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Biografie in parole e immagini.
I luoghi dove i compositori hanno lavorato e le persone più importanti della sua vita.
RUSSIA: Una guida per gli appassionati di musica Visita le destinazioni della musica classica e dell’arte lirica con un riferimento storico. Impara idee entusiasmanti e informazioni di base.
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GOOGLE MAPS - QUADRO GENERALE DELLE DESTINAZIONI
Qui puoi trovare le posizioni di tutte le destinazioni descritte su Google Maps.
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VITA E LAVORO DEGLI ARTISTI IN RUSSIA
La Russia ha una lunga tradizione di compositori famosi come Tchaikovsky, i potenti cinque o gli importanti compositori del 20th secolo
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SALE DA CONCERTO E SALE D-OPERA
San Pietroburgo e Mosca ospitano magnifici e storici teatri d’opera e sale da concerto. Uno di questi ha anche giocato un ruolo importante nella seconda guerra mondiale.
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MUSEI
La Russia ha a cuore l’eredità dei suoi compositori e nella guida troverete suggerimenti per sette musei.
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CASE E APPARTAMENTI DI ARTISTI
Dove Tchaikovsky incontrò la sua morte misteriosa.
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MONUMENTI
Tre statue a San Pietroburgo e Mosca
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RISTORANTI
Dove Tchaikovsky potrebbe aver contratto il colera
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CIMITERI E TOMBE DI MUSICISTI FAMOSI
Visita le tombe di artisti famosi nei due cimiteri monumentali di Mosca e San Pietroburgo.
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GOOGLE MAPS – VISIONE DELLE DESTINAZIONI
Zoom per le destinazioni in RUSSIA:
VITA E LAVORO DEGLI ARTISTI IN RUSSIA
Mikhail Glinka
Il padrino della musica russa
Mikhail Glinka può essere considerato il capostipite della musica classica russa. Ha trascorso la maggior parte della sua vita attiva a San Pietroburgo. L’opera “Una vita per lo zar” del 1834 è considerata la prima musica classica russa indipendente e, di conseguenza, la prima opera russa ed ebbe un’influenza decisiva sulle generazioni successive di musicisti russi. Fu la prima opera la cui storia si svolgeva in russo e in cui un uomo del popolo interpretava il ruolo principale e non un nobile, cosa inaudita per quel tempo.
Modello per i potenti cinque
Rimsky-Korsakoff e i “possenti cinque”, in particolare, abbracciarono la sua eredità e stabilirono la musica nazionale russa (in opposizione al più occidentale Tchaikovsky). L’opera, così come la seconda importante opera di Glinka “Ruslan e Ludmila”, fu presentata in anteprima al Teatro Bolshoi di San Pietroburgo (da non confondere con quello di Mosca), che fu demolito nel 1888 per far posto al nuovo Conservatorio.
Nikolai Rimsky-Korsakoff.
Membro dei potenti cinque
Rimsky-Korsakoff occupò una posizione immensamente importante nella vita musicale russa del XIX secolo. Assorbì le idee di Glinka, il primo compositore russo, trasse ispirazione da Balakirev, Berlioz, e Liszt, e fu un membro del potente gruppo di San Pietroburgo che sosteneva la musica nazionale russa.
In particolare sostenne e incoraggiò il collega compositore Mussorgsky, di cui “Boris Godunov” rielaborò due volte, per esempio. Tra i suoi studenti ci furono nomi altisonanti come Stravinsky, Glasunov e Prokovieff. Le sue opere più note sono probabilmente “Scheherazade”, un programma musicale influenzato da Liszt, e “il volo del calabrone” da una delle sue opere.
Korsakoff proveniva da una famiglia benestante con una tradizione militare; lui stesso andò in mare per tre anni nella sua formazione di ufficiale fino a quando decise di perseguire la musica.
Modest Mussorgsky
Mussorgsky a San Pietroburgo
Mussorgsky trascorse la maggior parte dei suoi anni artisticamente produttivi a San Pietroburgo. Era nato nel 1839 a 400 km a sud di San Pietroburgo. Vi giunse all’età di 13 anni per iniziare la sua educazione in una scuola di cadetti, secondo la tradizione familiare, con una successiva carriera di funzionario.
Tuttavia, lasciò questa strada all’età di 19 anni per dedicarsi alla musica, ma continuò a lavorare in posti di servizio civile per guadagnarsi da vivere. Mussorgsky visse saltuariamente in cooperative residenziali, a volte nella comune del “Mighty Handful” (con Balakirev, Borodin, Cui, Rimsky-Korsakov). Il suo consumo di alcool e la mancanza di formazione musicale formale gli impedirono un’opera più grande, ma le sue composizioni di “Quadri di un’esposizione”, “Boris Godunov” e “Notte sul Monte Calvo” ottennero fama mondiale (ascolta qui sotto un excursus sulla sua opera “Boris Godunov”).
Mussorgsky a Mosca
Il centro artistico di Mussorgsky durante tutta la sua vita fu a San Pietroburgo, ma fu la sua prima visita a Mosca all’età di 20 anni che fece una profonda impressione su di lui e scatenò un “amore per tutto ciò che è russo”.
Sergey Prokoffiev
Ritorno a Mosca
Russo in esilio, Prokofiev era emigrato sulla scia della Rivoluzione d’Ottobre e tornò a Mosca nel 1936 per rimanere permanentemente in Unione Sovietica. Questa mossa stupisce ancora oggi molti, poiché si sottomise volontariamente ai vincoli artistici della dittatura bolscevica di Stalin. Il periodo che seguì fu artisticamente molto produttivo e la sperata ondata di creatività che il compositore desiderava al suo ritorno in patria divenne realtà.
Il compositore di origine ucraina non tornò a San Pietroburgo, ma a Mosca, dove, a causa della situazione politica, si trovava il centro della scena artistica.
Privatamente, il periodo fu meno felice. Nella seconda metà degli anni Quaranta si sposò di nuovo. Il matrimonio con la moglie spagnola, che era venuta a Mosca con lui, fu sciolto e lei fu imprigionata in un campo di internamento per 8 anni, presumibilmente perché aveva trasferito del denaro in Spagna a sua madre, cosa che allora era vietata.
Dopo una caduta dalle scale, la salute di Prokofiev non si riprese bene alla fine degli anni Quaranta, e un processo-spettacolo, a cui furono sottoposti lui, Shoshakovich e Katchaturian, fu molto duro per lui. Alla fine morì lo stesso giorno di Stalin, motivo per cui nessuno si accorse della sua morte e fu sepolto senza festeggiamenti.
Dmitri Shoshakovich
Divenne un mito con l’assedio di San Pietroburgo
Il nome di Shostakovich sarà per sempre associato alla città di Leningrado (il nome di San Pietroburgo durante il periodo dell’Unione Sovietica). Nel 1942, quando la città soffriva nella morsa dell’assedio tedesco, il compositore leningradese stava lavorando alla sua Settima Sinfonia, che voleva regalare ai suoi connazionali assediati. Contro la sua volontà, su ordine di Stalin, fu portato fuori dalla città attraverso un’ultima scappatoia, dove finì di scrivere la sinfonia.
L’opera divenne rapidamente nota all’estero, e Stalin, riconoscendo il suo significato simbolico, fece trasportare la partitura in aereo sopra le posizioni tedesche nel centro della città, dove il direttore d’orchestra Eliasberg doveva eseguire la sinfonia durante l’assedio. La sinfonia era impostata per una grande orchestra, ma alla prima prova si presentarono solo 15 musicisti esausti ed emaciati, che sopravvivevano con segatura, carne di cavallo e di topo. Eliasberg cercò di provare l’opera, ma il trombettista non riusciva a far uscire un suono dal suo strumento a causa della debolezza, e alcuni musicisti riuscivano a malapena a tenere i loro strumenti. Dopo 15 minuti, Eliasberg ha dovuto terminare la prova.
Il giorno dello spettacolo durante l’assedio
Ora fu fatto un appello ai soldati in prima linea. Così l’orchestra poté essere riempita e Eliasberg dovette provare l’opera molto complessa pronta per l’esecuzione con l’orchestra riunita in 6 giorni. Prima dell’inizio dell’esecuzione, si dice che un generale sovietico abbia bombardato le truppe tedesche per assicurare un’esecuzione senza problemi. Gli altoparlanti erano stati installati in tutta la città in modo che i residenti e i nemici potessero percepire la volontà di resistenza della popolazione.
