Les 100 plus grands opéras et salles de concert de musique classique en Europe – conseils de voyage

Le théâtre date de 1800 après avoir brûlé 4 ans plus tôt, après seulement 6 ans d’exploitation. Donizetti y a connu un grand triomphe personnel en 1840, lorsque la ville l’a célébré par une représentation d’opéra. À l’occasion de son 100e anniversaire, le beau théâtre a été baptisé du nom de Donizetti.

Vers la BIOGRAPHIE DE DONIZETTI

http://www.teatrodonizetti.it/it/teatro-donizetti-bergamo/

En 2016, elle a commencé la tradition d’un festival annuel Donizetti en novembre, qui a acquis une excellente réputation en peu de temps.

https://www.donizetti.org/en/festival-donizetti/

Cette belle maison d’opéra traditionnelle a connu une histoire mouvementée et de nombreux changements de nom (Unter den Linden, German State Opera, Royal Court Opera, etc.). Il a été gravement endommagé par un incendie à deux reprises (au 18e siècle et pendant la Seconde Guerre mondiale) et a été immédiatement reconstruit en 1942 pour remonter le moral du public.

Après le raid aérien:

La première de “Wozzeck” d’Alban Berg a eu lieu ici. Otto Nicolai a également été directeur de l’opéra ici, où il a créé son œuvre “Les Joyeuses Femmes de Windsor”.

Staatsoper Berlin:

Une respectable galerie ancestrale de directeurs artistiques

L’Opéra d’État est une magnifique maison d’opéra et une histoire exceptionnelle. La galerie de directeurs comprend des noms tels que Giacomo Meyerbeer, Otto Nicolai, Erich Kleiber, Wilhelm Furtwängler et Joseph Keilberth. Daniel Barenboim est le directeur de cette institution berlinoise depuis 1992.

Le bâtiment, reconstruit en 1843 après un incendie, était une magnifique structure impériale et servait d’opéra de cour. Après la chute de l’empire, il a changé de nom pour devenir le Staatsoper.

Vue de l’Opéra d’État:

Une période brillante à l’époque de la RDA avec Felsenstein

Malgré son jeune âge, le troisième opéra de la compagnie berlinoise a un passé trouble. Créé à la fin du 19e siècle, il a été un théâtre d’opérette et de revue jusqu’à la Seconde Guerre mondiale. Le théâtre a été gravement endommagé pendant la guerre, puis reconstruit avec une façade plus moderne. Walter Felsenstein, originaire de Vienne, a été nommé par les forces d’occupation russes comme directeur de cet opéra en 1847. Il n’a cependant pas repris le fil de l’opérette, mais a ensuite établi le théâtre musical avec ses productions.

Les productions de Felsenstein ont acquis une réputation internationale grâce à leur marque de fabrique, à savoir une mise en scène dramaturgique – comme le théâtre parlé – jusque dans les moindres détails. Cela n’était possible qu’avec un ensemble permanent, de sorte que l’opéra-comique a échappé au théâtre invité des stars qui s’est développé après la Seconde Guerre mondiale.

Felsenstein a donc eu une influence décisive sur l’opéra, car on réfléchissait désormais davantage à l’interprétation et à la mise en scène dans d’autres maisons également. Felsenstein est ainsi considéré comme l’un des pères du théâtre moderne de mise en scène.

Ses successeurs, comme Harry Kupfer ou Andreas Homoki, ont adopté l’idée du théâtre musical en tant que directeurs artistiques. Depuis 2012, avec une nouvelle direction artistique, le théâtre s’est ouvert au jazz et à l’opérette et renoue quelque peu avec sa tradition de théâtre de revue et d’opérette.

En 2023, un grand remaniement de rénovation débutera.

Lieu de la première de l’Opéra de quat’sous

La genèse de l’Opéra de quat’sous a été dramatique. Tout le monde s’attendait à ce qu’il échoue. Mais la première représentation au Theater am Schiffbauerdamm, le 31 août 1928, devint un succès triomphal auquel on ne s’attendait pas et rendit Kurt Weill et Bertold Brecht soudainement célèbres. Les mélodies de Weill sont devenues des tubes populaires et l’œuvre a été jouée 10 000 fois au cours des cinq premières années seulement. Le théâtre existe toujours aujourd’hui et Bertold Brecht constitue toujours une partie importante du répertoire.

Theater am Schiffbauerdamm:

https://www.berliner-ensemble.de/en/das-theater-am-schiffbauerdamm

Le 11 mars 1829, l’une des performances musicales les plus ambitieuses de l’histoire a eu lieu dans ce bâtiment. Felix Mendelssohn, âgé de 20 ans, a interprété avec la Sing-Akademie la Passion selon saint Matthieu de Bach, aujourd’hui presque oublié, qui n’avait pas été jouée depuis près de 100 ans. Cet événement, accueilli avec enthousiasme, a déclenché une euphorie Bach qui se poursuit encore aujourd’hui, 200 ans plus tard. Pourtant, Zelter, le directeur de la Singakademie et le professeur, ami et mécène de Mendelssohn, considérait l’œuvre comme injouable et voulait en interdire la production. Cependant, Mendelssohn et son ami Devrient ont réussi à mettre en scène l’œuvre monumentale avec 200 interprètes.

Le bâtiment de la Singakademie avait été conçu quelques années auparavant, sur la base d’un projet de Schinkel. Il avait été commandé par Zelter pour la Singakademie, qui se consacrait aux œuvres chorales historiques. Mendelssohn lui-même y avait adhéré en tant que chanteur en 1819. Le bâtiment bénéficiait d’une excellente acoustique et, dans les années 1930, il est devenu un lieu de prédilection pour les enregistrements de Mengelberg et de Furtwängler, entre autres. En outre, au XIXe siècle, tout ce qui avait un rang et un nom comme Niccolò Paganini, Franz Liszt, Clara et Robert Schumann, Anton Rubinstein ou Johannes Brahms y ont donné des concerts.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le bâtiment a été gravement endommagé, puis reconstruit par les autorités russes en tant que théâtre dramatique “Maxim Gorky”, ce qu’il est encore aujourd’hui.

Théâtre Maxim Gorky:

Tableau historique (1843):

Salle de musique de la Philharmonie de Berlin

En 1963, la nouvelle salle de concert phare de Berlin, la Philharmonie, est inaugurée. L’architecte Hans Scharoun a conçu une salle de concert avec un plan polygonal composé de plusieurs pentagones décalés les uns par rapport aux autres. L’orchestre est placé presque au centre, de sorte que la vue et l’écoute de la Philharmonie varient en fonction du siège.
La salle est la demeure ancestrale du célèbre orchestre philharmonique de Berlin, qui s’est installé dès le début dans la Philharmonie comme nouveau siège.

Acoustique

Grâce aux sièges en hauteur, la vue depuis les 2250 places est excellente et l’acoustique impressionne par sa conception sophistiquée. Entre autres, le plafond a été équipé de 136 résonateurs en forme de prisme dont l’ouverture peut être régulée et ainsi adaptée aux conditions.

Facade

Dans une deuxième phase, la façade en béton a été finie avec un revêtement en aluminium doré, ce qui confère au bâtiment une aura fascinante en plus de sa forme frappante.

Dans les années 1980, un bâtiment jumeau, appelé Chamber Music Hall, a été créé à côté.

https://www.berliner-philharmoniker.de/

Un lieu de concert important était l’ancien théâtre, qu’Immermann a aménagé en théâtre modèle. La célèbre représentation de “Don Giovanni”, dirigée par Felix Mendelssohn, a également eu lieu ici. Le théâtre a ensuite cédé la place à un bâtiment de théâtre plus grand, qui a été reconstruit après avoir été bombardé pendant la Seconde Guerre mondiale, mais qui a dû céder la place à un nouveau bâtiment dans les années 1950. Aujourd’hui, cette maison est un théâtre à deux sections renommé.

https://www.operamrhein.de/de_DE/opernhaus-duesseldorf

Auditorium de l’Opéra de Düsseldorf:

Aujourd’hui, des statues de Mendelssohn et d’Immermann commémorent cette époque d’éveil artistique à Düsseldorf.

