Geschichte der Oper – Epochen, Werke und Komponisten

1597 – 1700 Die Anfänge der Oper (Italien) Monteverdi, Purcell

1670 – 1750 Tragédie lyrique (Frankreich) Rameau, Lully

1700 – 1790 Opera seria (Italien, Europa), Händel, Gluck, Mozart

1700 – 1790 Oper buffa (Italien) Paisiello, Cimarosa

1780 – 1850 Singspiel (Deutschland, Österreich) Mozart, von Weber, Lortzing

1792 – 1890 Opéra comique (Frankreich) Massenet, Auber, Bizet

1800 – 1850 Belcanto (Italien) Rossini, Donizetti, Bellini

1822 – 1870 Grand Opéra (Italien) Meyerbeer, Auber, Rossini

1842 – 1889 Musikdrama von Verdi und Wagner (Europa) Wagner, Verdi

1890 – 1926 Verismo und Puccini (Italien) Puccini, Giordano, Cilea, Leoncavallo, Mascagni

1902 – 1945 Spätromantik und Modernismus (Europa) Strauss, Berg, Debussy

Florenz gilt allgemein als Geburtsort der modernen Oper. In der sogenannten Florentiner Camerata (Camerata fiorentina) traf sich seit den 1570er Jahren die Elite aus Kunst und Adel mit dem Ziel, die Kunst der Antike wiederzubeleben. Das Hauptaugenmerk lag auf der Förderung der Textverständlichkeit der Vokalmusik. Das Motto lautete: prima le parole, poi la musica (erst der Text, dann die Musik). Die Musik sollte sich dem Text anpassen und ihn nicht verdunkeln. Das Ziel waren nicht kunstvolle Melodien und begnadete Einfälle, sondern ein sprachähnlicher Gesangsstil (cantar recitando). Aus diesen Bemühungen entstand die ursprüngliche Form der Oper. Jacopo Peri war ihr erster Schöpfer.

Dem Genie von Claudio Monteverdi ist es zu verdanken, dass sich diese eher leidenschaftslose Bearbeitung zu einem dramma per musica mit Menschen aus Fleisch und Blut entwickelte und die Leidenschaften in die Kunstform der Oper (stile concitato) einbrachte. Mit L’incoronazione di Poppea schrieb er das größte Meisterwerk und die erste Oper mit Kastraten in den Hauptrollen.

Nach und nach erreichte die Kunstform andere Teile Italiens (Neapel: Scarlatti) und Nordeuropas (Deutschland: Schütz, England: Purcell). In Frankreich entwickelte sich 70 Jahre später eine französische Variante, die tragédie lyrique.

Die dominierende weltliche Kunstform des vorangegangenen 16. Jahrhunderts war das Madrigal, ein kunstvolles, mehrstimmiges Vokalstück. Aufgrund des ausgefeilten Kontrapunkts und der Polyphonie (Vielstimmigkeit) war die Textverständlichkeit extrem gering. Die Camerata wollte diesen Makel des Madrigals überwinden und eine neue Kunstform schaffen

1576 Gründung der Florentiner Camerata
1598 Die erste Oper: Dafne, von Jacopo Peri
1607 Das erste dramma per musica und Meisterwerk: Orfeo, von Claudio Monteverdi
1637 Das erste Opernhaus, das Teatro San Cassiano in Venedig,
163x Neue komische Opern werden für die Karnevalszeit geschrieben
1643 Kastraten treten in Hauptrollen auf: L’incoronazione di Poppea
1678 Erstes Opernhaus in Deutschland (Hamburg, Oper am Gänsemarkt)
1689 Das größte Meisterwerk der Anfänge außerhalb Italiens: Dido und Aeneas von Purcell

Recitar cantando: Klare und textverständliche Gesangsstimme, sparsam vom Basso continuo begleitet
Ritornello: Die Soloabschnitte werden kontrastierenden Chören des Orchesters gegenübergestellt
Monodie: Es ist solistischer (einstimmiger) Gesang, akkordisch begleitet, hohe Textverständlichkeit, Gegenteil von Polyphonie (mehrstimmig)
Seconda pratica: Gegensatz zur mehrstimmigen, traditionellen prima pratica. Monteverdi verwendete den Begriff seconda pratica für seine textverständlichen, leidenschaftlichen, dissonanten Arien.
Lamento: Ausdrucksvolles Lamento (siehe mehr: lamento)
Stile concitato: Monteverdi nannte Passagen, die in einem erregten Stil komponiert sind, stile concitato.

1607 L’Orfeo (Monteverdi)
1640 Il ritorno d’Ulisse in patria (Monteverdi)
1642 L’incoronazione di Poppea (Monteverdi).
1683 Dido und Aeneas (Henry Purcell).
1692 The Fairy-Queen (Purcell)

Pur ti miro, pur ti godo (L’incoronazione di Poppea)
Wenn ich in der Erde liege(Dido und Aeneas)

Lully (1632-1687) gilt als der Begründer der tragédie lyrique und der französischen Oper. In Florenz geboren, wurde er als 14-jähriger garcon de chambre nach Paris in ein Adelshaus gebracht. Er war dafür verantwortlich, dass die französische Oper einen ganz anderen Weg einschlug als die italienische (und später die europäische).

Lully war ein talentierter Musiker und sehr guter Tänzer, als er im Alter von 20 Jahren den 14-jährigen zukünftigen Sonnenkönig Ludwig XIV. kennenlernte. Ludwig war ebenfalls ein begeisterter Tänzer und es entwickelte sich eine Freundschaft zwischen den beiden.

Aufgrund des hohen Anspruchs Ludwigs XIV. entwickelte die tragédie lyrique einen umfassenden künstlerischen Ehrgeiz, der den Einsatz großer Mittel erforderte, um dem Hof ein großes Spektakel zu bieten. Lully komponierte zunächst in Zusammenarbeit mit Molière volkstümliche Komödien und dann in Zusammenarbeit mit Quinault die ersten Opern, die so genannten “tragédies lyrique”, in denen Chor und Ballett eine wichtige Rolle spielten, jedoch ohne Kastraten (wie es damals in Italien üblich war).