Gli ascoltatori e i musicisti rischiarono la loro vita con l’esecuzione, fortunatamente poté essere eseguita senza alcun disturbo e l’applauso finale non conobbe fine.
Il primo movimento della sinfonia è il più programmatico: dopo un’introduzione spensierata (l’idillio prebellico), irrompe un motivo di invasione che si sviluppa per 15 minuti, accompagnato da tamburi (come nel Bolero di Ravel), che simboleggia il nemico e l’oppressione. Shostakovich usò parti della melodia “Da geh ich zu Maxim” dall’operetta La vedova allegra di Franz Lehár, che era una delle opere preferite di Hitler, per il motivo dell’invasione.
In realtà, Shostakovich aveva scritto questo movimento in tempo di pace, quindi il compositore sempre ambiguo stava comunicando anche qui un messaggio nascosto. Rimane ambiguo anche quando entra il soccorritore, perché il tema musicale del soccorritore è appena diverso da quello dell’aggressore.
Stalin ringraziò malamente Shostakovich per questo atto, perché solo 4 anni dopo la guerra Shostakovich (con Prokofiev e Khatchaturian) dovette subire un processo farsa.
Dmitri Shostakovich come soldato antiaereo al Conservatorio di Leningrado nella seconda guerra mondiale:
Concerto del 9 agosto 1942:
Johann Strauss
Johann Strauss visitò più volte la Russia come musicista. La sua destinazione fu Pavlovsk, dove durante i mesi estivi suonò musica in una sala da concerto per l’imperatore, tra gli altri, e si esibì per i balli.
Assunto dalla compagnia ferroviaria russa
La prima linea ferroviaria russa andava da San Pietroburgo ai palazzi aristocratici di Tsarskoye-Selo e Pavlovsk, 30 km a sud. La linea ferroviaria fu messa in funzione nel 1836, e nel 1856 impegnò per la prima volta Johann Strauss e la sua orchestra per attirare una classe ricca a Pavlov in estate con la loro musica e i loro balli per promuovere la linea ferroviaria. A questo scopo, l’edificio della stazione fu trasformato in un palazzo del divertimento, sul modello del Vauxhall di Londra, dove ristoranti e sale da ballo invitavano i visitatori. I fratelli Strauss successivamente suonarono con una banda a Pavlovsk quasi ogni giorno dal 1856 al 1865 e nel 1869 da maggio a ottobre. Strauss compose alcuni pezzi come il Valzer Pizzicato specialmente per questo luogo.
L’edificio della stazione storica e il padiglione, che erano accanto al palazzo, non esistono più, sono stati distrutti durante l’occupazione tedesca nella seconda guerra mondiale. Oggi, il palazzo Pavlov con i suoi meravigliosi giardini ricorda ancora questo periodo Belle Époque.
Il padiglione storico:
Castello di Pavlovsk:
Sergei Rachmaninov
Ha perso le tenute due volte
Sergey è cresciuto in campagna nei suoi primi anni come rampollo di una famiglia ricca. Ma con il passare degli anni, i suoi genitori persero i loro possedimenti per incapacità, e quando era ancora un ragazzo, Rachmaninov si trasferì a Mosca con sua madre, impoverita. Lì il pedagogo e insegnante di conservatorio Sverev riconobbe il suo talento e lo lasciò vivere a casa sua, con alloggio e lezioni gratuite. Dopo gli studi, Rachmaninov si affermò rapidamente come pianista e direttore d’orchestra, mentre i suoi successi come compositore, con suo grande rammarico, non ricevettero il riconoscimento che aveva sperato.
Dopo diverse lunghe visite in Germania, Rachmaninov tornò in Russia come direttore d’orchestra e visse nella tenuta di campagna di Ivanova, che apparteneva ai genitori della moglie di Rachmaninov, dal 1910. Qui, oltre ai suoi incarichi, trovò la pace che desiderava e compose, tra le altre cose, il suo 3° Concerto per pianoforte e orchestra. I Rachmaninov lasciarono la Russia per gli Stati Uniti sulla scia della Rivoluzione d’Ottobre e non tornarono più nell’amata tenuta, che fu saccheggiata durante la rivoluzione.
Peter Tchaikovsky
I primi anni in una tenuta di campagna
Tchaikovsky trascorse i suoi primi anni in una tenuta a Votkinsk, dove suo padre, in qualità di direttore di fabbrica, ottenne una casa signorile. Sappiamo molto di questo periodo perché la tata di Peter, Fanny Dürbach, riferì di questo periodo nelle sue memorie. Tchaikowsky rimase in contatto con lei e la visitò a Montbéliard nel 1892.
Trasferimento traumatico a San Pietroburgo.
All’età di dieci anni, Tchaikovsky vive un evento traumatico: con orrore, viene mandato in un collegio a San Pietroburgo. Con questo evento la sua infanzia finisce bruscamente e viene preparato per una carriera di funzionario.
All’età di 21 anni lascia il servizio civile e inizia la carriera di musicista, senza un soldo. Rimase a San Pietroburgo per altri 5 anni e poi andò a Mosca, dove ebbe il suo centro di vita come insegnante nel Conservatorio. Tornò a Leningrado innumerevoli volte e infine vi morì a soli 53 anni.
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Il giovane Tchaikovsky:
Teatro Mariinsky di San Pietroburgo
Il Mariinsky era chiamato Kirov durante il periodo sovietico ed è tornato al suo vecchio nome. Ancora oggi questo teatro brilla con spettacoli di balletto e opera al più alto livello.
Dove molti dei balletti di Tchaikovsky furono presentati per la prima volta
Il Teatro Mariinsky è stato un teatro importante per Tchaikovsky; vi ha debuttato opere significative, come Lo Schiaccianoci, La Bella Addormentata e La Regina di Picche.
Dove Mussorgsky ebbe il suo più grande trionfo
Il Teatro Mariinsky fu costruito nel 1860 e, insieme al Teatro Bolshoi di Mosca, è uno dei due fari musicali della Russia per il balletto, la musica classica e l’opera. Il teatro fu il luogo della prima del 1874 dell’opera più importante di Mussorgsky. La direzione conservatrice del Teatro Mariinskij ha rifiutato due volte la prima di “Boris Godunov”. Al terzo tentativo, funzionò, e divenne il più grande trionfo della sua vita, con 20 rappresentazioni esaurite e acclamate.
Vale la pena di fare un giro nel bellissimo Teatro Mariinsky.
Filarmonica di San Pietroburgo
Dove fu eseguita la Sinfonia di Leningrado di Shoshakovich nel 1942
La cosiddetta Sinfonia di Leningrado fu eseguita in questa sala il 9 agosto 1942. In questo teatro, la stagione concertistica inizia tradizionalmente con l’esecuzione della Settima Sinfonia.
La Sinfonia di Leningrado divenne un mito con l’assedio di San Pietroburgo
Il nome di Shostakovich sarà per sempre associato alla città di Leningrado (il nome di San Pietroburgo durante il periodo dell’Unione Sovietica). Nel 1942, quando la città soffriva nella morsa dell’assedio tedesco, il compositore leningradese stava lavorando alla sua Settima Sinfonia, che voleva regalare ai suoi connazionali assediati. Contro la sua volontà, su ordine di Stalin, fu portato fuori dalla città attraverso un’ultima scappatoia, dove finì di scrivere la sinfonia.
L’opera divenne rapidamente nota all’estero, e Stalin, riconoscendo il suo significato simbolico, fece trasportare la partitura in aereo sopra le posizioni tedesche nel centro della città, dove il direttore d’orchestra Eliasberg doveva eseguire la sinfonia durante l’assedio. La sinfonia era impostata per una grande orchestra, ma alla prima prova si presentarono solo 15 musicisti esausti ed emaciati, che sopravvivevano con segatura, carne di cavallo e di topo. Eliasberg cercò di provare l’opera, ma il trombettista non riusciva a far uscire un suono dal suo strumento a causa della debolezza, e alcuni musicisti riuscivano a malapena a tenere i loro strumenti. Dopo 15 minuti, Eliasberg ha dovuto terminare la prova.
Il giorno dello spettacolo durante l’assedio
Ora fu fatto un appello ai soldati in prima linea. Così l’orchestra poté essere riempita e Eliasberg dovette provare l’opera molto complessa pronta per l’esecuzione con l’orchestra riunita in 6 giorni. Prima dell’inizio dell’esecuzione, si dice che un generale sovietico abbia bombardato le truppe tedesche per assicurare un’esecuzione senza problemi. Gli altoparlanti erano stati installati in tutta la città in modo che i residenti e i nemici potessero percepire la volontà di resistenza della popolazione.