Station de Mendelssohn:

La Tonhalle originale, où Mendelssohn a joué son oratorio Paulus, n’existe plus ; comme tant d’autres bâtiments, elle a été victime de la Seconde Guerre mondiale.

La conception inhabituelle

Après la guerre, un nouveau bâtiment est érigé sur un autre site (“New Tonhalle”) dont la grande salle est appelée “Mendelssohn Hall” en l’honneur du compositeur. Le bâtiment présente une architecture circulaire, dont la forme inhabituelle et spectaculaire caractérise également la salle Mendelssohn.

Excellente acoustique

Depuis les mesures d’amélioration de l’acoustique en 2005, cette salle fait également partie des meilleures salles d’Allemagne sur le plan acoustique. Il est recommandé de faire une visite guidée (y compris le planétarium intégré) ou d’assister à un concert.

Intérieur de la nouvelle Tonhalle Düsseldorf:

Le bâtiment

En 2017, l’Elbphilharmonie a été inaugurée. Déjà la phase de construction était spectaculaire, entre autres, un arrêt de chantier de 18 mois a fait que le coût du projet est devenu 10 fois plus élevé que prévu, ou en chiffres : 866 millions d’euros au lieu de 77 millions d’euros.

La Philharmonie se dresse sur un ancien bâtiment d’entrepôt et s’élève à 110 m au-dessus de l’Elbe à son point le plus haut. Le point le plus bas de la façade, qui rappelle un voilier, se trouve 30 mètres plus bas. Mais le plan horizontal n’est pas non plus rectiligne, puisque le bâtiment repose sur une base cunéiforme de 85 mètres de large d’un côté et de 22 mètres de l’autre.

La façade en verre impressionne par son éclat cristallin, dû à des éléments en verre partiellement courbés individuellement.

Le bâtiment conçu par Herzog &amp ; de Meuron compte 24 étages. En plus de la grande salle de concert et de deux salles de concert plus petites, on trouve également à cet endroit des appartements, un hôtel de conférence et de la gastronomie. Le tout est complété par une plaza à une hauteur élevée.

Plaza:

Le bâtiment précédent a été détruit par un incendie

Le deuxième Gewandhaus a été victime de la Seconde Guerre mondiale. En raison des dommages importants, il a été décidé de ne pas le reconstruire et un bâtiment pour l’université a été érigé.

Accoustique

Le troisième (nouveau) Gewandhaus a été construit à l’époque de la RDA. ” La grande salle de 1900 places a une excellente acoustique. Pendant la construction, la salle a été occupée à plusieurs reprises par des soldats de la NVA pour tester l’acoustique à pleine capacité “.

Les entretiens du Gewandhaus

À l’automne 1989, le Gewandhaus a pris une importance politique. Kurt Masur a ouvert la maison pour les “Gewandhaus Talks”, des cycles de discussions publiques au cours desquels les réformes et l’avenir de la RDA étaient débattus. Ainsi, le Gewandhaus est devenu une plateforme pour l’opposition politique de la RDA.” (Source : Wikipédia, traduction personnelle).

Excellent orchestre

Depuis Mendelssohn Bartholdy, l’orchestre du Gewandhaus a connu une éblouissante galerie de directeurs artistiques et jouit toujours d’une excellente réputation dans le monde de la musique. Pour le programme, voir le site web.

Le passé

Le premier Gewandhaus, lieu de travail de Mendelssohn, a été construit au XVIIIe siècle à partir d’un grenier aménagé dans un entrepôt de tissus. C’est là qu’ont eu lieu, outre deux symphonies de Schumann, les premières représentations du concerto pour violon en mi mineur de Mendelssohn (avec Ferdinand David comme soliste) et de la symphonie en do majeur (n° 9) de Schubert.

Pour le programme, voir le site web.

https://www.gewandhausorchester.de/

Salle de concert du Gewandhaus historique:

Origines

Le bâtiment date du milieu du XIXe siècle, avant lequel deux maisons précédentes avaient brûlé. D’une capacité de 2 250 spectateurs, le théâtre porte le titre de “Royal” depuis 1892 et est utilisé par l’Opéra royal et le Ballet royal. Depuis sa construction, le théâtre a été fermé deux fois, la première fois pendant la Première Guerre mondiale où il a été utilisé comme entrepôt et la seconde fois de 1996 à 1999 où il a été rénové et agrandi.

https://www.roh.org.uk/

La célèbre Tosca de Maria Callas dans le Convent Garden

Une représentation de “Tosca” au Convent Garden de Londres en 1964 a donné lieu à une manie unique de Callas. “Au début de l’année 1964, le monde de la musique a vécu quelque chose de totalement inattendu : la prima donna Maria Callas est revenue sur la scène de l’opéra du Royal Opera House de Londres et a remporté un succès sensationnel durable avec son interprétation de la Tosca. Même les Beatles n’ont pas eu plus de presse. Pourtant, la glorieuse carrière de Maria Callas semblait avoir pris fin depuis longtemps, et elle était elle-même devenue un mythe. Ce n’est plus sa voix mais ses scandales qui font la une des journaux à cette époque.

Elle voulait impressionner ses fans et ses détracteurs une fois de plus

Déçue par son amour pour le multi-milliardaire et playboy Aristote Onassis, Maria Callas voulait montrer une fois de plus à tous qu’elle avait raison de porter le titre de ” Primadonna Assoluta “. À la condition que le réalisateur vedette Franco Zeffirelli prenne en charge la mise en scène, la chanteuse exceptionnelle accepte finalement de chanter Tosca. Ses fans ont fait la queue pendant des jours devant l’opéra et ont passé les froides nuits d’hiver dans des sacs de couchage et sur des chaises pliantes pour obtenir l’un des billets les plus convoités et découvrir une fois de plus leur star dans son rôle emblématique” (source : ORF, Wischmann). La représentation devient un triomphe et le chant du cygne de Callas. La BBC enregistre le deuxième acte en direct.

Angela Gheorghiu enflamme sa carrière à Convent Garden

Gheorghiu est née en 1965 dans la campagne roumaine au sein d’une famille ouvrière. À l’âge de 14 ans, elle est allée à Bucarest au lycée de musique, puis au collège de musique.

Elle quitte la Roumanie peu après et est engagée au Royal Opera House de Londres, où elle fait ses débuts dans le rôle de Zerlina dans Don Giovanni de Mozart. La rencontre avec Georg Solti constitue un événement clé. À 84 ans, il voulait produire sa première Traviata avec de nouveaux artistes et a rencontré Angela Gheorghiu. Il était ravi. Lorsque l’opéra a été présenté à l’opéra, “sa performance a spontanément convaincu la direction de la télévision de la BBC de changer le programme et de passer en direct au Royal Opera House de Londres pour diffuser la représentation à la télévision. C’est ainsi que débute le triomphe de la “soprano” (wikipedia) à Londres.

Le gigantesque bâtiment de la reine Victoria

La reine Victoria a chargé les ingénieurs de son armée de construire cette structure gigantesque. Six millions de briques ont été empilées. Lorsque le dôme de 40 m de haut fut posé, le bâtiment fut évacué, mais il ne s’enfonça que de 1 mm et de façon régulière. En mémoire de son défunt mari bien-aimé, qui a donné son nom au bâtiment, la Reine a fait inscrire partout ses initiales ; on dit que plus de 10 000 initiales ont été inscrites sur les rampes, les entrées, etc.