Mit dem Tod Lullys erstarrte die Kunstform, erst das Genie von Rameau konnte die Tragédie lyrique mit den so genannten Opéra Ballets und den virtuosen Orchesterstücken, die seine Opern bevölkerten, wiederbeleben. Doch 1750 war die Zeit vorbei, der Streit der Buffonisten und später der Piccinisten begründete die Opera seria und den Einfluss der italienischen Oper.”

Lully wandte sich bewusst von der frühen italienischen Oper ab, deren Schwerpunkt auf der Arie und dem Rezitativ lag. Er sah die Oper als eine Gesamtkunstform aus Gesang, Chor, Tanz, Schauspiel, Orchestermusik und Bühnendekoration. Infolgedessen bekamen diese Elemente mehr Gewicht und wurden zu obligatorischen Bestandteilen (z. B. Ouvertüre, Ballett, Bühneneffekte usw.). Rameau etablierte schließlich das Ballett in der französischen Oper, das in der italienischen und deutschen Oper nie eine Rolle spielte.

1673 Lully schreibt die erste Tragédie lyrique (Cadmus et Hermione)
1674 Lully schreibt das erste Meisterwerk (Armide)
1687 Lully stirbt
1735 Die berühmteste Ballettoper Les Indes galantes (Rameau)
1750 Die sogenannte Buffonisten-Kontroverse zwischen den Anhängern der italienischen und französischen Oper

Französische Ouvertüre: Sie besteht aus einem schnellen Mittelteil, der von schweren Abschnitten mit punktierten Rhythmen eingerahmt wird.
Ballet de cour, Ballet opéra: Das Ballett hatte in dieser Gattung eine große Bedeutung (Lully und Ludwig XIV: Ballet de cour). Der Höhepunkt wurde mit den Balletteinlagen von Les Indes galantes (Ballet opéra) erreicht (Rameau).
Haut-contre: Durch den Verzicht auf die Kastraten in der tragédie lyrique hatte sich der Stimmumfang eines Tenors mit hoher Lage entwickelt.
Prosodie: Die Kunst, das Wort zu rezitieren, wird in den solistischen Zwischenspielen (Mischung aus Rezitativ und Arie) hoch geschätzt.

Alceste (Jean-Baptiste Lully)
Armide (Jean-Baptiste Lully)
Les Indes galantes (Jean-Philippe Rameau)

130 Jahre nach den Anfängen der Oper hatte sich diese Kunstform zur szenischen und musikalischen Beliebigkeit entwickelt. Dass sich die Opera seria zu einer mächtigen Kunstform entwickeln konnte, ist (etwas vereinfacht) drei Männern zu verdanken:

Der Deutsche Händel etablierte die Kastraten als primi uomini und die Koloratursoprane als prime donne. Nachdem er drei Jahre lang in Italien gelernt und gereist war, beschloss er, sein Glück in London zu suchen – auf eigenes Risiko. Um sein Opernhaus florieren zu lassen, nutzte er das Starprinzip (Kastraten und Primadonnen), um den Adel und die Wohlhabenden in seine Theater zu locken. Ihre Waffe war die da capo aria, die es ihnen ermöglichte, ihre Virtuosität mit Koloraturen, Kadenzen und Verzierungen zu zeigen.

Der Italiener Metastasio reformierte die Poesie der Opera seria und seine Libretti wurden zu Blaupausen. Er reinigte die Handlung und legte feste Formeln fest. Seine Helden waren Götter, Ritter und Adlige. Kein anderer Librettist in der gesamten Operngeschichte vertonte mehr Werke. Mit seinem Umzug nach Wien wurde er auch für das deutschsprachige Europa einflussreich.

30 Jahre nach Händel war es schließlich an Gluck, die Opera seria zu reformieren und zu einer silbernen Blüte zu führen. Mit seinen sogenannten Reformopern domestizierte er die Stars. Nicht mehr hohle Affekte, sondern edle Gefühle sollten den Opernbesucher ansprechen.

Mozart war der letzte Große, der Werke für die Opera seria schrieb, er selbst zählte seinen Idomeneo zu seinem größten Schaffen.

Die Opera seria öffnete sich dem bürgerlichen Publikum, damit wurde die Musik internationaler und das Starprinzip erfunden. Die Virtuosität wurde zur Hauptsache und die Literatur zur Nebensache.

1709 Händel schreibt sein erstes und größtes Meisterwerk der Opera seria (Rinaldo) im Alter von 24 Jahren.
1722 Der Kastrat Farinelli wird der erste Megastar-Sänger
1723 Beginn von Händels großem Opernstarruhm in London mit Cuzzoni (Sopran) und Senesino (Kastrat)
1724 Metastasio schreibt sein erstes Libretto
1726 Krieg der Diven Cuzzoni und Bordoni an der Händel-Oper in London
1730 Metastasio geht nach Wien
1735 Händel komponiert Semele, sein letztes Meisterwerk in der Gattung der Oper
1762 Gluck komponiert seine Reformoper Orfeo ed Euridice
1781 Mozart schreibt Idomeneo, sein erstes Meisterwerk in der Gattung Oper
1791 Das letzte Meisterwerk der Opera seria: La clemenza di Tito von Mozart

Da-capo-Arie: Die da-capo-Arie (da-capo bedeutet Wiederholung) ist in drei Teilen A-B-A’ geschrieben. Normalerweise wird der A’-Teil vom Interpreten mit Koloraturen usw. ausgeschmückt.
Koloratur: Das Ballett hatte in dieser Gattung eine große Bedeutung (Lully und Ludwig XIV: Ballet de cour). Der Höhepunkt wurde mit den Balletteinlagen von Les Indes galantes (Ballet opéra, Rameau) erreicht.
Kastrat: Ein Kastrat ist eine männliche Gesangsstimme, die der eines Soprans oder Mezzosoprans entspricht. Die Stimme wird durch Kastration des Sängers vor der Pubertät erzeugt,

