OPÉRA DE QUAT SOUS de Weill et Brecht – le guide et le résumé de l’opéra

Guide d’opéra en ligne et Résumé du OPÉRA DE QUAT SOUS de Weill et Brecht

La genèse de l’Opéra de quat’sous fut dramatique. Tout le monde s’attendait à un échec. Mais la première, le 31 août 1928, est devenue un succès triomphal inattendu et a rendu Kurt Weill et Bertold Brecht soudainement célèbres. Les mélodies de Weill sont devenues populaires et l’œuvre a été jouée 10 000 fois rien qu’au cours des cinq premières années.

Contenu

♪ Résumé

♪ Commentaire

♪ Acte I (La boutique du mendiant Peachums, le mariage de Polly et Mackie)

♪ Acte II (Scène d’adieu, arrestation de Mackie)

♪ Acte III (Trahison de Jenny, Finale)

Les temps forts

♪ Der Haifisch hat Zähne (Mack le couteau)

♪ La chanson de Cannon

♪ La lune sur Soho (The moon over Soho)

♪ Chanson de Barbara

♪ La ballade pirate de Jenny

♪ Chanson de l’insuffisance de l’effort humain

Recommandation d’enregistrement

♪ Recommandation d’enregistrement

PREMIERE

1928, Berlin

LIBRETTO

Bertold Brecht, d'après le Beggar Opera de John Gay et la collaboration d'Elisabeth Hauptmann et des textes de Karl Klammer

MAIN ROLES

Jonathan Peachum, propriétaire de la compagnie Beggar's Friend - Celia Peachum, sa femme - Polly Peachum, sa fille - Macheath. nommé Mackie Messer, assassin et gangster - Tiger Brown, chef de la police de Londres - Lucy, sa fille - Jenny, propriétaire de bordel et prostituée

RECOMMANDATION D'ENREGISTREMENT

CBS, avec Lotte Lenya, Erich Schellow, Johanna von Koczian et Willy Trenk sous la direction de Wilhelm Brückner-Rüggeberg et l'Orchestre Sender Freies Berlin.

La critique sociale

L’œuvre est un produit des ” années folles ” berlinoises. Le jazz, l’Art déco et le désir de plaisir caractérisent ces années. Mais les horreurs de la Grande Guerre et leurs conséquences telles que l’hyperinflation, le crime organisé, la misère et les victimes brisées mentalement et physiquement étaient encore omniprésentes.

Bertold Brecht, âgé de trente ans, était marxiste et, dans son Opéra de quat’sous, il décrit une société rongée de l’intérieur, dans laquelle les changements ne sont possibles qu’en changeant le système, c’est-à-dire par une révolution quelconque. C’est un monde sans ciment social. Personne n’est obligé à l’autre et tout le monde est corruptible. Les instincts les plus bas de l’homme sont mus par des vices bourgeois tels que la cupidité et la vanité, mais aussi par des impulsions profondément humaines telles que l’instinct de survie et la pulsion sexuelle.

Peachum représente le bourgeois hypocrite qui se sent supérieur à la classe inférieure (Macheath) mais qui, en fin de compte, n’est rien de plus qu’un “voleur avec la Bible à la main”. Brecht laisse Macheath se demander, par exemple, “Qu’est-ce qu’entrer par effraction dans une banque contre l’établissement d’une banque ? En fin de compte, le policier se comporte comme le gangster, la putain comme la fille de la bourgeoise. Certains volent par nécessité, d’autres par cupidité. C’est cette hypocrisie de la bourgeoisie à vouloir distinguer les deux choses l’une de l’autre que Brecht voulait mettre en évidence.

Cinq ans après sa création en 1928, l’œuvre a été interdite par les nationaux-socialistes. Pour les fascistes, c’était une œuvre amorale et nihiliste créée par des Juifs. Pour beaucoup de ceux qui ont participé à la première (pour la plupart d’origine juive), les années nazies ont été une horreur. Si Weill et Brecht ont pu émigrer aux États-Unis, d’autres ont fini dans des camps de concentration. Le sort du Tigre Brown de la première, Kurt Gerron, est devenu célèbre. Il a été forcé de réaliser le film de propagande nazi “Theresienstadt” en 1944, qui montre des Juifs heureux dans les camps de concentration. Gerron a été brutalement assassiné peu de temps après à Auschwitz.