Lors de l’inauguration de l’édifice, la reine était apparemment si émue qu’elle ne voulut pas prononcer le discours, mais confia cette tâche à son fils.

Le plus grand orgue du monde

Avec 10 000 tuyaux, le plus grand orgue du monde de l’époque est installé. Camille-Saint-Saens, peut-être le plus grand organiste de l’époque (à côté d’Anton Bruckner), a joué de l’instrument pour l’inauguration. Bruckner visita également le Royal Albert Hall et s’émerveilla devant l’orgue, dont les soufflets étaient actionnés par des moteurs à vapeur. Il est revenu le lendemain et la vapeur a duré plus longtemps que prévu, ce qui a sauvé la vie de Bruckner, car cela lui a permis de ne pas prendre le train qu’il avait prévu de prendre, sur lequel un accident devait se produire. Lorsque Bruckner est arrivé à la gare, les blessés graves venaient d’être transportés.

Ouverture du Royal Albert Hall en 1871:

Visite de Wagner1877

En 1877, Wagner dirige une série de 8 concerts au RAH. Il était en très mauvaise santé et il n’a dirigé que la première moitié de chaque concert (la seconde moitié était dirigée par Hans Richter). Il n’a fait ce voyage que pour rembourser les dettes gigantesques du premier festival de Bayreuth en 1876. Le voyage de Wagner à Londres est devenu célèbre parce que Wagner dirigeait très mal en raison de ses problèmes de santé. Plusieurs fois, sa mémoire lui fit gravement défaut et son rythme était très instable.

Le problème acoustique

Wagner a immédiatement remarqué que la salle avec le double écho avait un gros problème acoustique. Ce problème n’a été résolu dans une certaine mesure qu’en 1969 avec une construction sous le toit.

Proms

L’événement le plus célèbre du Royal Albert Hall est bien sûr les Proms, notamment la dernière soirée avec son atmosphère exubérante. Les Proms ont lieu au mois d’août.

https://www.royalalberthall.com/

Home de la célèbre compagnie théâtrale de Haendel

Le Haymarket Theater était la scène des trois glorieuses compagnies d’opéra de Haendel. Plus de 25 de ses opéras ont été créés ici. Le bâtiment a d’abord été appelé Queen’s Theater, puis, avec le changement de pouvoir en 1714, King’s Theater ou simplement Theater at Haymarket.

Le théâtre d’origine n’existe plus car, en 1789, un incendie a été déclenché par un artiste déçu pendant une répétition. Après un autre incendie, le bâtiment actuel a été inauguré en 1897. Longtemps utilisé comme théâtre dramatique, il accueille depuis de nombreuses années des productions musicales.

Le King’s Theatre historique:

https://lwtheatres.co.uk/theatres/her-majestys/

De grandes œuvres chorales et d’orgue sont régulièrement interprétées dans l’abbaye de Westminster.

https://www.westminster-abbey.org/de/worship-music/music/concerts-and-events

L’abbaye de Westminster:

Ce n’est pas seulement l’église où Charles a épousé sa Diana, mais St Paul est aussi un lieu de concerts.

https://www.stpauls.co.uk/worship-music/music/concerts-and-events

Le deuxième opéra anglais de Londres propose des opéras classiques de grande qualité, chantés en anglais.

https://eno.org/

Orchestre symphonique de Londres

Depuis 1982, le Barbican Hall est le lieu de concert du LSO, probablement l’orchestre classique le plus prestigieux du Royaume-Uni. Il séduit non seulement par la qualité de sa musique, mais aussi par le pedigree incroyablement illustre de ses principaux chefs d’orchestre (notamment Richter, Elgar, Beecham, Mengelberg, Monteux, Previn, Abbado, Davis, Rattle).

https://www.barbican.org.uk/whats-on/2020/series/london-symphony-orchestra

C’est le siège du London Philharmonic et d’autres orchestres, avec un programme de concerts dense et de grande qualité.

https://www.southbankcentre.co.uk/venues/royal-festival-hall ?

Construite en un temps record

La Scala a été construite en 1778 sous la domination autrichienne en un temps record de 2 ans, le bâtiment précédent ayant brûlé. Elle tire son nom d’une église avec un monastère sur le site, qui portait ce nom. L’auditorium est fait de bois recouvert de velours et possède donc une excellente acoustique.

Au cours des 150 années suivantes, la Scala est devenue le lieu de nombreuses et importantes premières de compositeurs comme Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Giuseppe Verdi et Giacomo Puccini.

En 1943, gravement endommagé par les bombes, il fut inauguré par un glorieux concert dirigé par Toscanini. Un solo de soprano de Renata Tebaldi, encore inconnue, a fait sensation.

À l’origine, le théâtre comptait 3 000 places, dont beaucoup dans les 600 loges. Aujourd’hui, il y a encore 150 loges et 2300 sièges. Au-dessus des loges se trouvent les sièges des Logionisti, les visiteurs notoires et intransigeants, qui ont fait fuir plus d’une star établie sous les huées.

Rossini est devenu très tôt l’un des compositeurs les plus importants pour la Scala, son nom suffisait à remplir les théâtres. La Scala a honoré Rossini avec une grande statue dans ses locaux.

La statue de Rossini à la Scala:

5 des 71 opéras de Donizetti ont été créés à La Scala. Parmi eux, son “Lucrezia Borgia”. Cette pièce a lutté contre la censure au XIXe siècle et a été jouée avec 6 titres différents au cours de ses 10 premières années ; en 1845 à Paris, les Italiens sont même devenus des Turcs (“La rinnegata”).

La Scala a honoré Donizetti avec une statue dans le foyer du théâtre.

Le buste de Donizetti à la Scala:

Toscanini a vécu une période mouvementée à la Scala. Il a connu la Scala en tant que violoncelliste et a appris à connaître Verdi. Il a eu un partenariat artistique avec Puccini. Avec la montée du fascisme, il refuse de jouer à la Scala son hymne, la Giovinezza, et quitte l’Italie et la Scala. C’est lui qui, 20 ans plus tard, sous le nom de l’Immaculée, eut l’honneur d’inaugurer glorieusement la Scala, rouverte et rénovée après la guerre.

Le buste de Toscanini à la Scala:

Deux opéras ont été créés à la Scala du vivant de Puccini, ils y ont tous deux échoué. La première de Butterfly est même devenue le moment le plus amer de la carrière de Puccini, lisez la digression ci-dessous. Seule la première de Turandot est devenue un triomphe, mais Puccini n’a pas vécu pour la voir. De nombreuses œuvres de Puccini sont encore aujourd’hui parmi les plus jouées à La Scala.

Le célèbre “punto Callas”

La Scala était le centre artistique de la plus importante chanteuse d’opéra du 20e siècle. La Callas, sévèrement myope, connaissait l’acoustique de la Scala comme sa poche et avait un point sur scène où sa voix pouvait développer le meilleur effet acoustique, le fameux “punto Callas”. L’emplacement de ce point est contesté.

La scène:

Le do aigu de “di quella pira” de Verdi

L’opéra reste un lieu culturel central de Milan et fait toujours grimper le cœur et la pression sanguine des Italiens, comme le prouve l’histoire suivante sur Verdi et le do aigu : Le célèbre air “Di quella pira” de “Il Trovatore” se termine généralement par un do aigu. Il est intéressant de noter que Verdi n’a pas composé de do aigu à ce moment-là. Enrico Tamberlinck, l’un des premiers Manrico avait explicitement demandé la permission à Verdi. Le maestro l’avait explicitement autorisé, à la condition que le do soit également chanté magnifiquement. Ainsi, cette convention a prévalu et la plupart des auditeurs ne connaissent l’aria que de cette manière ; suivre la note basse originale de la partition provoquerait l’irritation, voire la déception, du public.