1711 Rinaldo (Händel)
1724 Giulio Cesare (Händel)
1735 Alcina (Händel)
1744 Semele (Händel)
1762 Orfeo ed Euridice (Gluck)
1779 Iphigénie en Tauride (Gluck)
1781 Idomeneo (Mozart)
1791 La clemenza di Tito (Mozart)

Venti turbini, Rinaldo (Händel)
Unis dès la plus tendre enfance Iphigénie en Tauride, (Gluck)
Fuor del mar ho un mar nel seno, Idomeneo (Mozart)

Die Opera buffa war im 18. Jahrhundert die Volksoper. Sie basierte auf der Commedia dell’arte und war der Gegensatz zur aristokratischen Opera seria in Italien. Das bekannteste Werk ist La serva del padrone, ein 50-minütiges Stück von Paisiello, das als Intermezzo zwischen zwei Akten einer Opera seria diente.

Obwohl die Werke der Opera buffo heute fast ausgestorben sind, war ihr Einfluss nicht unbedeutend.

Rossinis Komödien sind ohne Opera buffa nicht denkbar, und auch Mozart war über den Italiener da Ponte dem Einfluss der Opera buffa ausgesetzt (Don Giovanni, Le nozze di Figaro und Cosi fan tutte zeugen davon), auch wenn sie als Cross-Over-Werke nicht zum Genre gezählt werden. Vor allem das klassische Thema des unterschiedlichen Status der Opera buffa war für Mozart von großer Bedeutung.

Die Buffonisten-Kontroverse in Paris zwischen italienischer und französischer Oper wurde auch durch italienische Tourneetheater der opera buffa ausgelöst. Insbesondere Rousseau thematisierte die “Natürlichkeit” der italienischen Oper im Gegensatz zur “Künstlichkeit” der tragédie lyrique.

Mit dem Aufkommen der aristokratischen Opera seria hatte die populäre Oper ihren Platz verloren. Auf der Grundlage der commedia dell’arte wurde sie als 0pera buffa auf den Marktplätzen und später in den Theatern neu erfunden. Die Musik ist vereinfacht und die Dialoge sind spärlich untermalt, manchmal in Dialekt geschrieben. Im Gegensatz zur mythologischen Welt der Opera seria bilden alltägliche Themen und Klassenunterschiede die Handlungen.

 

Commedia dell’arte auf der Piazza San Marco, Venedig 1615

 

 

Meilensteine

Welche Jahre waren die Zeit der Opera buffa und was waren die wichtigsten Meilensteine?

170x Erste Theater in Neapel mit Werken der Opera buffa.
1724 Paisiello komponiert la serva padrone als Intermezzo
1752 Buffonisten-Kontroverse in Paris
1792 Cimarosa komponiert mit il matrimonio segreto das letzte wichtige Werk

Parlando: schneller Gesang mit gut artikulierter Aussprache und leichter Intonation, wobei auf den Rhythmus geachtet wird.
Intermezzo: Zwischenspiel zwischen zwei Akten einer Opera seria.
Kastrat: Ein Kastrat ist eine männliche Gesangsstimme, die der eines Soprans oder Mezzosoprans entspricht. Die Stimme wird durch Kastration des Sängers vor der Pubertät erzeugt.

1724 La serva padrone (Paisiello) komponiert als Intermezzo
1792 Il matrimonio segreto (Cimarosa)

Lo conosco a quegli occhietti, (La serva padrone)

Das populäre Singspiel gibt es im deutschsprachigen Raum seit Beginn des 18. Jahrhunderts. Als der österreichische Kaiser begann, das Singspiel als Gegengewicht zur italienischen Oper zu fördern, entwickelte sich ein elaboriertes Genre, das die besten deutschsprachigen Komponisten anzog. Auf diese Weise öffnete er das Opernhaus für das Musiktheater mit gesprochenen Dialogen und Liedern (Volksliedern).

Mozart schrieb die Entführung aus dem Serail, das erste Meisterwerk, zu dem ihn der Kaiser persönlich eingeladen hatte. Weniger als 10 Jahre später ließ Mozart die Zauberflöte folgen.
Fidelio wird ebenfalls als Singspiel eingestuft, obwohl dies streng genommen nur für den ersten Teil gilt. Mit dem Aufkommen der deutschen Frühromantik (dem Biedermeier) kam die große Zeit des Singspiels. Webers Freischütz inspirierte eine ganze Generation von Komponisten, und mit Die lustigen Weiber von Windsor fand das Singspiel einen würdigen letzten Höhepunkt.

 

 

Was war neu?

Wie unterschieden sich die Anfänge des Singspiels von der vergangenen Zeit?

Das Singspiel unterscheidet sich von der italienischen und aristokratischen Oper. Es unterscheidet sich durch die gesprochenen Dialoge (anstelle von begleiteten Rezitativen), die Verwendung von Liedern (anstelle von aufwendigen Arien) und populären Geschichten (z. B. Märchen). Das künstlerische Niveau ist in den Spitzenwerken des Singspiels (z.B. Zauberflöte, Fidelio, Freischütz) sehr hoch.

1766 Kaiser Joseph II. erklärt das Wiener Burgtheater zum Austragungsort des Deutschen Singspiels
1782 Kaiser Joseph beauftragt Mozart persönlich mit der Komposition von Die Entführung aus dem Serail
1811 Uraufführung von Der Freischütz
1849 Das letzte Meisterwerk des Singspiels (Die lustigen Weiber von Windsor)

Lied: Solostück mit einfachen Melodien und Refrain.