Gli ascoltatori e i musicisti rischiarono la loro vita con l’esecuzione, fortunatamente poté essere eseguita senza alcun disturbo e l’applauso finale non conobbe fine.
Il primo movimento della sinfonia è il più programmatico: dopo un’introduzione spensierata (l’idillio prebellico), irrompe un motivo di invasione che si sviluppa per 15 minuti, accompagnato da tamburi (come nel Bolero di Ravel), che simboleggia il nemico e l’oppressione. Shostakovich usò parti della melodia “Da geh ich zu Maxim” dall’operetta La vedova allegra di Franz Lehár, che era una delle opere preferite di Hitler, per il motivo dell’invasione.
In realtà, Shostakovich aveva scritto questo movimento in tempo di pace, quindi il compositore sempre ambiguo stava comunicando anche qui un messaggio nascosto. Rimane ambiguo anche quando entra il soccorritore, perché il tema musicale del soccorritore è appena diverso da quello dell’aggressore.
Stalin ringraziò malamente Shostakovich per questo atto, perché solo 4 anni dopo la guerra Shostakovich (con Prokofiev e Khatchaturian) dovette subire un processo farsa.
Dmitri Shostakovich come soldato antiaereo al Conservatorio di Leningrado nella seconda guerra mondiale:
Concerto del 9 agosto 1942:
http://www.philharmonia.spb.ru/en/
Sala della Filarmonica:
Teatro Bolshoi di Mosca
Il Teatro Bolshoi è famoso per i suoi spettacoli di balletto. Il “Lago dei cigni” di Tchaikovsky fu presentato per la prima volta qui. Il leggendario corpo di ballo del Bolshoi, composto da 200 ballerini, è spesso in tournée all’estero e gli spettacoli a Mosca sono quasi sempre esauriti. Anche gli spettacoli d’opera sono di altissima qualità, spesso cantati in russo ma sempre più spesso in lingua originale.
La famigerata visita di Stalin
Questo fu anche il luogo della famigerata visita di Stalin, accompagnato da Molotov, mentre ascoltava un’opera di Shoshtakovich da dietro una tenda del palco. Pochi giorni dopo, la Pravda pubblicò un articolo, probabilmente scritto da Stalin, che denunciava l’opera, così Shoshtakovich fu permanentemente in pericolo di essere imprigionato. Questa paura lo accompagnò negli anni successivi della sua vita e lo portò alla depressione e a pensieri suicidi.
https://www.coopculture.it/heritage.cfm?id=6
Sala Grande del Conservatorio di Mosca
Dove Horowitz ha incantato il mondo
Questa sala, risalente al 1901, con la sua eccellente acustica, che si dice sia basata su corpi cavi in ceramica inseriti nella volta del soffitto. Ha 1800 posti a sedere e ha un palco insolitamente grande.
Fu il luogo dove Vladimir Horowitz suonò il commovente concerto al suo ritorno nel 1986 dopo più di 50 anni di esilio. Tutto doveva essere perfetto, 50 ingegneri del suono e tecnici della Deutsche Grammophon hanno viaggiato per catturare questo evento del secolo. Era chiaro che Horowitz voleva suonare sul suo pianoforte a coda e questo concerto divenne il più grande evento pop pianistico del XX secolo, con la particolarità che la pop star aveva già 82 anni!
Natalya Sat-s Musical Theater
Un teatro per bambini unico con un passato travagliato
Nel 1936, Natalya Sats chiese a Sergei Prokofiev di scrivere un’opera che avrebbe introdotto i bambini agli strumenti orchestrali e che avrebbe fatto appello ai gusti musicali dei bambini.
Natalya Sats gestiva un teatro per bambini come istituzione statale e si rivolse a Prokofiev, che aveva frequentato il teatro con i suoi figli. Prokofiev fu entusiasta dell’idea di un’opera per bambini e mise in musica il libretto di “Pietro e il lupo” entro una settimana con il primo schizzo per pianoforte. La prima rappresentazione al Conservatorio di Mosca non ebbe successo, tuttavia, perché Natalya si ammalò e il sostituto narratore era inesperto. Una seconda performance con Natalya divenne un grande successo. Quando Prokofiev tornò dal suo tour negli Stati Uniti un anno dopo, Sats era già nel Gulag perché suo marito, un ministro, era caduto vittima di una purga.
Sats rimase in Siberia per 5 anni, ma fu completamente riabilitata dopo la morte di Stalin. Ha ricostruito il Teatro dei Bambini creando un nuovo edificio nel 1965, che porta ancora il suo nome come istituzione.
Coro della Cappella Glinka
Glinka fu per un certo periodo il capo della Cappella di Corte Imperiale, un coro alla solde dello Zar e il più antico coro professionale in Russia. Nel 1838, si recò in Ucraina e reclutò 20 cantanti per il coro. Rimsky-Korsakoff fu uno dei suoi successori e ancora oggi questo coro gode di un’alta reputazione. La Cappella Accademica è una delle più antiche sale da concerto di San Pietroburgo ed è famosa per la sua acustica.
https://www.justgorussia.co.uk/en/academic_glinka_capella.html
MUSEI
Museo Mussorgsky Naumovo
L’autorità museale di Pskov gestisce la tenuta di Naumovo nella patria di Mussorgsky come unico museo del compositore. Il villaggio di Naumovo è il cuore di questo complesso museale, che comprende anche la casa principale della tenuta, gli alloggi della servitù, il granaio, la serra, il caseificio e la bottega del fabbro. Nella parte meridionale della tenuta, alcuni alberi secolari sono conservati.
Terra di Chirikov:
Museo Prokofiev di Mosca
Il museo si trova nell’ultimo appartamento di Prokofiev in Kamergersky Lane. Vi si possono vedere oggetti di uso quotidiano, ma anche scenografie, libri e spartiti. L’appartamento è composto da un soggiorno, lo studio e altre due stanze.
Inoltre, al primo piano c’è anche una piccola sala da concerto con il suo pianoforte a coda.
Le informazioni per i visitatori sono in russo.
Visualizzazione del museo:
Museo Rimsky-Korsakoff Mosca
L’appartamento di Rimsky-Korsakoff era un luogo di incontro di molti compositori famosi. Oggi, la sua residenza al 28 Zagorodny Prospekt, dove ha trascorso i suoi ultimi 15 anni, ospita un piccolo museo in un pianoforte a coda, che mostra i locali della casa e i cimeli del compositore, così come la sua opera.
Vista del Museo Rimsky-Korsakoff:
Museo Rachmaninov Ivanova
Rachmaninov ha anche agito come amministratore della tenuta di Ivanova e ha dato una mano. Dopo che i Rachmanonov lasciarono la tenuta sulla scia della rivoluzione russa, fu saccheggiata e cadde in rovina. Negli anni settanta il famoso proprietario si ricordò di nuovo e la tenuta fu restaurata. Oggi funziona come un museo e la situazione di vita di Rachmaninov è stata ricreata e le tappe della sua vita documentate in una mostra permanente.
Rachmaninov nella tenuta:
Vedi all’interno:
Consultare il sito web per gli orari di funzionamento, il museo è aperto principalmente nei mesi estivi
Museo Skrjabin di Mosca
Scriabin era un pianista virtuoso e il pianoforte era lo strumento per il quale componeva di più. Era nativo di Mosca e il museo è ambientato nel suo ultimo appartamento moscovita.
Scriabin era sinestetico (i suoni musicali erano legati a specifiche percezioni di colore per lui) e sviluppò una teoria del colore e della musica.
Due opere, tra le altre, sono diventate famose rendendo evidente questo legame. Una è “Poême du feu”, un concerto per pianoforte in cui ha reso visibili i passaggi musicali con i colori, utilizzando un cosiddetto pianoforte a colori. Il secondo pezzo è “Prometheus”, per il quale un professore creò un dispositivo con il quale i colori potevano essere “suonati”. Il museo mostra con macchine e attrezzature questa interessante sfaccettatura.
Il museo ha sei stanze: un ingresso, un ufficio, un soggiorno, una sala da pranzo, una stanza per bambini e una camera da letto.
Museo Tchaikovsky di Votkinsk
Il museo è stato costruito nella tenuta dove Tchaikovsky trascorse i suoi primi 8 anni.