La controverse

Même Toscanini, qui interdisait toute liberté prise par les chanteurs au XIXe siècle, a accepté la convention. En 2000, pour les célébrations du 100e anniversaire de la mort de Verdi à l’opéra “La Scala” de Milan, Riccardo Muti, le chef d’orchestre et directeur artistique de la Scala, ordonna que cet air soit chanté dans la version originale, c’est-à-dire sans le do aigu. Après l’air, il y eut une grêle de huées et le résultat fut un véritable scandale théâtral qui a ému la presse et les esprits pendant des jours.

Di quella Pira – il trovatore

Célèbre pour son ballet

Le théâtre du Bolchoï est célèbre pour ses spectacles de ballet. Le “Lac des cygnes” de Tchaïkovski y a été créé. La légendaire troupe de ballet du Bolchoï, composée de 200 danseurs, effectue souvent des tournées à l’étranger et les représentations à Moscou affichent presque toujours complet. Les spectacles d’opéra sont également de très grande qualité, souvent chantés en russe mais de plus en plus dans les langues originales.

La visite de Staline

C’est aussi le lieu de la tristement célèbre visite de Staline, accompagné de Molotov, alors qu’il écoutait un opéra de Chochtakovitch derrière un rideau de loge. Quelques jours plus tard, la Pravda publiait un article, probablement écrit par Staline, dénonçant l’œuvre, et Chochtakovitch risquait ainsi d’être emprisonné de façon permanente. Cette peur l’a accompagné dans les années suivantes de sa vie et l’a conduit à la dépression et aux pensées suicidaires.

https://www.coopculture.it/heritage.cfm?id=6

Là où Horowitz a enchanté le monde

Cette salle, datant de 1901, possède une excellente acoustique, qui reposerait sur des corps creux en céramique insérés dans la voûte du plafond. Elle peut accueillir 1800 visiteurs et possède une scène d’une taille inhabituelle.

C’est dans cette salle que Vladimir Horowitz a donné le concert émouvant de son retour en 1986 après plus de 50 ans d’exil. Tout devait être parfait, 50 ingénieurs du son et techniciens de Deutsche Grammophon se sont déplacés pour capturer cet événement du siècle. Il était clair qu’Horowitz voulait jouer sur son piano à queue et ce concert est devenu le plus grand événement pop pianistique du 20ème siècle, avec la particularité que la pop star avait déjà 82 ans !

Ballet et Opéra

L’Opéra d’État a été inauguré en 1817 sous le nom d’Opéra de la Cour. Il a été gravement endommagé à trois reprises, après deux grands incendies et les dégâts de la Seconde Guerre mondiale. Aujourd’hui, le Théâtre national de Munich accueille l’Opéra d’État de Bavière, l’Orchestre d’État de Bavière et le Ballet d’État de Bavière. Il peut accueillir 2100 spectateurs.

Wagner und Strauss Pour les amateurs d’opéra et de classique

Es war Uraufführungsort von “Tristan und Isolde“, “Meistersinger von Nürnberg“, “Die Walküre” und “Rheingold“. Letztere beide wurden gegen den Willen und in Absenz Wagners durchgeführt.

C’est là qu’ont été créés “Tristan und Isolde”, “Meistersinger von Nürnberg”, “Die Walküre” et “Rheingold”. Ces deux derniers ont été joués contre la volonté de Wagner et en son absence.

Seul le douzième opéra de Strauss a été créé dans sa ville natale. Strauss est offensé qu’on lui refuse le poste de directeur général de la musique en 1886. Il a même écrit un compte rendu de sa ville natale avec son opéra “Feuersnot”. Strauss est offensé par le fait qu’on lui refuse le poste de directeur général de la musique en 1886. Avec son opéra “Feuersnot”, il a même écrit un plaidoyer en faveur de sa ville natale. Ce n’est que lorsque son ami Clemenss Krauss (vraisemblablement par l’intermédiaire d’Hitler) a pris la direction de l’Opéra de Munich que deux premières y ont eu lieu (Friedenstag en 1938, et Capriccio en 1942).

Richard Strauss:

Une relation particulière avec Bruckner

Avec la 7e Symphonie, Munich a établi une importante tradition brucknérienne. C’est d’abord Hermann Levi, puis Ferdinand Löwe, qui ont fait fleurir l’œuvre de Bruckner. La tradition a été transmise aux légendaires concerts de Celibidache au Gasteig. Entre autres, le Gasteig a été inauguré en 1985 avec la 5e de Bruckner. De nos jours, Ghergiev maintient également la tradition de Bruckner.

La question de l’accoustique

Une source constante de discussion est l’acoustique, qui ne peut rivaliser avec celle de Berlin ou de Düsseldorf.
Salle de concert de Gasteig:

Site de la première de l’Idoménée de Mozart

Le théâtre des Cuvilliés, lieu de la première représentation d'”Idoménée”, a été détruit pendant la Seconde Guerre mondiale et reconstruit de toutes pièces. Heureusement, une partie considérable du mobilier intérieur a été démantelée lors d’une action audacieuse avant que les bombes aériennes ne fassent leur terrible travail. Avec les parties intérieures sauvées, un nouveau théâtre Cuvilliés a été créé ailleurs, qui peut être visité et est considéré comme le plus beau théâtre rococo d’Allemagne.

Reproduction du théâtre Cuvillié du XIXe siècle:

Le théâtre du Gesamtkunstwerk (œuvre d’art totale) de Wagner

Dès le début, il était clair pour Wagner que la représentation d’une œuvre telle que “L’anneau du Nibelung” dans les théâtres existants n’était guère possible. Très tôt, l’idée de son propre théâtre de festival est née. Mais il faudra attendre encore 25 ans pour qu’il soit achevé. Assurer le financement de cette énorme entreprise a coûté beaucoup de travail à Wagner. En 1872, Wagner et sa femme Cosima s’installent à Bayreuth et les travaux de construction commencent. Avec de nombreux mécènes, il réussit à réunir des fonds pour la pose de la première pierre du Festspielhaus et pour l’achat de la Villa Wahnfried. Quatre ans plus tard, le Festspielhaus est inauguré avec Rheingold. Le premier festival a lieu en 1876 en présence de l’empereur Wilhelm et de toutes les célébrités culturelles européennes et devient le plus grand triomphe de toute la vie de Wagner.

Avec l’Anneau et la construction du Festspielhaus, Wagner a achevé sa vision du Gesamtkunstwerk : l’union des arts de la musique, de la poésie, de l’architecture et de la scénographie. Le Festspielhaus impressionne toujours par son excellente acoustique et sa vue sur la scène et la fosse d’orchestre couverte.

Les billets pour les festivals doivent être obtenus à l’avance sur le long terme. Des visites guidées sont proposées de manière sélective.

Les billets pour les festivals doivent être obtenus à l’avance sur le long terme. Des visites guidées sont proposées de manière sélective.

https://www.bayreuther-festspiele.de/

Festspielhaus:

Un théâtre de superlatifs

Parce que Napoléon III a été assassiné dans la rue lors d’une visite à l’opéra, il a voulu faire construire un opéra avec une entrée protégée. L’inconnu Garnier remporte le concours d’architecture pour un nouveau grand opéra et réalise les travaux de construction. Cependant, les travaux sont fastidieux et prolongés. La nappe phréatique, en particulier, posa de gros problèmes. En fait, il existe encore aujourd’hui un lac sous l’opéra, qui est régulièrement contrôlé par les pompiers. Ce lac et un accident survenu dans l’opéra ont donné naissance à la légende du Fantôme de l’Opéra.

L’opéra est le plus grand opéra du monde en termes de mètres carrés.

Le grand escalier est particulièrement spectaculaire :

Le lustre de l’auditorium pèse huit tonnes et le plafond a été redessiné par Marc Chagall en 1964:.