1782 Die Entführung aus dem Serail (Mozart)

1791 Die Zauberflöte (Mozart)

1805 Fidelio (Beethoven)

1811 Der Freischütz (von Weber)

1837 Zar und Zimmermann (Lortzing)

1849 Die lustigen Weiber von Windsor (Nicolai)

Der Vogelsänger bin ich ja (Zauberflöte)

Der Hölle Rache (Zauberflöte)

Wolfsschluchtszene (Der Freischütz)

Durch die Wälder durch die Auen (Der Freischütz)

Leise, leise von meiner Weise (Der Freischütz)

Horch, die Lerche singt im Hain (Die lustigen Weiber von Windsor)

Belcanto beschreibt eine italienische Gesangstechnik vor 1900, die Reinheit und Zartheit des Tons, Fluss (legato), Singen mit dem Atem (canto sul fiato) und weitere dynamische Flexibilität (messa di voce) und Beweglichkeit in der Verzierung beinhaltet. Berühmte (klassische) Belcanto-Komponisten waren Donizetti, Bellini und Rossini, aber auch Verdi komponierte überwiegend im Belcanto-Stil.
Dieser Belcanto-Stil wurde von den Kastraten im 18. Jahrhundert perfektioniert (siehe Kapitel Opera seria). In diesen Abschnitten spricht man vom klassischen Belcanto, der ab 1800 vor allem mit Donizetti, Bellini und Rossini in Verbindung gebracht wird und als Höhepunkt der Belcantokultur gilt. Auch Verdi komponierte überwiegend im Belcanto-Stil, ist aber musikgeschichtlich der Hochromantik zuzuordnen.

In der Epoche des klassischen Belcanto war der Star nicht mehr der Kastrat, sondern der coloratura (mezzo) soprano. Die Komponisten des Belcanto schrieben Arien in die Kehle der prima donna, die damit in die Geschichte einging. Namen wie Isabella Colbran (zeitweise die Ehefrau von Rossini), Giuditta Pasta (zeitweise die Geliebte von Bellini) und Giuditta Grisi sind noch heute mit den Werken der drei Großen verbunden.

Neben Neapel, Rom und Mailand entwickelte sich Paris zu einem internationalen Opernzentrum. Alle drei großen italienischen Belcanto-Komponisten zogen nach Paris und schrieben ihre Spätwerke für die französische Hauptstadt (z.B. Guillaume Tell, Don Pasquale, I puritani).

Der Durchbruch kam Anfang der dreißiger Jahre. Der Tenore di grazia (lyrischer Tenor) und der Koloratursopran der Belcanto-Epoche wurden durch den dramatischen Spinto-Tenor und den dramatischen Mezzosopran ersetzt. An den großen Theatern (Grand Opera, La Fenice, La Scale usw.) wurden die Durchschlagskraft der Stimme und das dramatische Potenzial zum wichtigsten Kriterium für Komponisten wie Verdi und Wagner.

Die Unterscheidung zwischen Opera buffa und Opera seria des 18. Jahrhunderts wurde aufgehoben. Im Belcanto-Stil bedienten die Komponisten beide Gattungen gleichermaßen. Die Arie wurde durchkomponiert (die Freiheiten der Da-capo-Arie verschwanden) und die schöne Melodie wurde zum Maßstab. Denn die Komponisten waren nicht mehr Angestellte der Fürsten, sondern Angestellte der Impresarios, die ihre Theater füllen wollten

1813 Barbaja, der erste moderne Theaterimpresario, verwandelt das neapolitanische Opernhaus San Carlo in ein Spielkasino. Rossini wird künstlerischer Leiter und soll die Gäste mit Musik anlocken. 1815 Rossini erfindet mit L’Italiana in Algeri die Opernkomödie neu, die Koloratursopranistin wird zum Star.
1815 Rossini komponiert Il barbiere di Siviglia, die musikalische Komödie par excellence.
1829 Rossini schreibt seine letzte Oper, Guillaume Tell, und verstummt im Alter von 37 Jahren.
1831 In der Uraufführung von La Sonnambula bilden Battista Rubini und Giuditta Pasta das romantische Liebespaar. Bellini doppelte wenig später mit Norma nach und schrieb damit das Hauptwerk der Belcanto-Epoche.
1835 Donizetti schreibt die Wahnsinnsszene von Lucia di Lammermoor, ein ikonisches Stück der Opernliteratur, das eine ganze Generation von Komponisten beeinflusst.
1837 Der französische Tenor Duprez singt das hohe C in Guillaume Tell aus der Brust (und nicht mit Kopfstimme) und leitet damit die Ära des dramatischen Tenors ein.

 

 

Stilelemente

Welche Stilelemente und Techniken kennzeichnen die Opera buffa?

Scena ed aria: Die sogenannte scena ed aria ist ein Strukturelement der klassischen italienischen Oper, das eine stark schematisierte Szene mit einzelnen Figuren beschreibt. Die Abfolge der Scena ed Aria ist: Rezitativ (tempo d’attacco), langsame Arie (cavatina), Rezitativ (tempo di mezzo), schnelle Arie (cabaletta) und eventuell eine Stretta am Ende. Die Scena ed Aria ermöglichte es den Librettisten, die Szenen nach einem festen Schema zu schreiben, ohne dass eine langwierige Abstimmung mit dem Komponisten erforderlich war. Die Form der Scena ed Aria wurde von Rossini perfektioniert und von Donizetti, Bellini und Verdi übernommen.

Koloratur: In der Opernmusik bezeichnet Koloratur eine Passage, die besondere Beweglichkeit erfordert, vor allem in der hohen Lage. Dazu gehört vor allem das Singen von langen Tonfolgen mit Trillern und anderen Verzierungen.

1813 L’italiana in Algeri (Rossini)
1813 Tancredi (Rossini)
1816 Il barbiere di Siviglia (Rossini)
1829 Guillaume Tell (Rossini)
1831 La sonnambula (Bellini)
1831 Norma (Bellini)
1832 L’elisir d’amore (Donizetti)
1835 I puritani (Bellini)
1835 Lucia di Lammermoor (Donizetti)
1840 La fille du régiment (Donizetti)
1843 Don Pasquale (Donizetti)

Mira o Norma (Norma)

Casta Diva (Norma)

Il dolce suono (Lucia di Lammermoor)

Una furtiva lagrima (L’Elisir d’amore)

Largo al factotum (Il barbiere di Siviglia)

Asile héréditaire italienisch: o muto asil del pianto (Guillaume Tell)

Naqui all’affanno … non più mesta (Cenerentola)

Der Begriff “Opéra Comique” ist etwas irreführend. Er wurde im frühen 18. Jahrhundert erfunden, um die Opéra Comique von der Tragédie lyrique mit ihren Göttern und Adligen in den Hauptrollen zu unterscheiden. Diese hatte zwar auch einen komödiantischen Kern (z. B. die Vaudevilles), doch wendete sich das Blatt und die Opéra comique wandte sich einer neuen, künstlerisch überlegenen Opéra comique zu. Die Geburt der “klassischen” opéra comique erfolgte 3 Jahre nach der Französischen Revolution.

