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O guia de ópera em linha da ópera Arias
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VENEZA: Um guia para fãs de música
Visitar destinos de música clássica e arte de ópera com uma referência histórica. Aprender ideias emocionantes e informação de base.
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GOOGLE MAPS - VISÃO GERAL DOS DESTINOS
Aqui pode encontrar a localização de todos os destinos descritos no Google Maps.
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VIDA E OBRA DE ARTISTAS EM VENEZA
Muitos compositores famosos como Rossini, Donizetti, Verdi ou Stravinsky compuseram para a casa de ópera la Fenice.
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SALAS DE CONCERTOS E CASAS DE ÓPERA
O Fenice é o teatro mais famoso e importante de Veneza. Leia informação interessante sobre a história dramática deste teatro.
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IGREJAS
A Basílica de St. Marks é também famosa pela sua música. Não perca a Assunta que inspirou Wagner e Santa Maria della Salute que foi inaugurada por Monteverdi.
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PALAZZI
Saiba onde morreu Wagner.
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CEMITÉRIOS E TUMBAS DE MÚSICOS FAMOSOS
Dois músicos famosos são enterrados em Veneza
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RESTAURANTES
Ir ao lugar favorito de Richard Wagner para beber uma chávena de café.
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OBRAS COM UMA RELAÇÃO COM VENEZA
Ouvir três peças de Monteverdi e Rossini
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GOOGLE MAPS – VISÃO GERAL DOS DESTINOS
Zoom in para destinos de viagem:
VIDA E OBRA DE ARTISTAS EM VENEZA
Claudio Monteverdi
Em 1613, o jovem de 46 anos Monteverdi viu-se em circunstâncias económicas difíceis. O seu trabalho mal pago como maestro na corte de Mântua estava em risco porque o novo duque não era um amante das artes como o seu predecessor acabado de ser morto. Por isso, foi útil para Monteverdi que o cargo de director musical da Catedral de St. Mark ficou vago. Nesta importante posição, ele encontrou o reconhecimento artístico e económico que procurava.
Quando a peste se abateu em 1632, ele perdeu o seu filho e ficou doente. Após a sua recuperação, sob o impacto da epidemia da peste, ele próprio tinha ordenado um padre.
L’incoronazione di Poppea a work for the carnival and the first civic opera
Já com mais de 70 anos, reinventou-se uma vez mais quando a ópera de Veneza se abriu a temas seculares e precisou de óperas para a época carnavalesca. A ópera era independente de um teatro de tribunal e era assistida por um público de classe média que procurava entretenimento durante a época carnavalesca. Abandonou o habitual material mitológico e escreveu a sátira mordaz “L’incoronazione di Poppea”. Uma das criações de maior sucesso foi a Amme Arnaulta, cantada por um castrato, fazendo Monteverdi, apropriadamente para a época carnavalesca de Veneza em 1643, aos 76 anos de idade, o inventor da drag queen (mais sobre isto na digressão na secção de música deste guia). O teatro da primeira actuação, San Giovanni e Paolo, já não existe. Pouco depois da primeira apresentação da “Incoronazione” Monteverdi morreu em Veneza.
Gioachino Rossini
Veneza foi a porta de entrada para a carreira da Rossini. Chegou a Veneza aos 18 anos, escreveu várias óperas cómicas de um acto para o teatro de menor dimensão.
Com as obras encomendadas para o Teatro Veneziano San Moisè, Rossini desenvolveu-se a um ritmo de tirar o fôlego, tornando-se um compositor de ópera líder. Neste célebre teatro, para o qual Vivaldi já tinha escrito, escreveu várias óperas de um acto num curto espaço de tempo. Mesmo a primeira obra encomendada (“La cambiale di matrimonio”), que um amigo da família tinha arranjado para o jovem de 18 anos, foi um sucesso. A abertura da ópera de um acto “Il signor Bruschino” alcançou fama anedótica, na qual os segundos violinos têm de tocar os seus arcos ritmicamente nas suas bancadas musicais várias vezes, produzindo um efeito encantador. No entanto, os cavalheiros de luxo das bancadas musicais ficaram demasiado envergonhados com este efeito do schnoz de 18 anos e recusaram-se a executar os sons de sapateado, causando um tumulto considerável.
Aos 21 anos de idade recebeu uma comissão do grande Fenice e fez a sua descoberta com “Tancredi”, deixando a cidade lagunar para Nápoles.
Não restam muitos vestígios de Rossini em Veneza, o Teatro San Moisè é demolido, o Teatro San Benedetto (o teatro de estreia do “Italiana em Algeri“) é um cinema há muito tempo (Multisala Rossini), apenas o Fenice ainda está de pé.
O jovem Rossini nos seus anos de Veneza:
Igor Stravinsky
Stravinsky, o famoso compositor de “L’oiseau du feu” e “Sacré du printemps” tinha uma relação especial com Veneza, adorava esta cidade, mas nunca lá viveu. Quando visitou a Europa pela primeira vez após a Segunda Guerra Mundial – tinha passado a guerra e os anos do pós-guerra nos EUA – Veneza foi a primeira paragem. Lá, no Teatro alla Fenice em 1951, dirigiu a sua ópera mais representada, “O progresso do ancinho”. É uma ópera estranha, como um regresso a tempos passados, com recitais e música acompanhados de harpas que, nesta era atonal, é estranhamente tonal em composição e por vezes lembra Mozart, Handel e Donizetti.
Stravinsky com Dhiaghilev:
Giuseppe Verdi
A Cidade da Lagoa teve a honra de estrear duas das maiores óperas Verdianas no Teatro la Fenice, a “Traviata” e a “Rigoletto“. Um deles tornou-se num fiasco anunciado e o outro num surpreendente triunfo. Havia apenas dois anos entre eles. Falaremos sobre o fiasco na secção musical no final.
Não restam muitos vestígios de Verdi em Veneza, tanto mais o seu trabalho é cultivado.
Wagner visitou Veneza meia dúzia de vezes. Muitas vezes permaneceu brevemente no Danieli e depois ocupou aposentos noutro lugar. Em 1858 visitou Veneza pela primeira vez e mandou trazer o seu piano de cauda de Zurique, onde compôs o segundo acto de “Tristan und Isolde” no Palazzo Giustiniani.
Mais quatro visitas levaram-no a Veneza nos 30 anos seguintes. Finalmente, conheceu a sua morte em Veneza.
SALAS DE CONCERTOS E CASAS DE ÓPERA
Teatro la Fenice I/IV
O Fenice tem um passado glamoroso. Estreias de Bellini, Donizetti, Verdi (incluindo Rigoletto, La traviata e Simon Boccanegra), Rossini e Meyerbeer testemunham a importância do teatro veneziano.
O teatro experimentou um ressurgimento glamoroso com a Bienal após a Segunda Guerra Mundial. Obras comissionadas levadas a estreias por Stravinsky, Berio, Prokoffiev e Britten fizeram do Fenice um importante centro artístico.
Teatro la Fenice:
Teatro la Fenice II/IV
O teatro foi destruído em 1997 por um incêndio provocado intencionalmente por operários. Na verdade, o incêndio deveria ter sido localizado, mas como os canais foram drenados para renovação, os bombeiros não puderam chegar suficientemente depressa. Foi reconstruído de acordo com o original e cerimoniosamente reaberto em 2004 com o Traviata.
