Storia dell’opera – pietre miliari, opere, compositori ed eventi principali

1597 – 1700 Gli inizi dell’opera (Italia) Monteverdi, Purcell

1670 – 1750 Tragédie lyrique (Francia) Rameau, Lully

1700 – 1790 Opera seria (Italia, Europa), Händel, Gluck, Mozart

1700 – 1790 Opera buffa (Italia) Paisiello, Cimarosa

1780 – 1850 Singspiel (Germania, Austria) Mozart, von Weber, Lortzing

1792 – 1890 Opéra comique (Francia) Massenet, Auber, Bizet

1800 – 1850 Belcanto (Italia) Rossini, Donizetti, Bellini

1822 – 1870 Grand Opéra (Italia) Meyerbeer, Auber, Rossini

1842 – 1889 Dramma musicale di Verdi e Wagner (Europa) Wagner, Verdi

1890 – 1926 Verismo e Puccini (Italia) Puccini, Giordano, Cilea, Leoncavallo, Mascagni

1902 – 1945 Tardo Romanticismo e Modernismo (Europa) Strauss, Berg, Debussy

Firenze è generalmente considerata la culla dell’opera moderna. Nella cosiddetta Camerata fiorentina (Camerata fiorentina), l’élite dell’arte e della nobiltà iniziò a riunirsi negli anni Settanta del Quattrocento con l’obiettivo di far rivivere l’arte dell’antichità. L’obiettivo principale era quello di promuovere la comprensibilità testuale della musica vocale. Il motto era: prima le parole, poi la musica. La musica doveva adattarsi alle parole e non oscurarle. L’obiettivo non erano melodie artistiche e idee dotate, ma uno stile di canto simile al parlato (cantar recitando). Questi sforzi diedero origine alla forma originale dell’opera. Jacopo Peri ne fu il primo creatore.

È grazie al genio di Claudio Monteverdi che questo arrangiamento piuttosto spassionato si sviluppò in un dramma per musica con persone in carne e ossa e portò le passioni nella forma d’arte dell’opera (stile concitato). Con L’incoronazione di Poppea scrisse il più grande capolavoro e la prima opera con castrati nei ruoli principali.

Gradualmente, la forma d’arte raggiunse altre parti d’Italia (Napoli: Scarlatti) e del Nord Europa (Germania: Schütz, Inghilterra: Purcell). In Francia si sviluppò 70 anni dopo una variante francese, la tragédie lyrique.

La forma d’arte secolare dominante del precedente XVI secolo era il madrigale, un elaborato brano vocale polifonico. A causa del suo elaborato contrappunto e della polifonia (polifonia),l’intelligibilità del testo era estremamente bassa. La Camerata voleva superare questo difetto del madrigale e creare una nuova forma d’arte.

1576 Fondazione della Camerata fiorentina
1598 La prima opera: Dafne, di Jacopo Peri
1607 Il primo dramma per musica e capolavoro: Orfeo, di Claudio Monteverdi
1637 Il primo teatro d’opera, il Teatro San Cassiano di Venezia,
163x Vengono scritte nuove opere comiche per la stagione del carnevale
1643 Castrati appare nei ruoli principali: L’incoronazione di Poppea
1678 Primo teatro d’opera in Germania (Amburgo, Oper am Gänsemarkt)
1689 Il più grande capolavoro degli esordi fuori dall’Italia: Dido ed Enea di Purcell

Recitar cantando: Parte vocale piana e testualmente intelligibile, accompagnata con parsimonia dal basso continuo.
Ritornello: Le sezioni solistiche sono accostate a cori contrastanti dell’orchestra
Monodia: Si tratta di canto solitario (monofonico), accompagnato da accordi, alta intelligibilità del testo, opposto alla polifonia (più voci).
Seconda pratica: Contrasto alla polifonica, tradizionale prima pratica. Monteverdi usava il termine seconda pratica per le sue arie testualmente intelligibili, appassionate e dissonanti.
Lamento: Lamento espressivo (vedi altro: lamento)
Stile concitato: Monteverdi chiamava i brani composti in uno stile concitato.

1607 L’Orfeo (Monteverdi)
1640 Il ritorno d’Ulisse in patria (Monteverdi)
1642 L’incoronazione di Poppea (Monteverdi).
1683 Dido ed Enea (Henry Purcell).
1692 La regina delle fate (Purcell)

Pur ti miro, pur ti godo (L’incoronazione di Poppea)
Quando sarò deposto in terra (Didone ed Enea)

Lully (1632-1687) è considerato il fondatore della tragédie lyrique e dell’opera francese. Nato a Firenze, fu portato a Parigi in una casa nobile come garcon de chambre di 14 anni. Fu lui il responsabile del fatto che la strada intrapresa dall’opera francese fosse molto diversa da quella italiana (e successivamente dal resto d’Europa).

Lully era un musicista di talento e un ottimo ballerino quando, all’età di 20 anni, incontrò il quattordicenne futuro Re Sole, Luigi XIV. Anche Luigi era un appassionato di danza e tra i due nacque un’amicizia.

A causa delle pretese di grandezza di Luigi XIV, la tragédie lyrique sviluppò un’ambizione artistica comprensiva che implicava l’uso di grandi risorse per fornire grandi spettacoli alla corte. Lully compose prima commedie popolari in collaborazione con Molière e poi, in collaborazione con Quinault, le prime opere liriche, le cosiddette “tragédies lyrique”, in cui coro e balletto giocavano un ruolo importante, ma senza castrati (come era consuetudine in Italia all’epoca).