Il museo rivaleggia con il più grande Museo Tchaikovsky di Klein vicino a Mosca per quanto riguarda le esposizioni. I principali oggetti esposti sono un pianoforte su cui Tchaikovsky iniziò a comporre da adolescente, così come mobili e giocattoli.
La vista del lago è molto bella, l’idillio disturbato nel 20° secolo quando Votinsk serviva come sito di produzione di missili balistici intercontinentali a punta nucleare sovietici, e quindi non appariva nemmeno sulle mappe, figuriamoci nelle guide.
Questo è cambiato dall’indipendenza russa. Negli ultimi anni, oltre 100.000 persone hanno visitato la proprietà.
Museo Tchaikovsky Klin
La tenuta di questa città, dove oggi vivono 80.000 persone, si trova a 90 chilometri da Mosca. Fu trasferita al museo già dopo la morte di Tchaikovsky. Il suo servo Sofronov e suo fratello Modest l’hanno arredata con oggetti personali del musicista. Dopo la morte di Modest, il museo ha avuto un passato travagliato: “Come risultato della seconda guerra mondiale, la maggior parte dell’inventario del museo fu evacuato a Votkinsk, Udmurtia. Dalla fine di novembre fino al 15 dicembre 1941, Klin era nella zona di occupazione della Wehrmacht tedesca, che danneggiò gravemente il museo. Il primo piano serviva come garage per motociclette e laboratorio di calzolaio. Il piano superiore divenne alloggio per 100 soldati, che usavano i mobili di legno lasciati nella casa come legna da ardere.
Dopo la riconquista di Klin da parte dei soldati sovietici, il segretario di stato britannico Anthony Eden e l’ambasciatore sovietico in Gran Bretagna Ivan Maiski ispezionarono il museo danneggiato già il 19 dicembre 1941, come parte di una missione diplomatica con più di 20 corrispondenti. Dopo la ristrutturazione della casa, gli oggetti rimossi di Tchaikovsky furono restituiti al museo nel novembre 1944, che riaprì con una cerimonia il 6 maggio 1945.” (Fonte: Wikipedia). La casa è diventata un luogo centrale della memoria di Tchaikovsky e tutti i musicisti famosi come Gilels, Horowitz, Richter, ecc. hanno visitato il luogo e suonato nella sala di musica situata nei locali, dove si tengono occasionalmente concerti.
Casa Tchaikovsky:
CASE E APPARTAMENTI DI ARTISTI
Il luogo della morte di Tchaikovsky Malaya Morskaya Street, 13e
Oggi un hotel.
Molti libri sono stati scritti sul mistero della causa della morte di Tchaikovsky. Fu il bicchiere d’acqua con cui aveva involontariamente contratto il colera, che dilagava a San Pietroburgo, o fu un tribunale d’onore al cui verdetto si era inchinato e aveva ingoiato arsenico? Oggi prevale l’opinione che sia vera la prima. Comunque, l’edificio dove morì esiste ancora, la sua stanza della morte può anche essere prenotata (Tchaikovsky Suite), è un hotel chiamato Tchaikovskyhouse. All’epoca era l’appartamento di suo fratello Modest. Nella foto qui sotto potete vedere la stanza della morte incorniciata in blu.
Tchaikovskyhouse:
MONUMENTI
Statua Glinka di San Pietroburgo
La statua fu eretta nel 1904. All’inizio si trovava in un altro posto, poi dovette essere cambiata posizione perché interferiva con il crescente traffico motorizzato. È un imponente monumento di bronzo, la cui base è fatta di granito rosso.
Monumento Glinka:
Monumento Rimsky-Korsakov San Pietroburgo
Di fronte al Teatro Mariinsky si trova un’imponente statua di bronzo del direttore d’orchestra del 1950.
Statua di Rimsky-Korsakov:
Statua di Prokofiev a Mosca
In occasione del 125° anniversario della sua nascita, una statua del compositore è stata inaugurata presso la sua residenza, che si trova nella tradizionale e senza auto Kamergersky Lane.
RISTORANTE
Dove Tchaikovsky bevve l’inquietante bicchiere d’acqua
5 giorni prima della sua morte, Tchaikovsky bevve l’infausto bicchiere d’acqua nel ristorante Leiner, anche se fu informato dal cameriere che non era disponibile acqua bollita, necessaria a causa del colera dilagante. Andò poi nell’appartamento di suo fratello Modest e non lo lasciò, morendo il 6 novembre. L’edificio del ristorante è ancora in piedi, Leiner’s non esiste più, questo bellissimo edificio è ora sede di un fast food americano.
18 Prospettiva Nevsky:
Cimiteri e tombe di famosi musicisti
Mikhail Glinka
Cimitero Tikhvin di San Pietroburgo
Glinka fu un viaggiatore frequente nell’ultimo decennio della sua vita e morì inaspettatamente di raffreddore a Berlino dopo un soggiorno di diversi mesi. Il suo corpo fu successivamente rimpatriato e la sua tomba si trova nel cimitero del Monastero Alexander Nevsky.
Cimitero di Tichvin:
Sito della tomba di Glinka:
Modest Mussorgsky
Cimitero Tikhvin di San Pietroburgo
Mussorgsky ha letteralmente bevuto fino a morire. Morì in un ospedale di San Pietroburgo all’età di 42 anni. Il suo corpo è sepolto nello spettacolare Cimitero Tikhvin del Monastero Alexander Nevsky di San Pietroburgo.
Peter Tchaikovsky
Cimitero Tikhvin di San Pietroburgo
La sua tomba si trova nel cimitero di Tikhvin presso il monastero Alexander Nevsky a San Pietroburgo. L’abdicazione di Tchaikovsky ebbe luogo nella Cattedrale di Kazan, e la partecipazione fu enorme, con 60.000 persone che richiesero i biglietti. La tomba si trova nel cimitero Tikhvin nel monastero Alexander Nevsky. Alexander Borodin, Mikhail Glinka, Rimsky-Korsakov e Modest Mussorgsky sono anche sepolti vicino ad essa.
Rimski-Korsakoff
Cimitero Tikhvin di San Pietroburgo
Rimsky-Korsakoff morì di angina nel 1908 e gli fu data una tomba onoraria nel cimitero Alexander Nevsky.
Sergei Prokofiev
Novodevichy Cimitero di Mosca
Prokofiev è sepolto qui con la sua seconda moglie (sezione 3, fila 47). La sua prima moglie (una cantante) fu in grado di lasciare il campo di lavoro dopo il disgelo politico dopo nove anni e il paese dopo altri 15 anni, dove fu in grado di guadagnarsi da vivere con le royalties della musica di Prokofiev fuori dal blocco orientale. Ha anche fatto una registrazione di “Pietro e il lupo” come narratrice.
In questo cimitero sono sepolti anche Nicolas Gogol, Sergei Eisenstein (per i cui famosi film Alexander Nevsky e Ivan il Terribile Prokofiev ha scritto la musica), Nikita Khrushchev e Boris Yeltsin, tra gli altri.
La tomba di Prokofiev:
Svjatoslav Richter
Novodevichy Cimitero di Mosca
Richter è stato uno dei più grandi pianisti del 20° secolo e un allievo dell’influente insegnante di pianoforte Heinrich Neuhaus. Suo padre era di origine tedesca e fu fucilato durante la seconda guerra mondiale. Richter era uno stretto amico artistico di Prokoffiev.
Con il disgelo dopo la morte di Stalin, divenne improvvisamente famoso in Occidente con il suo tour del 1960 negli Stati Uniti.
Morì per un attacco di cuore all’età di 82 anni.
Dmitri Shostakovitch
Novodevichy Cimitero di Mosca
Shostakovich non fu sepolto nella sua nativa San Pietroburgo, ma nel cimitero nazionale russo Novodevichy (sezione 2, n. 39). Aveva trascorso gli ultimi anni della sua vita a Mosca.
Sulla sua tomba c’è il motivo delle note D, Es, C, B. Esso simboleggia le sue iniziali tedesche (D.Sch), che aveva usato più volte nelle sue composizioni.
La tomba di Shostakovitch:
VENEZIA: Una guida per gli appassionati di musica
Visita le destinazioni della musica classica e dell’arte lirica con un riferimento storico. Imparate idee entusiasmanti e informazioni di base.
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GOOGLE MAPS - QUADRO GENERALE DELLE DESTINAZIONI
Qui puoi trovare le posizioni di tutte le destinazioni descritte su Google Maps.