Teatro la Fenice III/IV
A fachada é o único elemento que sobreviveu aos dois grandes incêndios de 1836 e 1997. O pássaro do fogo, Phoenix, que fez o teatro ressuscitar das cinzas após a destruição causada pelo fogo em 1837, é imortalizado na insígnia do teatro e deu o seu nome ao teatro. A realização foi gigantesca, o teatro foi reaberto apenas um ano após o incêndio do dia 13 de Dezembro!
Teatro la Fenice IV/IV
A ópera é magnificamente decorada, particularmente interessante é o desenho do tecto, que é direito, mas através do trabalho do pintor cria a impressão de um espaço abobadado.
O fosso da orquestra é retráctil, permitindo mais algumas filas de assentos para concertos.
Musica al palazzo
Esta instituição oferece ópera num pequeno cenário. Numa sala de estar ou salão uma ópera é apresentada como uma peça de câmara, os intérpretes são cantores e uma “orquestra” de 3 pessoas. Isto funciona de forma excelente e inspira os 20 – 30 visitantes que podem estar sentados no salão. As óperas Verdi têm um lugar importante no programa.
IGREJAS
Basílica San Marco
Na sua função como Kapellmeister, Monteverdi teve um cuidado especial com os coros. A excelente acústica da Catedral de St. Mark’s permitiu que os coros fossem colocados na sala. Ouça o belo hino “Ave maris stella” das Vésperas Marianas da brilhante gravação de Gardiner da Catedral de São Marcos, em 1990.
Se tiver a oportunidade de ouvir música na Basílica de St. Mark, aproveite-a.
Santa Maria Della Salute
Em 1630 Veneza perdeu 50.000 habitantes devido à peste, que era um terço dos seus habitantes. O Doge prometeu dotar uma igreja para a cessação da peste. Esta tornou-se a magnífica Santa Maria della Salute, em frente ao Palácio dos Doges. Monteverdi escreveu uma missa de acção de graças por ela e realizou-a na abertura da igreja.
Santa Maria Gloriosa dei Frari
O túmulo de Monteverdi encontra-se na igreja de Santa Maria Gloriosa dei Frari.
A visita de Wagner em Veneza, em 1861, foi apenas breve. Ele está desapontado por descobrir que Mathilde von Wesendonck estava grávida do seu marido e que o caso de amor chegou ao fim. O seu desânimo foi desfeito após uma visita à “Assunta” de Ticiano (a representação monumental da Assunção) na Accademia e ele decidiu compor a sua grande ópera de renúncia “Die Meistersinger von Nürnberg”. Entretanto, a Assunta já não se encontra na Accademia, mas sim de volta à Basílica dei frari, para a qual foi criada em 1517 e onde pode ser vista (em restauração).
https://www.basilicadeifrari.it/opere/assunta/
Assunta por Titian:
PALÁCIOS
Palazzo Vendrmin
No Inverno de 1882/83, a família Wagner passou vários meses na cidade lagunar. Wagner estava de má saúde e morreu no palazzo a 13 de Fevereiro de 1883. Entretanto, o palazzo pertence à cidade de Veneza, onde gere um casino. Há um pequeno Museo-Wagner na ala lateral. No jardim há uma placa comemorativa feita por Gabriele d’Annunzio.
https://www.casinovenezia.it/it/museo-wagner
Palazzo Vendramin:
Canaletto’s Painting of the Palazzo Vendramin:
Museu Richard Wagner no Palazzo Vendramin:
CEMITÉRIOS E TUMBAS DE MÚSICOS FAMOSOS
Claudio Monteverdi
Santa Maria Gloriosa dei Frari
O túmulo de Monteverdi encontra-se na igreja de Santa Maria Gloriosa dei Frari.
Túmulo de Monteverdi:
Igor Stravinsky
San Michele Cemetery
A seu próprio pedido, foi colocado para descansar ao lado da sua esposa neste cemitério da ilha em 1971, para que os amantes da música de todo o mundo pudessem visitar a sepultura.
Coincidentemente (ou talvez não?), a poucos metros do túmulo de Stravinsky está o de Sergei Diaghilev, o famoso empresário dos Ballets russes, que morreu no exílio veneziano em 1929. No início da sua carreira, Stravinsky foi encarregado por Diaghilev de compor as suas obras mais famosas, o ballet The Firebird (1910), Petrushka (1911), Le sacré du printemps (1913) e Pulcinella (1920).
Stravinsky e Diaghilev:
Túmulo de Strawinki:
RESTAURANTES
Caffè Lavena
Richard Wagner esteve frequentemente em Veneza nos seus últimos anos e sempre frequentou o Caffè Lavena na procuratie vecchie, as arcadas do norte da Praça de São Marcos. Tornou-se amigo do Signore Lavena e vinha sempre à mesma hora acompanhado do seu gondoleiro privado e por vezes com os seus filhos, a quem comprou lá um gelado.
Caffè Lavena na Praça de St. Mark’s:
OBRAS CON RELACIÓN A VENEZA
Londres: Um guia de viagem para os fãs de música
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Paris: Um guia de viagem para os fãs de música
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Milão: Um guia de viagem para fãs de música
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GOOGLE MAPS - VISÃO GERAL DOS DESTINOS
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VIDA E TRABALHO DE ARTISTAS EM MILÃO
Leia sobre os destinos de artistas famosos na capital da ópera em Itália.
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SALAS DE CONCERTOS E CASAS DE ÓPERA
Leia sobre a ilustre história de Scala.
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IGREJAS
Até Mozart estava lá
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MUSEU
O Museu de La Scala: um must para os fãs de ópera.
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CASAS E APARTAMENTOS DE ARTISTAS
Onde Callas e Mozart viviam
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CEMITÉRIOS E TUMBAS DE MÚSICOS FAMOSOS
O Cimitero Monumentale: O Cemitério Monumental de Milão. Mas o maior de todos eles não descansa ali
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HOTÉIS, RESTAURANTES E ESPECIALIDADES
Onde ficar nas pegadas de Verdi, visitar o lugar preferido de Callas e conhecer uma especialidade milanesa
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OBRAS COM UMA RELAÇÃO COM MILAN
Como duas óperas famosas falharam na sua estreia em La Scala
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MAPA DE DESTINOS DE VIAGEM DO GUIA DE VIAGEM MILÃO
Zoom in para destinos em MILÃO:
VIDA E TRABALHO DE ARTISTAS EM MILÃO
Vincenzo Bellini
A colaboração com o libretista romani
Milão era a estação artística mais importante de Vincenzo Bellini. O empresário Barbaja arranjou o contacto com o principal libretista de La Scala, Felice Romani, que, com excepção de “I Puritani”, iria escrever todos os libretos subsequentes de Bellini.
Felice Romani:
Triumph e derrota
A primeira ópera “Il pirata” atingiu Milão como uma bomba e Bellini escreveu seis óperas para La Scala e o Carcano nos próximos 4 anos. Em Milão também entrou em contacto com 2 das 3 Giudittas que desempenharam um papel importante na sua vida. Por um lado, tratava do caso com a Turina casada (que foi rebentada devido a uma carta interceptada) e, por outro, a parceria artística (e provavelmente privada) com a famosa Giuditta Pasta.