Con la morte di Lully, la forma d’arte si congelò; solo il genio di Rameau riuscì a rianimare la Tragédie lyrique con i cosiddetti balletti d’opera e i virtuosi pezzi orchestrali che popolavano le sue opere. Ma nel 1750 il tempo era finito, la disputa dei Buffonisti e poi dei Piccinisti sancì l’opera seria e l’influenza dell’opera italiana.

Lully si è deliberatamente allontanato dalla prima opera italiana, incentrata sull’aria e sul recitativo. Egli vedeva l’opera come una forma d’arte totale di canto, coro, danza, recitazione, musica orchestrale e decorazione scenica. Di conseguenza, questi elementi assunsero un peso maggiore e divennero parti obbligatorie (ad esempio, ouverture, balletto, effetti scenici, ecc.). Rameau ha infine introdotto il balletto nell’opera francese, che non ha mai avuto un ruolo nell’opera italiana e tedesca.

1673 Lully scrive la prima tragédie lyrique (Cadmus et Hermione)
1674 Lully scrive il primo capolavoro (Armide)
1687 Lully muore
1735 L’opera più famosa del balletto Les Indes galantes (Rameau)
1750 La cosiddetta controversia buffonista tra i sostenitori dell’opera italiana e francese

Ouverture francese: consiste in una sezione centrale veloce incorniciata da sezioni gravi con ritmi punteggiati.
Ballet de cour, Ballet opéra: il balletto aveva una grande importanza in questo genere (Lully e Luigi XIV: Ballet de cour). L’apice fu raggiunto con gli intermezzi ballettistici di Les Indes galantes (Ballet opéra) (Rameau).
Haut-contre: A causa dell’abbandono dei castrati nella tragédie lyrique, si sviluppò la gamma vocale di un tenore con un registro alto.
Prosodia: L’arte di recitare la parola è molto apprezzata negli intermezzi solistici (misto tra recitativo e aria).

Alceste (Jean-Baptiste Lully)
Armide (Jean-Baptiste Lully)
Les Indes galantes (Jean-Philippe Rameau)

130 anni dopo gli inizi dell’opera lirica, questa forma d’arte si è sviluppata nell’arbitrarietà scenica e musicale. Il fatto che l’opera seria abbia potuto svilupparsi in una forma d’arte potente è dovuto (un po’ semplicisticamente) a tre uomini:

Il tedesco Handel stabilì i castrati come primi uomini e i soprani di coloratura come prime donne. Dopo tre anni di apprendimento e di viaggi in Italia, decise di cercare fortuna a Londra a suo rischio e pericolo. Per far prosperare la sua compagnia d’opera, utilizzò il principio delle stelle (castrati e primadonne) per attirare la nobiltà e i ricchi nei suoi teatri. La loro arma era la da capo aria, che permetteva loro di sfoggiare il proprio virtuosismo con colorature, cadenze e ornamenti.

L’italiano Metastasio riformò la poesia dell’opera seria e i suoi libretti divennero dei progetti. Purificò la trama e stabilì formule fisse. I suoi eroi erano dei, cavalieri e nobili. Nessun altro librettista in tutta la storia dell’opera ha messo in musica più opere. Con il suo trasferimento a Vienna, divenne influente anche per l’Europa di lingua tedesca.

Infine, 30 anni dopo Händel toccò a Gluck riformare l’opera seria e condurla a una fioritura d’argento. Con le sue cosiddette opere della riforma addomesticò le stelle. Non più vuoti affetti ma nobili sentimenti dovevano attrarre lo spettatore d’opera.

Mozart fu l’ultimo grande che scrisse opere per l’opera seria, egli stesso annoverò il suo Idomeneo tra le più grandi opere da lui create.

L’Opera seria si aprì al pubblico borghese, così la musica divenne più internazionale e fu inventato il principio della stella. Il virtuosismo divenne la cosa principale e la letteratura secondaria.

1709 Handel scrive il suo primo e più grande capolavoro di opera seria (Rinaldo) all’età di 24 anni.
1722 Il castrato Farinelli diventa il primo cantante megastar
1723 Inizio della grande celebrità operistica di Handel a Londra con Cuzzoni (Soprano) e Senesino (Castrato)
1724 Metastasio scrive il suo primo libretto
1726 Guerra delle dive Cuzzoni e Bordoni all’Opera di Handel a Londra
1730 Metastasio si trasferisce a Vienna
1735 Handel compone Semele, il suo ultimo capolavoro nel genere dell’opera lirica
1762 Gluck compone la sua opera di riforma Orfeo ed Euridice
1781 Mozart scrive Idomeneo, il suo primo capolavoro nel genere dell’opera lirica
1791 L’ultimo capolavoro dell’opera seria: La clemenza di Tito di Mozart

Aria da capo: L’aria da capo (da capo significa ripetizione) è scritta in tre parti A-B-A’. Di solito la parte A’ viene abbellita dall’esecutore con la coloratura, ecc.
Coloratura: Il balletto aveva una grande importanza in questo genere (Lully e Luigi XIV: Ballet de cour). L’apice fu raggiunto con gli intermezzi ballettistici de Les Indes galantes (Ballet opéra) (Rameau).
Castrato: Il castrato è una voce maschile equivalente a quella di un soprano o di un mezzosoprano. La voce è prodotta dalla castrazione del cantante prima della pubertà,

