’ils créent du matériel historique avec des couleurs authentiques. Par exemple, pour la production de Guillaume Tell de Rossini, le décorateur Cicéri a été envoyé en Suisse centrale, où il a réalisé des croquis pour les décors.

La pièce a été jouée à son apogée dans la salle Pelletier, qui a été victime d’un incendie en 1873. Les œuvres du Grand Opéra ontcinq actes et comprennent un ballet étendu. Les opéras étaient élaborés et mis en scène à des coûts gigantesques. Par exemple, 355 costumes ont dû être cousus pour Don Carlo, qui a été joué pendant l’Exposition universelle de Paris en 1867.

Giacomo Meyerbeer est considéré comme le compositeur le plus réussi du Grand Opéra. Richard Wagner a essayé pendant de nombreuses années de réussir avec le grand opéra, mais a échoué avec son Tannhäuser dans un fiasco qui est entré dans l’histoire. La plupart des œuvres de ce genre sont rarement jouées aujourd’hui en raison des dépenses gigantesques qu’elles impliquent (par exemple, Les Huguenots ou L’Africaine).

Le grand opéra adopte le déroulement de la grandeur et les nombreuses formes de la tragédie lyrique, mais s’ouvre au public bourgeois avec des thèmes historicisants et une musique plus entraînante.

1828 La muette de portici est donnée comme première œuvre du Grand Opéra à la salle Pelletier.
1829 Rossinis compose Guillaume Tell pour le Grand Opéra
1830 Meyerbeer conquiert le Grand Opéra avec Robert le diable et le domine pendant les 20 années suivantes.
1855 Verdi se tourne également vers le Grand Opéra avec Vepres siciliennes et plus tard Don Carlo.
1865 Meyerbeer écrit son dernier opéra (L’Africaine).
1873 La Salle Pelletier brûle et le Palais Garnier devient le nouveau lieu de représentation, mais le déclin s’installe

1828 La muette de portici (Auber)
1829 Guillaume Tell (Rossini)
1830 Robert le diable (Meyerbeer)
1835 La Juive (Halévy)
1836 Les Huguénots (Meyerbeer)
1865 Don Carlos (Verdi)

O Paradis (L’Africaine)

Spuntato ecco il dí d’esultanza

Verdi :

Au moment où Verdi écrit son premier chef-d’œuvre, Rossini s’était déjà tu, Bellini était mort et Donizetti se voyait encore accorder quelques années. L’acte principal de Verdi était désormais de dramatiser la musique du bel canto Les rôles des chanteurs devinrent plus dramatiques, les chœurs plus importants, et la musique plus dure. Nabucco fut le modèle de ce nouveau style ; jamais Verdi n’a composé plus fort et plus guerrier.

Verdi procédait toujours de manière stratégique dans ses compositions. Avant le processus de composition, il définissait le style musical de l’opéra. Chaque œuvre, à partir de Nabucco, devait désormais avoir sa propre empreinte digitale. Il l’appelait Tinta musicale.

Il a constamment poursuivi la voie du drame et a écrit ses premiers drames musicaux avec Macbeth et Simon Boccanegra. Mais cela n’a pas empêché Verdi d’écrire encore et encore des opéras à numéros classiques, notamment les triologia popolare de ses années de galère (Il trovatore, La Traviata et Rigoletto) et même son œuvre tardive Aïda était un opéra à numéros.

Il était un génie et un travailleur acharné. Vingt de ses œuvres sont encore régulièrement jouées dans les théâtres et constituent la base du répertoire d’opéra Verdi a révolutionné la relation entre l’impresario et le compositeur. Il a imposé que les droits d’exploitation restent au compositeur et qu’il ne soit plus obligé de produire des œuvres en continu.

Les deux dernières œuvres (Otello, Falstaff) sont devenues des drames musicaux par excellence, qu’il a composés d’après les œuvres de son dramaturge préféré, Shakespeare.

Wagner :

Le point de départ de Wagner était le Singspiel ; il citait lui-même Fidelio, qu’il avait vu à 16 ans avec Schröder Devrient, et le Freischütz comme fondement de son opéra.