Bellini moveu-se habilmente nos aristocráticos salões milaneses e rapidamente criou uma rede de relações. Contudo, isto não o protegeu da maior vergonha da sua carreira, a escandalosa estreia do seu “Norma” no La Scala (mais sobre isto no excursus no final).
Maria Callas
Battle for the Queen’s Realm of La Scala
Em 1950 Maria Callas tinha cantado no La Scala pela primeira vez e tornou-se a “prima donna assoluta” do La Scala nos anos 50.
Mas ela teve de lutar por esta posição. Quando chegou ao La Scala, Renata Tebaldi ocupou esta posição, entronizada como a “voz do anjo” na reabertura do La Scala em 1946 por Toscanini. O que se seguiu foi não só competição artística, mas também animosidade pessoal. Tebaldi cativou com a sua voz angélica, Callas com a sua expressão dramática e técnica estupenda. As claques dos dois cantores fizeram a sua parte para alimentar a rivalidade. Eventualmente Callas ganhou a vantagem e Tebaldi concentrou-se no Met, e assim ambas as cantoras conseguiram os seus reinos rainha.
No entanto, a relação de Callas com o público e a direcção nunca esteve livre de tensão; talvez a magnitude da sua importância só se tenha realizado em retrospectiva, pois muitas das maiores actuações e a maioria das grandes gravações foram feitas no La Scala. A última actuação foi em 1962, com mais de uma década de emoção no meio.
Gaetano Donizetti
Chute de carreira em Milão
Milão desempenhou um papel menor na biografia pessoal de Donizetti juntamente com Bergamo, Nápoles e Paris No entanto, a metrópole do norte de Itália foi decisiva para a carreira do Lombard. Em 1830 a sua carreira internacional começou ali com o triunfo da sua primeira obra-prima “Anna Bolena” estrelada pelo casal de sonho Giuditta Patsa e Giovanni Rubini.
Dois anos mais tarde, apresentou-se ao público de Milão com “Elisir d’amore”. Quando a ópera estreou a 12 de Maio de 1832, Donizetti viveu um dos momentos mais brilhantes da sua carreira. As ovações da audiência foram gigantescas, e as críticas nos jornais foram esmagadoras. Donizetti confirmou assim brilhantemente o sucesso que tinha alcançado com “Anna Bolena” dois anos antes. Agora estava finalmente em pé de igualdade com o seu amigo e rival Bellini, e os dois tornaram-se os principais compositores de ópera da Itália.
PARA A BIOGRAFIA COMPLETA DONIZETTI
Wolfgang Amadeus Mozart
Triumph como uma criança de 14 anos com uma ópera
Em Janeiro de 1770, o pai e o filho Mozart chegam a Milão. Depois das dificuldades de atravessar o Brenner Pass na neve e no frio, os dois esperam uma comissão lucrativa.Mozart tira lições do velho Sammartini e é autorizado a actuar em público várias vezes. A comissão chega e Mozart recebe um libreto para “Mitridate re di Ponte”.
No Outono, regressam com a ópera terminada. O próprio Mozart de 14 anos conduz as três primeiras actuações e os milaneses estão sobre a lua, garantindo actuações esgotadas durante meses. Mozart regressa mais duas vezes com óperas para Milão (“Ascanio” e “Lucio Silla”) até que o Arcebispo Colloredo, em Salzburgo, interrompe as comissões. As três actuações tiveram lugar no Pallazio Regio Ducal, que ardeu três anos após a estreia de “Lucio Silla”. Próxima paragem na digressão a Itália é Bolonha
PARA A BIOGRAFIA MOZART COMPLETO
O Mozart de 14 anos:
Giacomo Puccini
Muitos pontos de contacto com Milão
Duas estreias bem sucedidas em Milão emolduram a vida artística de Puccini. Primeiro a ópera de um acto “Le Vili” no Teatro Verme em 1884 e 40 anos mais tarde a estreia póstuma de “Turandot” no La Scala. Ambos os espectáculos foram êxitos, o primeiro o sucesso de respeito do recém-chegado e o segundo a homenagem ao monumento de Puccini, que com Turandot tinha dado à luz o seu último gigante. No entanto, no intervalo, Puccini tinha mais de uma vez discutido com Milão, mais precisamente com La Scala, ver também a digressão na estreia de “ Butterfly” no La Scala abaixo.
Para ele, Milão também se referia aos anos de estudante pobre de ratos no Conservatório de Milão, onde partilhou um quarto com Pietro Mascagni, entre outros. Recordou carinhosamente estes anos em “La Bohème”. Como compositor, Milão foi também importante para ele porque era a casa da filial da sua editora Ricordi, com quem tinha completado todos os seus projectos de ópera, excepto um (La Rondine)[/sc_fs_faq].
PARA A BIOGRAFIA PUCCINI COMPLETA
Gioachino Rossini
Trabalhos bem sucedidos entre os 18 e 25.
Os anos 1810-1820 foram os anos da galé de Rossini, durante os quais ele escreveu mais de 30 obras para uma dúzia de teatros. No entanto, na biografia de Rossini, Milão foi ofuscada por Nápoles, Bolonha e Paris No entanto, a capital lombarda viu as estreias de meia dúzia de obras de Rossini, incluindo “Gazza ladra” e “Il turco in Italia”.
A famosa parceria com Barbaja
Rossini conheceu lá Domenico Barbaja, que estava encarregado do “centro de entretenimento” em La Scala. O Scala do tempo de Rossini deve ser imaginado de forma um pouco diferente da que estamos habituados hoje em dia. Embora a música fosse importante, o aspecto social de uma visita era pelo menos tão importante quanto o de hoje. O Scala incluía também um café, uma pastelaria, uma cozinha, e salas de jogos. O engenhoso Domenico Barbaja foi responsável por esta última. Com a chegada dos franceses ao poder durante os anos napoleónicos, o jogo foi legalizado e Barbaja transformou La Scala num centro de entretenimento com música, gastronomia e jogos de azar.[/sc_fs_faq]
PARA A BIOGRAFIA COMPLETO ROSSINI
O jovem Rossini:
Giuseppe Verdi
Uma relação vitalícia com La Scala
Ao longo da sua vida, La Scala em Milão foi o ponto de referência artística mais importante de Verdi. A estreia da sua primeira ópera (Oberto) teve lugar neste teatro em 1839, e 54 anos depois também a da sua última ópera (Falstaff). Para além disso, os escritórios da sua editora Ricordi, que foi a sua editora durante toda a vida, situavam-se em Milão.
A sua carreira decolou realmente neste teatro com o sucesso sensacional de “Nabucco“, em 1843, tendo o empresário Merelli oferecido a Verdi um contrato para um trabalho de seguimento. O contrato foi completamente elaborado, com apenas uma lacuna no montante da compensação. Merelli, o empresário de La Scala, pediu ao compositor para inserir a soma de que ele próprio gostava.