1711 Rinaldo (Handel)
1724 Giulio Cesare (Handel)
1735 Alcina (Handel)
1744 Semele (Handel)
1762 Orfeo ed Euridice (Gluck)
1779 Ifigenie en Tauride (Gluck)
1781 Idomeneo (Mozart)
1791 La clemenza di Tito (Mozart)

Venti turbini, Rinaldo (Handel)
Unis dès la plus tendre enfance Iphigénie en Tauride, (Gluck)
Fuor del mar ho un mar nel seno, Idomeneo (Mozart)

L’opera buffa era l’opera del popolo nel XVIII secolo. Si basava sulla commedia dell’arte e si contrapponeva all’aristocratica opera seria in Italia. L’opera più famosa è La serva del padrone, un pezzo di 50 minuti di Paisiello che fungeva da intermezzo tra due atti di un’opera seria.

Sebbene le opere del buffo d’opera siano oggi quasi estinte, la sua influenza non fu trascurabile.

Le commedie di Rossini sono inconcepibili senza l’opera buffa, e anche Mozart fu esposto all’influenza dell’opera buffa attraverso l’italiano da Ponte (Don Giovanni, Le nozze di Figaro e Cosi fan tutte ne sono testimonianza), anche se come opere cross-over non sono considerate parte del genere. In particolare, il tema classico della differenza di status dell’opera buffa fu molto significativo per Mozart.

La polemica buffonista a Parigi tra l’opera italiana e quella francese fu innescata anche da compagnie italiane di opera buffa in tournée. Rousseau, in particolare, si occupò della “naturalezza” dell’opera italiana in contrasto con l'”artificiosità” della tragédie lyrique.

Con l’avvento dell’opera seria aristocratica, l’opera popolare aveva perso il suo posto. Basata sulla commedia dell’arte, fu reinventata come 0pera buffa nei mercati e poi nei teatri. La musica è semplificata e i dialoghi sono scarsamente accompagnati, talvolta scritti in dialetto. Temi quotidiani e differenze di classe formano le trame in contrasto con il mondo mitologico dell’opera seria.

170x Primi teatri a Napoli con opere di opera buffa.
1724 Paisiello compone la serva padrone come intermezzo
1752 Polemica buffonista a Parigi
1792 Cimarosa compone con il matrimonio segreto l’ultima opera importante

Parlando: canto veloce con pronuncia ben articolata e intonazione leggera, prestando molta attenzione al ritmo.
Intermezzo: intermezzo tra due atti di un’opera seria.
Castrato: il castrato è una voce maschile equivalente a quella di un soprano o di un mezzosoprano. La voce è prodotta dalla castrazione del cantante prima della pubertà

1724 La serva padrone (Paisiello) composta come intermezzo
1792 Il matrimonio segreto (Cimarosa)

Lo conosco a quegli occhietti, (La serva padrona)

Il singspiel popolare esisteva nei paesi di lingua tedesca fin dall’inizio del XVIII secolo. Quando l’imperatore austriaco iniziò a promuovere il Singspiel come contrappeso all’opera italiana, si sviluppò un genere elaborato che attirò i migliori compositori di lingua tedesca. In questo modo, aprì il teatro d’opera al teatro musicale con dialoghi parlati e lieder (canzoni popolari).

Mozart scrisse l’Entführung aus dem Serail, il primo capolavoro a cui l’imperatore lo aveva invitato personalmente. Meno di 10 anni dopo, Mozart fece seguito con Il flauto magico.
Anche il Fidelio è classificato come Singspiel, anche se a rigore questo vale solo per la prima parte. Con l’avvento del primo romanticismo tedesco (l’epoca del Biedermeier) arrivò il grande momento del Singspiel. Il Freischütz di Weber ispirò un’intera generazione di compositori, e con Die lustigen Weiber von Windsor il Singspiel trovò un degno ultimo culmine.

Il Singspiel si contrappone all’opera italiana e aristocratica. Si differenzia per i dialoghi parlati (invece del recitativo accompagnato), per l’uso di canzoni (invece di arie elaborate) e di storie popolari (ad esempio, fiabe). Lo standard artistico è molto elevato nelle opere di punta del Singspiel (ad esempio Zauberflöte, Fidelio, Freischütz).

1766 L’imperatore Giuseppe II dichiara il Burgtheater viennese sede del Singspiel tedesco.
1782 L’imperatore Giuseppe incarica personalmente Mozart di comporre “Die Entführung aus dem Serail”.
1811 Prima rappresentazione di Der Freischütz
1849 L’ultimo capolavoro del Singspiel (Die lustigen Weiber von Windsor)

Lied: brano solitario con melodie semplici e ritornello.

