Con “Rheingold”, Wagner rappresenta i mondi delle renane e degli dei, gli inferi dei Nibelunghi e il castello di Valhalla con mezzi musicali magistrali. Dopo un blocco del compositore di quasi sei anni, la creatività del quarantenne è esplosa e ha composto questo mondo colorato in sei mesi. È inconcepibile che il “Rheingold”, quando fu ascoltato per la prima volta 23 anni dopo nel contesto di una rappresentazione del Ring a Bayreuth, convince ancora come un’opera visionaria.
I Meistersinger sono forse il più grande colpo di genio di Wagner. I temi musicali sono abbaglianti, l’orchestrazione e la tecnica compositiva sono magistrali, la trama è progettata in modo originale, e con Hans Sachs, Wagner ha creato un ritratto di ruolo unico.
L’ambizione di Wagner era di comporre la più grande musica d’amore che fosse mai stata ascoltata. Per fare questo, doveva inventare un nuovo linguaggio musicale per “Tristano e Isotta”. Fu all’altezza di questa pretesa e compose un’opera che, con il suo cromatismo sensuale ed emozionante, avrebbe esercitato un’enorme influenza sul mondo della musica classica per i successivi quasi 100 anni.
Per molto tempo, Lohengrin fu l’opera più frequentemente eseguita da Richard Wagner. Il re Ludwig II lo vide a Monaco nel 1857 e lasciò il teatro in lacrime. Questa esperienza dovrebbe cambiare non solo la sua, ma anche la vita di Wagner.
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Tannhäuser è probabilmente l’eroe più umano tra tutte le figure create da Wagner, che non può sfuggire alla lussuria carnale (Venere), sebbene si sforzi di raggiungere la spiritualità (Elisabetta). Wagner stesso ha descritto che la sua “inclinazione all’irruenza sensuale” è in conflitto con la “serietà del sentimento artistico”.
Quest’opera di Giuseppe Verdi è considerata un lavoro congeniale sul contributo di Shakespeare alla letteratura mondiale. Per molti tenori, il ruolo di Otello è il coronamento della loro carriera.
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Con “Aida” Verdi ha creato uno dei momenti salienti della storia dell’opera e offre all’amante della musica tutto ciò che l’opera può fare. La popolarità dell’opera è ininterrotta: Scene di massa come la Marcia trionfale entusiasmano il grande pubblico, scene intime come l’addio di Aida e Radames toccano l’amante e il fan dell’opera.
Aida, la figlia del re etiope Amonasro è schiava alla corte egiziana. I guerrieri etiopi attaccano l’Egitto per liberare Aida. Radames sogna di tornare dal suo amore segreto Aida avvolta nell’alloro dalla lotta contro gli Etiopi.
Verdi offre notevoli difficoltà al ruolo di Radames. Il ruolo è “lirico spinto”, cioè un tenore eroico giovanile. Radames deve essere in grado di cantare sia le grandi arie eroiche che i passaggi pianistici lirici. Proprio all’inizio, il povero Radames deve cantare la grande aria “Celeste Aida”, senza riscaldamento. Alcuni tenori considerano Celeste Aida come l’aria per tenore più difficile di Verdi.
La voce tenorile deve essere in grado di sopportare suoni acuti di tromba e tenere il passo con il calore dei fiati. Deve anche essere sicuro nelle note alte. L’aria, altra difficoltà, inizia senza l’accompagnamento dell’orchestra. L’aria alterna più volte i poli della battaglia (“un esercito di prodi, da me guidato”) e dell’amore (“Celeste Aida”). I passaggi amorosi devono essere cantati con molto legato e talvolta in bellissimo pianissimo.
Ascoltate Jussi Björling un eccellente interprete di questo ruolo. Ascoltiamo lo svedese, descritto da molti come il miglior tenore verdiano del XX secolo.
Se quel guerriero io fossi…Celeste Aida (1) – Björling
O Patria mia è un’aria malinconica cantata nell’atmosfera di una notte di luna piena sul Nilo. L’inizio è in uno stato d’animo cupo, perché Aida teme di non vedere più la sua patria. Si risveglia lentamente da questo stato d’animo fino a “l’ultimo addio”. Una cantilena nostalgica di oboe introduce il tema della patria. Vengono evocate immagini della patria. La disperazione si manifesta nella ripetizione del “mai più”. In “che un di promesso” la voce diventa più intensa e il successivo o patria è accompagnato da un intenso suono d’orchestra. Alla fine, “non ti vedro” riprende di nuovo l’atmosfera dell’inizio, questa volta con meravigliosi acuti e accompagnato dall’oboe. L’aria termina con un bellissimo do alto pianissimo.