Guillaume Tell de Rossini au Grand Opéra

L’opéra le plus important de Rossini pour Paris, son “Guillaume Tell”, a été représenté dans la salle Pelletier du Grand Opéra. Cette gigantesque institution parisienne était à l’époque l’opéra le plus professionnel du monde. Malheureusement, cet opéra ne peut plus être visité, car il a lui aussi subi le sort d’un incendie dévastateur en 1873, qui a fait rage pendant 27 heures et l’a complètement détruit.

Sur ordre de Napoléon III, un nouveau théâtre est prévu et le Palais Garnier, toujours utilisé aujourd’hui, est inauguré deux ans plus tard.

https://www.operadeparis.fr/

L’incendie du Grand Opéra (dessin contemporain):

Un bâtiment gigantesque

Un bâtiment gigantesque de 2 700 places et un art lyrique de classe mondiale. Il a ouvert en 1989 pour le bicentenaire de la prise de la Bastille.

Le nouveau grand opéra

Depuis 1990, il est le nouveau Grand Opéra, remplaçant le Palais Garnier en tant qu’opéra “régulier”.

https://www.operadeparis.fr/

Une institution française

L’Opéra comique (également connu sous le nom de salle Favart) est un beau théâtre historique, et date de 1898. Ses deux prédécesseurs ont brûlé, notamment le théâtre de la première de “Carmen” ; l’incendie s’est produit en 1887 et a tué une centaine de personnes.

Une visite à l’opéra est fortement recommandée, il offre un programme de premier ordre.

https://www.opera-comique.com/

Le théâtre où le CanCan d’Offenbach a été entendu pour la première fois

La Salle Lacaze étant devenue trop petite et n’ayant la licence que pour les petites productions, Offenbach commence à jouer dans un nouveau théâtre, la Salle Choisieul, toujours sous la marque “bouffe-parisiens”. C’est là qu’il obtient le fabuleux succès d'”Orphée aux enfers”. La première œuvre qu’il y avait jouée était “Ba-ta-clan”, qui, avec son thème orientalisant, a donné son nom au futur théâtre du Bataclan, mais qui est situé ailleurs.

Le théâtre a été modifié, mais il est toujours aussi beau.

Théâtre bouffes-parisiens:

https://www.bouffesparisiens.com/fr_FR/

Là où Offenbach a célébré ses plus grands succès

Plus tard, Offenbach quitte la direction de la Salle Choisieul et apporte ses grands succès avec “La Belle Hélène”, “Grande-Duchesse de Géroldstein” et “La Périchole” (tous écrits par Meilhac et Halévy) au Théâtre des Variétés. La grande vedette de ces productions était “la Snèder”, Hortense Schneider, dont le rôle de l’érotique Helena dans “La belle Hélène” a été immortalisé dans le roman d’Emile Zola “Nana”, qui était un portrait des mœurs du Paris des années 60. Le “Théâtre des Variétés” a servi de scène pour le roman. Ce théâtre est toujours debout, aujourd’hui la programmation comprend des spectacles plus légers comme des comédies musicales.

Le théâtre a été modifié, mais il est toujours aussi beau.

https://www.theatre-des-varietes.fr/

Là où l’histoire de la musique s’est écrite I – Le premier ballet moderne

En 1909, l’histoire de la musique s’est déroulée dans ce théâtre : le ballet moderne est né. Dans ce théâtre, ouvert en 1862, l’impresario russe Diaghilev a présenté ses “Ballets russes” pour la première fois à Paris. Les étoiles du théâtre russe Mariinsky, Vaslav Nijinsky et Anna Pavlova, dansent sous la chorégraphie de Michel Fokine. En fait, à cette époque, le ballet est mort, figé dans ses personnages.

Fokine, Dhiaghilev, Stravinsky et Nijinsky réinventent le ballet

Fokine le libère des pirouettes vides, Dhiiaghilev l’unit en une œuvre d’art totale de danse, de musique et de scénographie, et Nijinsky devient le “dieu de la danse”. Le public parisien est fou de ces ballets et s’habille de façon extravagante pour les représentations, comme les danseurs sur scène. Diaghilev découvre Stravinski et lui commande l’Oiseau de feu (“l’oiseau du feu”) pour la saison 1910 (pour le Palais Garnier) et Petrouchka en 1911 (toujours au Châtelet). La musique de Stravinsky fait un tabac et le jeune homme de 28 ans devient une célébrité.

Le danseur de l’Oiseau de feu:

https://www.chatelet.com/

Sacré du Printemps : Stravinsky invente la musique de la modernité.

Pour la saison 1913, Dhiagilev s’installe dans le tout nouveau Théâtre des Champs-Élysées. L’œuvre présentée est le “Sacré du printemps” de Stravinsky. Déjà, le thème du ballet, le meurtre rituel d’une jeune femme, jette son ombre. La chorégraphie de Fokin, la danse choquante de Nijinsky, les costumes et, surtout, le son inédit de la musique de Stravinsky catapultent l’œuvre dans l’ère moderne. La frénésie du public est gigantesque, opposants et partisans huent, sifflent et s’emmêlent les cheveux pendant la représentation, qui se transforme en le plus grand “scandale théâtral de l’histoire”. Seul le chef d’orchestre garde son sang froid et conduit l’œuvre jusqu’à son terme. La soirée est surnommée “Massacre du printemps”.

Sacré du printemps, Costumes originaux:

Théâtre des Champs-Élysées:

https://www.theatrechampselysees.fr/

Un théâtre avec une tradition

Le théâtre date de 1821, date à laquelle il a été construit par Marie Louise, duchesse de Parme, plus connue comme la seconde épouse de Napoléon Bonaparte, qui, en tant que Habsbourg, a pris le duché comme souverain après le Congrès de Vienne.
Aujourd’hui, la compagnie présente environ quatre opéras par saison, de mi-janvier à avril.
Le théâtre est connu pour les représentations des œuvres de Giuseppe Verdi depuis que Verdi lui-même a monté son Nabucco en 1843. Le festival Verdi a lieu chaque année depuis 2004.

Les notoires loggionisti

L’auditorium de 1 400 places et quatre niveaux de loges est couronné par une galerie pour les loggionisti. Les loggionisti ont une réputation notoire et ont semé le trouble en suscitant le mécontentement des critiques à plusieurs reprises dans l’histoire. Dans les années soixante, le célèbre ténor Carlo Bergonzi a dû en faire lui-même l’expérience lorsqu’il s’est permis de chanter un si bémol au piano à la fin de l’air “Celeste Aida”, comme Verdi l’avait prescrit, ce qui n’était pas du goût du public. Il dut donc faire l’expérience que le public protesta. Il n’est plus jamais entré dans cet opéra.

https://www.teatroregioparma.it/en/homepage/

Un beau théâtre

Le beau théâtre date de 1763 et a été inauguré avec un opéra de Gluck, qui l’avait écrit pour l’occasion. La salle en forme de fer à cheval peut accueillir 1084 spectateurs.

Richard Wagner

Bologne, avec son conservatoire, a toujours été une ville fière de la musique et a longtemps été considérée comme une rivale de l’Opéra de Milan. Alors que ce dernier brillait par ses représentations de Verdi, Bologne était l’opéra qui fut le premier en Italie à interpréter des œuvres de Wagner. Bologne a même reçu le surnom de “ville de Wagner” et ce dernier a été fait citoyen d’honneur, qui lui a été remis personnellement à l’occasion d’une visite. En 1871, même Verdi s’est assis anonymement dans une loge lors d’une représentation de Lohengrin.

Arturo Toscanini

En 1931, il y eut une représentation fatidique d’un concert dirigé par Arturo Toscanini. Parce que le ministre très haut placé Ciano était présent, l’orchestre devait jouer l’hymne fasciste “Giovinezza” et la “Marcia Reale”. Toscanini refuse et il est ensuite giflé et poussé à terre par un homme en chemise noire à l’entrée de l’artiste. C’en est trop pour Toscanini et il décide de quitter définitivement l’Italie pour les États-Unis.