L’influence du grand opéra et du belcanto ne doit pas être sous-estimée ; Wagner appréciait la musique de Bellini, qu’il a appris à connaître en tant que chef d’orchestre. Même Lohengrin, qu’il écrit à l’âge de 37 ans, respire encore l’art vocal italien. Mais il avait irrévocablement pris la voie du drame avec Der fliegende Holländer, qu’il a constamment développée jusqu’à ce qu’il y atterrisse avec Tristan und Isolde.

L’épine dorsale de son drame était constituée par les rôles de soprano hautement dramatique (Brünnhilde, Isolde) et de Heldentenor (Siegfried, Tristan, Tannhäuser). Les exigences envers les chanteurs étaient si élevées que Wagner a eu besoin de six ans pour trouver un chanteur pour son opéra Tristan und Isolde. En la personne du ténor Ludwig Schnorr von Carolsfeld, il a trouvé le Tristan dont il avait tant rêvé. Schnorr enchanta le public lors de la première à Munich, mais mourut huit jours après la quatrième représentation, à l’âge de 29 ans. Il avait chanté la quatrième représentation malade et, selon l’opinion populaire, est mort de la partie meurtrière.

De plus en plus, les leitmotivs deviennent le principe de composition dominant, jusqu’à devenir, dans le Ring, le principe de conception narrative. Avec Wagner, l’orchestre connaît une richesse de couleurs inédite, et ses ouvertures, sa musique de transformation et ses nouvelles harmonies ont inspiré plusieurs générations de compositeurs (voir aussi : Accord de Tristan).

L’œuvre de sa vie est indéniablement gigantesque ; en plus de sa grandeur en tant que musicien, il était aussi son propre librettiste Il a couronné l’œuvre de sa vie en créant son propre théâtre et festival à Bayreuth, qui se poursuit encore aujourd’hui. Avec le Ring, le drame musical est devenu une œuvre d’art total

Aucun musicien avant ou après lui n’a eu autant d’influence sur ses successeurs que Richard Wagner. Mahler, Strauss, Puccini, Korngold, Leoncavallo, Debussy et Humperdinck ont tous fait référence au maître.

La musique devient plus dramatique et de nouveaux types de voix apparaissent : soprano dramatique, ténor spinto, ténor héroïque et soprano hautement dramatique (Hochdramatische).

L’orchestre et le chœur gagnent en importance et en couleur, devenant des personnages à part entière. Le drame a évolué à partir de l’opéra à numéros belcantiste.

1842 Verdi réussit avec Nabucco, son premier chef-d’œuvre.
1843 Wagner réussit avec Der fliegende Holländer, son premier chef-d’œuvre.
1850 Wagner commence à travailler sur le Ring, qui durera 25 ans.
1847 Verdi écrit son premier drame musical, Macbeth.
1851 Verdi écrit Rigoletto, la première œuvre de la triologia popolare
1865 Avec Tristan und Isolde, Wagner transforme à jamais le paysage musical européen.
1876 Première représentation de l’Anneau des Nibelungen à Bayreuth.
1882 Première mondiale de Parsifal à Bayreuth, qui restera le seul lieu de représentation de cet opéra pendant les 30 années suivantes.
1887 À 74 ans, Verdi écrit son œuvre la plus importante en termes de drame musical, l’Otello.

Drame musical : La musique n’est plus divisée en scènes et en numéros (” opéra à numéros “), mais les scènes forment une unité indissociable. De manière caractéristique, les scènes et leur musique sont composées de bout en bout, sans interruptions telles que tercets, finales, récitatifs, etc…).
Heldentenor : Ténor héroïque. Voix de ténor avec une puissance rayonnante dans la gamme vocale dramatique. Les exigences physiques imposées au chanteur sont immenses. La durée de l’opéra est généralement très longue et l’accompagnement par l’orchestre est fort et dense. Tannhäuser est probablement le rôle de Heldentenor le plus difficile.
Soprano hautement dramatique : Le soprano hautement dramatique est le pendant féminin du Heldentenor. C’est une voix de soprano à la puissance rayonnante. Elle doit également chanter des rôles comportant des explosions émotionnelles extrêmes. Les rôles typiques sont Salomé (Strauss), Elektra (Elektra), Brünnhilde (Götterdämmerung) et Isolde (Tristan und Isolde).
Leitmotif : dispositif artistique utilisé de manière répétée comme motif musical dans une œuvre.
Ténor spinto : une voix de ténor un peu plus lourde. Elle se situe entre le ténor lyrique et le ténor héroïque. La voix de ténor spinto est puissante et brillante dans les aigus. Les rôles de ténor de Verdi sont généralement des rôles spinto (Manrico, Riccardo, Radames, etc.)