Ascoltiamo Leontyne Price. Fischer descrive la sua voce come segue: “Come attrice sul palcoscenico, Leontyne Price è rimasta cliché nei gesti dei vecchi tempi dell’opera. La cosa in cui era grande era il suo fenomenale materiale vocale e il suo uso artistico. Il suono gutturale spesso descritto delle cantanti afroamericane non si trovava nella sua voce, ma possedeva quello che la lingua inglese chiama “smoky”. Cantava con due colori di voce chiaramente separati: La gamma media straordinariamente rigogliosa e la gamma profonda, che ricorda un contralto, avevano quel carattere fumoso, la gamma alta fluente suonava luminosa e chiara, e rimaneva non sforzata fino alle regioni più alte.” (Fischer, Grosse Stimmen).
O patria mia – Prezzo
Radames è stato rinchiuso tra le mura della piramide. Sente un sospiro e si accorge di Aida, che si era insinuata nella volta. Aida e Ramades vivono insieme il loro addio al mondo.
Verdi era ben consapevole del significato di questa scena, che da un lato forma la conclusione lirica dopo l’espressiva scena precedente, ma avrebbe anche potuto essere il canto del cigno artistico di Verdi, se i drammi shakespeariani Otello e Falstaff non avessero involontariamente incrociato la sua strada 20 anni dopo in modo miracoloso. Per questa grandiosa scena usa principalmente archi e arpe mute, che accompagnano teneramente la squisita melodia delle voci cantanti. La fine del duetto è attraversata dalle voci del coro dei sacerdoti e termina.
Il duo Björling/Milanov offre un finale emozionante.
O terra addio (1) – Milanov/Björling
La forza del destino è una delle tre opere spagnole (Don Carlo, Forza del destino, Il Trovatore) di Verdi, che entrano tutte nel mondo storico-eroico del grand opéra. Può essere giustamente annoverata tra le grandi opere di Verdi. I molti magnifici duetti tra Alvaro e Caro, le scene religiose di Leonora e i colorati ruoli secondari di Preziosilla, Guardiano e Fra Melitone caratterizzano quest’opera. I temi musicali di Verdi sono grandiosi e li usa per la prima volta come leitmotiv in tutta l’opera.
Su una roccia accanto a un monastero. Esausta, Leonora arriva in abiti maschili. Aveva ascoltato segretamente suo fratello nella locanda e aveva appreso con amarezza la presunta fuga di Alvaro in America. Vuole pentirsi al monastero.
Con “Madre pietosa Vergine” Verdi scrive di nuovo una grande aria religiosa per questa scena di Leonora. Leonora è in uno stato di massima eccitazione, che Verdi crea prima con il motivo introduttivo degli archi, che imita il pulsare eccitato del suo cuore. La sua eccitazione aumenta ulteriormente con il tremolo degli archi e il coro di sottofondo dei monaci.
Verdi ha creato un effetto particolarmente bello componendo la prima sezione in chiave minore, e facendo cambiare il primo celestiale e inneggiante “Deh non m’abandonar” nel parallelo maggiore, dando così fiducia alla supplica di Leonora.
Sentiamo questa scena di Leonora nell’interpretazione di Maria Callas. È unico come riesce a creare l’eccitazione di Leonora all’inizio con un leggero tremolo nella sua voce e poi come cambia nel “Deh non m’abandonar”. Grandioso come modella la sua voce nel duetto con il coro dei monaci.
Madre pietosa vergine – Callas
Dei rumori provengono dai soldati. Alvaro si precipita in aiuto di un ufficiale che è stato assalito dai cassieri. Si tratta di Carlo, anche lui assunto sotto falso nome. I due diventano amici, ma non conoscono le rispettive identità reali. Le truppe sono sotto attacco. Don Alvaro guida le sue truppe nella battaglia e viene ferito gravemente e portato in infermeria. Don Carlo è con lui. Gli promette l’Ordine di Calatrava per il suo coraggio. Quando Alvaro sente il nome, rabbrividisce e dà a Carlo una chiave con la richiesta di bruciare il contenuto della scatola con il suo segreto in caso di morte. Commossi, si salutano e Alvaro viene portato dal chirurgo.
Questo duo è uno dei più bei duetti di Verdi per baritono e tenore. È la scena quasi tenera di due uomini, che poco dopo cercheranno di uccidersi a vicenda. Anche questa parte è orchestrata in modo molto riservato, rendendo intensamente udibili le lunghe linee delle voci cantanti.