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VITA E LAVORI DEGLI ARTISTI A VENEZIA
Molti compositori famosi come Rossini, Donizetti, Verdi o Stravinsky hanno composto per il teatro d’opera la Fenice.
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La Fenice è il teatro più famoso e importante di Venezia. Leggi informazioni interessanti sulla storia drammatica di questo teatro.
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CHIESE
La Basilica di San Marco è famosa anche per la sua musica. Da non perdere l’Assunta che ispirò Wagner e Santa Maria della Salute che fu inaugurata da Monteverdi.
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PALAZZI
Scopri dove è morto Wagner.
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TOMBS AND GRAVES OF FAMOUS MUSICIANS
Due famosi musicisti sono sepolti a Venezia
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RISTORANTE
Vai al posto preferito di Richard Wagner per bere una tazza di caffè.
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OPERE RELATIVE A VENEZIA
Ascolta tre brani di Monteverdi e Rossini
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MAPPA DELLE DESTINAZIONI DELLA GUIDA TURISTICA
Zoom in per le destinazioni di viaggio:
VITA E LAVORI DI ARTISTI A VENEZIA
Claudio Monteverdi
Nel 1613, il quarantaseienne Monteverdi si trovò in circostanze economiche difficili. Il suo lavoro sottopagato di maestro alla corte di Mantova era a rischio perché il nuovo duca non era un amante delle arti come il suo predecessore appena scomparso. Così fu utile per Monteverdi che si liberasse il posto di direttore musicale della Cattedrale di San Marco. In questa importante posizione trovò il riconoscimento artistico ed economico che stava cercando.
Quando la peste colpì nel 1632, perse suo figlio e si ammalò. Dopo la sua guarigione, sotto l’impatto dell’epidemia di peste, si fece ordinare sacerdote.
L’incoronazione di Poppea un’opera per il carnevale e la prima opera civile
Già oltre i 70 anni, si reinventò ancora una volta quando l’opera di Venezia si aprì a temi profani e aveva bisogno di opere per la stagione di carnevale. L’opera era indipendente da un teatro di corte ed era frequentata da un pubblico borghese in cerca di divertimento durante il periodo di carnevale. Abbandonò il solito materiale mitologico e scrisse la satira pungente “L’incoronazione di Poppea”. Una delle creazioni di maggior successo fu l’Amme Arnaulta, cantata da un castrato, facendo di Monteverdi, appropriatamente per la stagione di carnevale di Venezia nel 1643 all’età di 76 anni, l’inventore della drag queen (più su questo nella digressione nella sezione musica di questa guida). Il teatro della prima rappresentazione, San Giovanni e Paolo, non esiste più. Poco dopo la prima rappresentazione dell’Incoronazione, Monteverdi morì a Venezia.
Gioachino Rossini
Venezia fu la porta d’ingresso per la carriera di Rossini. Arrivato a Venezia all’età di 18 anni, scrisse varie opere comiche in un atto per il teatro più piccolo.
Con le opere commissionate per il veneziano Teatro San Moisè, Rossini si sviluppò ad un ritmo mozzafiato in un compositore d’opera leader. In questo rinomato teatro, per il quale Vivaldi aveva già scritto, scrisse diverse opere in un atto unico in poco tempo. Anche il primo lavoro commissionato (“La cambiale di matrimonio”), che un amico di famiglia aveva organizzato per il diciottenne, fu un successo. L’ouverture dell’opera in un atto “Il signor Bruschino” raggiunse una fama aneddotica, in cui i secondi violini devono battere più volte l’archetto sul loro leggio, producendo un effetto affascinante. I signori altolocati ai leggii, però, erano troppo imbarazzati da questo effetto del diciottenne schnoz e si rifiutavano di eseguire i battimenti, causando un notevole clamore.
A 21 anni ricevette una commissione dalla grande Fenice e sfondò con “Tancredi”, lasciando la città lagunare per Napoli.
Non sono rimaste molte tracce di Rossini a Venezia, il Teatro San Moisè è demolito, il Teatro San Benedetto (il primo teatro della “Italiana in Algeri“) è da tempo un cinema (Multisala Rossini), solo la Fenice è ancora in piedi.
Il giovane Rossini nei suoi anni veneziani:
Igor Stravinsky
Stravinsky, il famoso compositore de “L’oiseau du feu” e “Sacré du printemps” aveva un rapporto speciale con Venezia, amava questa città, ma non ci ha mai vissuto. Quando visitò l’Europa per la prima volta dopo la seconda guerra mondiale – aveva passato gli anni della guerra e del dopoguerra negli Stati Uniti – Venezia fu la prima tappa. Lì, al Teatro alla Fenice nel 1951, diresse la sua opera più rappresentata, “The rake’s progress”. È un’opera strana, come un ritorno ai tempi passati, con recitativi accompagnati da clavicembalo e una musica che, in quest’epoca atonale, è stranamente tonale nella composizione e a volte ricorda Mozart, Handel e Donizetti.
Stravinsky con Dhiaghilev:
Giuseppe Verdi
La città lagunare ha avuto l’onore di far debuttare al Teatro la Fenice due delle più grandi opere verdiane, la “Traviata” e il “Rigoletto“. Uno dei due divenne un fiasco annunciato e l’altro un trionfo sorprendente. C’erano solo due anni tra loro. Del fiasco parleremo nella sezione musicale alla fine.
Non rimane molto delle tracce di Verdi a Venezia, tanto più la sua opera è coltivata.
Richard Wagner
Wagner visitò Venezia una mezza dozzina di volte. Spesso soggiornava brevemente al Danieli e poi prendeva alloggio in un altro posto. Nel 1858 visitò Venezia per la prima volta e fece portare il suo pianoforte a coda oltre le Alpi da Zurigo, dove compose il secondo atto di “Tristan und Isolde” a Palazzo Giustiniani.
Altre quattro visite lo portarono a Venezia nei 30 anni seguenti. Infine, incontrò la sua morte a Venezia.
Teatro la Fenice I/IV
La Fenice ha un passato glamour. Le prime di Bellini, Donizetti, Verdi (tra cui Rigoletto, La traviata e Simon Boccanegra), Rossini e Meyerbeer testimoniano l’importanza del teatro veneziano.
Il teatro conobbe una rinascita glamour con la Biennale dopo la seconda guerra mondiale. Opere commissionate portarono a prime di Stravinsky, Berio, Prokoffiev e Britten, rendendo la Fenice un importante centro artistico.
Teatro la Fenice:
Teatro la Fenice II/IV
Il teatro fu distrutto nel 1997 da un incendio appiccato intenzionalmente da operai. In realtà, l’incendio doveva essere localizzato, ma poiché i canali sono stati prosciugati per la ristrutturazione, i vigili del fuoco non potevano arrivare abbastanza velocemente. È stato ricostruito fedele all’originale e riaperto cerimoniosamente nel 2004 con la Traviata.
Teatro la Fenice III/IV
La facciata è l’unico elemento sopravvissuto ai due grandi incendi del 1836 e del 1997. L’uccello di fuoco, Phoenix, che fece risorgere il teatro dalle ceneri dopo la distruzione causata dall’incendio del 1837, è immortalato sulle insegne del teatro e ha dato il suo nome al teatro. Il risultato fu gigantesco, il teatro fu riaperto solo un anno dopo l’incendio, il 13 dicembre!
Teatro la Fenice IV/IV
Il teatro dell’opera è magnificamente decorato, particolarmente interessante è il disegno del soffitto, che è dritto, ma attraverso il lavoro del pittore crea l’impressione di uno spazio a volta.
La fossa dell’orchestra è retrattile, permettendo qualche fila in più di posti a sedere per i concerti.
Musica al palazzo
Questa istituzione offre l’opera in un piccolo ambiente. In un salotto o in un salone un’opera viene eseguita come un’opera da camera, gli interpreti sono cantanti più un'”orchestra” di 3 persone. Questo funziona in modo eccellente e ispira i 20 – 30 visitatori che possono essere seduti nel salone. Le opere di Verdi hanno un posto importante nel programma.
CHIESE
Basilica San Marco
Nella sua funzione di Kapellmeister, Monteverdi ebbe una cura speciale per i cori. L’eccellente acustica della Cattedrale di San Marco permetteva ai cori di essere collocati nella sala. Ascolta il bellissimo inno “Ave maris stella” dai Vespri Mariani dalla brillante registrazione di Gardiner dalla Cattedrale di San Marco nel 1990.