1782 Die Entführung aus dem Serail (Mozart)

1791 Die Zauberflöte (Mozart)

1805 Fidelio (Beethoven)

1811 Der Freischütz (von Weber)

1837 Zar und Zimmermann (Lortzing)

1849 Die lustigen Weiber von Windsor (Nicolai)

Der Vogelsänger bin ich ja (Zauberflöte)

Der Hölle Rache (Zauberflöte)

Wolfschluchtszene (Der Freischütz)

Durch die Wälder durch die Auen (Der Freischütz)

Leise, leise fromme Weise (Der Freischütz)

Horch, die Lerche singt im Hain (Die lustigen Weiber von Windsor)

Il belcanto descrive una tecnica vocale italiana antecedente al 1900 che comprende la purezza e la delicatezza del tono, la fluidità (legato), il canto con il fiato (canto sul fiato) e un’ulteriore flessibilità dinamica (messa di voce) e agilità nell’ornamentazione. Famosi compositori di bel canto (classico) furono Donizetti, Bellini e Rossini, ma anche Verdi compose prevalentemente in stile belcantistico.
Questo stile belcantistico fu perfezionato dai castrati nel XVIII secolo (vedi capitolo opera seria). In queste sezioni si parla di belcanto classico, che dal 1800 in poi è associato principalmente a Donizetti, Bellini e Rossini ed è considerato l’apice della cultura belcantistica. Anche Verdi compose prevalentemente in stile belcantistico, ma in termini di storia della musica può essere assegnato al periodo dell’Alto Romanticismo.

Nell’epoca del belcanto classico, la star non era più il castrato, ma il soprano di coloratura. I compositori del belcanto scrissero arie in gola alla prima donna, che entrò così nella storia. Nomi come Isabella Colbran (che fu per un certo periodo moglie di Rossini), Giuditta Pasta (per un certo periodo amante di Bellini) e Giuditta Grisi sono ancora oggi associati alle opere dei tre grandi.

Insieme a Napoli, Roma e Milano, Parigi divenne un centro operistico internazionale. Tutti e tre i grandi compositori italiani di bel canto si trasferirono a Parigi e scrissero le loro ultime opere per la capitale francese (ad esempio Guillaume Tell, Don Pasquale, I puritani).

La rottura avvenne all’inizio degli anni Trenta. Il tenore di grazia (tenore lirico) e il soprano di coloratura dell’epoca belcantistica furono sostituiti dal tenore spinto drammatico e dal mezzosoprano drammatico. Con i grandi teatri (Grand Opera, La Fenice, La Scale, ecc.), la forza penetrante della voce e il potenziale drammatico divennero il criterio numero uno per compositori come Verdi e Wagner.

La distinzione tra opera buffa e opera seria del XVIII secolo fu abolita. Nello stile belcantista, i compositori servivano entrambi i generi allo stesso modo. L’aria era composta da cima a fondo (le libertà dell’aria da capo scomparvero) e la bella melodia divenne il metro di giudizio. I compositori, infatti, non erano più dipendenti dei principi, ma degli impresari, che volevano riempire i loro teatri.

1813 Barbaja, il primo impresario teatrale moderno, trasforma il teatro d’opera napoletano San Carlo in una casa da gioco. Rossini diventa direttore artistico e deve attirare gli ospiti con la musica.1815 Rossini reinventa la commedia lirica con L’Italiana in Algeri, il soprano di coloratura diventa la star.
1815 Rossini compone Il barbiere di Siviglia, la commedia musicale per eccellenza.
1829 Rossini scrive la sua ultima opera, Guillaume Tell, e cade in silenzio all’età di 37 anni.
1831 Nella prima de La Sonnambula, Battista Rubini e Giuditta Pasta creano una romantica coppia d’amore. Bellini raddoppia poco dopo con Norma, scrivendo l’opera simbolo dell’epoca del bel canto.
1835 Donizetti scrive la Scena pazza di Lucia di Lammermoor, un pezzo iconico della letteratura operistica che influenzerà una generazione di compositori.
1837 Il tenore francese Duprez canta il do acuto del Guillaume Tell dal petto (anziché con la voce di testa), inaugurando l’era del tenore drammatico.

Scena ed aria: La cosiddetta scena ed aria è un elemento strutturale dell’opera classica italiana che descrive una scena molto schematizzata con singoli personaggi. La sequenza della scena ed aria è: recitativo (tempo d’attacco), aria lenta (cavatina), recitativo (tempo di mezzo), aria veloce (cabaletta) ed eventualmente una stretta alla fine. La Scena ed Aria permetteva ai librettisti di scrivere le scene secondo uno schema fisso, senza la necessità di un lungo coordinamento con il compositore. La forma della Scena ed Aria fu perfezionata da Rossini e adottata da Donizetti, Bellini e Verdi.

Coloratura: Nella musica lirica, la coloratura si riferisce a un passaggio che richiede una particolare agilità, soprattutto nel registro acuto. Questo include, soprattutto, il canto di lunghe sequenze di note con trilli e altri ornamenti.

1813 L’italiana in Algeri (Rossini)
1813 Tancredi (Rossini)
1816 Il barbiere di Siviglia (Rossini)
1829 Guillaume Tell (Rossini)
1831 La sonnambula (Bellini)
1831 Norma (Bellini)
1832 L’elisir d’amore (Donizetti)
1835 I puritani (Bellini)
1835 Lucia di Lammermoor (Donizetti)
1840 La fille du régiment (Donizetti)
1843 Don Pasquale (Donizetti)

Mira o Norma (Norma)

Casta Diva (Norma)

Il dolce suono (Lucia di Lammermoor)

Una furtiva lagrima (L’Elisir d’amore)

Largo al factotum (Il barbiere di Siviglia)

Asile héréditaire italiano: o muto asil del pianto (Guillaume Tell)

Naqui all’affanno … non più mesta (Cenerentola)

Il termine “Opéra Comique” è in qualche modo fuorviante. Fu inventato all’inizio del XVIII secolo per distinguerlo dalla tragédie lyrique, con i suoi dei e nobili nei ruoli principali. Pur avendo un nucleo comico (ad esempio, i vaudevilles), l’opéra comique si trasformò in una nuova opéra comique artisticamente superiore. La nascita dell’opéra comique “classica” avvenne 3 anni dopo la Rivoluzione francese.