Verdi em frente de La Scala:
Morte e funeral em Milão
Após a morte da sua esposa Giuseppina em 1897, Verdi passou frequentemente o tempo que lhe restava na sua suite no Albergo Milano (agora Gran Hotel), onde morreu no seu quarto em 1901. Modestamente, de acordo com a sua vontade, o seu corpo foi levado para o cemitério para ser enterrado numa carruagem de classe III. Só três semanas depois é que o seu corpo foi transferido para a cripta da Casa di riposo com a enorme participação da população milanesa, acompanhada pelo canto das estimadas 300.000 pessoas ao longo do percurso que cantaram espontaneamente “Va pensiero”. A sua suite de morte no Gran Hotel foi preservada até hoje e pode ser reservada.
LINK TO THE COMPLETE VERDI BIOGRAPHY
SALAS DE CONCERTOS E CASAS DE ÓPERA
Teatro alla Scala I
Construído em tempo recorde
O Scala foi construído em 1778 sob o domínio austríaco num tempo recorde de 2 anos, uma vez que o edifício anterior tinha ardido. Recebeu o seu nome de uma igreja com um mosteiro no local, que tinha esse nome. O auditório é feito de madeira coberta de veludo e tem, portanto, uma excelente acústica.
Nos 150 anos seguintes, La Scala tornou-se o lugar de muitas estreias importantes de compositores como Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Giuseppe Verdi e Giacomo Puccini.
Em 1943 foi gravemente danificada por bombas e abriu com um concerto glorioso conduzido por Toscanini. Um solo de soprano da ainda desconhecida Renata Tebaldi tornou-se uma sensação.
Originalmente o teatro tinha 3000 lugares, muitos dos quais nas 600 caixas. Hoje ainda existem 150 caixas e 2300 lugares. Acima das caixas estão os lugares dos Logionisti, os visitantes notórios e intransigentes, que trouxeram muitas estrelas estabelecidas para a fúria com boos.
Teatro alla Scala II: Honrar compositores e artistas
Rossini tornou-se um dos compositores mais importantes para La Scala desde cedo, o seu nome era suficiente para encher os teatros. La Scala homenageou Rossini com uma grande estátua nas suas instalações.
Estatuto de Rossini no Scala:
5 das 71 óperas de Donizetti foram estreadas em La Scala. Entre elas estava a sua “Lucrezia Borgia”. Esta peça lutou contra a censura no século XIX e foi apresentada com 6 títulos diferentes nos seus primeiros 10 anos; em 1845, em Paris, os italianos chegaram mesmo a tornar-se turcos (“La rinnegata”).
La Scala homenageou Donizetti com uma estátua no foyer do teatro.
O busto de Donizetti no Scala:
Toscanini teve um momento agitado no La Scala. Experimentou La Scala como violoncelista e ficou a conhecer Verdi. Teve uma parceria artística com Puccini. Com a ascensão do fascismo, recusou-se a tocar no La Scala o seu hino, o Giovinezza, e deixou a Itália e o La Scala. Foi ele quem, 20 anos depois, como Imaculado, teve a honra de gloriosamente abrir La Scala, que foi reaberta e renovada após a guerra.
Toscanini no Scala:
Teatro alla Scala III: Puccinis horas difíceis em La Scala
Duas óperas foram estreadas em La Scala durante a vida de Puccini, ambas falharam lá. A estreia de Butterfly tornou-se mesmo o momento mais amargo da carreira de Puccini, leia mais sobre ela na digressão abaixo. Apenas a estreia de Turandot se tornou um triunfo, mas Puccini não viveu para o ver. Muitas das obras de Puccini continuam a figurar entre as mais executadas no La Scala dos nossos dias.
Teatro alla Scala IV: Maria Callas
O famoso “punto Callas”
La Scala foi o centro artístico do cantor de ópera mais importante do século XX. O severamente míope Callas conhecia La Scala acusticamente como a palma da sua mão e tinha um ponto no palco onde a sua voz podia desenvolver o melhor efeito acústico, o chamado “punto Callas”. Onde este ponto estava localizado é contestado.
O palco:
Teatro alla Canobbiana (hoje Teatro lirico)
Site da estreia de “Elisir d’amore”
Este teatro foi o local de estreia do seu “Elisir d’amore”. Donizetti escreveu a ópera em 13 dias incríveis. A pressão do tempo resultou do facto de um compositor do Teatro alla Canobbiana de Milão (o popular segundo teatro da cidade, juntamente com La Scala) não ter conseguido completar a tempo a sua obra encomendada, pelo que o teatro precisava de uma alternativa a curto prazo. É interessante ver os autógrafos de Donizetti do “Elisir”, porque Donizetti escreveu apenas as linhas vocais, além disso, notou as linhas de baixo para indicar a progressão harmónica. A isto acrescentou observações sobre a forma de orquestrar. O copista escreveu então as partes e completou a partitura sob a supervisão de Donizetti. Hector Berlioz assistiu a uma das primeiras actuações da ópera, e não foi muito elogioso sobre o negócio do teatro naquela altura. Ele teve de se esforçar para ouvir a música acima do barulho do público. As pessoas falavam umas com as outras, jogavam por dinheiro, jantavam, e afogavam com sucesso a orquestra.
O Canobbiana foi rebaptizado de “Teatro lirico” em 1894 e tem tido uma história conturbada desde então, incluindo um incêndio em 1937. Há vários anos que está em curso uma renovação. A abertura está prevista para 2021 ou 2022.
após o incêndio devastador de 1937:
IGREJAS
Chiesa San Marco I
Site de estreia mundial de Verdi’s Requiem
Profundamente abalado pela morte de Rossini, Verdi quis persuadir vários músicos a escrever um Requiem para o santo nacional em 1868. Verdi escreveu um movimento final, mas o trabalho não se concretizou. Quinze anos mais tarde, aquando da morte do artista e inspirador do Risorgimento, Alessandro Manzoni, Verdi tomou ele próprio as rédeas e escreveu o seu famoso Requiem para uma cerimónia memorial que foi finalmente realizada na igreja de San Marco um ano após a morte de Manzoni. Verdi não assistiu à primeira representação, mas realizou outra representação desta obra maciça um ano mais tarde no mesmo local.
Campanilha da Basílica de São Marco:
Chiesa San Marco II
Visitado por Mozart
Nesta igreja Mozart tocou pela primeira vez perante uma audiência maior num dos órgãos mais antigos da Lombardia. A igreja merece definitivamente uma visita e tem, entre outras coisas, frescos muito bonitos. Foi construída em 1254 e foi visitada por Martinho Lutero, entre outros. Outra bela igreja, frequentada por Mozart, é a Chiesa di Sant’Antonio Abate.
Frescoes em San Marco:
Segunda-feira e quinta-feira são dias de mercado na praça
Catedral de Milão (Il Duomo)
A Duomo de Milão é gigantesca e a terceira maior igreja do mundo. O terraço da catedral pode ser percorrido a pé e oferece uma excelente vista sobre Milão.
Toscanini adeus a Puccini
Em 1924, Arturo Toscanini realizou as cerimónias fúnebres do falecido Puccini na Catedral de Milão. Toscanini suportou um pesado fardo, durante 23 anos antes ele tinha conduzido as cerimónias fúnebres para Verdi, e agora era a vez do seu amigo e companheiro Puccini. O discurso foi proferido por ninguém menos que Benito Mussolini, que tentou explorar politicamente a morte do agora santo nacional.