Se avete l’opportunità di ascoltare musica nella Basilica di San Marco, approfittatene.
Santa Maria Della Salute
Nel 1630 Venezia perse 50.000 abitanti a causa della peste, cioè un terzo dei suoi residenti. Il Doge fece voto di dotare una chiesa per la cessazione della peste. Questa divenne la magnifica Santa Maria della Salute di fronte al Palazzo Ducale. Monteverdi scrisse una messa di ringraziamento per essa e la eseguì nell’inaugurazione della chiesa.
Santa Maria Gloriosa dei Frari
La tomba di Monteverdi si trova nella chiesa di Santa Maria Gloriosa dei Frari.
La visita di Wagner a Venezia nel 1861 fu solo breve. È deluso nello scoprire che Mathilde von Wesendonck era incinta di suo marito e che la storia d’amore è finita. Il suo sconforto viene spazzato via dopo una visita all'”Assunta” di Tiziano (la monumentale rappresentazione dell’Assunzione) all’Accademia e decide di comporre la sua grande opera di rinuncia “Die Meistersinger von Nürnberg”. Nel frattempo, l’Assunta non è più all’Accademia, ma torna nella Basilica dei Frari, per la quale fu creata nel 1517 e dove si può vedere (in restauro).
https://www.basilicadeifrari.it/opere/assunta/
Assunta di Tiziano:
PALAZZI
Palazzo Vendrmin
Nell’inverno del 1882/83, la famiglia Wagner trascorse diversi mesi nella città lagunare. Wagner era in cattive condizioni di salute e morì nel palazzo il 13 febbraio 1883. Nel frattempo, il palazzo appartiene alla città di Venezia che vi gestisce un casinò. Nell’ala laterale c’è un piccolo Museo-Wagner. Nel giardino c’è una targa commemorativa fatta da Gabriele d’Annunzio.
https://www.casinovenezia.it/it/museo-wagner
Palazzo Vendramin:
Pittura di Canaletto del Palazzo Vendramin:
Museo Richard Wagner a Palazzo Vendramin:
CIMITERI E TOMBE DI MUSICISTI FAMOSI
Claudio Monteverdi
Santa Maria Gloriosa dei Frari
La tomba di Monteverdi si trova nella chiesa di Santa Maria Gloriosa dei Frari.
La tomba di Monteverdi:
Igor Stravinsky
Cimitero di San Michele
Su sua stessa richiesta, nel 1971 fu deposto accanto alla moglie in questo cimitero dell’isola, in modo che gli amanti della musica di tutto il mondo potessero visitare la tomba.
Per coincidenza (o forse no?), a pochi metri dalla tomba di Stravinsky si trova quella di Sergei Diaghilev, il famoso impresario dei Ballets russes, morto in esilio a Venezia nel 1929. All’inizio della sua carriera, Stravinsky fu incaricato da Diaghilev di comporre le sue opere più famose, il balletto L’uccello di fuoco (1910), Petrushka (1911), Le sacré du printemps (1913) e Pulcinella (1920).
Stravinsky e Diaghilev:
La tomba di Trawinki:
RISTORANTI
Caffè Lavena
Richard Wagner fu spesso a Venezia nei suoi ultimi anni e frequentò sempre il Caffè Lavena nelle procuratie vecchie, i portici settentrionali di Piazza San Marco. Divenne amico del signore Lavena e veniva sempre alla stessa ora accompagnato dal suo gondoliere privato e talvolta con i suoi figli ai quali comprava un gelato.
Caffè Lavena a Piazza San Marco:
OPERE RELATIVE A VENEZIA
Milano: Una guida di viaggio per gli appassionati di musica
Visita le destinazioni per la musica classica e l’arte lirica con una connessione storica. Conoscere idee entusiasmanti e informazioni di fondo
La guida online all’opera SALOME
Richard Strauss vide per la prima volta l’opera teatrale “Salomè” nel 1902 in una produzione di Max Reinhard, e tre anni dopo creò per la prima volta un mondo sonoro espressionista che sembrava rompere con tutto ciò che si conosceva in precedenza. Nonostante gli ormai tredici anni trascorsi dalla prima rappresentazione dello spettacolo, il pezzo, messo in musica come un’opera, incontrò l’aperta ostilità dei tradizionalisti. Ma la prima rappresentazione a Dresda fece scalpore e la “Salomè” iniziò la sua marcia trionfale in tutto il mondo.
Contenuto
Scena I (scena del banchetto)
Scena II (Salomè / Jochanaan – Scena)
Scena III (Salomè / Jochanaan – Scena)
Scena IV (Danza dei 7 veli, Salomè Morte – Scena)
Raccomandazione di registrazione
Raccomandazione di registrazione
Punti forti
Wie schön ist die Prinzessin Salome
Wo ist er, dessen Sündenbecher jetzt voll ist
Niemals, Tochter Babylons, Tochter Sodoms
Ah, du wolltest mich nicht Deinen Mund küssen lassen (Scena finale)
RUOLI E TRAMA IN 4 MINUTI
PREMIERE
Dresda, 1905
LIBRETTO
Richard Strauss, basato sul romanzo omonimo di Oscar Wilde.
I RUOLI PRINCIPALI
Erode, tetrarca di Giudea (tenore) - Erodiade, moglie del tetrarca (mezzosoprano) - Salome, figlia di Erodiade (soprano) - Jochanaan, il profeta Giovanni Battista (baritono) - Narraboth, capitano della guardia (tenore)
RACCOMANDAZIONE DI REGISTRAZIONE
DG, Cheryl Studer, Bryn Terfel, Horst Hiestermann e Leonie Rysanek diretti da Giuseppe Sinopoli e dalla Berlin Opera Orchestra
COMMENTARIO
La storia delle origini
Nel 1902, Richard Strauss ricevette da un amico scrittore una copia della traduzione tedesca di Hedwig Lachmann della “Salomè” di Oscar Wilde. Si rese conto immediatamente della sua attrattiva come materiale operistico e iniziò l’adattamento letterario e musicale. Quando più tardi, nel 1902, vide l’opera nella produzione di Max Reinhard a Berlino, e un amico gli fece notare se non ci potesse essere un’opera per lui, fu già in grado di rispondere: “La sto già componendo!” Strauss era un direttore d’orchestra molto impegnato e fu nel giugno del 1905 che compose le ultime note.
Lo scandaloso originale di Oscar Wilde e il libretto
Il materiale di una vergine di 16 anni che bacia la testa mozzata di Giovanni Battista fu accolto nel 1892 come una perversione oltraggiosa, rispettivamente come il risultato di una depravazione morale, e causò un solido scandalo. Oscar Wilde scrisse il modello letterario di quest’opera tredici anni prima della prima dell’opera di Strauss. Strauss si occupò personalmente del libretto. Si attenne alla traduzione tedesca, ma dovette cancellare circa la metà del testo per adattare la storia all’opera.
Salome – La prima opera dell’era moderna
La musica e il tema di fondo avevano colpito nel 1905. La scienza e la cultura subirono enormi progressi e cambiamenti negli anni della “fin de siècles”. Siegmund Freud pubblicò le sue interpretazioni dei sogni nel 1903, ispirate dalle ricerche di Charcot. “Jean-Martin Charcot, neurologo alla Salpêtrerie di Parigi dal 1862 al 1893, tenne dimostrazioni pubbliche con pazienti isteriche. Difetti linguistici, paralisi bizzarre e malattie fisiche. Lo studio pubblico e scientifico delle psicosi faceva sembrare antiquata la sofferenza convenzionale sul palcoscenico, come quella della Lucia di Donizetti o anche della Violetta di Verdi. In confronto, le sofferenze delle eroine delle opere italiane del XIX secolo, con la loro meravigliosa drammaticità, offrono solo sentimenti da libro di fiabe. In altre parole, le fantasie sempre più fragili dell’opera italiana e francese avevano lo scopo di far credere che la follia fosse una condizione estetica, rappresentata da infinite e meravigliose colorature e maestrie liriche.” (Abbate/Parker, “The History of Opera”).
Musica: I leitmotiv
Strauss ha usato una lunga lista di leitmotiv in “Salomè”. Troverete esempi musicali di una manciata di leitmotiv più importanti nei commenti alle singole sezioni più in basso. Ad ogni persona importante è stato assegnato un leitmotiv, ma i leitmotiv erano anche associati a cose (per esempio la ciotola di Erode) o sentimenti (per esempio l’ossessione). Riflettevano anche l’armonia dell’opera (vedi sotto); per esempio, il leitmotiv Do diesis maggiore di Salomè è dissonante con il leitmotiv Do maggiore di Jochanaan, descrivendo l’incompatibilità della costellazione dei due personaggi.