Napoleon persönlich definierte das Genre der opéra comique per Dekret: “Komödie oder Drama gemischt mit Versen, Arietten oder Ensemblestücken (comédie ou drame mêlés de couplets, d’ariettes ou de morceaux d’ensemble). ”

Sie wurde zur Oper des Bürgertums und des Volkes, und das wichtigste Stilelement waren gesprochene Dialoge (anstelle von Rezitativen mit Musikbegleitung). Das Spektrum reichte von Komödien bis zu Dramen mit maximal drei Akten. Das erste Meisterwerk war die Oper Frau Diavolo von Auber.

Eugène Scribe und seine Schreibwerkstatt wurden zur wichtigsten Quelle für Libretti, von denen fast 500 Stück entstanden. Scribe verband vor allem sentimentale Intrigen mit bürgerlichen Konventionen, Patriotismus und Satire auf seine Zeitgenossen.

Ab 1850 begann die Abgrenzung zur Grand Opéra zu verschwimmen, und es entstanden die größten Werke des Genres (Carmen, Les contes d’Hoffmann, Faust, Manon). Sie alle waren Werke, die auf die Konventionen der Opéra Comique zugeschnitten waren.

Der Begriff “Opéra Comique” bezeichnet nicht nur ein Genre, sondern auch einen Ort in Paris und ist bis heute eine französische Institution geblieben. Die heutige Opéra comique (in Paris auch als Salle Favart bekannt) ist ein wunderschönes historisches Theater und geht auf das Jahr 1898 zurück. Die beiden Vorgängertheater brannten ab, darunter auch das Uraufführungstheater von “Carmen”; der Brand ereignete sich 1887 und kostete etwa 100 Menschen das Leben.

Die Opéra comique unterschied sich stark von der bombastischen, fünfaktigen Tragédie lyrique. Zu den wichtigsten Formen der Opéra comique gehörten: die Verwendung der französischen Sprache, 3 Akte, gesprochene Dialoge, realistische (d. h. nicht mythologische usw.) Themen. Für viele Opern wurden später Rezitative komponiert, um sie für andere Opernhäuser zu adaptieren (z. B. Carmen).

1793 Napoléon Bonaparte ordnet die neue Opéra comique an
1797 Uraufführung des Hauptwerks der sogenannten Rettungsoper, Médée von Cherubini
1830 Fra Diavolo von Auber erscheint, Eugene Scribe ist der Librettist
1840 Donizetti erobert mit La fille du régiment die Opéra comique
1850 Öffnung zum Drama: Die Opéra comique wird zur “kleinen Grand Opéra”.
1850 Das komödiantische Genre ist nicht mehr Teil der Opéra comique und wendet sich der Operette zu
1875 Die Oper Carmen provoziert einen Theaterskandal an der Opéra comique
1887 Brand des zweiten Salle Favart während einer Aufführung, der 100 Todesopfer fordert

Couplet: Der Begriff stammt aus der französischen Oper. Ein Couplet ist ein mehrstrophiges, fröhliches Lied mit einem ausgeprägten Refrain in der Art eines Rondos, mit einem wiederkehrenden Refrain. Ein Beispiel ist Chacun le sait, chacun le dit aus der Oper La fille du régiment.
Rettungsoper: Die Rettungsoper (comédie héroique) wurde nach der Revolution populär. “Rettung aus der Not” in Kombination mit einer Liebesgeschichte ist das Schema ihrer Handlung, die berühmtesten Werke sind Medée (Cherubini) und das Singspiel Fidelio (Beethoven)
Zu den wichtigsten Formen der Opéra comique gehören: die Verwendung der französischen Sprache, 3 Akte, gesprochene Dialoge, realistische (d. h. nicht mythologische usw.) Themen.

1797 Medea (Cherubini)
1826 Fra Diavolo (Auber)
1840 La fille du régiment (Donizetti)
1859 Faust (Gounod)
1875 Carmen (Bizet)
1881 Les contes d’Hoffmann (Offenbach)
1884 Manon (Massenet)

Salut la France (La fille du regiment)
L’amour est un oiseau rebelle (Carmen)
Ah, fuyez douce images (Faust)
Les oiseaux de la charmille (Les contes d’Hoffmann)

Grand Opéra (französisch) ist die Bezeichnung für eine Operngattung, die nach der Französischen Revolution in Paris entstanden ist. Die Grand Opéra baute auf den Traditionen der Gluckschen Reformoper und der Opéra Comique auf.

Rossinis “Guillaume Tell” (1829) bildete zusammen mit Aubers “Muette de Portici” (1828) und Meyerbeers “Robert le diable” (1831) den Prototyp dieser neuen Art von prunkvoller Oper mit historisierender Thematik, die den Anspruch erhob, die Kunstgattungen Musik, Literatur, Tanz, Dekoration und Malerei zu verbinden. Spezialisierte Komitees für jede Kunstgattung kümmerten sich um die Ausarbeitung der Details, und endlose Proben deckten Schwachstellen auf, die wiederum zu Änderungen der Komposition führten.

Die Produktionen der Grand Opéra verlangten von den Künstlern, historisches Material mit authentischem Kolorit zu schaffen. Für die Inszenierung von Rossinis Guillaume Tell zum Beispiel wurde der Bühnenbildner Cicéri in die Innerschweiz geschickt, wo er Skizzen für die Bühnenbilder anfertigte.

