Archive for category: Uncategorized @da

Online operaguide og synopsis til Leonard Bernsteins CANDIDE

Denne operette af Leonard Bernstein er en absolut perle. Hvert af stykkerne har en fantastisk humor, lidenskab og musikalitet. Det er både komedie og samfundskritik. Det var ouverturen, der gjorde den berømt. Man skal næsten tilbage til Rossini for at finde en ouverture, der fanger komedien i handlingen så perfekt.

Indhold

♪ Synopsis

♪ Akt I (Westfalia, Auto-da-fe, Paris, Cadiz)

Akt II (Montevideo, jesuitterne, Eldorado, Surinam, Venedig)

Anbefaling af indspilning

♪ Indspilningsanbefaling

Højdepunkter

♪ Ouverture

♪ Liv er sandelig lykke

♪ Oh lykkelige vi

Det må være sådan

Auto-da-fé

Glitter og være bøsse (Jewel Aria)

♪ What’s the use

♪ Få vores have til at vokse

Bernsteins Candide følger Voltaires novelle “Candide eller optimismen” (fransk: “Candide ou l’optimisme”) fra 1755 ganske tæt. For at forstå Bernsteins Candide er det værd at tage et kort kig på den filosofiske debat, der fik Voltaire til at skrive Candide, for i anden omgang at reflektere den med Bernsteins livsvirkelighed.

Voltaire og Leibnitz – Filosoffernes strid

Voltaire skildrer hovedpersonen Candide som en naiv ung mand, der er opdraget til optimisme, og som må forlade sit vante hjem og sin elskerinde. Hans vej fører ham rundt i verden, og han oplever den ene groteske katastrofe efter den anden. Kun langsomt går det op for ham, at hans naive, optimistiske menneskesyn – hans tro på den bedste af alle mulige verdener – ikke kan stå mål med virkeligheden.

Voltaire skrev Candide som en modsigelse af Leibnitz’ tese, der postulerede virkeligheden som “den bedste af alle mulige verdener”, idet han hævdede, at Gud kunne tænke mange mulige verdener, men kun ville have den bedste.

Voltaires kritik af de herskende institutioner

For Voltaire, der var påvirket af katastroferne i Syvårskrigen og jordskælvet i Lissabon, var dette et naivt, utopisk synspunkt, der blev fremmet af institutioner som kirken eller adelen, som således forsøgte at manipulere befolkningen til deres fordel. Han synes at have ramt hovedet på sømmet med dette, da Vatikanet satte værket på indekset kort efter dets udgivelse.

Bernsteins kritik af Mc Carthyismen

200 år senere var kritikens adressat ikke længere kirken. Candide er et værk, der er skrevet under indflydelse af Mc Carthy-æraen i halvtredserne i USA. Folk, der blev mistænkt for kommunistiske aktiviteter, blev slæbt og afhørt for parlamentariske undersøgelsesudvalg (f.eks. House Committee on Un-American Activities) og dermed stigmatiseret. Mange kunstnere blev ramt, som led under boykot og de facto forbud mod deres erhverv, fordi teatrene var bange for repressalier, når de hyrede dem. De to hovedforfattere til dette værk, komponisten Bernstein og librettisten Hellman samt mange af deres venner var personligt mål for voldsom forfølgelse fra tribunalerne. Candide var en hjertesag for dem begge. Bernstein ledsagede uropførelsen i 1957 med en artikel i New York Times, hvori han anklagede Amerikas puritanske snobberi, dets dobbeltmoral og de inkvisitoriske angreb på individet.

Hellman adapterer Voltaires roman

Voltaires Candide var ret beskeden i omfang med sine knap 90 sider, men indholdet var ganske imponerende. Næsten på hver side befinder Candide sig et nyt sted og skal igennem et nyt eventyr. Lillian Hellman overtog i det store og hele Candides historie. Hun væltede nogle eventyr fra historien om og genopfandt nogle af dem (f.eks. auto-da-fé’en eller kasino-scenen).

Værkets vanskelige historie

Efter uropførelsen i 1956 gennemgik værket en kompliceret 35-årig historie med revisioner, der kan sammenlignes med Verdis lidelseshistorie om sit værk Don Carlo. For at forstå kompleksiteten i den oprindelige Candide fra 1956 bør følgende detalje nævnes: For at yde værkets rigdom af historier retfærdighed befolkede 81 forskellige rollefigurer premiereversionen af Bernsteins Candide! Det er ikke underligt, at skabelsesprocessen var ekstremt kompleks og får Hellmanns påstand om, at hun måtte skrive 7 forskellige manuskriptversioner til at virke troværdig.

Publikumsresponsen på Broadway var moderat, og Candide blev aflyst efter kun 73 forestillinger. Værket led under den forvirrende handling, teksternes barske alvor og den overdrevne længde (det bestod af over 30 numre!). I de følgende tre årtier ændrede forskellige personer værket, indtil Leonard Bernstein personligt skrev den “endelige, reviderede version” i 1988, forenklet og med en munter tekst.

De mange fædre til værket

Mens Bernstein var den eneste komponist af værket (bortset fra den person, der hjalp ham med orkestreringen), har omkring et dusin personer i årenes løb bidraget med tekster, herunder Bernstein selv. Først og fremmest Lillian Hellman, som fik ideen og skrev manuskriptet. På Broadway var det almindeligt, at manuskript og tekst blev skrevet af forskellige personer. På grund af tidspresset og de mange manuskriptvariationer blev en lang række forfattere konsulteret allerede i forbindelse med den første version, hvor Richard Wilbur havde broderparten.

Lillian Hellman

Lillian Hellman var en blændende personlighed. Hun tog til Europa i 1936, hvor hun var korrespondent for den spanske borgerkrig og mødte Ernest Hemingway, som hun ledsagede i en periode. Med sin oprejst holdning i Mc Carthy-tribunalerne blev hun betragtet som en rollemodel mod Mc Carthy-tidens intolerance (kilde: Wikipedia). Hun beskrev senere Candide-perioden som sin mest forfærdelige teateroplevelse og nægtede at deltage i de senere revisioner og forbød andre at bruge hendes tekstmoduler. Hun var en vanskelig person, og det var nok ikke tilfældigt, at Bernstein først skrev den endelige udgave af Candide efter hendes død i 1984.

Candide: Musical, opera, operette eller endda operaparodi?

Musikverdenen er ikke enig om, hvilken genre værket hører til. Bernstein selv beskrev værket som en operette. Mens Westside Story med sin jazzede musik og mange dansescener snarere er et stykke af Broadway- eller musicalgenren, er Candide baseret på “mere sofistikerede”, mere klassiske former som mazurkaer, gavotter osv., og hovedrollerne er musikalsk så krævende, at de skal besættes med uddannede operasangere.

Men lad os komme ned til selve musikken.

Den berømte ouverture

Bernsteins vittige og musikalsk sprudlende ouverture er et af de mest spillede stykker af amerikanske klassiske komponister. I stil med Rossini citerer den mange af operaens temaer, som vi vil møde i stykker som “The Best of All Possible Worlds”, “Battle Music”, “Oh, Happy We” og “Glitter and Be Gay”.

Vi vil høre dem i den fortolkning, der ledes af komponisten selv.

Ouverture – Bernstein

Synopsis: På slottet Torden-ten-Tronk i det tilbagestående Westfalen. Her bor candide, baronens uægte søn, sammen med sin familie. Han er en munter og enkel sjæl og er forelsket i sin halvsøster Cunegonde, der er afhængig af luksus, og som gengælder hans følelser. Familien lever et lykkeligt og ubekymret liv på slottet.

Det første stykke optræder i kjole af en munter gavotte. Teksten er fantastisk, hver af de fire hovedpersoner beskrives mig et par linjer rammende, og stykket slutter med et svingende ensemble og et højt C af Cunegonde.

Livet er sandelig lykke – Hadley / Anderson / Ollmann / della Jones

Husfilosoffens credo: Vi lever i den bedste af alle verdener

Synopsis: Dr. Pangloss, husets filosof, lærte familien at være lykkelig, da man lever i den bedste af alle mulige verdener. Han fjerner enhver tvivl om, at der kan være modgang i livet, han kan endda få gode ting ud af ting som krig.

Pangloss’ ræsonnement om, at krig har sine gode sider, er som følger:

Krig! Selvom krig kan synes en blodig forbandelse
Er den en velsignelse omvendt
Når kanon brøler
Både rige og fattige
Ved fare er forenet!

Den bedste o fall mulige verden – Hadley/Anderson/Ollmann/Bernstein

Den charmerende duet mellem Cunegonde og Candide

Synopsis: Candide og Cunegonde mødes i parken og drømmer om deres fremtid. Men deres forventninger divergerer. Cunegonde har luksus og smykker i tankerne, Candide drømmer om et simpelt liv på en gård med mange børn. Men begge har travlt med deres egne drømme, og de genkender ikke den dybe grøft.

Bernstein arbejdede også på sin West Side Story i disse år. Denne sang var oprindeligt komponeret til en duet af Tony og Maria, men blev droppet, mens de hat at lave klip. Bernstein hadede at skrive til skraldespanden og brugte (heldigvis) sangen til Candide.

Denne duet “oh happy we” blev en af de store perler i dette værk. Bernstein elskede skæve takter, i dette stykke bruger han et 7/4-takt, som skaber et dejligt svævende mellem 4/4- og ¾-takt.

Snart når vi føler, at vi kan tillade os det… Oh happy we – Hadley/Anderson/Bernstein

Candide taber Cunegonde

Synopsis: Familien forbyder det upassende ægteskab og jager Candide væk. Han er dybt bedrøvet over, at han må forlade Cunegonde. Men han vil gerne se fremad, Pangloss har lært ham optimisme, han tror på skæbnen, som tilbyder ham den bedste af alle mulige verdener.

Min verden er støv nu…Det må være sådan – Hadley

Med sin alvorlige musik minder Candides figur direkte om Mozarts tenorroller som Don Ottavio eller Belmonte. Ligesom Mozarts figurer kommer en alvorlig person ind i en tragisk komedie. Ligesom Mozart er det opera serias figur, der ufrivilligt kommer ind i en opera buffa. Det er Candides tragedie, at hans elskerinde ikke er et alter ego som Konstanze eller Donna Anna, men kun en snedigt luksuriøs Cunegonde.