MUSEU
Museo teatrale alla scala I
O museu da ópera
No interessante museu de teatro ao lado de La Scala pode encontrar muitas exposições, tais como fatos, pinturas, etc. Durante a visita, pode também entrar em caixas e dar uma vista de olhos no interior do salão de teatro. Na sala de exposições 4 pode encontrar um retrato conhecido de Verdi de Scalese e o autógrafo do famoso coro “Va pensiero” de “Nabucco”.
Verdi pintado por Scalese:
Museo teatrale alla scala II
O museu da ópera
Neste museu está o famoso retrato de Bellini de Carlo Arienti, pintado em Milão em 1831.
Pintura de Bellini:
Museo instrumenti musicali em Castello Sforzesco
Os amantes de instrumentos clássicos mais antigos encontrarão um paraíso com mais de 700 instrumentos musicais expostos entre os séculos XVI e XX, incluindo instrumentos depenados, violinos de Cremona, flautas e até um spinet sobre o qual se diz que Mozart tocou.
Museo degli instrumente musicali:
CASAS E APARTAMENTOS DE ARTISTAS
Apartamento em Milão de Maria Callas
A partir de 1952, Maria Callas e o seu marido Meneghini viveram no apartamento do andar superior da cidade no 38 Via Buonarotti quando ela estava em Milão (proprietários de uma casa em Sirmione) No final da década de 50, Aristóteles Onassis também foi visto lá. Hoje em dia, uma placa ainda comemora o famoso habitante da casa.
Callas in the appartement at Via Buonarotti:
Residência Mozart em Milão
Neste palazzo Mozart foi hóspede frequente de uma família de fabricantes de seda. Teve também a honra de inaugurar o salão de música. No entanto, este espectacular palácio só pode ser visitado numa base limitada, exclusivamente com visitas guiadas. Do exterior o palácio parece pouco visível, do interior é espectacular com um grande salão e frescos da Tiepolo. Actualmente, é a sede do ISPI com escritórios.
Organize excursões com bastante antecedência, antes do início da sua viagem.
Palazzo Clerici:
CEMITÉRIOS E TUMBAS DE MÚSICOS FAMOSOS
Casa Verdi: Giuseppe Verdi
Tumba na Casa di riposo
Nos últimos anos da sua vida, Verdi iniciou um acto generoso. Comprou uma grande área na Piazza Buonarroti e mandou construir ali uma casa de repouso para velhos e empobrecidos músicos. Ele deliberadamente não queria construir um lar hospitalar, mas um lar para hóspedes que iriam viver em quartos para duas pessoas em vez de dormitórios. Desde então, mais de mil pessoas desfrutaram desta pensão de bom gosto, que, a pedido de Verdi, só foi aberta após a sua morte. Ele supervisionou o trabalho meticulosamente e falou “do seu mais belo trabalho” (‘mia piu bella opera’). O jardim com a cripta de Verdi e a sua esposa Giuseppina é acessível por marcação na recepção, mais (sala de concertos, sala turca e muitas recordações interessantes) depende dos acontecimentos do dia.
Casaverdi:
Tomb:
Cimitero monumentale: Arturo Toscanini
Toscanini morreu em Nova Iorque em 1957, com a idade de 90 anos. Foi levado para Itália, onde uma cerimónia foi realizada em La Scala.
Neste bloco de mármore Carrara podem ver-se 3 Norns a segurar os fios do destino nas suas mãos.
Finalmente, no verso, vê-se um homem nu e uma mulher nua: abraçam-se em dor. Entre eles está a inscrição em memória do pequeno Giorgio Toscanini , que morreu em Junho de 1906 com apenas 5 anos de idade, o filho mais novo de Arturo Toscanini.
Cimitero monumentale: Vladimir Horowitz
Vladimir Horowitz, o famoso pianista, era genro de Arturo Toscanini e foi enterrado com a sua mulher Wanda no cofre da família de Arturo Toscanini.
Morreu de ataque cardíaco em 1989, aos 86 anos de idade.
Cimitero monumentale: Arigo Boito
Arigo Boito era um escritor e músico. Entre outras coisas, escreveu libretti para Verdi (revisão de Simon Boccanegra, Otello, Falstaff) e escreveu a famosa ópera “Mefistofele”.
Boito com Verdi:
Cimitero monumentale: Franco Corelli
Corelli era um tenor famoso mas controverso. A sua poderosa voz ressoou nos anos 50 e 60. No link abaixo pode ouvir uma ária lenta de Corelli, na qual ele oferece mais drama do que lirismo. No entanto, não se pode escapar à força desta voz (Kesting fala de um “magnetismo machista”). Um pouco perturbador é a lisp, que era uma marca registada negativa de Corelli.
Cimitero monumentale: Amilcare Ponchielli
Ponchielli tornou-se imortal através da sua ópera “La Gioconda” (a peça mais famosa da mesma é a “Dança das Horas”). Mais tarde ensinou no Conservatório de Milão, entre os seus alunos mais famosos encontram-se Giacomo Puccini e Pietro Mascagni.
HOTELS, RESTAURANTES E ESPECIALIDADES
Gran Hotel Milan (antigo Albergo Milano)
Duas coisas historicamente significativas tiveram lugar neste hotel. Primeiro, foi a casa da morte de Giuseppe Verdi, que no final da sua vida ocupou permanentemente uma suite aqui.
Suíte Verdi
Ainda hoje esta suite pode ser reservada como a “Giuseppe Verdi Suite”, tem continuado a ser mantida tão próxima quanto possível da decoração original.
O quarto do hotel também se tornou famoso pela varanda que pertence ao quarto. Aqui Verdi recebeu ovações de multidões várias vezes. Muito glamorosamente após a estreia de Otello, quando o tenor da estreia, Francesco Tamagno, o acompanhou e este último cantou árias de Otello da varanda para o deleite da multidão.
Caruso Junior Suite
Em segundo lugar, foi o local onde Enrico Caruso fez as lendárias primeiras gravações musicais da sua voz com Fred Gaisberg. Ele gravou meia dúzia de árias, acompanhado pelo piano, e tornou-se o primeiro milionário discográfico da história.
A Suite 306, onde as gravações tiveram lugar, pode ser reservada como “Enrico Caruso – Junior Suite”.
Suíte Maria Callas
Maria Callas também esteve aqui. Antes de se mudar para o seu apartamento na Via Buonarotti, ficou muitas vezes no Gran Hotel. Lá, uma suite júnior foi concebida em sua honra.
O Savini, restaurante favorito de Maria Callas
Este restaurante era um dos locais preferidos de Callas. Um lugar onde Puccini, Verdi, Toscanini também já foi frequentado. Ela gostava de se sentar na mesa número 7, no segundo andar, uma mesa íntima onde podia relaxar depois das actuações nocturnas.