L’original et la “copie” ont fait sensation

La base de l’Opéra de quat’sous était une œuvre existante. Brecht a librement adapté l’intrigue de “l’opéra des mendiants” de John Gay. Exactement 200 ans plus tôt, Gay s’était moqué à Londres du faste des opéras baroques de Haendel. Au lieu de jouer dans le milieu de la noblesse comme dans un opéra de Haendel, Gay a laissé l’intrigue se dérouler dans le milieu des prostituées et des mendiants de la capitale anglaise. Le succès de cette parodie fut si retentissant qu’il causa un grave préjudice économique à la compagnie d’opéra de Haendel. Pour le public, il était sensationnel que le milieu clandestin soit dépeint sur une scène de théâtre.

200 ans plus tard, le public a réagi au thème de l’opéra avec la même véhémence. La raison en est non seulement le milieu social de l’Opéra de quat’sous, mais aussi le fait que l’opéra classique des années vingt était très éloigné des goûts du grand public et que le contraste avec la musique jazzy, presque vulgaire, de Weill était dramatiquement grand.

Un triomphe ambivalent

Les préparatifs de l’opéra ont été assombris par les décès, les annulations et les maladies des personnes impliquées. Tout le monde s’attendait à un échec. Mais la première, le 31 août 1928, devient un succès triomphal inattendu et rend Kurt Weill et Bertold Brecht soudainement célèbres. Les mélodies de Weill sont devenues populaires et l’œuvre a été jouée 10 000 fois au cours des cinq premières années. Brecht a souffert du fait que la popularité de la musique a relégué au second plan la critique sociale de l’œuvre, et le public a fini par consommer l’œuvre comme une opérette. Trente ans plus tard, dans une adaptation de Blitzstein à Broadway, l’œuvre devait être célébrée triomphalement avec plus de 2.000 représentations auprès d’un public qui n’était pas connu pour ses mouvements révolutionnaires.

La musique de l’Opéra de quat’sous

L’Opéra de quat’sous était la deuxième œuvre de Weill en collaboration avec Bert Brecht après “Mahoganny”. L’œuvre lyrique de Weill était déjà dominée par les thèmes de la critique contemporaine, son style de composition était riche en effets et enrichi d’éléments de jazz. Avec l’Opéra de quat’sous, son art atteint une magnifique apogée à l’âge de 28 ans.

Weill a écrit une musique aux mélodies simples mais suggestives. Les chanteurs sont accompagnés par un orchestre de jazz composé de 9 musiciens qui ne sont pas assis dans la fosse d’orchestre mais jouent leur musique sur scène. L’orchestre est composé de 2 saxophones, 2 trompettes, un trombone, un banjo, des timbales, un harmonium et un piano joué par les chansons de l’orchestre, bien que l’instrumentation puisse également être adaptée.

Tout dans cette œuvre était un grand risque. Rarement une musique a été composée de manière aussi simple et aussi directe (ou triviale, voire vulgaire) sans jamais perdre sa qualité artistique. Weill a fixé de nombreuses tonalités étranges, qui apparaissent par exemple dans les accords ou falsifient les lignes mélodiques. Bien sûr, le mot “opéra” dans le titre de l’œuvre est ironique ; l’expression “théâtre musical” est plus appropriée.

Weill a réglé la musique de manière à ce qu’elle puisse être chantée par des acteurs. Cela était particulièrement vrai pour la gamme tonale des rôles, que même des chanteurs non formés pouvaient maîtriser.

Le théâtre épique et l’effet d’aliénation

L’Opéra de quat’sous s’écarte de l’approche conventionnelle du drame musical, que l’on connaît dans le genre de l’opéra. Brecht exige du compositeur et des artistes interprètes non pas une interprétation psychologique des scènes, mais une interprétation sociopolitique. L’acteur ne doit pas être absorbé par son rôle. Par conséquent, ce n’est pas le chanteur d’opéra emphatique qui est l’interprète idéal de cette œuvre, mais l’acteur chanteur.