Hans families frygtelige skæbne

Synopsis: Westfalen er ramt af en krig. Candide er tvunget til at blive rekrutteret. Han bliver tortureret efter et forsøg på desertering, men det lykkes ham at vende tilbage til slottet i andet forsøg. Der finder han sin familie død i ruinerne af slottet. Cunegonde blev voldtaget af soldaterne flere gange før hendes død. Candide tager afsked med sin døde elskerinde.

Vi hører Jerry Hadley igen i Candides klagesang. Han var en lyrisk tenor, der mest sang Mozart og Donizetti. Han blev opdaget i 1980’erne. Joan Sutherland og Richard Bonynge støttede ham, og Bernstein arbejdede gentagne gange med ham. Hans liv sluttede tragisk med et selvmord i 2007.

Cunegonde

Pangloss sygdom

Synopsis: Ensomt vandrer Candide videre og møder overraskende Pangloss. Hans lærer kunne redde sig selv fra de plyndrende hære, men syfilis har ramt ham hårdt. Men filosoffen ser det som noget positivt, for kun den, der kender smerte, kan nyde de glæder, som sygdommen har bragt ham.

Dette stykke kaldes også for syfilissangen. Det er en fantastisk sang med en vittig tekst og en smuk melodi i koret. Nogle mennesker lytter til denne musik med Gilbert & Sullivan i ørerne.

Dear Boy – Allen

Auto-da-fé – en nøglescene i værket

Synopsis: De møder en købmand, som tager dem med til Lissabon. Da de ankommer dertil, bryder en gigantisk vulkan ud. Heldigvis er de to ikke blandt de tredive tusinde døde. Men skæbnen rammer dem, da Pangloss spreder sin kætterske filosofi. De bliver arresteret af inkvisitionen og ført til auto-da-fé. Pangloss henviser til sin kønssygdom, der forbyder ham at blive henrettet. Han bliver dømt til døden på bålet og dør. Candide slipper billigt og får kun piskeslag.

Auto-da-fé-scenen findes ikke i Voltaires roman, og alligevel er det en nøglescene i Bernsteins værk. Forfatterne sætter åbent lighedstegn mellem inkvisitionsretten og domstolene i Mc Carthys heksejagt. Ligesom Voltaire var Bernsteins reaktion på uretfærdigheden satire, for kun på denne måde var det muligt at fordøje det, der var sket.

Denne scene er også et vidnesbyrd om Bernsteins kærlighed til den europæiske opera, Verdis Don Carlo sender sine hilsner.

Auto-da-fe – Bernstein

Synopsis: Candide begynder at tvivle på sin optimisme. Men selvkritisk ser han fejlen i sig selv.

Min mester sagde mig…det må være mig

I Paris

Synopsis: I Paris.

Den såkaldte Parisian Waltz er en mazurka og en hyldest til Chopin. Det er et orkesterstykke med et smukt intermezzo med soloviolin og fløjte. Den spilles nogle gange senere som guvernørvalsen.

Paris Waltz – Bernstein

Glitter og Gay – Cunegondes store arie

Synopsis: Der bor en kurtisane, som holdes af to elskere, ærkebiskoppen af Paris og en rig jødisk købmand. Det er Cunegonde. Hun foragter sit liv, men hun elsker den luksus, det byder på.

Selv om titelrollen tilhører Candides mandlige rolle, er det Cunegonde, der synger den mest berømte arie. Den blev efterfølgende et showpiece for koloratursopraner. Bernstein kaldte Candide for en Valentinsbillet til europæisk opera. Denne arie af Cunegonde, som handler om luksus og smykker, foregår ikke tilfældigt i Paris, for den er en åbenlys parodi på Gounods “Smykke-arie” fra hans mesterværk Faust.

Dette stykke er en aria for koloratursopran. Det er et sopranstykke med ambitionen om en operaarie. Den stiller fortolkeren over for nogle vanskeligheder. For det første har arien en stor spændvidde – tre høje Eb’er skal synges! – og for det andet er nogle af de udsmykkede skalaer ekstremt indviklede. Desuden skal det hele synges med tilsyneladende lethed og humor – vi er trods alt i en komedie.

Barbara Cook var den første Cunegonde. Castingholdet havde derefter store problemer med at finde en egnet person, der kunne klare de høje toner. Bernstein udvalgte hende personligt og coachede hende til denne vanskelige rolle. Hun sammenlignede sangen af dette stykke med en atletisk rekord. På indspilningen mærker man ikke længere sliddet, glæden ved at synge i dette stykke smitter af på en.

Glitter and be gay – Cook

Du hører en anden fortolkning af Scarlett Strallen. Hun får Royal Albert Hall til at koge.

Glitter and be gay – Strallen

Candide møder den udøde Cunegonde

Synopsis: Ved et tilfælde havner Candide også i Paris, hvor han til sin forbavselse møder Cunegonde. De to er glade for at have hinanden igen.

Dette stykke er også en kærlig parodi på den europæiske bel canto-tradition, hvor de to synger arpeggier i tertser og sekstendedele (se f.eks. i passagen 2:27 i nedenstående optagelse). Teksterne fra de to ulige personer er sprudlende af vid og højere nonsens:

Hvilken tortur, oh hvilken smerte
Holland, Portugal og Spanien

Bernstein begejstrer lytteren med en sprudlende vals i refrænet af denne duet.

Du var død, du ved. Åh er det sandt, Cunegonde

Den gamle dame dukker op

Synopsis: De bliver forstyrret af den gamle dame, Cunegondes’ ledsager. Hun annoncerer ankomsten af Cunegondes elskere. I et anfald slår Candide dem begge ihjel. Kardinalen bliver begravet i den store katedral. Jøden lander i den nærmeste kloak. Cunegonde, Candide og den gamle dame flygter. På deres flugt bliver de bestjålet. For at tjene deres middag i Cadiz synger den gamle dame en sang om sin ulykkelige fortid.

Dette yderligere fantastiske stykke er en flamenco. Den gamle dame taler om sin oprindelse fra Rovno Gobernia. Dette er ikke en geografisk angivelse Voltaires, men en idé fra Bernstein. Rovno Gobernia var fødestedet for hans far, som emigrerede fra Rusland. Teksten til dette stykke er skrevet af Bernstein selv. En anekdote fortæller, at han ikke kunne finde et rim på Rovno Gobernia, da han skrev teksten, og at han klagede til sin (spansktalende kone) Felicia over det. Da den gamle dame synger spansk i denne flamenco, fandt Felicia spontant på det morsomme vers “me muero me sale una hernia” (Jeg er ved at dø og får et brok).

Vi hører dette stykke i en vidunderlig fortolkning af Christa Ludwig.

Jeg er ikke født i det solrige Hispania … Jeg er så let assimileret (1) – Christa Ludwig

En anden version af La Pune, vidunderligt komisk.

Jeg er ikke født i det solrige hispanien … Jeg er så let assimileret (2) – La Pune

Synopsis: Candide er fortsat optimist. På flugt fra politiet i Paris bliver Candide hyret af jesuitterne til deres kamp i Sydamerika. De to kvinder ledsager ham på overfarten til Montevideo.

Handlingen slutter med en smuk kvartet.

En gang til må vi gå igen

Næste stop: Montevideo

Synopsis: Maximilian og Paquette er på mirakuløs vis kommet i live igen og blev taget til Montevideo som slaver. Maximilian blev klædt ud som kvinde, og guvernøren i Montevideo forelskede sig i ham. Da han opdager sin fejltagelse, møder han den nyankomne Cunegonde og gør tilnærmelser til hende.

Dette stykke er også kendt som guvernørens serenade. Det er et smukt stykke på bedste Broadway-manér.

Digtere har sagt…My love – Burt

Intrigen om den gamle dame

Synopsis: Den gamle dame snyder Candide for, at det franske politi stadig er efter ham. Han flygter ud i junglen, og den gamle dame sætter Cunegonde sammen med guvernøren.

Vi er kvinder – Chenoweth/LuPone

Candide møder gamle venner i junglen

Synopsis: Candide er sammen med halvblodet Cacambo på vej til jesuitternes lejr midt i junglen. Der lever Paquette som abbedisse og Maximilian som jesuitterpræst.

Kom hedninge fra Amerika (Pilgrimsprocession) – Bernstein

Synopsis: Candide fortæller dem glædeligt, at Cunegonde også stadig er i live, og at de har planer om at blive gift. Da Maximilian kalder ægteskabet for upassende, stikker Candide ham ned og flygter fra jesuitternes lejr.

Cunegonde sidder og keder sig i guvernørpaladset

Synopsis: I mellemtiden er der gået 3 år. Cunegonde og den gamle dame bor kedsommeligt i guvernørens luksuspalads. Cunegonde klager til guvernøren over, at han for længe siden har lovet at gifte sig med hende.

Candide finder Eldoradoet

Synopsis: På sin flugt gennem junglen støder Candide på et forunderligt land. Det er Eldorado, et land hvor ædelsten ligger rundt omkring på jorden, og alle har det godt. Men Candide ønsker ikke at blive uden sin Cunegonde. Han vil bare tage nogle ædelstene med sig for at købe Cunegonde fri.

Balladen om Eldorado er skrevet i den sjældne 5/8 taktart.

Op et muslingebjerg (Ballade om Eldorado)

Candide møder en pessimist

Synopsis: Fordi han frygter at blive arresteret, sender han sin ledsager Cacambo til Cunegonde. Han ønsker at møde dem i Venedig. På vej til Venedig kommer Candide forbi Surinam, hvor han møder pessimisten Martin, der udnævner grådighed og ondskab som menneskehedens drivkræfter.

Vi hører i denne fortolkning Adolph Green, en livslang nær ven af Bernstein og kunstnerisk kollega.

Fri vilje. Menneskeheden. Kærlighed. … Ord, ord, ord, ord – Adolph Green

Den bizarre redning af Candides fra havsnød

Synopsis: Der køber han et sejlskib af en hollandsk svindler for at krydse havet. Han føler sig nu igen fuld af lykke i denne den bedste af alle mulige verdener. Men lykken varer kun kort tid, for skibet synker snart. Candide bliver reddet af en tømmerflåde, der bliver roet af 4 konger og styret af Pangloss.

Hvad er musikalsk mere oplagt end en barcarolle, når det drejer sig om Venedig?

Kongernes barcarolle – Hadley / Green / Bayley / Jenkins / Benson / Stuart / Treleaven

I Venedig på kasinoet

Synopsis: Flåden tager til Venedig, hvor kongerne straks går på kasino. Der bliver Cunegonde og den gamle dame ansat til at animere spillerne og snyde dem. Maximilian er på mirakuløs vis også i byen og er dens korrupte politichef.