Napoleone definì personalmente il genere dell’opéra comique con un decreto: “Commedia o dramma misto di versi, ariette o pezzi d’insieme (comédie ou drame mêlés de couplets, d’ariettes ou de morceaux d’ensemble). ”

Divenne l’opera della borghesia e del popolo e l’elemento stilistico più importante furono i dialoghi parlati (invece dei recitativi accompagnati dalla musica). Lo spettro spaziava dalle commedie ai drammi con un massimo di tre atti. Il primo capolavoro fu l’opera Frau Diavolo di Auber.

Eugène Scribe e la sua casa di scrittura divennero la più importante fonte di libretti, producendo quasi 500 libretti. Scribe combinò soprattutto intrighi sentimentali con le convenzioni borghesi, il patriottismo e la satira dei suoi contemporanei.

A partire dal 1850, la distinzione con il grand opéra cominciò a sfumare, e furono prodotte le più grandi opere del genere (Carmen, Les contes d’Hoffmann, Faust, Manon). Erano tutte opere adattate alle convenzioni dell’opéra comique.

Il termine “Opéra Comique” non si riferisce solo a un genere, ma anche a un luogo di Parigi, e rimane tuttora un’istituzione francese. L’attuale Opéra comique (nota a Parigi anche come Salle Favart) è un bellissimo teatro storico e risale al 1898. I due teatri precedenti andarono a fuoco, compresa la prima della “Carmen”; l’incendio avvenne nel 1887 e costò la vita a circa 100 persone.

L’opéra comique era molto diversa dalla roboante tragédie lyrique in cinque atti. Le forme principali dell’opéra comique comprendevano: l’uso della lingua francese, 3 atti, dialogo parlato, soggetti realistici (cioè non mitologici, ecc.). I recitativi furono successivamente composti per molte opere al fine di adattarle ad altri teatri d’opera (ad esempio, Carmen).

1793 Napoléon Bonaparte decreta la nuova Opéra comique
1797 Prima dell’opera principale della cosiddetta opera di salvataggio, Médée di Cherubini
1830 Appare Fra Diavolo di Auber, librettista Eugene Scribe
1840 Donizetti conquista l’opéra comique con La fille du régiment
1850 Apertura al dramma: l’Opéra comique diventa “il piccolo Grand Opéra”.
1850 Il genere comico non fa più parte dell’opéra comique e si trasforma in operetta.
1875 L’opera Carmen provoca uno scandalo teatrale all’Opéra comique.
1887 Incendio della seconda Salle Favart durante una rappresentazione, che provoca 100 morti

Couplet: Il termine deriva dall’opera francese. Il couplet è una canzone allegra e multistrofica con un ritornello caratteristico alla maniera del rondò, con un ritornello ricorrente. Un esempio è Chacun le sait, chacun le dit dall’opera La fille du régiment.
Opera di salvataggio: L’opera di salvataggio (comédie héroique) divenne popolare dopo la Rivoluzione. Il “salvataggio dall’angoscia” combinato con una storia d’amore è lo schema delle sue trame; le opere più famose sono Medée (Cherubini) e il Singspiel Fidelio (Beethoven).
Le forme principali dell’opéra comique comprendevano: l’uso della lingua francese, 3 atti, dialoghi parlati, soggetti realistici (cioè non mitologici, ecc.)

1797 Medea (Cherubini)
1826 Fra Diavolo (Auber)
1840 La fille du régiment (Donizetti)
1859 Faust (Gounod)
1875 Carmen (Bizet)
1881 Les contes d’Hoffmann (Offenbach)
1884 Manon (Massenet)

Salut la France (La fille du regiment)
L’amour est un oiseau rebelle (Carmen)
Ah, fuyez douce images (Faust)
Les oiseaux de la charmille (Les contes d’Hoffmann)

Grand Opéra (francese) è il nome di un genere di opera nato a Parigi dopo la Rivoluzione francese. Il Grand Opéra si basava sulle tradizioni dell’opera di riforma di Gluck e dell’Opéra Comique.

Il “Guillaume Tell” di Rossini (1829), insieme alla “Muette de Portici” di Auber (1828) e a “Robert le diable” di Meyerbeer (1831), costituirono il prototipo di questo nuovo tipo di opera sontuosa con temi storicizzanti che pretendeva di combinare i generi artistici di musica, letteratura, danza, decorazione e pittura. Comitati specializzati per ogni genere d’arte si occupavano di definire i dettagli e le prove interminabili facevano emergere i punti deboli che a loro volta portavano a modificare la composizione.

Le produzioni del Grand Opéra richiedevano agli artisti di creare materiale storico con colori autentici. Ad esempio, per la produzione del Guillaume Tell di Rossini, lo scenografo Cicéri fu inviato nella Svizzera centrale, dove realizzò i bozzetti per le scenografie.