1847 Nabucco (Verdi)
1847 Macbeth (Verdi)
1853 La Traviata (Verdi)
1851 Rigoletto (Verdi)
1871 Aida (Verdi)
1887 Otello (Verdi)
1850 Lohengrin (Wagner)
1865 Tristan et Isolde (Wagner)
1868 Die Meistersinger von Nürnberg (Wagner)
Div. L’Anneau du Nibelung (Wagner)
1882 Parsifal (Wagner)

Va pensiero (Nabucco)
Di quella pira (Il Trovatore)
Bella figlia d’amore (Rigoletto)
Vieni ! t’affretta accendere… Ou tutti sorgete (Macbeth)
In fernem Land (Lohengrin)
Mild und Leise (Tristan und Isolde)
Ride of the Valkyries (Die Walküre)

Verismo :

Le verismo est le pendant italien du romantisme tardif de la fin du XIXe siècle dans la partie nord de l’Europe. La Cavalleria rusticana de Mascagni a été la première œuvre musicale de ce style et est devenue le modèle du verismo.

Le genre du vérisme combinait théâtre réaliste et musique brute et émotionnelle Pour obtenir le meilleur effet possible, la musique cherchait à exprimer des passions féroces et des émotions intenses. Elle devait toucher le cœur de l’auditeur et faire appel à son côté sensible. Le son “artificiel” et embelli du bel canto a été abandonné au profit de lignes vocales dramatiques.

Il n’existe pas de définition formelle du vérisme, mais dans la deuxième œuvre majeure du vérisme, Pagliaccio, le compositeur Leoncavallo fait dire à Tonio une phrase caractéristique du prologue : les personnes sur scène sont “en chair et en os” – le texte du prologue est devenu le programme du vérisme.

L’éditeur milanais Edoardo Sonzogno est considéré comme le sage-femme du vérisme. Afin de promouvoir de nouveaux talents, il a plusieurs fois annoncé des concours de composition pour des pièces en un acte. Dès la deuxième édition, Mascagni sort vainqueur avec Cavalleria rusticana. Sonzogno devint l’éditeur des véristes.

Puccini :

Puccini fut le dernier romantique de l’histoire de l’opéra et devint le créateur de grandes émotions sous la forme de personnages féminins inoubliables tels que Butterfly, Mimi ou Tosca. Il a puisé son énergie vitale et sa créativité professionnelle en grande partie dans les grands sentiments de passion, qu’il a recherchés dans sa vie réelle dans les nombreux amours.

Son langage orchestral est immensément coloré, ses scènes orchestrales de La bohème (barrière d’enfer, rue scène devant le restaurant Domus) ou Turandot (scènes de messe) deviennent des chefs-d’œuvre du romantisme tardif.

Comme Verdi, Puccini a donné à chaque opéra sa propre empreinte et il a constamment développé son style. C’est dans Tosca qu’il s’est le plus rapproché du vérisme et dans Turandot qu’il s’est le plus rapproché du romantisme tardif.

Comme Verdi, il est toujours resté engagé dans la mélodie et il a écrit une quantité incroyable de succès immortels.

Avec le Verismo, les bases de la technique de chant du bel canto sont partiellement abandonnées. Les débordements émotionnels et la violence exigeaient un nouveau style de chanteurs. Le réalisme fait que les scènes se déroulent dans un milieu socialement inférieur et le langage et les procédés stylistiques deviennent plus durs. Le sanglot de Pagliaccio (Vesti la giubba) devint le geste emblématique du vérisme.