Musica: chiavi
Strauss era un brillante armonista e ha sfruttato il linguaggio delle chiavi all’eccesso in “Salome”. La struttura tonale di “Salomè” è molto complessa e arriva fino alla politonalità, in cui a volte i personaggi cantano in chiavi diverse. Fondamentalmente, ha legato le chiavi alla recitazione dei personaggi. Per esempio, Do diesis minore/maggiore è strettamente associato alla persona di Salomè. La chiave di Jochanaan è Do maggiore, la chiave della purezza, e cambia in Mi bemolle minore quando è incarcerato. Il do maggiore forma una netta dissonanza con la chiave di Salomè, così come la sua religiosità e la sessualità di lei non possono essere conciliate. Strauss usa le chiavi anche a livello macro, caratterizzando ciascuna delle quattro scene con un costrutto di chiave. Per esempio, nella seconda scena cambia la tonalità di Salomè in La maggiore per formare un tritono con la tonalità dell’imprigionato Jochanaan (Mi bemolle minore).
Musica: Tonalità e Cromatismi
Strauss era, naturalmente, consapevole dell’effetto che stava avendo sui tradizionalisti. Con una “penna sorridente” scrisse più tardi della reazione di suo padre (l’ex suonatore di corno solista dell’orchestra dell’opera di Monaco) quando lo suonò da Salomè: “Dio, questa musica nervosa! E’ proprio quando i galli rumorosi ti strisciano nei pantaloni” (Strauss, “Ricordi delle prime rappresentazioni delle mie opere”).
Strauss differenzia il carattere della tonalità in base alla persona. Si possono distinguere tre gruppi. La musica di Jochanaan e dei Nazareni aveva un fondamento diatonico. È scritta semplicemente e lentamente; è la musica dei fedeli ciechi. La musica di Erode e dei Giudei è la musica stridula e alta-dissonante che più ha impressionato i progressisti. La musica di Salomè forma una via di mezzo tardo romantica.
Musica: L’orchestra
L’orchestra di Strauss è di dimensioni tardo romantiche, con oltre 100 musicisti. Un gruppo di quindici ottoni, insieme a strumenti orchestrali insoliti per l’epoca, come la celesta, l’armonium e l’organo, forniscono i caratteristici colori tonali.
Il ruolo di Salomè
Il ruolo di Salomè è caratterizzato da tre requisiti. Primo, richiede la potenza vocale di un soprano altamente drammatico, che di solito è associato a voci mature, il che si scontra con il secondo requisito, quello del crudo sex appeal di una sedicenne. In terzo luogo, richiede le capacità di danza di una donna seducente. È evidente che la combinazione perfetta è molto rara. Di solito si usa una controfigura per ridurre i problemi di casting.
La prima e le reazioni
Già le prove dei cantanti erano foriere dell’imminente scompiglio. La Salomè della prima, Marie Wittich, all’inizio si rifiutò di cantare la parte (“Sono una donna rispettabile”). Strauss si accorse della reazione della “zia Wittich” e minacciò di spostare la prima a Berlino.
L’opera fu apertamente rifiutata sia alla corte tedesca che a quella austriaca. La prima rappresentazione di Salomè all’Opera di Corte di Dresda, il 9 dicembre 1905, fece scalpore. Anche se i critici fecero a pezzi l’opera, il pubblico fu entusiasta dello “shocker” di Strauss e Salomé iniziò la sua marcia trionfale intorno al mondo. Nell’opera di corte di Vienna, l’opera fu bandita dai censori dopo la prima rappresentazione. Gustav Mahler voleva allora dimettersi, ma Strauss lo placò dicendogli che c’era ancora bisogno di lui a Vienna.
SALOME SCENA I
Nel palazzo di Erode
Trama:Erode, il Tetrach ebreo vive con Erodiade, l’ex moglie di suo fratello, che aveva ucciso. Festeggia il suo compleanno nel palazzo. Narraboth, un capitano della guardia di palazzo osserva i festeggiamenti. È particolarmente preso da Salomè, la figlia di Erodiade dal suo primo matrimonio. Un paggio lo avverte di non guardare Salomè così avidamente, perché potrebbero accadere cose terribili.
Già le prime battute sono insolite, una breve, scintillante corsa del clarinetto introduce il tema di Salomè:
Percepiamo l’atmosfera afosa e sensuale del palazzo di Erode. Strauss riferì in seguito che quando lesse per la prima volta questo verso, la musica era già nella sua mente, e scrisse “Do diesis minore” a margine del manoscritto.
Wie schön ist die Prinzessin Salome – Bieber/Rohrholm
Trama: Dalle segrete risuona la voce di Jochanaan, un profeta che Erode aveva imprigionato e tiene sotto la più stretta sorveglianza. Jochanaan profetizza che un più forte verrà e metterà fine alla vita viziosa.
Nach mir wird einer kommen – Terfel / Sinopoli
SALOME SCENA II
Trama: Salome lascia i festeggiamenti. È disgustata dalle avances del patrigno. Narraboth cerca invano di coinvolgere Salome in una conversazione
Ich will nicht bleiben – Welitsch / Reiner
Trama: Improvvisamente si sente la voce di Jochanaan. Salomè è affascinata e non obbedisce alla richiesta di Erode di tornare al banchetto. Chiede di vedere lo straniero. I soldati negano il suo desiderio, poiché Erode ha proibito di aprire i suoi sotterranei. Ma con la sua abilità seduttiva riesce a far sì che Narraboth le porti il profeta.
Sentiamo i motivi di Jochanaan nella musica di transizione al 2° quadro, prima il motivo fiero di Jochanaan:
Poi suona il motivo della profezia:
Preludio 3. Scena – Sinopoli
SALOME SCENA III
Jochanaan appare
Trama: Jochanaan appare. Salomé è subito affascinata dalla sua vista, dalla sua pelle chiara e dai suoi lunghi capelli neri. Ma Jochanaan non la degna di uno sguardo e rimprovera la vita di peccato di Herodia.
L’orchestra apre il terzo quadro con l’orgoglioso leitmotiv di Jochanaan. È l’unica persona la cui musica è composta armonicamente. Strauss l’ha composta con reminiscenze di musica da chiesa, cantata con una voce calda e ferma. Gli archi vibranti si uniscono al culmine dell’accusa di Jochanaan, sottolineando il dramma del successivo dialogo tra Jochanaan e Salome.
Ascoltate il baritono gallese Bryn Terfel. Ha fatto il suo sensazionale successo internazionale in questo ruolo nel 1996. La sua voce è opulenta e splendida ed è idealmente adatta a questo ruolo.
Wer ist dieses Weib, das mich ansieht – Studer/Terfel
Il desiderio si risveglia in Salomè
Trama: Salome, frenetica di desiderio, vuole toccarlo, ma Jochanaan la respinge.
Sentiamo il motivo dell’ossessione di Salomè nell’orchestra all’inizio
Ascoltate questo brano cantato da Montserrat Caballé da una registrazione del 1968. Lei è all’apice della sua qualità vocale e impressiona con passaggi meravigliosamente alluvionali nel registro alto. La sua Salomè fu molto lodata dal famoso critico John Steane.
Jochanaan! Ich bin verliebt in deinen Leib – Caballé/Milnes
Vuole baciare la bocca di Jochanaan
Trama: Salome va oltre e vuole baciare la sua bocca. Narraboth la mette in guardia. Ormai in uno stato di trance, Salome non si accorge nemmeno del capitano. Disgustato, Jochanaan si rifiuta di baciare Salome.
Questo passaggio porta ad uno dei momenti culminanti dell’opera. Il rifiuto di Jochanaan (“Mai, figlia di Babilonia, figlia di Sodoma”) irrita Salome al massimo e lei canta il motivo del bacio (“ich will Deinen Mund küssen Jochanaan”) quattro volte, che Strauss musicalmente aumenta fino alla frenesia.
Ascoltate questa scena accattivante in una registrazione con Cheryl Studer. La cantante americana aveva una gamma enorme nel suo repertorio, incarnando 80 ruoli diversi nella sua carriera teatrale. Quando ha registrato Salomé negli anni ’90, è stata acclamata come la migliore Salomé da molto tempo.