Brecht a appelé ce nouveau genre “théâtre épique”, dont l’un des éléments essentiels était le procédé stylistique de l’aliénation. Dans Wikipedia, l’aliénation est définie comme suit : Brecht voulait “éloigner” ou “aliéner” son public des personnages et de l’action et, de ce fait, en faire des observateurs qui ne s’impliqueraient pas ou ne sympathiseraient pas émotionnellement ou n’auraient pas d’empathie en s’identifiant individuellement aux personnages sur le plan psychologique ; il voulait plutôt que le public comprenne intellectuellement les dilemmes des personnages et les méfaits produisant ces dilemmes exposés dans ses intrigues dramatiques. En étant ainsi “distancé” émotionnellement des personnages et de l’action sur scène, le public pourrait être en mesure d’atteindre un tel niveau intellectuel de compréhension (ou empathie intellectuelle) ; en théorie, tout en étant aliéné émotionnellement de l’action et des personnages, il serait habilité à un niveau intellectuel à la fois à analyser et peut-être même à essayer de changer le monde, ce qui était l’objectif social et politique de Brecht en tant que dramaturge et la force motrice de sa dramaturgie.

L’œuvre avait de nombreux pères et mères

Outre les auteurs de la forme originale (Gray et Pepusch) et de la forme moderne (Brecht et Weill), il faut mentionner Elisabeth Hauptmann, qui a écrit de nombreux textes en tant que traductrice de Beggar’s Opera, et Klammer, qui a traduit des poèmes de François Villon (choisis par Brecht). Ce dernier a donné lieu à un procès sur les droits d’auteur intenté par Klammer, qui a ensuite obligé Brecht à verser une compensation.

L’approche de Brecht concernant le contenu de l’Opéra de quat’sous était profondément marxiste, mais lorsqu’il s’agissait de finances, Brecht était un capitaliste adaptatif, s’arrogeant les deux tiers des bénéfices. Weill recevait un quart et Elisabeth Hauptmann 12,5 %.

La langue de l’œuvre

Remarque préliminaire : Le langage de cette pièce est grossier. Pour maintenir l’authenticité, le Résumé utilise les mots de la pièce.

Ouverture

Le fameux Moritat de Mack – Mac le couteau

Résumé : Une foire à Soho. Les mendiants mendient, les voleurs volent, les putes se prostituent. Un chanteur de carnaval chante le Moritat sur Mackie Messer, l’assassin qui tue sur commande.

Und der Haifisch, der hat Zähne (Ballade de Mac le couteau).

Une “Moritat” (venant probablement du mot “acte meurtrier” ou “moralité”) était une ballade d’horreur qui était chantée dans les foires et dont le chanteur était accompagné de violons ou d’orgues de Barbarie.
Dès le début, la Moritat est devenue une chanson populaire par excellence et le morceau le plus célèbre de l’Opéra de quat’sous. Il est intéressant de noter que cette chanson ne figurait pas dans la version originale. Elle a été écrite au dernier moment car l’acteur Harald Paulsen insistait pour être le premier acteur à interpréter une chanson.

Le morceau se compose de 6 couplets et commence avec l’accompagnement de l’harmonium uniquement. À chaque couplet, d’autres instruments, sur un total de 9, se joignent à l’ensemble. Weill écrit au début “à la manière d’un orgue de barbarie”. Le rythme évolue de plus en plus vers un fox-trot.

Nous entendons cette chanson en deux versions. Nous entendons d’abord la version du premier Macheath, Harald Paulsen, à qui nous devons l’existence du morceau.

Der Haifisch hat Zähne – Paulsen

Le rôle qu’il a joué plus tard au sein du Troisième Reich est cependant bien triste. Il était un opportuniste et un informateur notoire.

Leonard Bernstein a repris l’opéra dans les années 50 et a demandé à Blitzstein de créer une version anglaise pour Broadway. Blitzstein a déplacé le “Three Penny Opera” dans le New York de 1870 et a écrit le texte en argot américain. Lotte Lenya a de nouveau chanté Jenny comme elle l’avait fait lors de la première 30 ans auparavant. L’œuvre a un impact énorme en Amérique.