Endnu et højdepunkt venter lytteren, nemlig den valsesmukke “What’s the use”.

Jeg har altid været snu og klog…What’s the use – LuPone/Olsen/Herrera/McElroy

Synopsis: Pangloss brød banken på roulettespillet. Cunegonde er ikke interesseret i Candide, hun og den gamle dame hopper på Pangloss for at få glæde af pengene.

Dette stykke hedder “Venice Gavotte”. Det er et smukt, men musikalsk ret komplekst stykke med kontrapunkt (i videoen fra 3:10), som kombinerer de 2 temaer fra første del.

I’ve got troubles, as I’ve said (Venice Gavotte) – Hadley/Anderson/Ludwig/Green

Candides Desillusion

Synopsis: Candide er desillusioneret. Har rigdom altid været vigtigere for Cunegonde end kærlighed?

Moralen i historien

Synopsis: I dagevis siger de ikke et ord. Med de resterende penge køber de en lille gård. På et tidspunkt bliver Cunegonde og Candide forsonet igen. Selv om kærligheden ikke længere blomstrer som før, vil de giftes. For livet er hverken godt eller skidt.

Voltaire afslutter Candide og Cunegondes odyssé på deres lavest mulige fællesnævner, nemlig begrænsningen til det fælles banale husarbejde. Voltaires morale i historien “il faut cultiver son jardin” er resigneret, men på en eller anden måde trøstende. Bernstein har lavet den om til “Make Our Garden Grow”, hvis tekst følger Voltaires model. Men musikken taler et andet sprog, Bernstein komponerede en ekstatisk optimistisk slutning. I sidste ende var Bernstein … en optimist.

Du har været et fjols, og det har jeg også… Make our garden grow.

Indspilningsanbefaling af operetten CANDIDE

DG med Christa Ludwig, Nicolas Gedda, June Anderson, Adolph Green og Jeremy Hadley under ledelse af Leonard Bernstein og London Symphony Orchestra and Chorus

Peter Lutz, opera-inside, den online operaguide om CANDIDE af Leonard Bernstein.

Online operaguide og synopsis til Weills og Brechts DREIGROSCHENOPER (LASER OG PJALTER)

Trepenneoperaens tilblivelse var dramatisk. Alle forventede en fiasko. Men premieren den 31. august 1928 blev en uventet triumferende succes og gjorde Kurt Weill og Bertold Brecht pludselig berømte. Weills melodier blev populære, og værket blev opført 10.000 gange alene i løbet af de første 5 år.

Indhold

♪ Synopsis

♪ Kommentarer

♪ Akt I (Peachums tiggerbutik, Pollys og Mackies bryllup)

♪ Akt II (Afskedscene, Mackies anholdelse)

Akt III (Jennys forræderi, Finale)

Højdepunkter

♪ Der Haifisch hat Zähne (Mack the knife)

♪ Kanonsang

♪ Månen over Soho

♪ Barbara-sang

Jenny’s Pirate Ballad

Sang om den menneskelige stræbs utilstrækkelighed

Indspilningsanbefaling

♪ Indspilningsanbefaling

Samfundskritikken

Værket er et produkt af de “brølende tyvere” i Berlin. Jazz, Art déco og lysten til nydelse prægede disse år. Men også verdenskrigens rædsler og deres konsekvenser som hyperinflation, organiseret kriminalitet, elendighed og psykisk og fysisk knuste ofre var stadig allestedsnærværende.

Den trediveårige Bertold Brecht var marxist og beskriver med sin Trepenneopera et samfund, der er ætset indefra, og hvor ændringer kun er mulige ved at ændre systemet, dvs. med en revolution af en eller anden art. Det er en verden uden social cement. Ingen er forpligtet over for den anden, og alle kan bestikkes. Menneskets lavere instinkter drives af borgerlige laster som grådighed og forfængelighed, men også af dybt menneskelige impulser som overlevelsesinstinktet og sexdriften.

Peachum står for den hykleriske borgerlige, der føler sig overlegen i forhold til underklassen (Macheath), men som i sidste ende ikke er andet end en “røver med Bibelen i hånden”. Brecht lader Macheath f.eks. spørge: “Hvad er et indbrud i en bank imod etableringen af en bank? I sidste ende opfører politimanden sig som gangsteren, luderen som borgerskabets datter. Nogle røver af nødvendighed, andre af grådighed. Dette hykleri hos borgerskabet i forsøget på at skelne de to ting fra hinanden var det, Brecht ville afdække.

Fem år efter uropførelsen i 1928 blev værket forbudt af nationalsocialisterne. For fascisterne var det et amoralsk, nihilistisk værk skabt af jøder. For mange af dem, der var involveret i premieren (de fleste af jødisk oprindelse), var nazi-årene en rædsel. Mens Weill og Brecht kunne emigrere til USA, endte andre i koncentrationslejre. Premierenes Tiger Browns skæbne, Kurt Gerron, blev berømt. Han blev tvunget til at instruere den nazistiske propagandafilm “Theresienstadt” i 1944, som viser glade jøder i koncentrationslejrene. Gerron blev kort tid senere brutalt myrdet i Auschwitz.

Originalen og “kopien” blev en sensation

Grundlaget for Trepenny Operaen var et eksisterende værk. Brecht bearbejdede frit handlingen i John Gays “Beggar’s opera”. Præcis 200 år tidligere havde Gay i London drillet mod pompen i Händels barokoperaer. I stedet for at spille i adelens miljø som i en Händel-opera lod Gay handlingen udspille sig i den engelske hovedstads luder- og tiggermiljø. Succesen med denne parodi var så gennemslagskraftig, at den påførte Händels operaselskab alvorlig økonomisk skade. For publikum var det sensationelt, at det undergrundsmiljø blev skildret på en teaterscene.

Også 200 år senere reagerede publikum på operaens tema med den samme heftighed. Årsagen hertil var ikke kun det sociale miljø i Trepenneoperaen, men også det faktum, at 20’ernes klassiske opera lå langt fra den brede befolknings smag, og kontrasten til Weills jazzede, næsten vulgære musik var dramatisk stor.

En ambivalent triumf

Forberedelserne til operaen blev overskygget af dødsfald, aflysninger og sygdom hos involverede personer. Alle forventede en fiasko. Men premieren den 31. august 1928 blev en uventet triumferende succes og gjorde Kurt Weill og Bertold Brecht pludselig berømte. Weills melodier blev populære, og værket blev opført 10.000 gange i løbet af de første 5 år. Brecht led under, at musikkens popularitet skubbede værkets samfundskritik i baggrunden, og publikum konsumerede i sidste ende værket som en operette. Tredive år senere, i en bearbejdning af Blitzstein på Broadway, skulle værket triumferende fejres med over 2.000 forestillinger med et publikum, der ikke var kendt for sine revolutionære bevægelser.

Musikken til Trepenny Operaen

Trepenneoperaen var Weills andet værk i samarbejde med Bert Brecht efter “Mahoganny”. Weills operaværk var allerede domineret af temaer fra samtidskritikken, hans kompositionsstil var rig på effekter og beriget med jazzelementer. Med “Trepenneoperaen” nåede hans kunstneriske kunnen et storslået højdepunkt i en ung alder af 28 år.

Weill skrev musik med enkle, men suggestive melodier. Sangerne akkompagneres af et jazzband på 9 musikere, som ikke sidder i orkestergraven, men spiller deres musik på scenen. Bandet består af 2 saxofoner, 2 trompetister, basun, banjo, pauker, harmonium og et klaver, der spilles af bandets sange, selv om instrumenteringen også kan justeres.

Alt ved dette værk var en stor risiko. Sjældent er musik blevet komponeret så enkelt og så direkte (eller trivielt eller endog vulgært) uden nogensinde at miste sin kunstneriske kvalitet. Weill satte mange mærkelige toner, som f.eks. optræder i akkorder eller forfalsker melodilinjerne. Ordet “opera” i værkets titel er naturligvis ironisk ment; musikteater er det mere passende udtryk.

Weill satte musikken, så den kunne synges af skuespillere. Det gjaldt især for rollernes tonale spændvidde, som selv utrænede sangere kunne mestre.

Det episke teater og fremmedgørelsesvirkningen

Dreigroschenoper afviger fra den konventionelle tilgang til musikdramatik, som vi kender fra opera-genren. Brecht krævede af komponisten og de optrædende kunstnere, at de ikke skulle fortolke scenerne psykologisk, men sociopolitisk. Skuespilleren må ikke være opslugt af sin rolle. Derfor var det ikke den empatiske operasanger, der var den ideelle fortolker af dette værk, men den syngende skuespiller.

Brecht kaldte denne nye genre for “episk teater”, og et af dens centrale elementer var stilmidlet fremmedgørelse. I Wikipedia defineres fremmedgørelse som følger: Brecht ønskede at “distancere” eller “fremmedgøre” sit publikum fra karaktererne og handlingen og derved gøre dem til observatører, som ikke ville blive involveret i eller sympatisere følelsesmæssigt eller empatisere ved at identificere sig individuelt med karaktererne psykologisk; han ønskede snarere, at publikum intellektuelt skulle forstå karakterernes dilemmaer og de fejltagelser, der frembragte disse dilemmaer, og som blev afsløret i hans dramatiske plot. Ved således at blive “distanceret” følelsesmæssigt fra karaktererne og handlingen på scenen kunne publikum nå frem til et sådant intellektuelt forståelsesniveau (eller intellektuel empati); i teorien ville de, mens de var fremmedgjorte følelsesmæssigt fra handlingen og karaktererne, blive styrket på et intellektuelt niveau både til at analysere og måske endda til at forsøge at ændre verden, hvilket var Brechts sociale og politiske mål som dramatiker og drivkraften bag hans dramaturgi.

Værket havde mange fædre og mødre

Ud over forfatterne til den oprindelige form (Gray og Pepusch) og den moderne form (Brecht og Weill) skal Elisabeth Hauptmann, der som oversætter af Beggars Opera skrev mange tekster, og Klammer, der oversatte digte af Francois Villon (valgt af Brecht), nævnes. Sidstnævnte førte til en retssag om ophavsret fra Klammer, som senere tvang Brecht til at betale erstatning.

Brechts tilgang til indholdet af Trepenneoperaen var dybt marxistisk, men når det gjaldt økonomien, var Brecht en tilpasningsdygtig kapitalist, som krævede to tredjedele af overskuddet til sig selv. Weill fik en fjerdedel og Elisabeth Hauptmann 12,5 %.