La Maison de Lucques est un théâtre à scènes multiples situé dans le centre de Lucques. Le nom Giglio (lys) vient de la fleur de lys des Bourbons qui régnaient autrefois. Le Lucquois Giacomo Puccini y avait supervisé à plusieurs reprises les adaptations de ses œuvres lyriques.

La célèbre représentation de 1831

Le soir du 17 septembre 1831, un séisme dans l’art lyrique se produit au Teatro del Giglio de Lucques. Le ténor français Gilbert Duprez a chanté le premier ut du Guillaume Tell de Rossini depuis la poitrine, le fameux “Ut en poitrine”. Jusqu’à présent, la norme était de chanter ces notes aiguës à partir du falsetto. Lorsque Rossini a entendu ce son pour la première fois, il aurait été dégoûté, disant que “cela ressemble au cri d’un chapon qu’on égorge”.

La renommée de Duprez grandit au cours des années suivantes, et il supplante par la suite son célèbre rival Adolphe Nourrit comme premier ténor à Paris. Ce dernier, incapable de chanter l’ut de la poitrine, s’enfuit à Naples, où il se suicide par la suite.[/sc_fs_faq]

Sur la caricature, on peut voir la cage thoracique distendue et les yeux écarquillés de Duprez lorsqu’il chante le do aigu.

Caricature de Gilbert Duprez:

https://www.teatrodelgiglio.it/it/home/

https://www.teatrodelgiglio.it/it/

http://www.bussetolive.com/en/poi/verdi-theatre/

Un passé trouble

Le bel opéra de la ville de Pesaro date de 1818 et fut inauguré avec la “Gazza ladra” de son fils, déjà célèbre à l’époque. Le théâtre a eu un passé trouble et a été endommagé deux fois par des tremblements de terre, entre autres. En 1966, il est même devenu inutilisable et en 1980, il a été rénové, ce qui a marqué le début du festival d’opéra Rossini.

Le festival Rossini

Le festival a rapidement acquis une excellente réputation et c’est aujourd’hui l’un des festivals d’opéra les plus prestigieux. Les représentations ont lieu pendant les mois d’été dans l’atmosphérique Teatro Rossini et dans d’autres installations.

Le Teatro Rossini:

https://www.teatridipesaro.it/

https://www.rossinioperafestival.it/

http://www.bussetolive.com/en/poi/verdi-theatre/

Un véritable théâtre national

La construction du Théâtre national tchèque a été un acte national, financé par des dons provenant de tout le pays. La pose de la première pierre fut suivie par 100 000 personnes, mais il fallut attendre 13 ans angoissants avant qu’il ne soit inauguré en 1883, peu avant l’achèvement, un incendie faisant rage. C’est le plus important théâtre musical de Tchécoslovaquie.

Théâtre national de Prague:

La première de l’opéra “Rusalka” (à côté de la “Fiancée vendue”, le plus célèbre opéra tchèque) a peut-être été le moment le plus glamour de cette maison, qui a vu le jour dans ce théâtre en 1901 et a été acclamée. Ecoutez le morceau le plus célèbre de cet opéra, l’Aria de la Lune chantée par Anna Netrebko :

https://www.youtube.com/watch?v=MwuNqcKUxto

La première de sa 8e symphonie avait eu lieu dans ce théâtre 11 ans plus tôt.

Ouvré par Dvorak

C’est dans cette salle de concert que Dvořák a dirigé la première représentation de l’Orchestre philharmonique tchèque nouvellement fondé, qui était à l’origine composé des musiciens du Théâtre national. Le bâtiment a servi de parlement pendant quelques années et abrite également un musée d’art. La grande salle porte le nom de Dvořák. Le Rudolfinum propose de la musique classique de grande qualité.

Salle Dvořák:

https://www.rudolfinum.cz/

Le théâtre a ouvert en 1888 sous le nom de ” Neues Deutsches Theater “, financé par des industriels allemands (à ne pas confondre avec le théâtre des États). Sur le plan artistique, il était dirigé par Angelo Neumann, un grand passionné de Wagner, qui l’a ouvert avec les “Meistersinger”. Aujourd’hui, comme l’Opéra d’État, il appartient aux théâtres publics. Le bâtiment a été rénové et rouvert glorieusement en 2020. Des visites guidées sont possibles.

Opéra d’Etat:

https://www.narodni-divadlo.cz/en

Théâtre des États de Prague (Stavovské divadlo)

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Là où Mozart a célébré ses triomphes

En 1887, Mozart célèbre l’un des plus grands triomphes de sa carrière au théâtre des Estates avec la première de Don Giovanni. La jubilation ne connaît pas de limites lorsque le rideau tombe. Comme pour les Nozze di figaro, le public pragois l’a adoré. La “Clemenza di Tito”, également créée au Théâtre des États, a été bien accueillie, mais l’impératrice aurait rejeté l’œuvre comme un “gâchis allemand”.

Le théâtre a été préservé presque dans son état d’origine et peut être découvert lors de spectacles et de visites. Il fait désormais partie du complexe du théâtre national.

https://www.narodni-divadlo.cz/en

Théâtre national vers 1830:

Théâtre des États aujourd’hui:

L’Opéra romain est une maison renommée qui date de 1880. Il a accueilli certaines premières mondiales telles que Cavalleria rusticana, Tosca, l’amico Fritz ou Iris (avec Caruso). Il peut accueillir 1700 places et est un lieu de représentation d’opéra et de ballet.

http://www.teatrodiroma.net/

Première représentation de Cavalleria rusticana

En 1890, au Teatro Costanzi, se produisit peut-être la plus grande sensation de l’histoire de l’opéra. En présence de la reine Margerita, mélomane, mais devant une salle à moitié vide, la première de la pièce du compositeur totalement inconnu Mascagni a lieu dans le cadre du concours de Sonzogno. À la fin de la pièce, Mascagni a dû passer soixante fois devant le rideau et la durée de l’ovation correspondait à peu près au temps de représentation de la pièce en un acte. Le lendemain, Mascagni était une célébrité et l’œuvre a rapidement entamé sa marche triomphale à travers le monde, qu’elle a conservée jusqu’à ce jour.

Là où les trois ténors ont chanté

Au moins depuis la représentation des “trois ténors” (Pavarotti, Domingo, Carreras) en 1992 dans les thermes romains, les gens connaissent ce lieu en plein air. Dans ces thermes historiques, des concerts et des opéras en plein air sont donnés pendant l’été. La scène et les places assises sont très grandes.

https://www.coopculture.it/heritage.cfm?id=6

Il y avait autrefois des stalles pour chevaux

Le Festspielhaus est une scène d’opéra et de concert et le lieu principal du festival de Salzbourg. Il a été construit à partir du Marstall (les anciennes écuries de l’archevêque), dont la façade a été en grande partie laissée en l’état. Afin d’obtenir le volume nécessaire pour les 2200 sièges, la scène et la technologie, il a été construit en profondeur dans le Mönchsberg. Le Festspielhaus a été financé par le gouvernement autrichien et appartient à l’État autrichien.

Le lieu principal du festival

Il a été inauguré en 1960 par une représentation d’opéra du Rosenkavalier de Richard Strauss, honorant ainsi les trois importantes personnalités fondatrices du festival Richard Strauss (compositeur), Hugo von Hoffmannsthal (librettiste) et Max Reinhart (directeur officieux de la première). Le chef d’orchestre était Herbert von Karajan, la force motrice du Festival de Salzbourg après la guerre, qui, entre autres, a fait de la Philharmonie de Vienne l’orchestre maison en tant que directeur de l’Opéra d’État de Vienne.