Das Stück wurde in seiner Blütezeit im Salle Pelletier aufgeführt, der 1873 einem Brand zum Opfer fiel. Die Werke der Grand Opéra haben fünf Akte und umfassen ein ausgedehntes Ballett. Die Opern wurden aufwendig geplant und mit gigantischem Aufwand inszeniert. Für Don Carlo, der 1867 während der Pariser Weltausstellung aufgeführt wurde, mussten zum Beispiel 355 Kostüme genäht werden.

Giacomo Meyerbeer gilt als der erfolgreichste Komponist der Grand Opéra. Richard Wagner versuchte viele Jahre lang, mit der Grand Opéra Erfolg zu haben, scheiterte aber mit seinem Tannhäuser in einem Fiasko, das in die Geschichte einging. Die meisten Werke dieser Gattung werden heute wegen der gigantischen Kosten nur noch selten aufgeführt (z. B. Les Huguenots oder L’Africaine).

Die Grand Opéra übernahm die große Entfaltung und viele Formen der tragédie lyrique, öffnete sich aber mit historisierenden Themen und eingängigerer Musik dem bürgerlichen Publikum.

1828 La muette de portici wird als erstes Werk der Grand Opéra in der Salle Pelletier aufgeführt
1829 Rossinis komponiert Guillaume Tell für die Grand Opéra
1830 Meyerbeer erobert mit Robert le diable die Grand Opéra und beherrscht sie für die nächsten 20 Jahre
1855 Verdi wendet sich mit Vepres siciliennes und später Don Carlo ebenfalls der Grand Opéra zu
1865 Meyerbeer schreibt seine letzte Oper (L’Africaine)
1873 Der Salle Pelletier brennt ab und das Palais Garnier wird zur neuen Spielstätte, aber der Niedergang setzt ein

1828 La muette de portici (Auber)
1829 Guillaume Tell (Rossini)
1830 Robert le diable (Meyerbeer)
1835 La Juive (Halévy)
1836 Les Huguénots (Meyerbeer)
1865 Don Carlos (Verdi)

O Paradis (L’Africaine)

Spuntato ecco il dí d’esultanza

Verdi:

Als Verdi sein erstes Meisterwerk schrieb, war Rossini bereits verstummt, Bellini war gestorben und Donizetti waren noch einige Jahre vergönnt. Verdis Hauptaufgabe bestand nun darin, die Musik des Belcanto zu dramatisieren. Die Rollen der Sänger wurden dramatischer, die Chöre wichtiger und die Musik härter. Nabucco war die Blaupause für diesen neuen Stil; nie hat Verdi lauter und kriegerischer komponiert.

Verdi ging bei seinen Kompositionen immer strategisch vor. Vor dem Kompositionsprozess legte er den musikalischen Stil der Oper fest. Jedes Werk von Nabucco an sollte nun seinen eigenen Fingerabdruck haben. Er nannte sie Tinta musicale.

Konsequent verfolgte er den Weg des Dramas und schrieb mit Macbeth und Simon Boccanegra seine ersten Musikdramen. Das hinderte Verdi aber nicht daran, immer wieder klassische Nummernopern zu schreiben, vor allem die triologia popolare seiner Galeerenjahre (Il trovatore, La Traviata und Rigoletto) und auch sein Spätwerk Aida war eine Nummernoper.

Er war ein Genie und ein harter Arbeiter. Zwanzig seiner Werke werden noch immer regelmäßig in Theatern aufgeführt und bilden das Rückgrat des Opernrepertoires. Verdi revolutionierte das Verhältnis zwischen Impresario und Komponist. Er setzte durch, dass die Verwertungsrechte beim Komponisten verbleiben und dass dieser nicht mehr ständig Werke produzieren muss.

Die letzten beiden Werke (Otello, Falstaff) wurden zu durchkomponierten Musikdramen par excellence, die er nach Werken seines Lieblingsdramatikers Shakespeare komponierte.

 

Wagner:

Wagners Ausgangspunkt war das Singspiel; er selbst nannte Fidelio, den er als 16-Jähriger mit Schröder Devrient in der Hauptrolle gesehen hatte, und Freischütz als Grundlage seiner Oper.

Der Einfluss von Grand Opéra und Belcanto ist nicht zu unterschätzen; Wagner schätzte die Musik Bellinis, die er als Dirigent gründlich kennenlernte. Selbst der Lohengrin, den er im Alter von 37 Jahren schrieb, atmet noch die italienische Gesangskunst. Doch mit Der fliegende Holländer hatte er unwiderruflich den Weg des Dramas eingeschlagen, den er konsequent weiterentwickelte, bis er mit Tristan und Isolde dort landete.

Das Rückgrat seiner Dramatik waren die hochdramatischen Sopran– (Brünnhilde, Isolde) und die Heldentenor-Rollen (Siegfried, Tristan, Tannhäuser). Die Anforderungen an die Sänger waren so hoch, dass Wagner sechs Jahre brauchte, um Sänger für seine Oper Tristan und Isolde zu finden. In dem Tenor Ludwig Schnorr von Carolsfeld fand er den ersehnten Tristan. Schnorr begeisterte das Publikum bei der Uraufführung in München, starb aber acht Tage nach der vierten Aufführung im jungen Alter von 29 Jahren. Er hatte die vierte Aufführung krank gesungen und starb nach landläufiger Meinung an der mörderischen Rolle.

Mehr und mehr wurden Leitmotive zum dominierenden Kompositionsprinzip, bis sie im Ring zum erzählerischen Gestaltungsprinzip wurden. Bei Wagner erlebte das Orchester einen unerhörten Farbenreichtum, und seine Ouvertüren, Verwandlungsmusiken und neuen Harmonien inspirierten mehrere Generationen von Komponisten (siehe auch: Tristan-Akkord).