Værkets sprog

Foreløbig bemærkning: Sproget i dette stykke er groft. For at bevare autenticiteten bruger synopsen stykkets ord.

Ouvertur

Macks berømte Moritat – Mac the knife

Synopsis: En messe i Soho. Tiggerne tigger, tyvene stjæler, luderne lukker. En tivoli-sanger synger Moritat om Mackie Messer, lejemorderen, der dræber på bestilling.

Und der Haifisch, der hat Zähne (Ballade om Mac the Knife)

En “Moritat” (der sandsynligvis kommer af ordet “morderisk gerning” eller “moral”) var en gyserballade, der blev sunget på markeder, og sangeren blev akkompagneret af violiner eller tøndeorgler.
Moritat blev fra begyndelsen en folkesang par excellence og det mest berømte stykke i Trepenny Operaen. Interessant nok var denne sang ikke med i den oprindelige udgave. Den blev skrevet i sidste øjeblik, fordi skuespilleren Harald Paulsen insisterede på at være den første skuespiller, der skulle optræde med en sang.

Stykket består af 6 vers og begynder kun med akkompagnement af harmonium. Med hvert vers kommer flere af de i alt 9 instrumenter til. Weill skriver i begyndelsen “efter et gadeorgel”. Rytmen udvikler sig mere og mere til en foxtrot.

Vi hører denne sang i to versioner. Først hører vi den version af den første Macheath, Harald Paulsen, som vi skylder stykkets eksistens.

Der Haifisch hat Zähne – Paulsen

Hans rolle senere i Det Tredje Rige var dog en trist rolle. Han var en opportunist og berygtet som stikker.

Leonard Bernstein tog operaen op i 50’erne og bad Blitzstein om at lave en engelsk version til Broadway. Blitzstein flyttede “Three Penny Opera” til New York i 1870 og skrev teksten på amerikansk slang. Lotte Lenya sang igen Jenny, som hun dør i premieren 30 år tidligere. Værket fik stor betydning i Amerika.

Mange jazzmusikere værdsatte, at Weill i modsætning til andre europæiske komponister virkelig skrev i jazzens stil, og sangen fandt mange bearbejdninger hos amerikanske jazzmusikere. I 1960 bragte Ella Fitzgerald “Mack the knife” tilbage til Berlin og modtog en Grammy for den. Hendes fortolkning drejede tonen kromatisk et trin højere for hver linje, 11 gange i alt. Betagende.

Mack the knife – Fitzgerald

Månen over Soho

Synopsis: Peachum driver en butik sammen med sin kone, hvor han giver kommende tiggere det rette tøj og tildeler dem deres distrikter. Til gengæld skal de give en del af deres elendige indkomst væk. Da deres datter Polly ikke er kommet hjem den aften, frygter de det værste.

Dette nummer er en vidunderlig karikatur af den konventionelle opera. Mens vi oplever magiske fuldmånenætter i Bellinis Norma (og mange andre operaer), er Weills måne over Soho en grotesk grimasse på nattehimlen.

Anstatt, dass … Das ist der Mond über Soho (No They Can’t Song)

Synopsis: Polly Peachum var bortrejst, fordi hun fejrede sit bryllup i en lurvet hestestald i Soho med kniven Mackie, borgerligt navn Macheath. Macheaths slyngelvenner stjal bryllupsgaverne og synger en bryllupssang for dem.

Weill skrev med vilje denne korsang med en masse forkerte toner. De ølglade bryllupsgæsters jubel er lige så ynkelig som deres følelser for brudeparret.

Bryllupssang for de mindrebemidlede – Brückner

Lotte Lenya

Synopsis: For at skabe stemning synger Polly sangen om pirat-Jenny. Det er en ballade om en barpige, der i virkeligheden er pirat, og som hjælper de ankommende pirater med at plyndre byen.

Denne ballade om pirat-Jenny var oprindeligt beregnet til figuren Polly. Men på grund af den store succes med Lotte Lenya (den første Jenny) blev den efterfølgende givet til denne figur.

Lotte Lenya (den borgerlige Charlotte Blamauer) var ikke blot den første Jenny, men også Kurt Weills hustru. Hun sang også denne rolle i den første filmatisering fra 1931. Vi ser den næste sang fra denne film. Brechts stilistisk virkemiddel med fremmedgørelse er særligt imponerende i denne sang: Lenya’s skuespil er begrænset til et absolut minimum.

Meine Herren heute sehen Sie mich Gläser abwaschen (PIRATE JENNY) – Lenya

Den medrivende kanonsang

Synopsis: Bryllupsgæsterne får et gys, da Tiger Brown dukker op, Londons frygtede politichef. Han er en gammel ven af Macheath og er blot kommet for at lykønske ham. Sammen synger de to gamle krigskammerater kanonsangen.

Den såkaldte Cannon Song er en medrivende ragtime med et medrivende kor, skrevet i tempo som en foxtrot.

Vi hører en engelsk version.

Tropperne bor under (CANON SONG) – Julia / Sabin – Julia / Sabin

Synopsis: Macheath og Polly er lykkelige for et øjeblik.

Weill overrasker os med en næsten romantisk kærlighedssang. Dele af sangen er sangligt komponeret og andre er skrevet i en sprechgesang (mere talt end sunget), en stil, der ofte blev brugt i disse års kabaret.

Siehst Du den Mond über Soho (LIEBESLIED) – Schellow / Koczian

Den berømte “Barbara-sang”

Synopsis: Polly lader som om hun er en pige, der som alle andre bare gerne vil finde en mand.

I denne sang ser vi eksemplarisk, hvordan det episke teater krævede af skuespilleren at indtage en formidlende rolle. Det handlede ikke om at dykke ned i karakterens følelsesverden, men snarere om at demonstrere personen. Vi ser Lotte Lenya igen.

Einst glaubte ich, als ich noch unschuldig war (BARBARA SONG) – Lenya

Vi hører en anden, fejende fortolkning af Megan Mullally, en kendt amerikansk skuespillerinde. Med hensyn til fortolkning og instrumentering er denne optagelse dog langt fra Lotte Lenyas tidligere version.

Barbara-sang (på engelsk) – Mullally

Synopsis: Tilbage hos sine forældre fortæller Polly om brylluppet. Peachum er fortvivlet, han havde håbet på sin datter som hjælp til sin alder. Med Bibelen i hånden profeterer han hende en dårlig fremtid. Han advarer hende om, at verden er dårlig og mennesket er dårligt.

Was ich möchte, ist es viel? – Koczian

Afsked med Polly – på Fausts vis

Synopsis: Nu gør Peachum alt, hvad han kan, for at få Macheath bag tremmer. Han har endda overtalt Tiger Brown til at anholde sin ven. Macheath finder ud af det og går i skjul. Med vemod siger Polly farvel til sin mand.

Pollys afsked er en parodi på Gretchen-monologen fra Faust.

Er kommt nicht wieder (POLLYS FAREWELL SONG) – Koczian

Synopsis: Peachums kone har bestukket bordelejeren Jenny til at melde sig til politiet, så snart Macheath dukker op på bordellet. Jenny er sikker på, at han dukker op, fordi sexlysten vil føre ham hertil.

Da ist nun einer schon der Satan selber (Ballade om seksuel besættelse) – Hesterberg

De rammende sangtitler

Synopsis: Så snart han dukker op. Nostalgisk husker de to dengang, hvor han var hendes brutale beskytter, og hun prostituerede sig for ham.

Navnene på sangene som “Canon song” eller som her “Pimp Ballad” var kortfattede og var med til at gøre sangene populære. Denne sang er komponeret i stil med en tango.

I denne optagelse hører vi Lotte Lenya igen. Denne optagelse stammer fra halvtredserne, mere end 20 år efter den første opførelse og den første filmatisering i 1931. Lenyas stemme var nu meget dybere, og hun kunne ikke længere synge alle sangene i den oprindelige tonehøjde.

Der var en tid, og nu er alt forbi (Tango-Ballade) – Lenya / Merrill

Jenny’s piratballade

Synopsis: Selv uden tøven ringer Jenny til politiet. Snart vil Macheath blive fjernet.

Sørøverballaden begynder akkompagneret af et tilsyneladende stemmingsløst klaver. Dette grusomme stykke blev efterfølgende sunget af mange skuespillerinder. Den er komponeret i den karakteristiske sprechgesang.

Meine Herren heute sehen Sie mich Gläser abwaschen (Ballade om umoralske indtjeninger) – Lenya

Spisning af velstand

Synopsis: Macheath overgiver sig til sin skæbne.

Akkompagneret af et klaverstykke i stil med jazzet underholdningsmusik hører vi Macheaths “Praise of Prosperity” (som dog gør dig doven), sunget med bandittens storhed.

Da preist man uns das Leben großer Geister (Ballad of Gracious Living)

Synopsis: Han får besøg af Lucy Brown, der er datter af politichefen. Hun er gravid af ham. Da Polly dukker op, er hun rasende, og de slås jalousisk.

Denne duet skal også forstås som en parodi på operaduetter. Det er et nag mellem to “markedskvinder”. I indspilningen hører vi, det kan man godt høre, to professionelle sangere.

Da preist man uns das Leben großer Geister (Jalousi duet) – Bernsteiner-Licht / Akselrod

Først kommer maden, så kommer moralen

Synopsis: Lucy sværger, at hun vil hævne sig på Polly. Hun presser sin far til at sørge for, at Macheath kommer ud af fængslet. Det sker, og snart er Macheath tilbage hos Jenny. Der filosoferer de over, hvad mennesket lever af. De er enige om, at først kommer maden, så kommer moralen!

Nogle af Brechts vers blev til ordsproglige aforismer, som blev en del af det tyske sprog. Den mest berømte og stadig brugt i dag var den om “mad og moral”. For at forstærke ordets effekt i teatret lod Brecht vigtige formuleringer printe på bånd og hængte dem op ved siden af scenen.

Ihr Herrn, die ihr uns lehrt, wie man brav leben (Anden finale) – Rasp

Peachums trussel

Synopsis: Peachum giver ikke op. Han truer politichefen med at forstyrre dronningens kommende kroningsfest med sine tiggere.