Des visites guidées sont disponibles.

https://www.salzburgerfestspiele.at/

Le Mariinsky s’appelait Kirov pendant la période soviétique et a repris son ancien nom. Ce théâtre brille toujours avec des représentations de ballet et d’opéra au plus haut niveau.

Où de nombreux ballets de Tchaïkovski ont été créés

Le théâtre Mariinsky était un théâtre important pour Tchaïkovski ; il y a créé des œuvres importantes, comme Casse-Noisette, La Belle au bois dormant et La Dame de pique.

Où Moussorgski a connu son plus grand triomphe

Le théâtre Mariinsky a été construit en 1860 et est, avec le théâtre Bolchoï de Moscou, l’un des deux phares musicaux de la Russie pour le ballet, la musique classique et l’opéra. Le théâtre a accueilli en 1874 la première de l’œuvre la plus importante de Moussorgski. La direction conservatrice du théâtre Mariinsky a refusé par deux fois la première de “Boris Godounov”. À la troisième tentative, l’œuvre a fonctionné et est devenue le plus grand triomphe de sa vie, avec 20 représentations à guichets fermés et acclamées.

Cela vaut la peine de faire un tour dans le magnifique théâtre Mariinsky.

https://www.mariinsky.ru/en/

Où a été jouée la Symphonie de Leningrad de Chochakovitch en 1942

La symphonie dite de Leningrad a été jouée dans cette salle le 9 août 1942. Dans ce théâtre, la saison de concerts commence traditionnellement par une représentation de la 7e Symphonie.

(Vous pouvez obtenir l’histoire de cette symphonie dans la section biographique sur Chochakovitch ci-dessus).

http://www.philharmonia.spb.ru/en/

Salle de la Philharmonie:

L’Opéra de Zurich est un théâtre axé sur l’opéra et le ballet. Il possède un ensemble permanent et un théâtre de répertoire avec environ une douzaine de nouvelles productions par an.

Opéra renommé

Dans le bâtiment prédécesseur de l’actuel théâtre, appelé Aktientheater, Richard Wagner avait dirigé à plusieurs reprises lors de son séjour à Zurich. Les points forts étaient sa production exemplaire du “Hollandais volant” en 1852 et le petit festival Wagner en 1853.

Nouvelle construction d’un théâtre

Après l’incendie de l’Aktientheater, un nouveau grand théâtre est construit, dont les plans de construction proviennent d’un bureau viennois. Comme les mêmes plans de construction ont été utilisés pour construire les opéras de Zagreb et de Wiesbaden, cet opéra existe en 3 modèles identiques.

Premières représentations importantes

La première mondiale de “Lulu” du déjà défunt Alban Berg a eu lieu dans ce théâtre en 1937. Hitler avait interdit la première représentation en Allemagne. Un an plus tard, l’opéra “Mathis der Maler” de Paul Hindemith, qui avait émigré en Suisse, a également été joué. Enfin, la première posthume de “Moses und Aaron” de Schoenberg a également eu lieu.

La redécouverte d’un compositeur à l’Opéra de Zurich

La redécouverte d’un compositeur à l’Opéra de Zurich.

En 1954, L’incoronazione di Poppea de Monteverdi est monté à Vienne sous la direction de Paul Hindemith avec des instruments partiellement reconstitués. Nicolaus Harnoncourt faisait partie de l’orchestre. Ce dernier, avec Jean-Pierre Ponnelle, a enregistré un sensationnel cycle Monteverdi à l’Opéra de Zurich dans les années 1970 sur des instruments d’époque et avec la richesse du décor baroque. Ce cycle zurichois a inauguré une véritable renaissance de Monteverdi et est entré dans la légende.

Voir un extrait du cycle ici.

Festival de Lucerne

Le KKL accueille le célèbre festival de Lucerne.

Architecture

Le KKL est construit directement sur les rives du lac des Quatre-Cantons et présente une architecture captivante conçue par Jean Nouvel. Une terrasse attrayante au sommet du bâtiment ouvre des vues sur le lac et la vieille ville.

Excellente acoustique

La salle de concert principale, conçue en forme de coque de navire, est dotée de chambres acoustiques réglables électriquement.

Les dimensions de la salle ont été définies selon le principe dit de la boîte à chaussures, où la hauteur de la salle est déterminée par la somme de la hauteur et de la largeur (22m:22m:46m).

https://www.kkl-luzern.ch/de/

Le lieu d’activité le plus important de Liszt à Weimar

Goethe avait pris la direction du théâtre de la cour en 1791 et, avec Schiller, l’avait fait prospérer. Plus tard, Maria Pavlovna, épouse du grand-duc Carl Friedrich de Saxe-Weimar-Eisenach, en fit un théâtre musical et engagea Franz Liszt comme chef d’orchestre de la cour en 1842. Le théâtre est ensuite devenu un important centre culturel. Au début du 20e siècle, un nouveau bâtiment de théâtre a été construit sur le même site.

L’ancien théâtre de la cour:

Il est devenu le lieu de création de “Hänsel und Gretel” de Humperdinck en 1893, par nul autre que Richard Strauss, qui était temporairement Kapellmeister à Weimar et qui y a également présenté pour la première fois quelques poèmes symphoniques.

Théâtre national de Weimar:

https://www.nationaltheater-weimar.de/

L’orchestre avait la réputation, à la fin du XIXe siècle, d’être peut-être le meilleur orchestre d’Allemagne. Une illustre série de directeurs musicaux (von Bülow, Strauss, Max Reger) ont dirigé l’orchestre de la cour.

La Hofkapelle de Meiningen a repris son nom d’origine en 2006 ; le théâtre d’origine avait brûlé en 1908 et a été remplacé par un nouveau bâtiment, dont les rénovations en 2011 ont restauré la façade d’origine. La première de la 4e symphonie de Brahm a eu lieu ici.

Le théâtre de haut niveau propose à la fois des concerts et du théâtre musical.

Meininger Théâtre d’Etat:.

https://www.meininger-staatstheater.de/start/index.html

La Fenice a un passé glamour. Les premières de Bellini, Donizetti, Verdi (dont Rigoletto, La traviata et Simon Boccanegra), Rossini et Meyerbeer témoignent de l’importance du théâtre vénitien.

Le théâtre a connu une résurgence glamour avec la Biennale après la Seconde Guerre mondiale. Des œuvres commandées ont conduit à des premières de Stravinsky, Berio, Prokoffiev et Britten, faisant de la Fenice un centre artistique important.

Teatro la Fenice:

https://www.teatroallascala.org/en/index.html

L’incendie

Le théâtre a été détruit en 1997 par un incendie déclenché intentionnellement par des ouvriers. En fait, l’incendie était censé être localisé, mais les canaux ayant été asséchés pour la rénovation, les pompiers n’ont pas pu arriver assez vite. Il a été reconstruit fidèlement à l’original et a été rouvert cérémonieusement en 2004 avec la Traviata.

Phoenix

La façade est le seul élément qui a survécu aux deux grands incendies de 1836 et 1997. L’oiseau de feu, Phoenix, qui a fait renaître le théâtre de ses cendres après la destruction causée par l’incendie de 1837, est immortalisé sur l’insigne du théâtre et a donné son nom au théâtre. L’exploit est gigantesque, le théâtre est rouvert seulement un an après l’incendie, le 13 décembre !

Le plafond

L’opéra est magnifiquement décoré, particulièrement intéressante est la conception du plafond, qui est droit, mais par le travail du peintre crée l’impression d’un espace voûté.
La fosse d’orchestre est rétractable, ce qui permet d’ajouter quelques rangées de sièges pour les concerts.