De nombreux musiciens de jazz appréciaient le fait que Weill, contrairement à d’autres compositeurs européens, écrivait vraiment dans le style du jazz et la chanson a fait l’objet de nombreuses adaptations par des musiciens de jazz américains. En 1960, Ella Fitzgerald a ramené “Mack the knife” à Berlin et a reçu un Grammy pour cela. Son interprétation tournait la clé chromatiquement un cran plus haut à chaque ligne, 11 fois au total. A couper le souffle.

Mack the knife – Fitzgerald

 

La lune sur Soho

Résumé : Peachum tient une boutique avec sa femme, où il donne aux futurs mendiants la bonne tenue et leur attribue leur quartier. En contrepartie, ils doivent donner une partie de leurs misérables revenus. Leur fille Polly n’est pas rentrée ce soir-là, ils craignent le pire.

Ce numéro est une merveilleuse caricature de l’opéra conventionnel. Alors que nous vivons des nuits magiques de pleine lune à la Norma de Bellini (et à bien d’autres opéras), la lune de Weill sur Soho est une grimace grotesque dans le ciel nocturne.

Anstatt, dass … Das ist der Mond über Soho (No They Can’t Song)

 

Résumé : Polly Peachum était absente car elle célébrait son mariage dans une écurie miteuse de Soho avec Mackie le couteau, nom civil Macheath. Les amis voyous de Macheath ont volé les cadeaux de mariage et leur ont chanté une chanson de mariage.

 

Weill a délibérément écrit cette chanson de chœur avec beaucoup de fausses notes. Les acclamations des invités au mariage, ivres de bière, sont aussi pathétiques que leurs sentiments pour les mariés.

Chanson de mariage pour les moins fortunés – Brückner

 

Lotte Lenya

Résumé : Pour mettre l’ambiance, Polly chante la chanson du pirate-Jenny. C’est une ballade sur une barmaid qui est en fait un pirate et qui aide les pirates qui arrivent à piller la Ville.

Cette ballade du pirate-Jenny était initialement prévue pour le personnage de Polly. Mais en raison du grand succès de Lotte Lenya (la première Jenny), elle a ensuite été confiée à ce personnage.

Lotte Lenya (la bourgeoise Charlotte Blamauer) était non seulement la première Jenny, mais aussi l’épouse de Kurt Weill. Elle a également chanté ce rôle dans la première adaptation cinématographique de 1931. Nous voyons la prochaine chanson de ce film. Le procédé stylistique d’aliénation de Brecht est particulièrement impressionnant dans cette chanson : Le jeu de Lenya est limité à un minimum absolu.

Meine Herren heute sehen Sie mich Gläser abwaschen (PIRATE JENNY) – Lenya

 

La chanson entraînante du canon

Résumé : Bref, les invités du mariage prennent un frisson quand apparaît Tiger Brown, le redoutable chef de la police de Londres. C’est un vieil ami de Macheath et il est venu simplement pour lui présenter ses félicitations. Ensemble, les deux vieux camarades de guerre chantent le chant du canon.

Le “Cannon Song” est un ragtime saisissant avec un refrain entraînant, écrit dans le tempo d’un fox-trot.

On entend une version anglaise.

Les tropps vivent sous (CANON SONG) – Julia / Sabin

Résumé : Macheath et Polly sont heureux l’espace d’un instant.

Weill nous surprend avec une chanson d’amour presque romantique. Certaines parties de la chanson sont composées comme des chants et d’autres sont écrites dans un sprechgesang (plus parlé que chanté), un style souvent utilisé dans le cabaret de ces années-là.

Siehst Du den Mond über Soho (LIEBESLIED) – Schellow / Koczian

 

 

La célèbre “chanson de Barbara”

Résumé : Polly se fait passer pour une fille qui, comme tout le monde, veut juste trouver un homme.

Dans cette chanson, nous voyons de manière exemplaire comment le théâtre épique exigeait de l’acteur un rôle de médiateur. Il ne s’agissait pas de plonger dans l’univers émotionnel du personnage, mais plutôt de le démontrer. Nous revoyons Lotte Lenya.