Musikken i dette stykke skal minde om et fakkeloptog og afspejler stemningen af tiggernes truede march. Brechts tekst er forbløffende, koret skifter 4 gange og bliver mere og mere kynisk:

For denne dystre tilværelse er mennesket aldrig skarpt nok
Derfor hans svage modstand Mod hans tricks og bluff

For denne dystre tilværelse er mennesket aldrig slemt nok
Selv om hans blotte vedholdenhed Kan være dejlig ting

For denne triste tilværelse er mennesket aldrig ynkelig nok
Hans triste tilværelse er en masse sludder

For denne triste tilværelse er mennesket ikke godt nok endnu
Gør det uden hjælp Giv ham en lussing i hovedet

Der Mensch lebt durch den Kopf (Sangen om den menneskelige stræbs utilstrækkelighed)

Jenny forråder Macheaths for anden gang

Synopsis: Endnu en gang bliver Macheath forrådt af luderne under et besøg på bordellet.

Jenny synger om menneskets forfængelighed, hvis ambitioner fører ham til ruin. Denne skæbne har ramt Salomon, Cæsar, Kleopatra og nu Macheath. Således retfærdiggør hun, at det er hende, der til sidst leverer sin tidligere elsker til galgen.

Ihr saht den weisen Salomo (SALOMON SONG) – Lemper

Synopsis: Denne gang bliver han dømt til døden. Han mangler penge til at bestikke vagterne til et flugtforsøg og bliver ført til galgen. Alle venter på ham på henrettelsespladsen. Da løkken er lagt om hans hals, meddeler Peachum, at Macheath er blevet benådet af dronningen. Et rytterbud dukker op.

Ved at forædle Macheath sigtede Brecht mod at sætte røverne og overklassen på lige fod. Systemet kan således ikke reformere sig selv, men forandringen må ske gennem en revolution. Denne marxistiske tilgang er det socialrevolutionære aspekt af denne opera.

Rytterbudet er naturligvis også en parodi på Opera Seria, hvor guderne i en overraskende drejning af handlingen giver en lykkelig slutning, “lieto fine”, der er fremkaldt af “Deus ex machina”. Men konteksten i denne opera er grotesk og gør vendingen til satire.

Horch, horch, horch (Den beridne budbringer)

Synopsis: Han meddeler, at dronningen i anledning af sin kroning har besluttet, at Macheath ikke kun skal have frihed, men også en adelstitel, en appendiks og et slot. Operaen slutter med en stor koral af alle medvirkende: Lad os bekæmpe uretfærdigheden, men med måde, for den vil fryse ihjel, hvis vi lader den stå alene.

Verfolgt das Unrecht nicht zu sehr (DREIGROSCHEN FINALE) SCHLUSSCHORAL

Indspilningsanbefaling af operaen DREIGROSCHENOPER (LASER OG PJALTER)

på tysk:

CBS, mit Lotte Lenya, Erich Schellow, Johanna von Koczian und Willy Trenk unter der Leitung von Wilhelm Brückner-Rüggeberg und dem Orchester Sender Freies Berlin

på engelsk:

TPR, Lotte Lenya, Scott Merrill, Martin Wolfson, Martin Wolfson, Beatrice Arthur under ledelse af Samuel Matlovski.

Peter Lutz, opera-inside, den online operaguide om DREIGROSCHENOPER (LASER OG PJALTER) af Kurt Weill og Bert Brecht.

Online operaguide & synopsis til Bergs WOZZECK

Wozzeck er det 21. århundredes vigtigste opera med atonal musik og det første helhedsværk i denne stil. Berg viser sig som en stor dramatiker, der med dette værk fortsat fanger publikum den dag i dag.

Indhold

♪ Akt I

♪ Akt II

♪ Akt III

Højdepunkter

♪ Langsam, Wozzeck, langsam!

♪ Du, der Platz ist verflucht!

♪ Tschin Bum, Tschin Bum

♪ Guten Tag, Franz

Ich hab’ ein Hemdlein an, das ist nicht mein

♪ Andres! Andres! ich kann nicht schlafen

♪ Dort links geht’s in die Stadt Mordscene

♪ Tanzt Alle; tanzt nur zu, springt, schwitzt und stinkt

♪ Entracte

Indspilningsanbefaling

♪ Indspilningsanbefaling

Atonalitet og Schönbergs indflydelse

Operaen “Erwartung”, den første atonale opera overhovedet og dermed en forløber for Wozzeck, blev skrevet af Arnold Schönberg i 1909. Det er historien om en kvinde, der vandrer gennem skoven på jagt efter sin elskede, møder hans lig og på dette skrækscenarie oplever alle de åndelige fornemmelser. Med atonal musik ønskede Schönberg at synliggøre de foruroligende psykologiske tilstande. Musikken til “Erwartung” var gennemkomponeret, og ingen af motiverne blev gentaget, hvilket betød et fuldstændigt brud med operamusikkens tradition.
Berg var Schönbergs elev, og Schönberg var Bergs musikalske mentor og vejleder. Berg fulgte dog ikke helt den samme vej. Ti år senere komponerede han Wozzeck stort set atonalt, men han brugte musikalske former med struktur og gentagelser. Berg gik endda så langt som til at bruge ledemotiver (se afsnittet om det første billede i første akt) og byggede dermed bro fra det romantiske wagnerske drama til den atonale musik.

Kilde

Værket er baseret på Büchners ufærdige drama “Woyzeck” fra 1837. Den litteraturelskende Berg så stykket i 1914 og besluttede at sætte værket i musik. Vejen til dette mål var dog stenet. Büchner efterlod kun et fragment. Han nåede at færdiggøre 30 håndskrevne scener (“billeder”) inden sin tidlige død, uden sidetal og med uklare udviklingsstadier. Mere end halvtreds år senere lykkedes det den østrigske forfatter Karl Emil Franzos på kemisk vis at gøre de nu falmede skitser læsbare igen og at forme et teaterstykke ud fra dem.
Berg tog Franzos’ original og sammensatte femten scener ud af de tredive i Franzos’ version. Han redigerede dem delvist, men uden at ændre sproget. Franzos brugte fejlagtigt ikke den oprindelige titel “Woyzeck”, og Berg overtog denne trykfejl.

Berg var fascineret af Woyzecks person og skæbne, hvis skæbne var baseret på en virkelig begivenhed. Sønnen af en parykmager stak en 46-årig enke ihjel i 1780. Han led sandsynligvis af skizofreni. Retten var en af de første til at beordre en undersøgelse af hans sindssygdom. Ekspertudtalelsen vurderede ham skyldig, og han blev henrettet i 1824 på markedspladsen i Leipzig. Büchner fik kendskab til denne hændelse fra et medicinsk tidsskrift, som hans far havde abonneret på. Büchner fletter yderligere historier om andre bizarre tilfælde fra tidsskriftet ind i dramaet.

Biografiske paralleller

I dette værk om en soldat, der af jalousi og sindssyge myrdede moderen til sit uægte barn, er der overraskende biografiske paralleller til Bergs liv.
Den mest åbenlyse biografiske er i Marie. En tjenestepige i familien Bergs sommerhus ved navn Marie Scheuchl fik et barn af den 17-årige Alban. Familien ønskede at holde dette “fejltrin” hemmeligt og betalte hende en godtgørelse til gengæld for hemmeligholdelse. Selv Bergs senere hustru Helene fik først kendskab til det efter Bergs død. Parallellerne fortsatte; ud over navnekorrespondancen og tilstedeværelsen af et uægte barn siges dramaets Marie at være et påfaldende præcist portræt af tjenestepigen.
Berg blev indkaldt i 1915 i forbindelse med Første Verdenskrig og blev snart overført til krigsministeriet i Wien på grund af sin astma. Her siges han at have lidt under den dårlige behandling af sin alkoholiserede overordnede. Han kunne derfor trække på sine erfaringer fra militærtjenesten, og han skrev i et brev “Der er et stykke af mig i hans skikkelse, for jeg har været lige så afhængig af forhadte mennesker, bundet, syg, ufri, resigneret, ja, endog ydmyget, siden jeg tilbragte disse krigsår. Uden denne militærtjeneste ville jeg være lige så rask som før.

Musikken I – de musikalske former

Musikken og dramaet i denne opera er meget struktureret. Hver akt har 5 scener, som er arrangeret tematisk.
I første akt skriver Berg et karakterstykke til hver hovedperson (med undtagelse af Wozzeck). I hver scene optræder karakteren i et møde med hovedpersonen. På denne måde lærer vi karaktererne og deres forhold til Wozzeck at kende. Hvert stykke er baseret på sin egen musikalske form (1: Suite, 2: Rhapsody, 3: March/Lullaby, 4: Passacaglia, 5: Rondo).
Anden akt følger også denne overraskende struktur. De fem billeder er skrevet i rækkefølge som en symfoni (1: Sonate, 2: Fantasi/Fuga, 3: Largo, 4: Scherzo, 5: Rondo).
Den sidste akt, endelig, er en sekvens af 5 opfindelser.
Overraskende nok stammer ikke en eneste af disse former fra musikteatret, men alle fra den absolutte musik. Berg ønskede at skabe en form for fremmedgørelse af den strenge form for at sætte en stopper for den romantiske overdådighed i de konventionelle operaformer. Berg kommenterede selv, at han “ikke lagde så meget vægt på at være en musikalsk bussemand, men snarere en naturlig fortsættelse af en korrekt forstået, god, gammel tradition!

Musikken II – orkestret

De ovenfor beskrevne former er næppe hørbare for lytteren, det musikalske arrangement er for komplekst, og en forståelse er kun mulig ved hjælp af partituret og med en vis ekspertise.
Brugen af orkesterstemmerne er lige så krævende. Orkestret er af senromantisk størrelse og har en stor farvepalet med tilføjelse af guitar, xylofon, celesta, harmonika og stav. Det fulde orkester kan høres især i metamorfosemusikken (overgangene mellem billederne). Selve billederne er meget sparsomt orkestreret for at øge tekstforståeligheden. Til gengæld varierer Berg orkestrets sammensætning i hvert billede, hvilket kræver en enorm koordination og indøvelse, ofte må musikerne endda fysisk skifte.

Musikken III – “Du skal slet ikke synge!”

Berg ønskede at bringe Büchners dialoger på scenen med skuespil af høj kvalitet, så han afstod fra at bruge sungne former som arier. Berg havde en klar idé om, hvordan sangerne skulle synge: “Ingen sang! Men ikke desto mindre skal tonehøjden angives og registreres i sangstemmen (præcis efter noderne); sidstnævnte dog med talebesvær”. Dette svarede til brugen af talestemmen som i Schönbergs Pierrot-Lunaire ti år tidligere, en teknik mellem sang og tale.