1881 Ramon Varga inspire les musiciens avec son premier roman Verismo.
1883 Sonzogno lance le premier concours de compositeurs pour des opéras en un acte.
1890 Mascagni remporte le deuxième concours de Sonzogno avec Cavalleria rusticana (basé sur un roman de Varga). La première devient l’un des plus grands triomphes de l’histoire de l’opéra. L’opéra en un acte devient le modèle du vérisme musical.
1893 Puccini réalise sa percée avec Manon Lescaut.
1896 Umberto Giordano, musicien totalement inconnu, devient soudainement célèbre avec son chef-d’œuvre “Andréa Chenier”.
1904 Les premiers enregistrements d’Enrico Caruso sur gramophone apparaissent. Son “Vesti la giubba” (Pagliacci) devient le premier succès de l’industrie du disque à se vendre par millions.
1910 Puccini s’est tourné vers les États-Unis et, pour la première fois dans l’histoire de l’opéra, la première d’une œuvre importante a lieu aux États-Unis (La fanciulla del West).
1921 Puccini meurt, son dernier opéra Turandot est représenté à titre posthume

Intermezzo : musique d’inter-acte qui est devenue une pièce emblématique de l’opéra vériste. 3 Intermezzi sont devenus mondialement célèbres (Cavalleria rusticana, Pagliaccio, Manon Lescaut). Sur le plan dramatique, il servait souvent de prélude à la catastrophe culminante.
Opéra en un acte : Seuls les opéras en un acte étaient admis au concours des compositeurs du Sonzogno. C’est ainsi que ce type est devenu très populaire en Italie. Puccini a composé trois opéras en un acte dans son tryptique.

1890 Cavalleria rusticana (Mascagni)
1892 Pagliacci (Leoncavallo)
1896 Andrea Chénier (Giordano)
1926 Tosca (Puccini)
1902 Adriana Lecouvreur (Cilea)
1926 Turandot (Puccini)

Vesti la giubba (Pagliacci)
Intermezzo (Cavalleria rusticana)
Vicino a te (Andrea Chénier)
E lucevan le stelle (Tosca)
Nessun dorma (Turandot)

Late Romanticism :

Une caractéristique importante était l’augmentation significative de la taille de l’orchestre Des instruments supplémentaires comme le célesta ont ajouté de nouvelles couleurs à l’orchestre. La tonalité a été étendue, inspirée par l’harmonie exemplaire de Tristan mais la musique est restée tonale. L’écriture orchestrale devint plus complexe avec une énorme densité de motifs, des rythmes et des harmonies plus complexes.

Modernisme / Expressionnisme :

Le modernisme a exploité les moyens de la polytonalité et de la atonalité De manière significative, Berg avait une idée claire de la manière dont les chanteurs devaient chanter, ses instructions étaient : “En aucun cas chanter ! Mais néanmoins la hauteur doit être indiquée et enregistrée dans la hauteur de chant (exactement selon les notes) ; cette dernière, cependant, avec la résonance de la parole”

La polytonalité, la dissonance et l’atonalité ont remplacé la mélodie comme procédé stylistique prédominant.
À l’ère du modernisme, l’art du bel canto est définitivement dépassé, la voix chantée se rapproche de la voix parlée

1902 Première mondiale de Pelléas et Mélisande
1905 Création de Salomé, Strauss devient un compositeur d’avant-garde.
1909 Première mondiale d’Elektra, la première œuvre du modernisme.
1909 Schönberg écrit l’opéra en un acte Erwartung, le premier opéra atonal.
1911 Par surprise, Strauss devient conservateur avec Der Rosenkavalier.
1920 Première mondiale de Die tote Stadt de Korngold.
1925 Première mondiale de Wozzeck
1934 Korngold émigre à Hollywood et inspire l’industrie du cinéma avec le langage musical du romantisme tardif
1949 Mort de Richard Strauss

Timbres d’orchestre : Dans Salomé, Strauss a composé pour un orchestre de plus de 100 musiciens. Une section de cuivres de quinze musiciens, ainsi que des instruments orchestraux inhabituels à l’époque comme le célesta, l’harmonium et l’orgue, fournissent des couleurs sonores caractéristiques.
Atonalité : musique dont les harmonies et les mélodies ne sont pas fixées sur un centre tonal ou une note clé.

1902 Pelléas et Mélisande (Debussy)
1905 Salomé (Strauss)
1909 Elektra (Strauss)
1911 Rosenkavalier (Strauss)
1920 Die tote Stadt (Korngold)
1925 Wozzeck (Berg)
1937 Lulu (Berg)

Mir ist die Ehre widerfahren (Rosenkavalier).

Ah, du wolltest mich nicht Deinen Mund küssen lassen (Salomé)

Ob ich nicht höre (Elektra)

Langsam, Wozzeck, langsam (Wozzeck)