L’opera fu rappresentata nel suo periodo di massimo splendore nella Salle Pelletier, che fu vittima di un incendio nel 1873. Le opere del Grand Opéra hanno cinque atti e includono un balletto esteso. Le opere erano elaborate e messe in scena con costi giganteschi. Ad esempio, per il Don Carlo, rappresentato durante l’Esposizione Universale di Parigi nel 1867, dovettero essere cuciti 355 costumi.

è considerato il compositore di maggior successo del Grand Opéra. Richard Wagner tentò per molti anni di avere successo con il grand opéra, ma fallì con il suo Tannhäuser in un fiasco che passò alla storia. La maggior parte delle opere di questo genere sono oggi raramente eseguite a causa delle enormi spese che comportano (ad esempio, Les Huguenots o L’Africaine).

Il grand opéra adottò la grandeur dispiegata e molte forme della tragédie lyrique, ma si aprì al pubblico borghese con temi storicizzanti e musiche più orecchiabili.

1828 La muette de portici viene data come prima opera del Grand Opéra alla Salle Pelletier
1829 Rossinis compone Guillaume Tell per il Grand Opéra
1830 Meyerbeer conquista il Grand Opéra con Robert le diable e lo domina per i successivi 20 anni
1855 Anche Verdi si rivolge al Grand Opéra con Vepres siciliennes e poi Don Carlo
1865 Meyerbeer scrive la sua ultima opera (L’Africaine)
1873 La Salle Pelletier brucia e il Palais Garnier diventa la nuova sede, ma il declino si fa sentire

1828 La muette de portici (Auber)
1829 Guillaume Tell (Rossini)
1830 Robert le diable (Meyerbeer)
1835 La Juive (Halévy)
1836 Les Huguénots (Meyerbeer)
1865 Don Carlos (Verdi)

O Paradis (L’Africaine)

Spuntato ecco il dì d’esultanza

Verdi:

Quando Verdi scrisse il suo primo capolavoro, Rossini era già caduto in silenzio, Bellini era morto e a Donizetti era stato concesso ancora qualche anno. L’atto principale di Verdi era ora quello di drammatizzare la musica del bel canto. I ruoli dei cantanti divennero più drammatici, i cori più importanti e la musica più dura. Il Nabucco fu il modello di questo nuovo stile; mai Verdi compose in modo più forte e bellicoso.

Verdi procedeva sempre in modo strategico nelle sue composizioni. Prima del processo di composizione, definiva lo stile musicale dell’opera. Ogni opera, dal Nabucco in poi, doveva avere la propria impronta digitale. La chiamò Tinta musicale.

Egli perseguì costantemente la strada del dramma e scrisse i suoi primi drammi musicali con Macbeth e Simon Boccanegra. Ma questo non impedì a Verdi di scrivere ancora e ancora opere classiche da numero, soprattutto la triologia popolare degli anni della galea (Il trovatore, La Traviata e Rigoletto) e anche la sua ultima opera Aida era un’opera da numero.

Era un genio e un grande lavoratore. Venti delle sue opere sono ancora regolarmente rappresentate nei teatri e costituiscono la base del repertorio operistico. Verdi rivoluzionò il rapporto tra impresario e compositore. Fece in modo che i diritti di sfruttamento rimanessero al compositore e che questi non fosse più obbligato a produrre opere in continuazione.

Le ultime due opere (Otello, Falstaff) divennero i drammi musicali composti per eccellenza, che egli compose basandosi sulle opere del suo drammaturgo preferito, Shakespeare.

Wagner:

Il punto di partenza di Wagner fu il Singspiel; egli stesso citò Fidelio, che aveva visto da sedicenne con Schröder Devrient, e Freischütz come fondamento della sua opera.

L’influenza del grand opéra e del belcanto non va sottovalutata; Wagner apprezzava la musica di Bellini, che conobbe a fondo come direttore d’orchestra. Anche Lohengrin, che scrisse all’età di 37 anni, respira ancora l’arte vocale italiana. Ma con Der fliegende Holländer aveva irrimediabilmente imboccato la strada del dramma, che sviluppò costantemente fino ad approdarvi con Tristan und Isolde.

La spina dorsale del suo dramma erano i ruoli di sovrano altamente drammatico (Brünnhilde, Isolde) e di Heldentenor (Siegfried, Tristan, Tannhäuser). Le esigenze dei cantanti erano così elevate che Wagner impiegò sei anni per trovare un cantante per la sua opera Tristan und Isolde. Nel tenore Ludwig Schnorr von Carolsfeld trovò il Tristano che desiderava. Schnorr deliziò il pubblico alla prima a Monaco, ma morì otto giorni dopo la quarta rappresentazione alla giovane età di 29 anni. Aveva cantato la quarta rappresentazione malato e, secondo l’opinione popolare, era morto per la parte dell’assassino.

I leitmotiv divennero sempre più il principio compositivo dominante, fino a diventare, nel Ring, il principio di progettazione narrativa. Con Wagner, l’orchestra sperimentò una ricchezza di colori mai vista prima, e le sue ouverture, la musica di trasformazione e le nuove armonie ispirarono diverse generazioni di compositori (vedi anche: Accordo di Tristano).

L’opera della sua vita è innegabilmente gigantesca; oltre alla sua grandezza come musicista, fu anche il suo librettista. Coronò l’opera della sua vita con un proprio teatro e un festival a Bayreuth, che continua ancora oggi. Con il Ring, il dramma musicale divenne un’opera d’arte totale.