Le début tragique

La construction de l’Opéra d’État (alors appelé “Opéra de la Cour”) remonte à 1869. L’histoire de cette maison traditionnelle a commencé tragiquement, car les deux architectes n’ont pas vécu pour voir la première représentation. L’un d’eux, von der Nüll, s’est pendu (alors qu’il était déjà gravement malade) après que le public et l’empereur (qui a financé la construction) ont critiqué le projet. August von Sicardsburg meurt 10 semaines plus tard d’une crise cardiaque.

Destruction et rénovation

Le 12 mars 1945, la maison est détruite après qu’une bombe l’ait touchée. Seuls le porche et certaines parties de l’aile d’entrée sont restés intacts. La rénovation et la collecte de fonds ont pris beaucoup de temps. La rénovation a été utilisée comme une opportunité et beaucoup de bois a été utilisé pour perfectionner l’acoustique. L’ouverture en 1955 est devenue la première émission télévisée autrichienne en direct, bien qu’il y ait eu moins de 1000 récepteurs à l’époque.

Statistiques

L’opéra a une capacité de 2 300 places (dont 500 debout) et emploie près de 1 000 personnes. Il exploite une activité de répertoire avec 50 productions annuelles, qui, pendant 10 mois sont données presque quotidiennement (y compris les concerts et le ballet).

Les réformes de Gustav Mahler

L’une des époques les plus glorieuses de l’Opéra d’État fut celle de Gustav Mahler, dont les réformes viennoises apportèrent des changements drastiques au monde de l’opéra. Au lieu du chant sur rampe, le théâtre était désormais à l’ordre du jour, Mahler se nommant immédiatement directeur. Ensuite, les opulentes scènes peintes sont remplacées par des décors. Alfred Roller devient le sympathique scénographe. Cependant, Mahler, qui prend la relève en 1897, doit toujours faire face à de vives critiques de la part des traditionalistes, ce qui est probablement dû à l’antisémitisme rampant.
Mahler a marqué le début de l’ère des personnalités musicales ayant des fonctions de direction, associées, par exemple, au nom de Richard Strauss après la Première Guerre mondiale et de Herbert von Karajan après la Deuxième Guerre mondiale. Ce dernier a fondamentalement modifié le travail artistique en passant d’un fonctionnement en ensemble à un fonctionnement en étoile (ce qui signifie que les rôles principaux étaient plus souvent chantés par des invités).

La période Mahler fut l’une des gloires absolues de l’Opéra d’État, et les Viennois l’ont honoré avec l’un des bustes de Rodin, qui se trouve aujourd’hui dans le foyer dit Schwind (il s’agit d’une réplique, l’original ayant été fondu pendant la Seconde Guerre mondiale).

Buste de Mahler à l-Opéra d-État:

Mahler s’est rendu une douzaine de fois dans l’atelier de Rodin. Rodin a ensuite créé deux versions de bustes, l’une naturaliste et l’autre artistique. Il existe différents moulages des deux versions. Il existe 5 moulages originaux de la version naturaliste, dont l’un se trouve au Belvédère supérieur de Vienne (buste personnel d’Alma Mahler). Les moulages originaux se trouvent au Musée Rodin à Paris.

Les deux versions de Rodin:

Mozart : les débuts avec la flûte enchantée

Le Theater an der Wien, situé sur la rive gauche du Wienzeile, a été inauguré par Schikaneder en 1787 comme lieu provisoire et a accueilli la première représentation de La Flûte enchantée. Mozart a commencé à travailler sur La Flûte enchantée au printemps 1791, l’a interrompu en juillet pour écrire La clemenza di Tito en peu de temps, puis a terminé La Flûte enchantée en quelques semaines en septembre 1791. La première a eu lieu le 30 septembre au Theater auf der Wieden de Schikaneder. Sa belle-sœur Josepha Hofer chantait la reine, Mozart dirigeait et Schikaneder jouait Papageno. “La Flûte enchantée” a connu un grand succès et a été donnée vingt fois dans la même saison. Mozart assiste à de nombreuses représentations en octobre et se réjouit de pouvoir, après une longue période, célébrer à nouveau un succès public avec une œuvre. En novembre, il était déjà malade au lit et il est mort le 5 décembre.

La porte Papageno

En 1801, le théâtre moderne conçu dans le style Empire est inauguré après seulement 13 mois de construction. Du côté de la Millöckergasse, Schikaneder, en tant que librettiste, mécène et Papageno de la première, a créé un monument à cet opéra avec la porte Papageno. Elle présente des figures en pierre d’une scène avec Papageno, Tamino et les trois garçons et se dresse au-dessus de l’ancienne entrée.

Découvrez le programme de haute qualité !

Photo du Theater an der Wien vers 1920:

https://www.theater-wien.at/en/home

Beethoven : La première de “Fidelio” et la célèbre académie avec la première de sa cinquième

Le Theater an der Wien, situé sur la rive gauche du Wienzeile, a été inauguré par Schikaneder en 1787 comme lieu provisoire et a accueilli la première représentation de La Flûte enchantée. Mozart a commencé à travailler sur La Flûte enchantée au printemps 1791, l’a interrompu en juillet pour écrire La clemenza di Tito en peu de temps, puis a terminé La Flûte enchantée en quelques semaines en septembre 1791. La première a eu lieu le 30 septembre au Theater auf der Wieden de Schikaneder. Sa belle-sœur Josepha Hofer chantait la reine, Mozart dirigeait et Schikaneder jouait Papageno. “La Flûte enchantée” a connu un grand succès et a été donnée vingt fois dans la même saison. Mozart assiste à de nombreuses représentations en octobre et se réjouit de pouvoir, après une longue période, célébrer à nouveau un succès public avec une œuvre. En novembre, il était déjà malade au lit et il est mort le 5 décembre.

Théâtre an der Wien:

Lehar : La première de “La Veuve joyeuse”

En 1901, Wilhelm Karzcag, d’origine hongroise, loue le Theater an der Wien pour en faire le centre d’une nouvelle opérette viennoise. Lehàr peut y célébrer son premier succès en 1902 avec “Wiener Fraun”. Pour la saison 1905/06, Victor Léon et Leo Stein écrivent le livret de “La Veuve joyeuse” mais ne sont pas satisfaits de la musique du compositeur mandaté et proposent à Lehàr le travail. Lehàr accepte et se met au travail. Parce qu’une opérette avait fait un flop, Karzcag était déterminé à mettre en avant la Veuve joyeuse. Il a fait jouer la musique pour lui dans l’appartement de Lehàr.

La fameuse phrase

Dégoûté par le produit de Lehár, il se serait exclamé la fameuse phrase : “Ce n’est pas de la musique !” Stein et Léon parvinrent cependant à le convaincre du contraire, et l’œuvre fut mise en scène tête baissée. Tout le matériel scénique a été bricolé à partir de productions existantes et les musiciens n’ont eu droit qu’à quelques répétitions scéniques. Malgré beaucoup d’improvisation, la première était déjà satisfaisante et, à la surprise de Karzcag, l’accueil du public a été bon dès le début et l’opérette est rapidement devenue un succès au box-office.

En 2006, le théâtre a été rénové et sert de troisième opéra de la ville de Vienne.

Avec le Theater an der Wien et l’Opéra d’État, le Volksoper est un troisième théâtre d’opéra de grande qualité musicale. Le bâtiment date de la fin du XIXe siècle et a été conçu comme un pendant de l’Opéra d’État, avec des billets abordables, des représentations en langue allemande et la mise en scène d’opérettes qui ne sont pas présentées à l’Opéra d’État (la seule exception concerne Die Fledermaus).
Le théâtre est désormais une institution d’État et accueille des opéras, des comédies musicales, des opérettes et des ballets.

Cette salle de concert existe depuis 1913 et est le siège de l’Orchestre symphonique de Vienne. Elle se caractérise par l’inclusion de jazz et de musique moderne dans son répertoire.