Einst glaubte ich, als ich noch unschuldig war (BARBARA SONG) – Lenya

 

Nous entendons une deuxième interprétation, plus large, de Megan Mullally, une célèbre actrice américaine. Concernant l’interprétation et l’instrumentation, cet enregistrement est cependant très différent de la version précédente de Lotte Lenya.

Chanson de Barbara (en anglais) – Mullally

 

Résumé : De retour chez ses parents, Polly raconte le mariage. Peachum est affolé, il espérait sa fille comme une aide pour son âge. La Bible à la main, il lui prophétise un mauvais avenir. Il l’avertit que le monde est pauvre et que l’homme est mauvais.

Was ich möchte, ist es viel ? – Koczian

Adieu à Polly – à la manière de Faust

Résumé : Maintenant, Peachum fait tout ce qu’il peut pour mettre Macheath derrière les barreaux. Il a même convaincu Tiger Brown d’arrêter son ami. Macheath le découvre et se cache. Polly fait ses adieux à son mari avec nostalgie.

L’adieu de Polly est une parodie du monologue de Gretchen dans Faust.

Er kommt nicht wieder (POLLYS FAREWELL SONG) – Koczian

 

Résumé : La femme de Peachum a soudoyé la propriétaire du bordel, Jenny, pour qu’elle se présente à la police dès que Macheath se présentera au bordel. Jenny est sûre qu’il se présentera car la libido le conduira ici.

Da ist nun einer schon der Satan selber (Ballade de l’obsession sexuelle) – Hesterberg.

 

 

Les titres de chansons appropriés

Résumé : En fait, peu après qu’il se soit présenté. Nostalgiquement, les deux se souviennent du temps où il était son protecteur brutal et où elle se prostituait pour lui.

Les noms des chansons comme “Canon song” ou comme ici “Pimp Ballad” étaient concis et ont contribué à rendre les chansons populaires. Cette chanson est composée dans le style d’un tango.

Dans cet enregistrement, nous entendons à nouveau Lotte Lenya. Cet enregistrement date des années 50, plus de 20 ans après la première représentation et la première adaptation cinématographique en 1931. La voix de Lenya était désormais beaucoup plus grave et elle ne pouvait plus chanter toutes les chansons dans la tonalité originale.

Il était une fois et maintenant tout est passé (Tango-Ballade) – Lenya / Merrill

 

La ballade pirate de Jenny

Résumé : Sans hésiter, Jenny appelle la police. Bientôt, Macheath sera emmené.

La ballade des flibustiers commence accompagnée par un piano apparemment désaccordé. Ce morceau macabre a été chanté par la suite par de nombreuses actrices. Il est composé dans le sprechgesang caractéristique.

Meine Herren heute sehen Sie mich Gläser abwaschen (Ballade des gains immoraux) – Lenya.

 

L’éloge de la prospérité

Résumé : Macheath s’abandonne à son destin.

Accompagné d’un morceau de piano dans le style de la musique légère jazzy, on entend l'”Éloge de la prospérité” de Macheath (qui rend paresseux, pourtant), chanté avec la grandeur du bandit.

Da preist man uns das Leben großer Geister (Ballade de la vie gracieuse).

 

 

Résumé : Il reçoit la visite de Lucy Brown, la fille du chef de la police. Elle est enceinte de lui. Quand Polly débarque, elle est furieuse et ils se disputent jalousement.

Ce duo est aussi à comprendre comme une parodie des duos d’opéra. Il s’agit d’un harcèlement de deux “femmes du marché”. Dans l’enregistrement, on entend, on le devine, deux chanteuses professionnelles.

Da preist man uns das Leben großer Geister (Duo de la jalousie) – Bernsteiner-Licht / Akselrod

 

 

D’abord la bouffe, ensuite la morale

Résumé : Lucy jure qu’elle se vengera de Polly. Elle fait pression sur son père pour que Macheath soit libéré de prison. C’est ce qui se produit et bientôt Macheath est de retour avec Jenny. Là, ils philosophent sur ce qui fait vivre l’homme. Ils sont d’accord : d’abord la bouffe, puis la morale !