Nessun musicista prima o dopo di lui ha avuto tanta influenza sui suoi successori quanto Richard Wagner. Mahler, Strauss, Puccini, Korngold, Leoncavallo, Debussy e Humperdinck hanno fatto riferimento al maestro.

La musica divenne più drammatica ed emersero nuovi tipi di voce: soprano drammatico, tenore spinto, tenore eroico e soprano altamente drammatico (Hochdramatische).

L’orchestra e il coro acquistano importanza e colore, diventando figure a sé stanti. Il dramma si è evoluto dall’opera numero belcantistica.

1842 Verdi ha successo con il Nabucco, il suo primo capolavoro
1843 Wagner ha successo con Der fliegende Holländer, il suo primo capolavoro
1850 Wagner inizia la lavorazione del Ring, che durerà 25 anni
1847 Verdi scrive il suo primo dramma musicale, Macbeth.
1851 Verdi scrive Rigoletto, la prima opera della triologia popolare
1865 Con Tristan und Isolde, Wagner trasforma per sempre il panorama musicale europeo.
1876 Prima rappresentazione dell’Anello dei Nibelunghi a Bayreuth
1882 Prima mondiale del Parsifal a Bayreuth, che rimarrà l’unica sede di rappresentazione di quest’opera per i successivi 30 anni.
1887 Verdi, 74 anni, scrive la sua opera più importante in termini di dramma musicale, l’Otello.

Dramma musicale : La musica non è più divisa in scene e numeri (“opera in numeri”), ma le scene costituiscono un’unità inscindibile. Caratteristicamente, le scene e la loro musica sono composte per intero, senza interruzioni come terzine, finali, recitativi, ecc.)
Heldentenor: tenore eroico. Voce tenorile con potenza radiosa nella gamma vocale drammatica. Le esigenze fisiche del cantante sono immense. La durata dell’opera è solitamente molto lunga e l’accompagnamento dell’orchestra è forte e denso. Tannhäuser è probabilmente la parte di Heldentenor più difficile.
Soprano altamente drammatico: Il soprano altamente drammatico è la controparte femminile dell’Heldentenor. È una voce di soprano con una potenza radiosa. Deve anche cantare ruoli con esplosioni emotive estreme. I ruoli tipici sono Salome (Strauss), Elektra (Elektra), Brünnhilde (Götterdämmerung) e Isolde (Tristan und Isolde).
Leitmotiv: dispositivo artistico utilizzato ripetutamente come motivo musicale in un’opera.
Tenore spinto: voce tenorile un po’ più pesante. Si colloca tra il tenore lirico e il tenore eroico. La voce del tenore spinto è potente e brillante negli acuti. I ruoli tenorili di Verdi sono solitamente ruoli spinto (Manrico, Riccardo, Radames, ecc.)

1847 Nabucco (Verdi)
1847 Macbeth (Verdi)
1853 La Traviata (Verdi)
1851 Rigoletto (Verdi)
1871 Aida (Verdi)
1887 Otello (Verdi)
1850 Lohengrin (Wagner)
1865 Tristano e Isotta (Wagner)
1868 Die Meistersinger von Nürnberg (Wagner)
Div. L’anello del Nibelungo (Wagner)
1882 Parsifal (Wagner)

Va pensiero (Nabucco)
Di quella pira (Il Trovatore)
Bella figlia d’amore (Rigoletto)
Vieni! t’affretta ad accendere… O tutti sorgete (Macbeth)
In fernem Land (Lohengrin)
Mild und Leise (Tristan und Isolde)
La cavalcata delle Valchirie (Die Walküre)

Verismo:

Il Verismo è la controparte italiana del tardo Romanticismo della fine del XIX secolo nel Nord Europa. La Cavalleria rusticana di Mascagni fu la prima opera musicale di questo stile e divenne il modello del verismo.

Il genere del verismo combinava il teatro realistico con una musica cruda ed emotiva. Per ottenere il massimo effetto possibile, la musica cercava di esprimere passioni feroci ed emozioni intense. Doveva toccare il cuore dell’ascoltatore e fare appello al suo lato sensibile. Il suono “artificiale” e abbellito del bel canto fu abbandonato a favore di linee vocali drammatiche.

Non esiste una definizione formale di verismo, ma nella seconda grande opera del verismo, il Pagliaccio, il compositore Leoncavallo fa dire a Tonio una frase caratteristica nel prologo: le persone sul palco sono “in carne e ossa” – il testo del prologo divenne il programma del verismo.

L’editore milanese Edoardo Sonzogno è considerato la levatrice del Verismo. Al fine di promuovere nuovi talenti, egli bandì più volte concorsi di composizione per atti unici. Già nella seconda edizione, Mascagni risultò vincitore con Cavalleria rusticana. Sonzogno divenne l’editore dei veristi.

Puccini:

Puccini fu l’ultimo romantico della storia dell’opera e divenne il creatore di grandi emozioni nelle vesti di personaggi femminili indimenticabili come Butterfly, Mimì o Tosca. Egli trasse la sua energia vitale e la sua creatività professionale in gran parte dai grandi sentimenti di passione, che cercò nella sua vita reale nei numerosi amori.

Il suo linguaggio orchestrale è immensamente colorato, le sue scene orchestrali de La bohème (barrière d’enfer, strada scena davanti al ristorante Domus) o Turandot (scene di massa) diventano capolavori del tardo romanticismo.