Sein Lebenswerk ist unbestreitbar gigantisch; neben seiner Größe als Musiker war er auch sein eigener Librettist. Sein Lebenswerk krönte er mit einem eigenen Theater und Festspielen in Bayreuth, die bis heute fortbestehen. Mit dem Ring wurde das Musikdrama zu einem Gesamtkunstwerk.

Kein Musiker vor oder nach ihm hatte so viel Einfluss auf seine Nachfolger wie Richard Wagner. Mahler, Strauss, Puccini, Korngold, Leoncavallo, Debussy und Humperdinck beriefen sich alle auf den Meister.

Die Musik wurde dramatischer und es entstanden neue Stimmtypen: der dramatische Sopran, der Spinto-Tenor, der Heldentenor und der hochdramatische Sopran (Hochdramatische).

Das Orchester und der Chor gewannen an Bedeutung und Farbe und wurden zu eigenständigen Figuren. Das Drama entwickelte sich aus der belcantistischen Nummernoper.

1842 Verdi hat Erfolg mit Nabucco, seinem ersten Meisterwerk
1843 Wagner hat Erfolg mit Der fliegende Holländer, seinem ersten Meisterwerk
1850 Wagner beginnt mit den Arbeiten am Ring, die 25 Jahre dauern
1847 Verdi schreibt sein erstes Musikdrama, Macbeth.
1851 Verdi schreibt Rigoletto, das erste Werk der triologia popolare
1865 Mit Tristan und Isolde verändert Wagner die europäische Musiklandschaft für immer
1876 Erstaufführung des Ring des Nibelungen in Bayreuth
1882 Uraufführung des Parsifal in Bayreuth, das für die nächsten 30 Jahre der einzige Aufführungsort für diese Oper bleibt.
1887 Der 74-jährige Verdi schreibt sein bedeutendstes musikdramatisches Werk, den Otello

Musikdrama : Die Musik ist nicht mehr in Szenen und Nummern unterteilt (“Nummernoper”), sondern die Szenen bilden eine untrennbare Einheit. Charakteristisch ist, dass die Szenen und ihre Musik durchkomponiert sind, ohne Unterbrechungen wie Terzette, Finals, Rezitative usw.).
Heldentenor: Heroischer Tenor. Tenorstimme mit strahlender Kraft in der dramatischen Stimmlage. Die körperlichen Anforderungen an den Sänger sind immens. Die Dauer der Oper ist meist sehr lang und die Begleitung durch das Orchester ist laut und dicht. Der Tannhäuser ist wohl die schwierigste Heldentenorpartie.
Hochdramatischer Sopran: Der hochdramatische Sopran ist das weibliche Gegenstück zum Heldentenor. Es ist eine Sopranstimme mit strahlender Kraft. Er muss auch Rollen mit extremen Gefühlsausbrüchen singen. Typische Rollen sind Salome (Strauss), Elektra (Elektra), Brünnhilde (Götterdämmerung) und Isolde (Tristan und Isolde).
Leitmotiv: künstlerisches Mittel, das in einem Werk wiederholt als musikalisches Motiv verwendet wird.
Spinto-Tenor: eine etwas schwerere Tenorstimme. Sie liegt zwischen dem lyrischen Tenor und dem Heldentenor. Die Stimme des Spinto-Tenors ist kraftvoll und brillant in den hohen Tönen. Verdis Tenorrollen sind in der Regel Spinto-Rollen (Manrico, Riccardo, Radames usw.).

1847 Nabucco (Verdi)
1847 Macbeth (Verdi)
1853 La Traviata (Verdi)
1851 Rigoletto (Verdi)
1871 Aida (Verdi)
1887 Otello (Verdi)
1850 Lohengrin (Wagner)
1865 Tristan und Isolde (Wagner)
1868 Die Meistersinger von Nürnberg (Wagner)
Div. Der Ring des Nibelungen (Wagner)
1882 Parsifal (Wagner)

Va pensiero (Nabucco)
Di quella pira (Il Trovatore)
Bella figlia d’amore (Rigoletto)
Vieni! t’affretta accendere… Or tutti sorgete (Macbeth)
In fernem Land(Lohengrin)
Mild und Leise(Tristan und Isolde)
Ritt der Walküren(Die Walküre)

Verismo:

Der Verismo ist das italienische Gegenstück zur Spätromantik des späten 19. Jahrhunderts im nördlichen Teil Europas. Mascagnis Cavalleria rusticana war das erste musikalische Werk dieses Stils und wurde zum Vorbild des Verismo.

Das Genre des Verismo verband realistisches Theater mit rauer, emotionaler Musik. Um die größtmögliche Wirkung zu erzielen, versuchte die Musik, heftige Leidenschaften und intensive Gefühle auszudrücken. Sie sollte das Herz des Zuhörers berühren und an seine sensible Seite appellieren. Der “künstliche”, geschönte Belcanto-Klang wurde zugunsten von dramatischen Gesangslinien aufgegeben.

Es gibt keine formale Definition des Verismo, aber im zweiten Hauptwerk des Verismo, dem Pagliaccio, lässt der Komponist Leoncavallo Tonio im Prolog einen charakteristischen Satz sagen: Die Menschen auf der Bühne sind “aus Fleisch und Blut” – der Text des Prologs wurde zum Programm des Verismo.

Der Mailänder Verleger Edoardo Sonzogno gilt als Geburtshelfer des Verismo. Um neue Talente zu fördern, schrieb er mehrmals Kompositionswettbewerbe für Einakter aus. Bereits aus der zweiten Auflage ging Mascagni mit Cavalleria rusticana als Sieger hervor. Sonzogno wurde zum Verleger der Veristen.

Puccini:

Puccini war der letzte Romantiker in der Geschichte der Oper und wurde zum Schöpfer großer Gefühle in Gestalt unvergesslicher Frauengestalten wie Butterfly, Mimi oder Tosca. Seine Lebensenergie und sein berufliches Schaffen schöpfte er zu einem großen Teil aus den großen Gefühlen der Leidenschaft, die er in seinem wirklichen Leben in den vielen Lieben suchte.