Certains des vers de Brecht sont devenus des aphorismes proverbiaux qui sont entrés dans la langue allemande. Le plus célèbre et encore utilisé aujourd’hui était celui sur “la bouffe et la morale”. Pour renforcer l’effet des mots au théâtre, Brecht faisait imprimer les formulations importantes sur des bandes et les accrochait à côté de la scène.

Ihr Herrn, die ihr uns lehrt, wie man brav leben (Deuxième Finale) – Rasp

Peachums menace

Résumé : Peachum n’abandonne pas. Il menace le chef de la police de perturber les prochaines célébrations du couronnement de la reine avec ses mendiants.

La musique de cette pièce est censée rappeler le défilé d’une procession aux flambeaux et reflète l’atmosphère de la marche menaçante des mendiants. Le texte de Brecht est stupéfiant, le refrain change 4 fois et devient de plus en plus cynique :

Pour cette existence morne, l’homme n’est jamais assez vif.
D’où sa faible résistance à ses ruses et à son bluff.

Pour cette existence morne, l’homme n’est jamais assez mauvais.
Même si son obstination peut être une belle chose.

Pour cette existence morne L’homme n’est jamais assez pitoyable
Toute son existence morne est un tas de conneries

Pour cette triste existence, l’homme n’est pas encore assez bon
Fais-le sans aide Gifle-le sur la tête

Der Mensch lebt durch den Kopf (Chanson de l’insuffisance de l’effort humain).

 

 

Jenny trahit les Macheaths une deuxième fois

Résumé : Une fois de plus, Macheath est trahi par les putes alors qu’il visite la maison close.

Jenny chante la vanité de l’homme dont l’ambition le mène à la ruine. Ce destin est arrivé à Salomon, César, Cléopâtre et maintenant Macheath. Elle justifie ainsi que ce soit elle qui livre finalement son ancien amant à la potence.

Ihr saht den weisen Salomo (SALOMON SONG) – Lemper

 

Résumé : Cette fois, il est condamné à mort. Il n’a pas l’argent pour soudoyer les gardes pour une tentative d’évasion et est conduit à la potence. Tout le monde l’attend sur le lieu de l’exécution. Lorsque la corde est passée autour de son cou, Peachum annonce que Macheath a été gracié par la reine. Un messager à cheval apparaît.

En anoblissant Macheath, Brecht vise à mettre sur un pied d’égalité les brigands et la classe supérieure. Ainsi, le système ne peut pas se réformer tout seul, mais le changement doit être apporté par une révolution. Cette approche marxiste constitue l’aspect social-révolutionnaire de cet opéra.

Bien sûr, le Messager à cheval est aussi une parodie de l’Opera Seria dans lequel les dieux, dans une tournure surprenante de l’intrigue, donnent une fin heureuse, le “lieto fine” apporté par le “Deus ex machina”. Mais le contexte de cet opéra est grotesque et transforme la tournure en satire.

Horch, horch, horch (Le Messager à cheval)

 

Résumé : Il annonce qu’à l’occasion de son couronnement, la reine a décidé que Macheath devrait non seulement obtenir la liberté, mais aussi un titre de noblesse, un appanage et un château. L’opéra se termine par un grand choral de tous les participants : Luttons contre l’injustice, mais avec modération, Car elle mourra de froid, si on la laisse tranquille.

Verfolgt das Unrecht nicht zu sehr (DREIGROSCHEN FINALE) SCHLUSSCHORAL

 

Recommandation d’enregistrement

en allemand:

CBS, mit Lotte Lenya, Erich Schellow, Johanna von Koczian und Willy Trenk unter der Leitung von Wilhelm Brückner-Rüggeberg und dem Orchester Sender Freies Berlin.

en anglais:

TPR, Lotte Lenya, Scott Merrill, Martin Wolfson, Beatrice Arthur sous la direction de Samuel Matlovski.

Peter Lutz, opera-inside, le guide d’opéra en ligne sur L’OPÉRA DE QUAT SOUS de Kurt Weill et Bert Brecht.