Come Verdi, Puccini diede ad ogni opera la sua impronta e sviluppò costantemente il suo stile. Il più vicino al verismo fu in Tosca e il più vicino al tardo romanticismo fu in Turandot.

Come Verdi, rimase sempre impegnato nella melodia e scrisse una quantità incredibile di successi immortali.

Con il Verismo, le basi della tecnica canora del bel canto furono parzialmente abbandonate. Gli scoppi emotivi e la violenza richiedevano un nuovo stile di canto. Il realismo fece sì che le scene si svolgessero in un ambiente socialmente inferiore e il linguaggio e gli espedienti stilistici divennero più duri. Il singhiozzo di Pagliaccio (Vesti la giubba) divenne il gesto iconico del verismo.

1881 Ramon Varga ispira i musicisti con il suo primo romanzo del Verismo.
1883 Sonzogno lancia il primo concorso per compositori di opere in un atto.
1890 Mascagni vince il secondo concorso di Sonzogno con Cavalleria rusticana (basata su un romanzo di Varga). La prima diventa uno dei più grandi trionfi della storia dell’opera. L’atto unico diventa il modello del verismo musicale.
1893 Puccini raggiunge la sua svolta con Manon Lescaut.
1896 Umberto Giordano diventa improvvisamente famoso da musicista completamente sconosciuto con il suo capolavoro “Andréa Chenier”.
1904 Appaiono le prime registrazioni al grammofono di Enrico Caruso. Il suo “Vesti la giubba” (Pagliacci) diventa il primo successo milionario dell’industria discografica.
1910 Puccini si rivolge agli Stati Uniti e per la prima volta nella storia dell’opera la prima di un’opera importante ha luogo negli Stati Uniti (La fanciulla del West).
1921 Puccini muore, la sua ultima opera Turandot viene rappresentata postuma

Intermezzo: musica d’intermezzo che divenne un pezzo iconico dell’opera verista. 3 Intermezzi sono diventati famosi in tutto il mondo (Cavalleria rusticana, Pagliaccio, Manon Lescaut). Dal punto di vista drammatico, spesso fungevano da preludio alla catastrofe finale.
Opera in un atto: Solo le opere in un atto sono state ammesse al concorso per compositori di Sonzogno. Questo tipo di opera si diffuse così in Italia. Puccini compose tre atti unici nelle sue Tentative.

1890 Cavalleria rusticana (Mascagni)
1892 Pagliacci (Leoncavallo)
1896 Andrea Chénier (Giordano)
1926 Tosca (Puccini)
1902 Adriana Lecouvreur (Cilea)
1926 Turandot (Puccini)

Vesti la giubba (Pagliacci)
Intermezzo (Cavalleria rusticana)
Vicino a te (Andrea Chénier)
E lucevan le stelle (Tosca)
Nessun dorma (Turandot)

Tardo Romanticismo:

Una caratteristica importante fu il significativo aumento delle dimensioni dell’orchestra. Strumenti aggiuntivi come la celesta aggiunsero nuovi colori all’orchestra. La tonalità fu ampliata, ispirata dall’esemplare harmonie di Tristano, ma la musica rimase tonale. La scrittura orchestrale divenne più complessa, con un’enorme densità di motivi, ritmi e armonie più complessi.

Modernismo/Espressionismo:

Il modernismo sfruttò i mezzi della politonalità e della atonalità. È significativo che Berg avesse un’idea chiara di come i cantanti dovessero cantare: le sue istruzioni erano: “Non cantate assolutamente! Ma comunque l’intonazione deve essere indicata e registrata nell’intonazione del canto (esattamente secondo le note); quest’ultima, tuttavia, con risonanza vocale”

La politonalità, la dissonanza e l’atonalità sostituirono la melodia come dispositivo stilistico predominante.
Nell’era del modernismo, l’arte canora del bel canto fu definitivamente superata, la voce cantata si avvicinò alla voce parlata

1902 Prima mondiale di Pelléas et Mélisande
1905 Prima mondiale di Salomé, Strauss diventa un compositore d’avanguardia
1909 Prima mondiale di Elektra, la prima opera del modernismo
1909 Schönberg scrive l’opera in un atto Erwartung, la prima opera atonale
1911 A sorpresa Strauss diventa un conservatore con Der Rosenkavalier
1920 Prima mondiale di Die tote Stadt di Korngold
1925 Prima mondiale di Wozzeck
1934 Korngold emigra a Hollywood e ispira l’industria cinematografica con il linguaggio musicale tardo romantico
1949 Morte di Richard Strauss

Timbri orchestrali: In Salome, Strauss compose per un’orchestra di oltre 100 musicisti. Una sezione di ottoni di quindici elementi, insieme a strumenti orchestrali allora inusuali come la celesta, l’armonium e l’organo, forniscono i caratteristici colori tonali.
Atonalità: musica le cui armonie e melodie non sono fissate a un centro o a una nota tonale.

1902 Pelléas et Mélisande (Debussy)
1905 Salome (Strauss)
1909 Elektra (Strauss)
1911 Rosenkavalier (Strauss)
1920 Die tote Stadt (Korngold)
1925 Wozzeck (Berg)
1937 Lulu (Berg)

Mir ist die Ehre widerfahren (Rosenkavalier)

Ah, du wolltest mich nicht Deinen Mund küssen lassen (Salome)

Ob ich nicht höre (Elektra)

Langsam, Wozzeck, langsam (Wozzeck)