Dramatikeren Berg – hans indflydelse på Hitchcock

Büchners dialoger var i høj grad hverdagsdialoger og ikke særlig inspirerende for sjælfuld opera. For Berg var dette ingen hindring – tværtimod var Berg dramatiker, og han udviklede en uhørt rigdom af tonale sprogformer. Den berømte komponist Bernard Herrmann, der er kendt for sin filmmusik til Hitchcock, var en erklæret Berg-fan. Den berømte scene med mordet i brusebadet med violinernes dissonante høje skrig i “Psycho” var inspireret af Bergs musik og blev et af filmhistoriens største øjeblikke. Du kan høre de skrigende violiner i lydprøven fra det første billede i første akt.

Review

Der gik hele 11 år fra Bergs første sceneoplevelse af Wozzeck i 1914 til premieren. Generalmusikdirektøren for Berlins statsopera, Erich Kleiber, var fortaler for værket og dirigerede det selv ved premieren. Nogle eksperter anså værket for at være uopførligt. For at kunne yde værkets kompleksitet og nyhed retfærdighed arrangerede Kleiber 137 prøver.
Publikumets reaktioner var delte. Det var forventeligt, at en del af publikum og pressen reagerede med uforståelse. Avantgarden var begejstret, værkets betydning blev tidligt anerkendt, og da Berg døde i 1935, var det blevet opført over 160 gange. Da nazisterne greb magten, forsvandt værket fra teatrene, men kort efter afslutningen af Anden Verdenskrig fandt det tilbage på repertoiret, som det har bevaret den dag i dag.

Leitmotiver

Synopsis: I kaptajnens værelse barberer Wozzeck officeren tidligt om morgenen. Kaptajnen vil gerne snakke med Wozzeck, som forbliver enstavig. Da den overordnede officer henviser til Wozzecks uægte barn, som er født “uden kirkens velsignelse”, påpeger Wozzeck, at fattige mennesker ikke har råd til at opføre sig moralsk.

Uden ouverture, kun med en hvirvel i trommerne, som skal forestille militæret, begynder sangstemmen straks i 5. takt. Stykket er skrevet i form af en suite (præludium, pavane, kadence, gigue, kadence, gavotte dobbelt I/II, air, præludium i krabbespil).

Vi hører snart operaens første ledemotiv, det er den sekvens af toner, som vi hører gentagne gange i Wozzecks “Jawohl, Herr Hauptmann” (“Ja, hr. kaptajn”).

Vi hører Hitchcocks råb fra violinen i nedenstående optagelse i den passage, der starter ved 3:30.

Et af de vigtigste ledemotiver, som vi møder i Wozzecks “Wie arme Leut!” (“Vi stakkels mennesker!”) Det er overraskende nok en C-dur treklang. Berg skrev om den: “Hvordan kunne man gøre objektiviteten af de penge, vi taler om, mere tydelig!” Ledemotivet optræder igen og igen.

Rollen som den snakkesalige og enfoldige kaptajn er skrevet med en tenorbuffos stemmefag, hvilket udtrykker overmandens karikaturagtige karakter (se også ovenfor i afsnittet “Biografiske oplysninger”).

Langsam, Wozzeck, langsam! (Langsomt, Wozzeck, langsomt! En efter en!) – Grundheber

Synopsis: Wozzeck bliver kommanderet ud på marken, hvor han skærer sammen med Andres stokke. Han fortæller sin kammerat om sine mørke visioner, der piner ham.

Dette stykke er en rapsodi over tre akkorder og en tretrofisk jægersang. Berg har tildelt et instrument til hver figur, Wozzeck akkompagneres af basunen, som svarer til hans barytonstemme.

Stykket ebber ud med østrigske militærsignaler fra det fjerne, som Berg havde internaliseret i løbet af sine tjenesteår.

Du, der Platz ist verflucht! (Du, pladsen er forbandet!) – Berry / Weikenmeier

Marie og deres uægte barn

Synopsis: I værelset hos Marie, moderen til Wozzecks barn. Hun ser en militærparade fra vinduet. Da hun vinker til tambourmajoren, skælder naboen Margarethe hende ud som en prostitueret med et uægte barn. Marie lukker vredt døren og synger en vuggevise for sin søn. Så banker det på døren, og Wozzeck kommer ind. Han har ingen øjne for Marie og hendes barn, men taler kun om sine mørke visioner og forlader den fortvivlede kvindes værelse.

Stykket begynder med en march, der lyder i det fjerne. Samtalen mellem Marie og Margarethe er rent talteater, Berg har ikke skrevet nogen noter ned.

Herefter følger en vuggevise, der, selv om den er skrevet i den klassiske 6/8-takt, ikke lever op til forventningerne på grund af sit hurtige tempo. Ikke underligt, at barnet ikke kan falde i søvn med moderens indre uro. Inden Wozzeck ankommer, finder de to en vis ro, som Berg komponerede med celestas drømmeagtige klange.

Tschin Bum, Tschin Bum – Grundheber / Behrens

Den maniske læge

Synopsis: For at tjene nogle penge har Wozzeck lejet sig selv ud til et medicinsk eksperiment. I månedsvis har han kun spist bønner. Han går til regelmæssige undersøgelser hos den ansvarlige læge og fortæller om sine syner. Lægen er ikke interesseret i Wozzeck som menneske, han er kun et “tilfælde” for ham. Nemlig beviset på, at ubalanceret ernæring fører til sindssyge, hvilket lægen registrerer med den største tilfredshed. Han håber at blive berømt med denne indsigt.

Berg skrev en Passacaglia baseret på et klassisk tolvtonetema og varierede det 21 gange. Med denne nådesløse gentagelse viser han lægen som maniakisk drevet.

Was erleb’ ich, Wozzeck? (Hvad oplever jeg, Wozzeck?)

Synopsis: Marie møder Tambour-Majoren på gaden, det varer ikke længe og de tager begge to hen til Maries lejlighed.

Anden akt følger opbygningen af en symfoni: 1: Sonate, 2: Fantasi/Fuga, 3: Largo, 4: Scherzo, 5: Rondo.

Synopsis: Med håndspejlet forundres Marie over de øreringe, som tambourmajoren har givet hende, og drømmer om et bedre liv. På hendes skød ligger hendes barn, som ikke vil sove og forstyrrer hende. Overraskende nok træder Wozzeck til. Han lægger mærke til øreringe og får mistanke om sandheden, da Marie påstår, at hun har fundet dem. Han giver hende penge og forlader lejligheden.

Was die Steine glänzen?” – Behrens / Grundheber

Synopsis: Wozzecks læge og hans kaptajn mødes på gaden. Kaptajnen keder “Doktor Sargnagel” (“Doktor Sargnagel”) med overfladiske filosofiske bemærkninger. Som hævn profeterer lægen den chokerede officer et slagtilfælde inden for de næste fire uger. Da Wozzeck krydser deres vej, lader de to deres frustration gå ud over ham. Kaptajnen antyder over for Wozzeck, at hans kone er ham utro. Wozzeck er dybt berørt og forlader de to.

Berg skrev flere gange usædvanlige opførelsesangivelser i partituret. Med Hauptmann skrev han gentagne gange “knækkende stemme” eller “nasal stemme” og med Doktor endda “som et æsel”.

Wohin so eilig, geehrtester Herr Sargnagel? (Hvor har De travlt, kære hr. Sargnagel?) – Dönch / Berry

Maries skænderi med Wozzeck

Synopsis: Wozzecks skynder sig hen til Marie og konfronterer hende. Hun undviger. Truende nærmer Wozzeck sig hende. Hun skriger til ham, at han ikke må røre hende, idet hun foretrækker en kniv i kroppen frem for at han slår hende. Marie vender tilbage til sin lejlighed og efterlader den desperate mand.

Denne scene er en hyldest til Schönberg, instrumenteringen svarer til Schönbergs kammersymfoni op. 9. Efter Bergs anvisninger forlader de 15 musikere orkestergraven og placerer sig på scenen i en geometrisk form.

Guten Tag, Franz (God dag, Franz) – Berry / Strauss

Kropscenen

Synopsis: I en krohave sent om aftenen. Drenge, soldater og tjenestepiger danser. Blandt dem er Marie og tambourmajoren. Wozzeck ser på dem og er allerede fuld. Marie råber provokerende ord til ham. En rusk dukker op og profeterer en blodig gerning.

Stykket begynder med en ländler spillet i tonalmusik. Efter håndværkerens sang bliver stykket til en vals skrevet i fri tonalitet.

Det fortsætter med et jægerkor, der minder om Freischütz (muligvis en bevidst reminiscens til Woyzecks levetid, som begik mordet på tidspunktet for Freischütz’ tilblivelse).

Scherzoens og ländlerens former vender tilbage. Handlingen og musikken bliver i stigende grad til en mareridtsscene.

Ich hab’ ein Hemdlein an, das ist nicht mein (Jeg har en skjorte på, det er ikke min) – Abbado

I Wozzeck dukker tanken om hævn op

Synopsis: Om natten i kasernen ligger Wozzeck på sin køje ved siden af Andres. Han kan ikke sove, han hjemsøges af synet af en kniv, tanker om mord opildner ham. Den berusede tambourmajor kommer ind i vagtstuen med en flaske snaps. Han ydmyger Wozzeck med sin erobring af Marie. De to kommer i håndgemæng, Wozzeck bliver besejret. Wozzecks drøm om kniven bliver til en beslutning.

Et skrækkeligt kort spøgelseskor indleder stykket, der er udformet som “Rondo martiale con Introduzione”. Visioner plager Wozzeck, og spøgelseskoret vender tilbage. Orkestret knitrer, knækker og ringer, mens trommemajoren laver sit uvæsen.

Andres! Andres! ich kann nicht schlafen (Andres! Jeg kan ikke sove) – Berry / Uhl

Berg beskriver hvert af de fem billeder i denne handling som en opfindelse. Hvert billede beskriver en persons besættelse, hvad enten det er Maries skyldfølelse, Wozzecks mord, de blodige hænder eller den hektiske søgen efter kniven.

Maries skyldfølelser

Synopsis: Marie ligger vågen om natten og læser historien om den utro kvinde i Bibelen. Hun har ikke set Wozzeck i lang tid og fortryder, hvad hun har gjort mod ham. Hun har mistanke om, at der vil ske en ulykke.

Allerede i begyndelsen hører vi temaet, som Berg bruger som grundlag for 7 variationer og en fuga.