Savini:
Tavolo 7 im Savini:
Com Visconti no Savini:
A especialidade milanesa Barbajada
A Barbajada não é um lugar, mas sim um produto. De facto, o referido, mais tarde empresário de ópera Domenico Barbaja tinha começado como empregado de mesa e descobriu um produto com o qual se tornou rico e nos seus anos mais jovens construiu uma cadeia de cafetarias em Milão, dando imodestamente o seu apelido ao produto: a Barbajada nasceu. É uma bebida feita de cacau, chocolate e creme, um precursor do cappuccino. Foi popular até aos anos trinta do século passado, mas depois desapareceu das cafetarias. Em 2007, o Município de Milão incluiu-a na lista De.Co, a lista dos produtos gastronómicos típicos da cidade, e desde então pode encontrá-la cada vez mais frequentemente. A Barbajada aparece orgulhosamente nesta lista ao lado do Minestrone alla Milanese, do Panettone, do Cassoeula, do Rostin negàa, do Mondeghili, do Costoletta alla Milanese, do Michetta di Milano, do Ossobuco Milanese e, claro, do Risotto alla Milanese.
Barbajada:
Geniessen Sie das Produkt beispielsweise in den Kaffeehäusern der Mailänder Panettone Institution Vergani.
OBRAS COM UMA RELAÇÃO COM MILAN
O guia de ópera online de SALOME
Richard Strauss viu pela primeira vez a peça de teatro “Salomé” em 1902, numa produção de Max Reinhard, e três anos depois criou pela primeira vez um mundo sonoro expressionista que parecia romper com tudo o que se conhecia anteriormente. Apesar dos agora treze anos que passaram desde a primeira apresentação da peça, a peça, ambientada à música como uma ópera, deparou-se com a hostilidade aberta dos tradicionalistas. Mas a primeira actuação em Dresden tornou-se uma sensação e “Salomé” iniciou a sua marcha triunfal em todo o mundo.
VISÃO GERAL E ACESSO RÁPIDO
Conteúdo
♪ Synopsis
♪ Cena I (Banquet-Scene)
♪ Cena II (Salome / Jochanaan – Cena)
♪ Cena III (Salome / Jochanaan – Cena)
♪ Cena IV (Dança de 7 véus, Salomé Morte – Cena)
Recording Recommendation
Destacados
♪ Wie schön ist die Prinzessin Salome
♪ Wo ist er, dessen Sündenbecher jetzt voll ist
♪ Niemals, Tochter Babylons, Tochter Sodoms
♪ Ah, du wolltest mich nicht Deinen Mund küssen lassen (Cena Final)
ROLES E SYNOPSIS IN 4 MINUTES
PREMIERE
Dresden, 1905
LIBRETTO
Richard Strauss, baseado no romance homónimo de Oscar Wilde.
OS PAPELES PRINCIPAIS
Herodes, tetrarca da Judeia (tenor) - Herodias, mulher do tetrarca (mezzo-soprano) - Salomé, filha de Herodias (soprano) - Jochanaan, o profeta João Baptista (barítono) - Narraboth, capitão da guarda (tenor)
RECOMENDAÇÃO DE GRAVAÇÃO
DG, Cheryl Studer, Bryn Terfel, Horst Hiestermann e Leonie Rysanek dirigida por Giuseppe Sinopoli e a Orquestra da Ópera de Berlim
COMENTÁRIO
A história das origens
Em 1902, Richard Strauss recebeu de um amigo escritor uma cópia da tradução alemã de Hedwig Lachmann da “Salomé” de Oscar Wilde. Ele percebeu imediatamente o seu apelo como material lírico e iniciou a adaptação literária e musical. Quando viu a peça na produção de Max Reinhard em Berlim, mais tarde em 1902, e um amigo lhe perguntou se poderia não haver uma ópera para ele, ele já estava em condições de responder: “Já estou a compô-la! Strauss era um maestro ocupado e foi em Junho de 1905 que ele compôs as últimas notas.
O escandaloso original de Oscar Wilde e o libreto
O material de uma virgem de 16 anos beijando a cabeça cortada de João Baptista foi recebido em 1892 como uma perversão ultrajante, respectivamente como resultado de depravação moral, e causou um escândalo sólido. Oscar Wilde escreveu o modelo literário para esta ópera treze anos antes da estreia da ópera de Strauss. Strauss tratou ele próprio do libreto. Ele manteve-se fiel à tradução alemã, mas teve de apagar cerca de metade do texto a fim de moldar a história para se adequar à ópera.
Salome – A primeira ópera da era moderna
A música e o tema subjacente tinham tocado um acorde em 1905. A ciência e a cultura passaram por enormes progressos e mudanças nos anos do “fin de siècles”. Siegmund Freud publicou as suas interpretações de sonho em 1903, inspiradas pela investigação de Charcot. “Jean-Martin Charcot, neurologista na Salpêtrerie em Paris de 1862 a 1893, realizou manifestações públicas com doentes histéricos. Defeitos linguísticos, paralisia bizarra, e doença física. O estudo público e científico da psicose fez com que o sofrimento convencional em palco, algo como o da Lúcia de Donizetti ou mesmo da Violetta de Verdi, parecesse antiquado. Em comparação, os sofrimentos das heroínas das óperas italianas do século XIX, com o seu maravilhoso drama, oferecem meros sentimentos de livro de histórias. Por outras palavras, as fantasias cada vez mais frágeis da ópera italiana e francesa destinavam-se a fazer crer que a loucura era uma condição estética, representada por infinita e maravilhosa coloratura e mestria lírica”. (Abbate/Parker, “A História da Ópera”).
Música: Os leitmotifsSalomé de Richard Strauss – guia de ópera e sinopse
Strauss usou uma longa lista de leitmotifs em “Salomé”. Encontrará exemplos musicais de um punhado dos mais importantes leitmotifs nos comentários a secções mais abaixo. A cada pessoa importante foi atribuído um leitmotiv, mas os leitmotifs foram também associados a coisas (por exemplo, a taça de Herodes) ou sentimentos (por exemplo, Obsessão). Reflectiam também a harmonia da ópera (ver abaixo); por exemplo, o leitmotiv principal C afiado de Salomé é dissonante com o leitmotiv principal C de Jochanaan, descrevendo a incompatibilidade da constelação das duas personagens.
Música: chaves
Strauss era um harmonista brilhante e explorava a linguagem das chaves em excesso em “Salomé”. A estrutura tonal de “Salomé” é altamente complexa e vai até à politonalidade, na qual, por vezes, as personagens cantam em diferentes chaves. Basicamente, ele amarrou as chaves a personagens de actuação. Por exemplo, o menor/maior afiado C está intimamente associado à pessoa de “Salome”. A chave de Jochanaan é C maior, a chave da pureza, e muda para E menor plano quando ele é encarcerado. C major forma uma dissonância nítida com a chave de Salomé, tal como a sua religiosidade e a sua sexualidade não podem ser reconciliadas. Strauss também usa chaves a nível macro, caracterizando cada uma das quatro cenas com uma construção de chave. Por exemplo, na segunda cena ele muda a chave de Salomé para A major para formar um tritone para a chave da Jochanaan (E-flat minor) aprisionada.
Música: Tonalidade e Cromatologia
Strauss estava, evidentemente, consciente do efeito que estava a ter sobre os tradicionalistas. Com uma “caneta sorridente”, escreveu mais tarde sobre a reacção do seu pai (o antigo tocador de trompa solo da orquestra de ópera de Munique) quando o tocou a partir de Salomé: “Meu Deus, esta música nervosa! Isso é precisamente quando as panquecas de galo barulhentas rastejam nas suas calças” (Strauss, “Memórias das primeiras actuações das minhas óperas”).