Seine orchestrale Sprache ist ungemein farbig, seine Orchesterszenen aus La bohème (barrière d’enfer, Straßen- Szene vor dem Domus-Restaurant) oder Turandot (Massenszenen) werden zu spätromantischen Meisterwerken.

Wie Verdi gab Puccini jeder Oper eine eigene Handschrift, und er entwickelte seinen Stil ständig weiter. Am nächsten kam er dem Verismo in Tosca, am nächsten der Spätromantik in Turandot.

Wie Verdi blieb er immer der Melodie verpflichtet und er schrieb eine erstaunliche Anzahl unsterblicher Hits.

Mit dem Verismo wurde die Grundlage der Gesangstechnik des Belcanto teilweise aufgegeben. Emotionale Ausbrüche und Gewalt verlangten nach einem neuen Gesangsstil. Der Realismus ließ die Szenen im sozial niedrigeren Milieu spielen, und die Sprache und die Stilmittel wurden schärfer. Das Schluchzen des Pagliaccio (Vesti la giubba) wurde zur ikonischen Geste des Verismo.

1881 Ramon Varga inspiriert die Musiker mit seinem ersten Verismo-Roman.
1883 Sonzogno lanciert den ersten Komponistenwettbewerb für einaktige Opern.
1890 Mascagni gewinnt den zweiten Wettbewerb von Sonzogno mit Cavalleria rusticana (nach einem Roman von Varga). Die Premiere wird zu einem der größten Triumphe der Operngeschichte. Der Einakter wird zur Blaupause des musikalischen Verismo.
1893 Puccini gelingt mit Manon Lescaut der Durchbruch.
1896 Umberto Giordano wird als völlig unbekannter Musiker mit seinem Meisterwerk “Andréa Chenier” schlagartig berühmt.
1904 Die ersten Grammophonaufnahmen von Enrico Caruso erscheinen. Sein “Vesti la giubba” (Pagliacci) wird der erste Millionenhit der Schallplattenindustrie.
1910 Puccini hatte sich den Vereinigten Staaten zugewandt, und zum ersten Mal in der Operngeschichte findet eine Uraufführung eines bedeutenden Werkes in den Vereinigten Staaten statt (La fanciulla del West).
1921 stirbt Puccini, seine letzte Oper Turandot wird posthum aufgeführt

Intermezzo: Zwischenaktmusik, die zu einem ikonischen Stück der veristischen Oper wurde. 3 Intermezzi wurden weltberühmt (Cavalleria rusticana, Pagliaccio, Manon Lescaut). Dramaturgisch dienten sie oft als Vorspiel zur Klimakatastrophe.
Einaktige Oper: Zum Komponistenwettbewerb von Sonzogno wurden nur einaktige Opern zugelassen. So kam dieser Typus in Italien in Mode. Puccini komponierte drei Einakter in seinen Tryptiche.

1890 Cavalleria rusticana (Mascagni)
1892 Pagliacci (Leoncavallo)
1896 Andrea Chénier (Giordano)
1926 Tosca (Puccini)
1902 Adriana Lecouvreur (Cilea)
1926 Turandot (Puccini)

Vesti la giubba (Pagliacci)
Intermezzo (Cavalleria rusticana)
Vicino a te (Andrea Chénier)
E lucevan le stelle (Tosca)
Nessun dorma (Turandot)

Spätromantik:

Ein wichtiges Merkmal war die deutliche Vergrößerung des Orchesters. Zusätzliche Instrumente wie die Celesta brachten neue Farben in das Orchester. Die Tonalität wurde erweitert, inspiriert durch die beispielhafte Tristan-Harmonie, aber die Musik blieb tonal. Der Orchestersatz wurde komplexer mit einer enormen Dichte an Motiven, komplexeren Rhythmen und Harmonien.

Modernismus / Expressionismus:

Die Moderne nutzte die Mittel der Polytonalität und Atonalität. Bezeichnenderweise hatte Berg eine klare Vorstellung davon, wie die Sänger zu singen hatten, seine Anweisungen lauteten: “Auf keinen Fall singen! Aber dennoch ist die Tonhöhe anzugeben und in der Singstimme (genau nach den Noten) zu notieren; letztere aber mit Sprachresonanz.”

Polytonalität, Dissonanz und Atonalität lösten die Melodie als vorherrschendes Stilmittel ab.
Im Zeitalter der Moderne war die Gesangskunst des Belcanto endgültig passé, die Singstimme näherte sich der Sprechstimme an.

1902 Uraufführung von Pelléas et Mélisande
1905 Uraufführung von Salomé, Strauss wird zum Avantgarde-Komponisten
1909 Uraufführung von Elektra, dem ersten Werk der Moderne
1909 Schönberg schreibt die einaktige Oper Erwartung, die erste atonale Oper
1911 Strauss wird mit Der Rosenkavalier überraschenderweise konservativ
1920 Uraufführung von Die tote Stadt von Korngold
1925 Uraufführung von Wozzeck
1934 Korngold emigriert nach Hollywood und inspiriert die Filmindustrie mit der spätromantischen Musiksprache
1949 Tod von Richard Strauss

Orchesterklänge: In Salome komponierte Strauss für ein Orchester mit über 100 Musikern. Eine fünfzehnköpfige Blechbläsergruppe sowie damals ungewöhnliche Orchesterinstrumente wie Celesta, Harmonium und Orgel sorgen für charakteristische Klangfarben.
Atonalität: Musik, deren Harmonien und Melodien nicht auf ein tonales Zentrum oder einen Grundton festgelegt sind.

1902 Pelléas et Mélisande (Debussy)
1905 Salome (Strauss)
1909 Elektra (Strauss)
1911 Rosenkavalier (Strauss)
1920 Die tote Stadt (Korngold)
1925 Wozzeck (Berg)
1937 Lulu (Berg)

Mir ist die Ehre widerfahren (Rosenkavalier)

Ach, du wolltest mich nicht Deinen Mund küssen lassen (Salome)

Ob ich nicht höre (Elektra)

Langsam, Wozzeck, langsam (Wozzeck)