Und ist kein Betrug in seinem Munde erfunden worden (Og intet bedrag er blevet opfundet i hans mund) – Lear

Det mord

Synopsis: Det er nat, Wozzeck og Marie mødes ved dammen i skoven. Nostalgisk husker Wozzeck bedre tider og presser kniven i halsen på hende.

Berg skrev en opfindelse om tonen H, som er allestedsnærværende.

Stykket begynder stille og roligt, truende, man hører violinens bløde skrig, der annoncerer katastrofen. Wozzeck er stille før handlingen, men truer Marie åbenlyst (“Den, der fryser, fryser ikke mere! Du skal ikke fryse med morgenduggen”). Månen står bleg op over scenen. Det er musikken før mordet. Margarethe dør med et gennemtrængende skrig, og frygtelige akkorder lyder i orkestret. Passagen slutter med et enormt crescendo.

Dort links geht’s in die Stadt (Der på venstre side er byen) – Berry / Strauss

Den anden værtshusscene

Synopsis: Wozzeck går til kroen. Han vil danse for at glemme mordet. Margarethe opdager blodpletter på hans skjorte og konfronterer ham foran alle. Wozzeck flygter fra kroen.

Stykket begynder med en polka, der spilles på et forfejlet klaver. Senere høres et kroorkester med violiner, harmonika og de tunge lyde fra en bombardon (en slags tuba).

Tanzt Alle; tanzt nur zu, springt, schwitzt und stinkt (Danser Alle; danser bare, hopper, sveder og stinker) – Berry / Lasser

Wozzeck vender tilbage til dammen

Synopsis: Wozzeck løber tilbage til dammen og leder efter kniven for at skjule beviserne. Da han finder den, går han dybt ned i dammen for at gemme den der. Mens han forsøger at vaske blodpletterne af, drukner han. Lægen og kaptajnen kommer forbi dammen og hører en druknende person, ligegyldigt beslutter de sig for ikke at gøre noget.

Berg beskriver dette stykke som en “opfindelse om en sjette akkord”. De underliggende toner består af b, c, e, gis, es, es og f.

Das Messer? Wo ist das Messer? (Kniven? Hvor er kniven?) – Berry

Intermezzo

Følgende interlude er skrevet mere eller mindre tonalt i tonearten d-mol. Igen er mange af operaens motiver hørbare, og interludiet slutter med en tolvtonet akkord, som hørtes ved Maries død.

Entracte

Synopsis: Om morgenen leger børn foran Maries hus. Hendes barn er der også og rider på sin kæphest. De løber alle sammen ud i skoven, da de hører, at Maries lig er blevet fundet. Kun Maries søn forstår ikke, hvad der er sket, og han er det eneste barn, der er tilbage.

Operaen slutter med en opfindelse om en ottendedelsbevægelse.

Ringel, Ringel, Rosenkranz, Rosenkranz, Ringelreih’n!

Anbefaling af optagelser

SONY, med Walter Berry, Isabel Strauss, Fritz Uhl, Carl Doench bliver dirigeret af Pierre Boulez og orkesteret Orchestre du Theatre National de l’Opera de Paris

Peter Lutz, opera-inside, den online operaguide om “WOZZECK ” af Alban Berg.

Online operaguide & synopsis til Bellinis LA SONNAMBULA

Med “La sonnambula” skabte Bellini sit første store mesterværk. Sangerne Battista Rubini og Giuditta Pasta gjorde denne opera udødelig. 120 år senere udløste Maria Callas en renæssance af dette værk, som fortsætter den dag i dag. Få måneder efter La sonnambula skrev Bellini sin karrieres største succes med “Norma”, hvilket gjorde 1831 til det lykkeligste år i hans karriere.

Indhold

♪ Akt I

♪ Akt II

Højdepunkter

♪ Compagni …. Come per me sereno

♪ Tutto è gioia

♪ Sopra il sen la man mi posa

♪ Prendi: l’anel ti dono

♪ Vi raviso, o luoghi ameni

♪ Son geloso del zefiro errante

♪ D’un pensiero e d’un accento Quartetto

Ah! Perché non posso odiarti

♪ Ah! Non credea mirarti Søvngænger-scene

♪ Ah! Non giunge

Indspilningsanbefaling

♪ Indspilningsanbefaling

Historie og Libretto

Da Bellini begyndte at komponere operaen, var han under et betydeligt tidspres. Han måtte i november 1830 aflyse den planlagte indspilning af Romani’s libretto “Ernani” på grund af censur, og man måtte hurtigt søge efter en ny tekst, for sicilianeren havde mindre end to måneder til den planlagte premiere i februar 1831.
Hans librettist Romani var en travl forfatter. Han var enormt produktiv og skrev over 90 librettoer til operaer i løbet af sin karriere. Da han arbejdede sammen med Bellini på Ernani, skrev han samtidig for Donizetti og Rossini. For at kunne skabe en ny libretto på få uger valgte han hurtigt romanen “la Sonnambule” fra Eugène Scribes digterfabrik, som kun krævede få justeringer af scenografi og tekst. I begyndelsen af januar kunne Donizetti begynde sin kompositoriske aktivitet.
Sonnambula hører til den noget uheldige genre “Semiseria”. Denne type opera lider under, at den hverken kan “røre til tårer” eller fremkalde store lattermuskler. Historien i “La sonnambula” er ikke tragisk, da Amina kun går i søvne og ikke bliver sindssyg som Donizettis Lucia. Til gengæld mangler den enhver Rossinsk komedie, fordi den kun tager “lieto fine” (lykkelig slutning) fra genren “opera buffa”.

En sangeropera

Da stykket er uinspirerende ud fra et dramatisk synspunkt, og Bellini skrev for stemmer med lange linjer og store koloraturfærdigheder, kræver det dygtige sangere i de to hovedroller. Til premieren i Milano havde han de to største sangere i sin tid til rådighed, Giuditta Pasta og Battista Rubini, så Bellini greb chancen for at trække på hele talentpaletten.
Rubini havde en uhyre blød stemme med et enormt spændvidde. Han kunne føre sin stemme op til de højeste toner og skulle endda have nået det høje G. Bellini udnyttede denne styrke i rollen som Elvino, med den ulempe, at rollen ville være evigt vanskelig at besætte og ofte ville blive transponeret nedad for fremtidige tenorer.
Giuditta Pasta var en dramatisk koloratursopran og en af de tre Giuditta’er, som Bellini var så glad for (Pasta, Turina, Grisi). Hendes koloraturteknik og scenetilstedeværelse må have været formidabel. Hun var en meget efterspurgt sangerinde i London og Paris og havde kort forinden haft premiere på Donizettis Anna Bolena.

Maria Callas

Med Jenny Lind og Adelina Patti begyndte i løbet af 1800-tallet de lyriske koloratursopraners æra, og operaen blev med deres efterfølgere en opera for “kanariefugle”, dvs. sangere, der primært fremførte deres koloraturer. I afspilningslisten med Luisa Tetrazzini med “Ah! Non giunge” kan du høre en (betagende) optagelse af en repræsentant for denne art fra 1911.
Med sine legendariske opførelser i 1950’erne bragte Maria Callas Amina tilbage til sin begyndelse som en dramatisk rolle og udløste en renæssance for dette værk, som senere blev forbundet med navne som Joan Sutherland, Anna Moffo eller Edita Gruberova.

Synopsis: I en schweizisk landsby fejrer landsbyboerne Aminas forlovelse foran et værtshus.

Bellini åbner operaen med kun få orkestrale takter. Derefter tegner “Voci lontani” (fjerne stemmer), ekkoeffekter og pastorale lyde en landlig idyl.

Viva! Viva! – Bonynge

Lisa er ulykkeligt forelsket i Elvino

Synopsis: Kroværtinden Lisa er ulykkelig, fordi hun er forelsket i Aminas forlovede Elvino.

En trist indledning spillet af horn og obo indleder Lisas Cavatina. Det er en smuk, ukompliceret melodi, der beskriver Lisa som en simpel pige fra landet.

Tutto è gioia – Buchanan

Synopsis: Alessio forsøger at bejle til Lisa, men han bliver afvist. Landsbyboerne fejrer Amina, som takker dem hjerteligt.

Bellini komponerede en øm, smukt melodisk indgangssang til Amina. Med springet i sekstemmet i hovedmelodien og de blomstrede ornamenter er den klart mere kunstnerisk og sjælfuld end Lisas.

I denne passage hører vi Maria Callas’ i studieoptagelsen fra 1957, der brillerer med sin farverige stemme og de strålende ornamenter som trillerne på “brillo” og de store kromatiske skalaer.

Compagni …. Come per me sereno – Callas

Amina er glad

Synopsis: Hun er glad og omfavner Teresa, som engang tog Amina til sig som forældreløs.

Melodien introduceres af fløjter og gentages af Amina (“Læg din hånd her på mit bryst”). Landbefolkningen ledsager hende med stiplede toner for at tegne hjertets slag. Aminas stemme hopper igen og igen op i høje registre (op til det høje D i “sostener”) for at udtrykke den lykke, hun føler.

Sutherland har indspillet Sonnambula to gange sammen med sin mand Richard Bonynge. Denne optagelse er fra 1965 og viser hendes stemme i sin tidlige blomstring.

Sopra il sen la man mi posa – Sutherland

Den romantiske duet

Synopsis: Nu ankommer Elvino også. Han har besøgt sin mors grav for at få hendes velsignelse til forlovelsen med Amina. Snart ankommer notaren for at afvikle ægteskabskontrakten. Den rige Elvino bringer sin formue ind i ægteskabet, den fattige Amina kun sit hjerte. Som et tegn på loyalitet giver han Amina den ring, som hans mor engang bar.

Bellini giver Elvino en af sine lange, smeltende melodier i stil med en nocturne. Bellini gør passagen “al nostro amore” særlig smuk ved kun at akkompagnere med horn alene, hvilket får den til at blomstre på en vidunderlig romantisk måde. Højtideligt akkompagnerer koret parret så stille og ømt, som om det ikke ville forstyrre tosomheden. De to elskende synger den smukke slutning i tertser (“our hearts were by a God united”), først kun akkompagneret af strygernes pizzicato, og til sidst synger de a cappella.

Den følgende optagelse stammer fra den legendariske Scala-liveoptagelse af Maria Callas’ opera under ledelse af Leonard Bernstein og er den dag i dag stadig referenceoptagelse af denne opera. Hendes partner Cesare Valletti imponerede med sin elegante, lyriske stemme.

