3 unsterbliche Stücke aus der Oper DON CARLO von Verdi – mit den besten Interpretationen von YouTube (Hits, Best of)

Don Carlos ist eine Oper für große Stimmen. Jede der sechs Hauptfiguren erhält eine überzeugende dramatische Grundierung und Entwicklung, und jeder Sänger hat große musikalische Höhepunkte. Schiller hat mit seinem Roman “Don Karlos” eine brillante literarische Vorlage geschrieben. Es ist ein Stück über Freiheit und Menschenwürde im Zeitalter der Aufklärung, das in Verdi den Funken der Inspiration entzündete. Kein anderes Werk von Verdi hat eine so weitreichende Handlung und die Kraft von fünf Akten.

Posa besucht Don Carlo im Kloster – das berühmte Duett “Dio, che nell’alma infondere”

Don Carlos sucht seinen Seelenfrieden im Kloster, er kann den Schmerz über den Verlust von Elisabeth nicht vergessen. Plötzlich hört er eine vertraute Stimme. Sein Freund Posa ist aus Flandern zurückgekehrt und besucht ihn im Kloster. Posa hat von Don Carlos’ Schicksal gehört. Er überredet ihn, sein Leben dem von der Inquisition bedrängten Flandern zu widmen. Don Carlo schließt sich ihm begeistert an und die beiden schwören sich ewige Freundschaft.
Die beiden träumen von einer besseren Welt, in der Verstand und Menschlichkeit herrschen. Mit Don Carlos und noch mehr mit dem Marquis de Posa zeichnen Verdi und Schiller zwei ideale Menschen, die es so wohl nie gegeben hat. Ihre Hymne wird in der Oper immer wieder als Leitmotiv zitiert, als Zeichen der Freiheit und der Freundschaft.
Wir hören eine Aufnahme von Robert Merrill und Jussi Björling. Sie bildeten das Traumduo der 50er Jahre. Sie haben viele Produktionen zusammen gemacht, und es gab nur wenige Gesangsverbindungen davor und danach, die sich mit der schwedischen und der amerikanischen vergleichen ließen. Auch privat waren die beiden Sängerinnen befreundet, und so wurde diese Szene zum berühmtesten Stück des Duettpaares.
Io l’ho perduta! … Dio, che nell’alma infondere (6:45) (2) – Merrill / Björling

Die Einsamkeit des Königs – “ella giammai m’amò”

Im Arbeitszimmer des Königs. Der Morgen beginnt zu dämmern und der König sitzt verzweifelt an seinem Tisch. Die Sorge um sein Reich und die Erkenntnis, dass Elisabeth ihn nie geliebt hat, betrüben ihn zu tief.
Die Hauptfigur dieser Arie von Philipp ist tief melancholisch. Sie beginnt mit einer orchestralen Einleitung. Ein Solocello klingt einsam und trostlos und spiegelt den emotionalen Zustand des Herrschers wider. Seufzende Motive der Violinen vervollständigen das Bild und verstärken den Schmerz. Über den tremolierenden Streichern erklingt Philipps Klage, die mit dem dramatischen, vom Solocello umspielten und begleiteten “she never loved me!” beginnt. Dieses Musikstück ist eine der schönsten Arien für Bassstimme im gesamten Opernrepertoire. “Es ist einer jener ikonischen Momente, in denen eine zurückhaltende Orchesterbegleitung, eine einfache Deklamation und ein einziger melodischer Ausbruch es schaffen, Emotionen in unsere Seelen zu ritzen” (Abbate/Parker, “History of Opera”).

Boris Christoff war der bevorzugte Philip der 50er Jahre. Sein Bass ist edel und weich, hat aber dramatische Qualitäten. Seine schauspielerische Leistung war hervorragend, sein Rollenporträt des Philipp II. grandios. Wir hören und sehen den Bulgaren in einer bemerkenswerten Aufnahme.

Ella giammai m’amò – Christoff

Die große Arie der Elisabeth – der Verzicht auf “Francia nobile suol”

Im Kloster von San Giusto. Elisabeth will sich von Don Carlo verabschieden. Sie kniet vor dem Grabmal Karls V. In ihrer Todessehnsucht denkt sie wehmütig an ihre glückliche Jugend in Frankreich zurück.
Dieser letzte Auftritt Elisabeths ist äußerst anspruchsvoll, denn sie muss die Gefühle von Erhabenheit, Leid und Todessehnsucht mit einem langen Spannungsbogen über mehr als 10 Minuten aufrechterhalten. Die Arie beginnt nach einer langen orchestralen Einleitung in Moll; Elisabeth macht sich Sorgen um Carlo. Aber die Staatsraison verlangt, dass sie stark ist, und sie denkt an die wenigen schönen Momente mit Carlo zurück, und die Stimmung wechselt mit ihrem Liebesthema nach Dur.
Wir hören diese großartige Aufführung in 2 Fassungen. Die beiden einflussreichen Kritiker Kesting und Steane waren sich nicht einig, wer die “endgültige” Version singen sollte. Ersterer plädierte für Callas und letzterer für Caballé.
Hören wir uns zunächst die Spanierin in Giulinis großartiger Gesamtaufnahme an. Fischer (“große Stimmen”) kommentierte: “Man findet darin alles, was Steane zu seinem begeisterten Urteil veranlasste: Die schiere Schönheit des Timbres stellte die der Callas, die die Bühne verlassen hatte, leicht in den Schatten und übertraf auch den stets trüben Klang von Joan Sutherland. Es lag eine melancholische Klarheit in diesem Sopran, das scharf konturierte Licht der spanischen Hochebene … und ein gleichmäßig durchflutetes Piano zu singen, es in ein Diminuendo zu verwandeln und es dann am Ende in einem Morendo verklingen zu lassen.”
Tu che la vanità … Francia nobile suol (1) – Caballé