Caruso stesso ha dichiarato che questo pezzo è la sua migliore registrazione di duetti. Infatti, questa interpretazione dei due napoletani ha ricevuto uno status di riferimento. Entrambe le voci armonizzano al massimo grado ed emanano una morbidezza vellutata nel più bel legato.
Solenne in quest’ora giurarmi dovete (2) – Caruso / Scotti
Pace, pace è la preghiera di Leonora, la sua richiesta di pace, che non otterrà sulla terra e desidera la sua morte (“Oh Dio, fammi morire”). Quasi nessun’altra aria fa sentire la disperazione di una donna in modo così diretto, e offre alla cantante molte opportunità di catturare l’ascoltatore.
Inizia con un grido dirompente “Pace” (“Pace”), con un suono gonfio, deve suonare pieno di calore e disperazione e catturare immediatamente l’ascoltatore.
La sua voce è accompagnata da strumenti a fiato sospirati e dall’arpa. Oltre alle parti pianistiche della prima parte, l’angelico (scritto in pianissimo!) si bemolle alto nella parte centrale e la drammatica “maledizione” alla fine costituiscono i grandi punti salienti di quest’aria.
Nel ruolo di Leonora e nel “pace, pace” Renata Tebaldi era forse impareggiabile. Il suo pianoforte angelico trasforma quest’aria in un monumento ed è una delle più belle registrazioni di questa grande cantante.
Pace, pace mio Dio – Tebaldi
Don Carlos è un’opera per grandi voci. Ognuno dei sei personaggi principali riceve una base e uno sviluppo drammatico convincente, e ogni cantante ha grandi punti di forza musicali. Schiller ha scritto un brillante modello letterario con il suo romanzo “Don Karlos” . È un’opera sulla libertà e la dignità umana dell’epoca dell’illuminazione, che ha acceso la scintilla dell’ispirazione in Verdi. Nessun’altra opera di Verdi ha una trama di così ampia portata e la potenza di cinque atti.
Questo post mostra il termine tecnico TENORE DI GRAZIA spiegato in poche frasi con link ad esempi pratici.
(Italiano, letteralmente: “Il tenore di grazia è un termine operistico italiano che indica un tipo di tenore che si colloca tra il tenore leggiero (in tedesco: Spieltenor o tenorbuffo) e il più pesante tenore lirico. È caratterizzato soprattutto da un fraseggio elegante, dall’agilità della voce e da una colorazione vocale per lo più calda (“dolce”) o molto brillante. Il genere ha avuto origine nel grande periodo dello stile romantico del bel canto tra il 1810-1850 circa, in cui a questo tipo di tenore venivano spesso assegnati i ruoli di amanti o eroi giovanili (Fonte: Wikipedia)
Tito Schipa è nato a Lecce nel 1888. Non si sa molto della sua famiglia, si dice che sia stato il vescovo di Lecce a scoprirlo. Debutta nel 1910 con La traviata e la sua prima apparizione alla Scala è nel 1915. Nel 1917 cantò nella prima de “La rondine” di Giacomo Puccini.
La sua voce non era quella radiosa di un Caruso, ma era piuttosto piccola e torbida e può essere descritta più con la parola tristezza. Apparteneva al gruppo delle “Tenore di Grazia”, la cui tecnica non si concentrava sulla laringe (massimo volume) ma sul respiro, producendo così meno flusso d’aria ma più capacità di trasporto, che nei grandi teatri d’opera come il Teatro di Colon porta a una chiarezza e presenza sorprendenti anche nelle file più lontane. Con questa grande tecnica e una musicalità sorprendente (ad esempio, nel 1935 compose un’operetta che diresse lui stesso), Schipa è riuscito a convincere con una ricchezza di sfumature. La voce di Schipa è particolarmente bella nelle opere di Massenet (Werther e Manon)
Allor, sta proprio qua?..O natura di grazia piena, (Werther)
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“Il piccol legno” è una canzone di pescatori dal “Guillaume Tell” di Rossini nel vecchio stile, con passaggi alti e difficili che portano la voce al Do una volta e al Si una volta.
Alfredo Kraus, insieme a Nicolai Gedda, fu il miglior tenore di grazia del dopoguerra. Rossini scrisse il ruolo altamente scritto di Arnold per questo tipo di voce dell'”Heldentenor lirico”. Kesting (“i grandi cantanti”) parla molto bene de “il piccol legno ascendi” di Kraus: “La sua voce si trasforma magicamente in una tromba d’argento, producendo note alte per le quali qualsiasi altro tenore dei suoi santi accenderebbe delle candele”.
Il piccol legno ascendi (Accours dans ma nacelle) Kraus
Peter Lutz, Opera-Inside, la guida online dell’opera.