Prendi : l’anel ti dono – Callas / Valletti

Vi lytter til en anden optagelse med Joan Sutherland og Luciano Pavarotti. De to var forbundet af et tiårigt kunstnerisk partnerskab. Vi lytter til en smuk optagelse fra en gallafest i 1983.

Prendi : l’anel ti dono – Sutherland / Pavarotti

Synopsis: De to nygifte er glade, for i morgen skal brylluppet finde sted.

Ah vorrei trovar parola

En fremmed dukker op

Synopsis: Pludselig bemærker festdeltagerne, at en fremmed er kommet. Han kalder sig Rodolfo og spørger Lisa om vej til slottet. Da han ikke vil nå det før mørkets frembrud, beslutter han sig for at overnatte i Lisas kro. Rodolfo er ikke ukendt med området, for han har engang tilbragt vidunderlige dage i denne landsby.

I et afmålt tempo, som det passer til hans stilling, synger Rodolfo en nostalgisk arie. Som om han var et fremmedlegeme, akkompagneres han kun meget forsigtigt af landsbyens kor af landsbyens folk.

Vi raviso, o luoghi ameni – Furlanetto

Historien om det forunderlige spøgelse

Synopsis: Han blander sig blandt det festende folk, og bruden bliver præsenteret for ham. Rodolfo bliver eftertænksom, hendes ansigt minder ham for meget om fortiden. Hans komplimenter til Amina forstærker Lisas jalousi og vækker Elvinos misundelse over for den ædle fremmede. Rodolfo erfarer, at slotsherren har været død i fire år, og at hans søn til stor ærgrelse for befolkningen forlod ham for mange år siden og aldrig vendte tilbage. Rodolfo antyder på mystisk vis, at grevens søn stadig er i live, og at han en dag vil dukke op. Så lyder et signal, der formaner folk til at gå hjem for at være i sikkerhed for spøgelset. Rodolfo er morsom og vil gerne vide mere om det. Landsbyboerne fortæller ham om et spøgelse klædt i hvidt, der dukker op med jævne mellemrum. Alle har set det, og selv dyrene er bange for det.

A fosco cielo – Bonynge

Den morderiske kadence i “Son geloso del zefiro errante”

Synopsis: Landsbyboerne vender tilbage til deres huse, og Rodolfo siger farvel til Amina. Den jaloux Elvino ønsker at gå uden en hilsen. Men Amina beroliger den vrede Elvino, og de tager afsked under løfter om kærlighed.

Denne duet begynder med en øm passage og går derefter over i en gigantisk, fuldt komponeret kadence “Ah! Mio bene!”, som fører de to sangeres stemmer til svimlende højder. Scenen slutter med et hjerteskærende afskedsritual.

Cesare Valletti, der var elev af Tito Schipa, var vokalt fremragende egnet til rollen som Elvino med sin stemmemæssige rækkevidde som Tenore di grazia og var en sympatisk partner for Maria Callas i Bernsteins legendariske live-optagelse.

Son geloso del zefiro errante – Valletti / Callas

Spøgelset dukker op

Synopsis: I værelset på kroen tænker Rodolfo på Amina og Lisa , som han syntes ekstraordinært godt om. Lisa banker på hans dør. Hun fortæller Rodolfo, at hele landsbyen har fået at vide af borgmesteren, at han er den forsvundne greve. Rodolfo begynder at flirte med Lisa, som koketterer tilbage, men de bliver afbrudt af støj på gaden. Da Lisa hurtigt gemmer sig i omklædningsrummet, taber hun sit tørklæde. Hun observerer Amina, der går i søvne i en hvid kjole, da hun dukker op på gaden og går ind i grevens værelse. Da hun rækker hånden ud til Rodolfo for at han skal følge hende til alteret, løber Lisa hen til Elvino for at fortælle ham om Aminas illoyalitet. Selv om Rodolfo i første omgang er fristet, beslutter han sig for ikke at udnytte situationen. Han lægger Amina på sofaen og forlader rummet.

O ciel che tento – Sutherland / Corena

Synopsis: Folk har allerede samlet sig uden for lokalet og er morsomme over Aminas opførsel.

Osservate! L’uscio è aperto – Bonynge

Elvino drager konklusionen

Synopsis: Elvino har skyndt sig over og genkender med rædsel sin forlovede på grevens canapé. Amina vågner op og er glad for at se Elvino. Da han skubber hende tilbage, indser hun med rædsel, hvad der er sket. Hun bekræfter sin uskyld, men Elvino ophæver forlovelsen.

Efter Aminas uskyldsbekræftelse udvikler der sig en stor kvartet, et concertato, der er inspireret af de smukkeste melodier. Amina begynder næsten uden orkesterakkompagnement. De andre stemmer slutter sig til den ene efter den anden, og lidt efter lidt svulmer orkestret op i et stort crescendo, indtil violinerne synger smerten i de højeste toner og akkompagnerer kvartetten til dens klimaks.

D’un pensiero e d’un accento … Non piu nozze – Callas / Valletti /

Synopsis: Nogle landsbybeboere gør sig på vej til greven. De ønsker at bede ham om at redde Aminas ære.

Qui la selva è piu folta ed ombrosa

Synopsis: Amina og Teresa følger efter dem. Da de kommer forbi Elvinos gård, ser de, at han er fortabt i tanker. Amina tager mod til sig og taler til ham. Men for Elvino er alting forbi. Bittert river han ringen af hendes finger.

Vedi, o madre – Sutherland / Pavarotti

En frygtet tenor-arie

Synopsis: Der hører de landsbyboernes larm. De dukker triumferende op og fortæller, at greven har bekræftet Aminas uskyld. Men Elvino kan og vil ikke tro på grevens påstande.

Vi kommer til endnu en “Rubini Aria”, som fører tenorstemmen op i de højeste registre med et “D”. Bellini komponerede en gentagelse af denne berygtede cabaletta med et andet vers, som ofte er udeladt af stemmemæssige årsager.

Alfredo Kraus’ høje toner var legendariske, og han var i stand til at producere dem med elegance og selvsikkerhed selv i sin høje alder.

Ah! Perché non posso odiarti – Kraus

Lisa’s finurlige toner

Synopsis: Lisa ser sin chance komme. Alessio forsøger at vinde hende igen, men landsbyboerne kommer til Lisa for at lykønske hende med ægteskabet med Elvino, Lisa er overlykkelig.

Nu får Lisa også lov til at synge en kaskade af koloraturer for at udtrykke sin triumf. Bellini tegner dog ikke et positivt billede af Lisa, koloraturerne er hule og minder mere om gakkelse end om Aminas melodiske klange.

De’ lieti auguri a voi son grata – Monzo

Synopsis: Elvino dukker op og bekræfter, at han er klar til at gifte sig med Lisa, og at forberedelserne allerede er gjort. Så træder Rodolfo ind i hendes midte og vidner om Aminas hæderlighed, men Elvino har set hende med egne øjne i grevens soveværelse. Rodolfo forklarer fænomenet somnambulisme til folket. Men Elvino vil ikke høre om det og tager Lisa i hånden. Da Teresa opdager, at Elvino nu vil føre Lisa til ægteskabsalteret, afslører hun hemmeligheden om det tørklæde, hun fandt i grevens soveværelse. Lisa står forbløffet blandt folket, og Elvino ser sig nu forrådt af to kvinder.

Fra denne scene opstår der en smuk kanonlignende kvartet med kor.

Lisa mendace anch’essa – Pavarotti / Della Jones / Buchanan

Den store søvngænger-scene – Ah! Non credea mirarti

Synopsis: Der dukker Amina op i vindueskarmen. Da hun søvngængerisk krydser bjælken over møllehjulet holder alle vejret. Hvis hun faldt, ville hun dø. Hun når den anden ende og træder ud på pladsen, hvor hun stadig søvngængerisk taler om sin kærlighed til Elvino på den mest rørende måde.

Kun et simpelt motiv fra de første violiner og bassernes plukning ledsager Aminas blidt indåndede lidelse. Melodien er en typisk Bellini-kantilene: langstrakt og med små intervaller uden fordobling af instrumenter. Bellini komponerede et yderst sparsomt akkompagnement til den; til strygernes klang hører vi kun indskud fra en klagende obo, senere akkompagnement fra en udtryksfuld solocello. Den såkaldte “blomsterarie” slutter med et par intime koloraturer.

Den berømte amerikanske kritiker John Ardoin skrev, at Maria Callas gik ind i operaens annaler med denne operas sidste akt. Hun ændrede den måde, sopraner sang rollen som Amina på. Hendes stemme i denne søvngængeriske scene er betaget og stråler med stort legato og lange linjer. I denne scene blev Maria til Amina.

Ah! Non credea mirarti … – Maria Callas

En anden optagelse, ømt åndet og drømmende portrætteret af Anna Moffo i hendes glamourøse unge år i en optagelse til tv.

Ah! Non credea mirarti … – Moffo

Bravura-arien til sidst – “Ah non giunge”

Synopsis: Nu lader Rodolfo Elvino vække hende. Elvino har erkendt sin fejltagelse og smider ringen over Aminas finger. Amina er glad.

I slutningen af operaen komponerede Bellini en bravura-arie til Amina med store tonemæssige spring, triller og toptoner.

Vi hører arien i tre versioner:

Callas sang denne aria i 1957 med yderligere (vanvittige) udsmykninger af dirigenten ved forestillingen Leonard Bernstein. Instruktør Luchino Visconti lod lyset dæmpes op til denne arie, og Callas sang denne sidste arie i det blændende scenelys.

Ah ! Non giunge – Callas

Joan Sutherlands teknik gjorde det muligt for hende at synge arien i et vanvittigt tempo, og hun førte den til en herlig afslutning med betagende triller. Pavarotti siges at have været målløs, da han erfarede, at Sutherland var i stand til at give en aftenforestilling af ” La traviata” samme dag efter en middagsforestilling af “La sonnambula”.

Ah ! Non giunge – Sutherland

Luisa Tetrazzini var den største “kanariefugl” i tyverne. Der var ingen højde eller koloratur, som hun ikke kunne synge. Det er en fornøjelse at lytte til hendes fuglesang fra 1911.

Ah ! Non giunge> – Tetrazzini

Anbefaling af optagelser

Warner med Maria Callas, Cesare Valletti, Gabriella Corturan, Giuseppe Modesti under ledelse af Leonard Bernstein og orkesteret og koret fra La Scala di Milano.

Peter Lutz, opera-inside, den online operaguide om “LA SONNAMBULA ” af Vincenzo Bellini.