Strauss diferencia o carácter de tonalidade por pessoa. Três grupos podem ser distinguidos. A música de Jochanaan e dos Nazarenos tinha uma fundação diatónica. É escrita de forma simples e lenta; é a música dos fiéis cegos. A música de Herodes e dos judeus é a música estridente e alta-dissonante que mais impressionou os progressistas. A música de Salomé forma um meio termo romântico tardio.
Música: A orquestra
A orquestra de Strauss é de tamanho romântico tardio, com mais de 100 músicos. Um grupo de metais de quinze peças, juntamente com instrumentos de orquestra que eram invulgares na altura, tais como celesta, harmónio e órgão, proporcionam cores de tonalidade características.
O papel de Salomé
O papel de Salomé é caracterizado por três requisitos. Primeiro, requer o poder vocal de uma soprano altamente dramática, que está normalmente associada a vozes maduras, o que colide com o segundo requisito, o de uma soprano de 16 anos de idade com um apelo sexual bruto. Terceiro, exige a capacidade de dançar de uma mulher sedutora. É evidente que a combinação perfeita é muito rara. Normalmente, uma dupla dança é utilizada para reduzir os problemas de casting.
A estreia e as reacções
Os ensaios dos cantores já eram presságios do tumulto que se avizinhava. A Salomé da estreia, Marie Wittich, inicialmente recusou-se a cantar o papel (“Eu sou uma mulher decente”). Strauss ficou surpreendida com a reacção da “Tia Wittich” e ameaçou mudar a estreia para Berlim.
A obra foi abertamente rejeitada tanto nos tribunais alemães como austríacos. A primeira actuação de Salomé na Ópera do Tribunal de Dresden, a 9 de Dezembro de 1905, tornou-se uma sensação. Embora os críticos tenham despedaçado a obra, o público ficou entusiasmado com o “choque” de Strauss e Salomé iniciou a sua marcha triunfal em todo o mundo. Na ópera do Tribunal de Viena, a obra foi banida pelos censores após a sua primeira actuação. Gustav Mahler quis então demitir-se, mas Strauss aplacou-o por ainda ser necessário em Viena.
SALOME SCENE I
No palácio de Herodes
Synopsis: Herodes, o tetrach judeu vive com Herodias, a ex-mulher do seu irmão, que ele tinha matado. Ele celebra o seu aniversário no palácio. Narraboth, um capitão da guarda do palácio, observa as festividades. Ele é particularmente levado com Salomé, a filha de Herodíades do seu primeiro casamento. Uma página avisa-o para não olhar tão ansiosamente para Salomé, pois podem acontecer coisas terríveis.
Já os primeiros compassos são invulgares, uma curta e cintilante corrida do clarinete introduz o tema de Salomé:
Sentimos a atmosfera quente e sensual do palácio de Herodes. Strauss relatou mais tarde que quando leu esta linha pela primeira vez, a música já estava na sua mente, e escreveu “C-sharp minor” na margem do manuscrito.
Wie schön ist die Prinzessin Salome – Bieber/Rohrholm
Synopsis: Da masmorra soa a voz de Jochanaan, um profeta que Herodes tinha aprisionado e mantém sob a mais rigorosa guarda. Jochanaan profetiza que um mais forte virá e porá um fim à vida viciosa.
Nach mir wird einer kommen – Terfel / Sinopoli
SALOME SCENE II
Synopsis: Salome deixa as festividades. Ela está enojada com os avanços do seu padrasto. Narraboth tenta em vão envolver Salomé na conversa
Ich nicht bleiben – Welitsch / Reiner
Synopsis: De repente, a voz de Jochanaan é ouvida. Salomé fica fascinada e não obedece ao pedido de Herodes para regressar ao banquete. Ela exige ver o desconhecido. Os soldados negam o seu desejo, uma vez que Herodes proibiu a abertura do seu calabouço. Mas com as suas habilidades sedutoras ela consegue que Narraboth lhe traga o profeta.
Ouvimos os motivos da Jochanaan na música de transição para o 2º quadro, primeiro o motivo de orgulho da Jochanaan:
Então o motivo da profecia soa:
Prélude 3. Cena – Sinopoli
SALOME SCENE III
Jochanaan aparece
Synopsis: Jochanaan aparece. Salomé fica imediatamente fascinado com a sua visão, a sua pele clara e os seus longos cabelos negros. Mas Jochanaan não lhe dá um olhar e castiga a vida de pecado de Herodes.
A orquestra abre o terceiro quadro com o orgulhoso leitmotif de Jochanaan. É a única pessoa cuja música é composta de forma harmoniosa. Strauss compôs-a com reminiscências da música da igreja, cantada com uma voz quente e firme. Cordas vibrantes juntam-se ao clímax da acusação de Jochanaan, sublinhando o drama do diálogo de Jochanaan e Salomé que se seguiu.
Ouça a barítono galês Bryn Terfel. Ele fez o seu sensacional avanço internacional neste papel em 1996. A sua voz é opulenta e esplêndida e é idealmente adequada para este papel.
Wer ist dieses Weib, das mich ansieht – Studer/Terfel
Desire desperta em Salomé
Synopsis: Salome, frenético de desejo, quer tocá-lo, mas Jochanaan rejeita-a.
Ouvimos o motivo de obsessão de Salomé na orquestra no início
Ouça esta passagem cantada por Montserrat Caballé a partir de uma gravação de 1968. Ela está no auge da sua qualidade vocal e impressiona com passagens maravilhosamente alagadas no registo elevado. A sua Salomé foi muito elogiada pelo famoso crítico John Steane.
Jochanaan! Ich bin verliebt in deinen Leib – Caballé/Milnes
Ela quer beijar a boca de Jochanaan
Synopsis: Salome vai ainda mais longe e quer beijar-lhe a boca. Narraboth avisa-a. Neste momento em estado de transe, Salomé nem sequer repara no capitão. Desgostosa, Jochanaan recusa-se a beijar Salomé.
Esta passagem conduz a um dos clímaxes da ópera. A rejeição de Jochanaan (“Nunca, filha da Babilónia, filha de Sodoma”) irrita Salomé ao máximo e ela canta o motivo do beijo (“ich will Deinen Mund küssen Jochanaan”) quatro vezes, que Strauss eleva musicalmente ao frenesim.
Ouça esta cena cativante numa gravação com Cheryl Studer. A cantora americana tinha um alcance tremendo no seu repertório, incorporando 80 papéis diferentes na sua carreira de palco. Quando gravou Salomé nos anos 90, foi aclamada como a melhor Salomé em muito tempo.
Niemals, Tochter Babylons, Tochter Sodoms (1) – Studer
Ouvimos a última cena de uma segunda versão cantada por Birgit Nilsson. A gravação de Solti tornou-se um clássico não só devido ao seu elenco requintado, mas também devido à sua técnica de gravação inovadora.
Niemals, Tochter Babylons, Tochter Sodoms (2) – Nilsson
A impregnação de Salomé
Synopsis: Sem ser notado pelos dois, Narraboth suicida-se. Salomé não tem olhos para ele. Com um tom sedutor, ela tenta seduzir Jochanaan. Sem sucesso, mas ela não larga o seu desejo.
Lass mich deinen Mund küssen, Jochanaan!