Niemals, Tochter Babylons, Tochter Sodoms (1) – Studer
Sentiamo l’ultima scena in una seconda versione cantata da Birgit Nilsson. La registrazione di Solti è diventata un classico non solo per il suo squisito cast, ma anche per la sua innovativa tecnica di registrazione.
Niemals, Tochter Babylons, Tochter Sodoms (2) – Nilsson
L’imprecazione di Salomè
Trama: Inosservato dai due, Narraboth si uccide. Salome non ha occhi per lui. Con un tono seducente cerca di abbindolare Jochanaan. Senza successo, ma non abbandona il suo desiderio.
Lass mich deinen Mund küssen, Jochanaan!
Trama: Finalmente, il profeta maledice Salomè e viene riportato nelle segrete.
Strauss segna la maledizione di Salomè con una grande esplosione orchestrale, e il film finisce con un interludio orchestrale immensamente colorato e drammatico. Pahlen (“Opernlexikon”): “La maestria tecnica del drammaturgo musicale Strauss rasenta l’insondabile. Come suona questa orchestra! Diversa in ogni momento e sempre esattamente come l’umore richiede”.
Du bist verflucht – Sinopoli
SALOME SCENA IV
Oscar Wilde ha impacchettato la sua opera teatrale in un solo atto. Strauss prese questa idea e la divise formalmente in quattro quadri. Attraverso la musica di transizione, costringe l’opera ad essere eseguita senza un intervallo, massimizzando così l’effetto sull’ascoltatore in modo wagneriano.
Trama: La compagnia continua la festa sulla terrazza. Erode nota il corpo di Narraboth e un empio presentimento si insinua in lui. Erode continua le sue avances a Salomè, quando la voce di Jochanaan risuona di nuovo. Erodiade propone di consegnarlo ai Giudei. Compaiono cinque giudei e chiedono che sia consegnato nelle loro mani. Erode, sapendo che questo significherebbe la morte di Jochanaan e porterebbe a dei disordini, rifiuta.
“Il grado di dissonanza, di volume orchestrale, di pura cacofonia musicale come in Salomè non si era mai visto prima. I personaggi ripugnanti, come Erode, fremono e ansimano, stridono e mettono a nudo i loro denti; la sua assillante moglie Erodiade è ancora meno adatta al lirismo, se mai lo è. (Abbate/Parker). La performance dei Cinque Ebrei esemplifica questo nuovo aspetto della musica classica.
Wahrhaftig Herr, es wäre besser ihn in unsere Hände zu geben – Sinopoli et al.
Trama: Jochanaan annuncia l’arrivo del Salvatore. Due nazareni raccontano i miracoli del Messia, che trasforma l’acqua in vino e guarisce i lebbrosi semplicemente toccandoli.
Come espediente stilistico di contrasto, Strauss ha composto la musica dei cristiani nella scena immediatamente successiva in modo armonico e chiaramente strutturato.
Siehe, der Tag ist nahe
La danza dei sette veli
Trama: Herod vuole che Salome danzi per lui e si offre di esaudire il suo desiderio gratuito in cambio. Salomè accetta ed esegue la Danza dei Sette Veli.
Salomè è uno dei ruoli più impegnativi per il soprano. Richiede volume, resistenza, potenza e una voce assolutamente drammatica. Dopo una lunga e impegnativa danza, la cantante deve padroneggiare la tremenda sezione finale che Strauss ha scritto per lei. In ogni produzione, questo porta alla domanda se il ruolo può essere separato in una parte di danza e una parte vocale. Alla prima, Marie Wittich si rifiutò di eseguire lei stessa la danza erotica.
Questa tradizione si è poi mantenuta. Una delle poche eccezioni fu il noto soprano americano Maria Ewing. Ha cantato e danzato il ruolo e lo ha fatto con coerenza. Un velo dopo l’altro cade a terra fino a quando si presenta completamente nuda.
Tanz der sieben Schleier – Ewing
Guarda una seconda versione della danza del soprano svedese Malin Byström.
Tanz der sieben Schleier – Byström
Il desiderio mostruoso di Salomè
Trama: Dopo la danza, la donna esige che Erode le consegni la testa di Jochanaan su un piatto d’argento. Erode cerca disperatamente di dissuaderla dal suo desiderio, ma Salomè insiste sull’accordo. Al comando di Erode, le guardie se ne vanno e appaiono poco dopo con la testa e il piatto.
La scena finale può essere descritta solo con una parola: “estasi”. Forse Strauss ha scritto la più grande estasi della storia dell’opera con la canzone finale di Salomè e l’accompagnamento orchestrale. Finisce con la famosa dissonanza sullo sforzato (sfz), quasi alla fine dell’opera e la successiva risoluzione in do diesis maggiore:
Sentiamo questa scena finale in tre versioni diverse:
Prima con la versione del 1949 di Ljuba Welitsch. “Fritz Reiner, cresciuto a Dresda con la musica di Richard Strauss, è sul podio nel 1949 per un paio di spettacoli di ‘Salomè’ che sono ancora più richiesti sul mercato nero di New York di qualsiasi spettacolo di Broadway, e per i quali i biglietti scambiati sottobanco infrangono l’allora barriera del suono di 100 dollari a botta. La ragione è rossa di capelli, formosa e piena di appassionato temperamento bulgaro: Lyuba Welitsch ha fatto una tournée trionfale in Europa come la scatenata Salomè con una voce da ragazzina mortalmente dolce, la sua fama l’ha già preceduta, e il debutto al Metropolitan Opera sarà poi l’apice della sua carriera. Prima che la sua voce vada rapidamente in crisi, grazie alla sua tecnica vocale totalizzante, porta anche i critici più severi a ovazioni senza fiato”.
Nelle parole di Jürgen Kesting (“Grosse Stimmen”), “la canzone finale della Welitsch è, come una vibrazione dei sensi, un assalto ai nervi dell’ascoltatore. Welitsch non canta, si trasforma nel personaggio. Il suono della sua voce è allo stesso tempo puro e caldo, chiaro e squisitamente colorato. ‘Ich hab Deinen Mund geküsst’ è un orgasmo coinvolgente”.
Schlussszene – Welitsch/Reiner
Una seconda interpretazione con Maria Cebotari ancora un’altra Salomè con una voce brillante di alta intensità che si avvicina di più all’eccezionale Welitsch nel brano finale. Ascoltate soprattutto il passaggio da 11.00-12.50 dove la Cebotari canta se stessa in estasi.
Schlussszene – Cebotari
Una terza versione ancora con Ljuba Welitsch del 1944. Ha avuto il privilegio di provare il ruolo di Salomè con Richard Strauss nel 1944. Lo commentò in un’intervista nella rivista “Opernwelt”: “Richard Strauss è stato formidabile, ha esaminato ogni battuta, ogni frase con Matacic e me. Per esempio, questo ‘ich habe deinen Mmmmmuuuunnnd geküsst’ questo desiderio, diceva, deve uscire in te, era fantastico”.
“Nella registrazione del 1944, per la fase culminante, sull’ultima sillaba di “Jochanaan”, sceglie il re diesis alto alternato invece del sol diesis – e così facendo, la voce esilmente sensuale non solo brilla come un diamante, ma brucia. Ciò che Welitsch ha lasciato dietro di sé non è solo l’inquietante migliore resa o rappresentazione di questa scena, ma l’unica in assoluto”. (Kesting, “Grandi Voci”)
Ich hab Deinen Mund geküsst – Welitsch / Matacic
Trama: Dopo aver baciato la bocca di Salomè, Erode comanda: “Tu uccidi la donna!”
Raccomandazione di registrazione
DG con Cheryl Studer, Bryn Terfel, Horst Hiestermann e Leonie Rysanek sotto la direzione di Giuseppe Sinopoli e l’Orchestra dell’Opera di Berlino.
Peter Lutz, Opera inside, la guida online all’opera SALOME di Richard Strauss.
La guida dell’opera online dell’aria di Gounod SALUT DEMEURE CHASTE ET PURE
Leggi fatti interessanti e ascolta fantastici video di YouTube sulla famosa aria “SALUT DEMEURE CHASTE ET PURE”.
La guida all’opera online di TURANDOT
Nella sua ultima opera Puccini si mostra all’apice della sua arte compositiva. La potenza melodica dell’ultrasessantenne non era diminuita. Al contrario, egli attinge a piene mani, dall’aria intima di Liù alla splendida aria di Calaf, alle scene di massa e agli elementi parodici, tutti magistralmente risolti.