Synopsis: Finalmente, o profeta amaldiçoa Salomé e é levado de volta para a masmorra.
Strauss marca a maldição de Salomé com um grande surto orquestral, e o quadro termina com um interlúdio orquestral imensamente colorido e dramático. Pahlen (“Opernlexikon”): “O domínio técnico da dramaturgia musical de Strauss faz fronteira com o insondável. Como soa esta orquestra! Diferente em cada momento e sempre exactamente como o humor exige”.
Du bist verflucht – Sinopoli
SALOME SCENE IV
Oscar Wilde embalou a sua peça de teatro num só acto. Strauss pegou nesta ideia e dividiu-a formalmente em quatro quadros. Através da música de transição, ele força a ópera a ser tocada sem intervalo, maximizando assim o efeito sobre o ouvinte à moda Wagneriana.
Synopsis: A companhia continua a festa no terraço. Herodes repara no corpo de Narraboth e um presságio profano rasteja sobre ele. Herodes continua os seus avanços para Salomé, onde ressoa novamente a voz de Jochanaan. Herodíades propõe-se entregá-lo aos judeus. Cinco judeus aparecem e exigem que ele seja entregue nas suas mãos. Herodes, sabendo que isto significaria a morte de Jochanaan e conduziria a motins, acena com a sua voz.
“A extensão da dissonância, do volume orquestral da pura cacofonia musical como em Salomé nunca tinha sido vista antes. Personagens repugnantes, tais como Herodes, estremecer e ofegar, gritar e desnudar os seus dentes; a sua esposa, Herodíades, é ainda menos adequada para o lirismo, se é que é de todo lírico. (Abbate/Parqueador). A actuação dos Cinco Judeus exemplifica este aspecto inovador da música clássica.
Wahrhaftig Herr, es wäre besser ihn in unsere Hände zu geben – Sinopoli et al.
Synopsis: Jochanaan anuncia a chegada do Salvador. Dois nazarenos falam dos milagres do Messias, que transforma água em vinho e cura leprosos simplesmente tocando-os.
Como um dispositivo estilístico de contraste, Strauss compôs a música dos cristãos na cena imediatamente a seguir de forma harmoniosa e claramente estruturada.
Siehe, der Tag ist nahe
A dança dos sete véus
Synopsis: Herod quer que Salomé dance para ele e oferece-se para satisfazer o seu desejo livre em troca. Salomé concorda e executa a Dança dos Sete Véus.
A Salomé é um dos papéis mais exigentes para a soprano. Exige volume, resistência, poder e uma voz completamente dramática. Após uma dança longa e desafiante, a cantora deve dominar a tremenda secção final que Strauss escreveu para ela. Em cada produção, isto leva à questão de saber se o papel pode ser separado numa parte de dança e numa parte vocal. Na estreia, Marie Wittich recusou-se a executar ela própria a dança erótica.
Esta tradição tem persistido posteriormente. Uma das poucas excepções foi a conhecida soprano americana Maria Ewing. Ela cantou e dançou o papel e fê-lo de forma consistente. Um véu após o outro cai no chão até que ela se apresenta realmente nua.
Tanz der sieben Schleier – Ewing
Veja uma segunda versão da dança da soprano sueca Malin Byström.
Tanz der sieben Schleier – Byström
O Monstruoso Desejo de Salomé
Synopsis: Após a dança, ela exige que Herodes entregue a cabeça da sua Jochanaan numa bandeja de prata. Herodes tenta desesperadamente dissuadi-la do seu desejo, mas Salomé insiste no acordo. Às ordens de Herodes, os guardas saem e aparecem pouco tempo depois com a cabeça e o prato.
A cena final só pode ser descrita com uma palavra: “êxtase”. Possivelmente Strauss escreveu o maior êxtase da história da ópera com a canção final de Salomé e o acompanhamento orquestral. Termina com a famosa dissonância sobre o sforzato (sfz>/em>), quase no final da ópera e a subsequente resolução maior em C afiada:
Ouvimos esta cena final em três versões diferentes:
Primeiro com a versão de 1949 de Ljuba Welitsch. “Fritz Reiner, que cresceu em Dresden com a música de Richard Strauss, está no pódio em 1949 para um par de actuações ‘Salome’ que são ainda mais procuradas no mercado negro de Nova Iorque do que qualquer actuação da Broadway, e para as quais os bilhetes trocados debaixo da mesa quebram a então barreira sonora de 100 dólares por cada música. A razão é o cabelo ruivo, buxom e cheio de temperamento búlgaro apaixonado: Lyuba Welitsch fez uma digressão triunfante pela Europa como a solta Salomé com uma voz de menina mortalmente doce, a sua fama já a precedeu, e a estreia na Ópera Metropolitana será então o auge da sua carreira. Antes que a sua voz desça rapidamente, por causa da sua técnica vocal, ela carrega até os críticos mais severos para ovacionar sem fôlego”.
Nas palavras de Jürgen Kesting (“Grosse Stimmen”), “a canção final de Welitsch é, como uma vibração dos sentidos, um ataque aos nervos do ouvinte. A Welitsch não canta, ela transforma-se na personagem. O som da sua voz é ao mesmo tempo puro e aquecido, claro e de uma cor requintada. ‘Ich hab Deinen Mund geküsst’ é um orgasmo viciante”.
Schlussszene – Welitsch/Reiner
Uma segunda interpretação com Maria Cebotari mais uma Salomé com uma voz brilhante de alta intensidade que se aproxima mais do Welitsch excepcional na canção final. Ouça especialmente a passagem das 11.00-12.50 onde Cebotari canta ela própria em êxtase.
Schlussszene – Cebotari
Uma terceira versão novamente com Ljuba Welitsch de 1944. Ela teve o privilégio de ensaiar o papel de Salomé com Richard Strauss em 1944. Ela comentou-o numa entrevista na revista “Opernwelt”: “Richard Strauss foi fantástico, passou por todos os bares, todas as frases com Matacic e comigo. Por exemplo, este ‘ich habe deinen Mmmmmuuuunnnd geküsst’ este desejo, disse ele, deve sair em si, foi fantástico”.
“Na gravação de 1944, para a fase clímax, na última sílaba de “Jochanaan”, ela escolhe a alternância do alto D afiado em vez do G afiado – e, ao fazê-lo, a voz esguia e sensual não só brilha como um diamante, como queima. O que Welitsch deixou para trás não é apenas a melhor interpretação ou representação sinistra deste cenário – mas a única de sempre”. (Kesting, “Grandes Vozes”)
Ich hab Deinen Mund geküsst – Welitsch / Matacic
Synopsis: Após beijar a boca de Salomé, Herodes ordena: “Tu matas a mulher”
Recording Recommendation
DG com Cheryl Studer, Bryn Terfel, Horst Hiestermann e Leonie Rysanek sob a direcção de Giuseppe Sinopoli e da Orquestra da Ópera de Berlim.
Peter Lutz, Opera inside, o guia de ópera online de SALOME de Richard Strauss.
O guia de ópera online da ária de Gounod’s SALUT DEMEURE CHASTE ET PURE
Ler factos interessantes e ouvir grandes vídeos do YouTube sobre a famosa Aria “SALUT DEMEURE CHASTE ET PURE”.
